«Анализ основ музыкального формообразования. Понятие формы в музыке. Форма и содержание»

Муниципальное автономное учреждение дополнительного образования

городского округа «Город Калининград» «Детская музыкальная школа

имени Д.Д. Шостаковича»

Методический доклад

по теме: «Анализ основ музыкального формообразования.

Понятие формы в музыке.

Форма и содержание»

преподаватель фортепиано ДМШ им.Д.Д. Шостаковича

заведующая отделением «Фортепиано»

Юрчук Татьяна Викторовна

Калининград

2017г.

Введение

     Музыка – искусство, которое  развертывается во времени, поэтому большое значение в её изучении играет форма музыкального произведения.      

     Актуальность данной темы заключается в том, что музыкальная форма любого произведения – это фундамент, композиционная опора, которая помогает понять учащемуся содержание, идею произведения, не только при слушании, но и при разучивании и исполнении репертуарных пьес учащихся по специальности.  Изучение  музыкальных  форм – это длительная, кропотливая  совместная работа учителя и ученика на протяжении всего обучения.

      Основная цель  методической разработки - подчеркнуть и раскрыть основные аспекты  закономерности строения музыкальной формы, то, как она сделана, каким путем следует музыкальная мысль, из каких компонентов складывается, т.к. это не просто структура, но и процесс развития, где каждый элемент является носителем музыкального содержания. Знание

о  времени возникновения, жанровых условиях использования, круге композиторов, внёсших неоценимый вклад в развитие музыкальной формы, даёт ключ к успешности в конечном результате исполнения.

     Задача методического сообщения заключается в осуществлении целенаправленной работы преподавателя над повышением своего профессионального уровня и в передаче знаний ученику. Вопрос изучения формы на уроках представляется весьма специфическим и сложным процессом. Поэтому для методического рассмотрения была выбрана тема изучения  музыкальной формы, необходимой для достижения понимания смысла исполняемого, постижения художественного замысла композитора, профессионального роста ученика.

     На основе своего опыта могу отметить, что только при детальной  проработки музыкальной формы  произведения, возможно понимание замысла композитора, грамотное, профессиональное, стилистически верное исполнение. К тому же теоретическая подкованность помогает сценической выдержке, уверенности в исполнении, свободном мышлении внутри музыкальной формы.

     Новизна работы заключается в изложении объёмного  теоретического материала в:  краткости, поэтапности изложения, доступности, дающей чёткие знания по музыкальной форме необходимых учителю и ученику, которые свободно можно расширять, дополнять, совершенствовать  опираясь на твердый фундамент знаний.

I. Музыкальная форма

-от латинского  forma – вид, образ, красота; 

-от древнегреческого μορφή вид, очертания, внешность, красота;

-музыкальный термин, описывающий строение музыкального произведения.

Музыкальная форма

- это конструкция музыкального  произведения.

Форма музыкантами понимается двояко:

-с одной стороны, форма представляет собой схему расположения всех частей музыкальной композиции по порядку;

-с другой стороны, форма – это  процесс развития выразительных средств, с помощью которых создаётся художественный образ данного произведения. Что это за выразительные средства? Это мелодия, гармония, ритм, тембр, регистр и так далее. Обоснование такого двойного понимания сущности музыкальной формы – заслуга российского учёного, академика и композитора Бориса Асафьева.

     На уроках специальности очень важно не пропустить этот важный момент, момент раскрытия тайны произведения, открытие для ученика новых познаний, к которым дети очень тянутся. Разучивание произведения будет осуществляться живо, если вы заинтересуете его новизной знаний и их воплощения в реальность.

Музыкальная форма практически неотделима от жанра.

Жанровые обозначения вносят несколько важных моментов:

1)указывают на общий характер музыки - марш, песня, танец;

(П.И.Чайковский  «Марш деревянных солдатиков»);

«Итальянская песенка» из цикла «Детский альбом».

2)предполагают особую технику композиции - фуга, мотет;

(И.С.Бах ХТК I том «Прелюдия и фуга» №2 c-moll)

3)основываются на ритмической модели или темпе - менуэт;

(И.С.Бах Менуэт g-moll)

4)указывают на манеру исполнения – концерт, салонная пьеса,

или указывает на количество исполнителей – ансамбль, квартет и т.д.;

5)показывают связь с конкретной исторической эпохой в соответствии с её вкусами.

Исторические эпохи

    Знание последовательности исторических эпох даёт импульс к правильному подходу при разборе, выучивании и конечно помогает в воплощении идеи композитора в исполнительстве. Рассмотрим каждую эпоху подробно, раскрывая закономерности развития общества, общие тенденции эпохи, открытия, положительные и отрицательные моменты, становление музыки, как самостоятельного вида искусства.

Античный период  (VIII - VI век до н. э.)

 

     В это время появились первые государства, первые законы и мораль,

а также искусство, которое мы изучаем до сих пор. В это время появилась религия с четкой фиксацией всех божеств, система письменности – греческая и латинская. В Европе зародилось такое понятие, как рабство.

     Музыка не представляла еще самостоятельного вида искусства. Определяющей  формулой для неё стала - магическая сила музыки, которая  обуздывают демонические силы природы:

-Ши Да, легендарный китайский арфист, своим пятиструнным инструментом укрощает ветры и жар солнца, благодаря чему могли прорастать зерна и развиваться живые организм;

-согласно египетскому мифу о Гаторе (Hathor), дикий и изменчивый нрав дочери бога солнца Pa (Re) мог быть укрощён лишь с помощью музыки и танца, которые сопровождались магическими заклинаниями;

-лютня Орфея магически действовала на живое и мертвое, а волшебство его игры на кифаре подчиняло своей власти потусторонний мир.

     Это представление об очеловеченном воздействии магического подражания является достижением античного периода развитой культуры.

Достойно внимания то обстоятельство, что легенды о возникновении музыки и инструментов являются обычно органической составной частью мифов, которые повествуют о происхождении земледелия, скотоводства, использовании огня, а также об основании первых городов.

Примечательно, что известное из первобытных мифов представление о музыке выступает как особенность земледельческой культуры, характерной особенностью которой является одомашнивание диких животных.

Средние века  (романский стиль VI-X века и готика X-XIV века)

 

     Эпоха характеризуется огромным подъемом христианства, поэтому музыка была в основном церковной, священной, в основе которых лежали церковные песнопения.  Музыкальным символом эпохи Средневековья стал григорианский хорал, господствовавший на протяжении нескольких столетий,  получивший такое название в честь папы римского Григория I, находившегося на престоле с 590 по 604 г. По его инициативе были отобраны и канонизированы церковные песнопения и распределены в течение церковного года. Именно в эти годы произошли великие крестовые походы. Зародилась инквизиция, которая истребляла всех противников церкви.

     Театр средневековья был не похож на античные театральные зрелища, он  воплотил важнейшие эпизоды христианской истории. Во время пасхальных и рождественских праздников под сводами средневековых соборов разыгрывались своеобразные театральные представления, положившие начало жанру так называемой литургической, или духовной драмы.

     Расцвет творчества трубадуров относится к последней четверти

XII - первой четверти XIII века. На смену трубадурам пришли труверы во Франции и миннезингеры «певцы любви»  в Германии.  Их музыкально-песенное творчество в большей степени было связано с церковными, духовными традициями. Они, как и трубадуры, прославляли возвышенную, идеальную любовь, связанную с культом Девы Марии.

     Из поэтов-миннезингеров большую известность получил Тангейзер

(около 1205 - 1270), создавший множество танцевальных песен. Позднее о нем писали композитор и писатель-романтик Эрнст Гофман, поэт Генрих Гейне, ему посвятил свою оперу немецкий композитор Рихард Вагнер «Тангейзер». Образ поэта-рыцаря выведен в опере «Трубадур» итальянского композитора Джузеппе Верди.

Ренессанс (знаменитые XIV-XVI века)

 

Эпоха Возрождения: от французского «Renaissance» – возрождение.

Эти термины ввел в культурный контекст Джорджо Вазари.

     Ренессанс как художественная форма, основана на пристальном внимании художников к античным образцам,  которое на протяжении десяти веков, фактически находилось под запретом.  Эпоха переоценки ценностей средневековья и обращения к культурному наследию.  Эту эпоху принято выделять как отдельную, но многие историки полагают, что Возрождение – это, так сказать, светская сторона средневековья. Суть заключается в том, что в конце 14-го века люди стали взывать к гуманности. Вернулись некоторые античные правила и мораль, инквизиция постепенно сдала свои позиции.      

     Люди стали посещать театры, возникло такое понятие, как светский бал. Ренессанс, как и Античность, зародился в Италии, и сегодня тому подтверждением являются многочисленные памятники архитектуры и искусства. Появились такие жанры как народная музыка,  развивалась светская музыка.

     Россия того времени оказалась в стороне от Ренессанса, в  стороне от общекультурного течения, но не в стороне от основных тенденций, особенно явственно эти тенденции проявились в культурных процессах конца XVII-XVIII веков.  В этот период появились новые музыкальные инструменты.

Самыми популярными стали инструменты, на которых было легко играть:

Виола

предшественница скрипки,  от итальянского «viola» - семейство струнных смычковых музыкальных инструментов. В современном значении виолами называют семейство инструментов, бытовавшее в музыкальной практике Западной Европы XVI-XVIII столетий. Было время, когда виолы считались

изысканными музыкальными инструментами, достойными светского общества, а скрипки – грубыми и нагловатыми «соперницами» с улиц. 

Блок-флейта, флейта

по-немецки  блокфлейта «blockflöte»- называется «флейта с блоком»;

по-французски «flûte à bec» - «флейта с клювом»;

по-итальянски  «flauto dolce» -  «нежная флейта»;

по-английски «recorder» - «рекордер» «учить наизусть, разучивать».

Рожок

 

     Первые письменные свидетельства о рожке появляются только во второй половине XVIII века. В них рожок предстаёт как широко распространённый, исконно русский инструмент: «Орудие это едва ли не самими русскими изобретённое». Звук рожка очень сильный и пронзительный, использовался пастухами не только в работе, но и

«в кабаках для веселения», и «в лодке для сопровождения пения гребцов».

Самая сложная музыка писалась для только что созданных  инструментов:

Клавесин

клавишный струнный музыкальный инструмент, со щипковым способом звукоизвлечения. В каждой стране он называется по-разному:  во Франции и России это клавесин, в Италии - чембало, в Англии - харпсихорд.

Орган

     самый крупный клавишно-духовой музыкальный инструмент, который когда-либо изобретал человек. Несомненно, он является самым таинственным. Для кого-то он символизирует красоту и непоколебимость веры в Бога, для кого-то пугающую таинственность средних веков. Но равнодушным этот музыкальный инструмент не оставляет никого.

     При этом музыканты не забывали слагать и музыку попроще. На это же время пришлись перемены в нотном письме: на смену тяжелым деревянным печатным блокам пришли изобретенные итальянцем Оттавиано Петруччи передвижные металлические литеры. Опубликованные музыкальные произведения быстро раскупались, все больше людей стали приобщаться к музыке. Раньше, почти 1000 лет,  музыка развивалась исключительно при церкви, как элемент богослужения. До появления искусства трубадуров единственными нотными записями были церковные мессы.

     В XIV веке существуют уже сотни французских и итальянских рукописей светского характера. Импульс к возникновению новой музыки дают образы и настроения светской поэзии. Примечательно, что композиторы, работающие для церкви, заимствуют из светской музыки ее новый выразительный стиль.

     В XIV-XVI века музыкальное искусство развивалось в благоприятной атмосфере гуманистических идей. Интеллектуальные запросы человека Возрождения включали в себя и музыкальные интересы. Занятия поэзией, литературой, живописью, музыкой связывали людей разного общественного положения, выражали идеалы «светского человека».

Ни испанское придворное общество, ни английский двор, ни окружение римского папы было  немыслимо  без музыки. Не только во дворцах патрициев, но и на водах венецианских лагун зазвучали флейта и лютня.

Лютня

 

струнный щипковый музыкальный инструмент с ладами на грифе и овальным корпусом, от французского «luthier». Исполнитель на лютне называется лютнистом, а мастер-изготовитель лютни и вообще любых струнных инструментов - лютье. Происхождение лютни обычно связывают с шумерской цивилизацией. Первое изображение подобного инструмента найдено на глиняной табличке, датированной серединой II тысячелетия до нашей эры. А первые упоминания о лютнистах относятся к позднему Средневековью. Игра на лютне, пение под лютню было широко распространенным музыкальным искусством в Европе.

       В конце эпохи Возрождения произошло важнейшее событие в музыкальной истории - рождением оперы. Во Флоренции собралась группа музыкантов и поэтов, лидером которой стал граф Джовани Де Барди. Основными членами группы были Джулио Каччини, Пьетро Строцци, Винченцо Галилей, Джилорамо Мей, Эмилио де Кавальери и Оттавио Ринуччини.

Барокко (XVI—XVII века)

 

Барокко, хоть и недолго продлилось, но заняло важную ветвь в становлении искусства. Эта эпоха стала логическим завершением Ренессанса.

Тяга к светским развлечениям и прекрасному разрослась до невероятных масштабов. Появился архитектурный одноименный стиль, которому свойственна помпезность и вычурность. Подобная тенденция проявилась и в музыке, и в рисунке, и даже в поведении людей.  Центром барокковой культуры стала Италия: Рим, Венеция, Флоренция. Эпоху бароккового стиля принято считать началом триумфального шествия «западной цивилизации».     

     Барокко - это противостояние классицизму и рационализму.

Стиль барокко:

 -контрастность, напряжённость, динамика образов, аффектация, стремление к величию и пышности;

-множество декоративных элементов: барельефы, скульптурные группы, вазы, картуши, совмещение реальности и созданной иллюзии;

-слияние искусств: городские и дворцово-парковые ансамбли, опера, оратория.

-автономия отдельных жанров: кончерто гроссо, соната, сюита в инструментальной музыке.

     Мировоззрение стиля - это результат потрясения XVI века: реформации и учение Коперника. Изменилось утвердившееся в античности представление о мире, как о разумном и постоянном единстве, а также ренессансное представление о человеке, как о разумнейшем существе. По выражению Паскаля, человек стал сознавать себя «чем-то средним между всем и ничем», «тем, кто улавливает лишь видимость явлений, но не способен понять ни их начала, ни их конца».

Рококо  (XVIII век)

 

Рококо от французского «rococo», «rocaille»  - дроблёный камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль.

     XVIII  век в Западной Европе принято называть веком Просвещения.

На смену старой культуре пришла новая культура философов, литераторов. Все виды искусства достигают необычайного расцвета и более всего литература, музыка, живопись. Религиозная культура активно вытесняется светской. Этот стиль возник во Франции в первой половине XVIII века,  во время регентства Филиппа Орлеанского.

Характерными чертами рококо являются:

-изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций;

-грациозный орнаментальный ритм;

-большое внимание к мифологии, личному комфорту.

     То, что мы сейчас называем «рококо»,  в свое время называлось «живописным вкусом». В «чистом виде» музыкальный стиль рококо проявил себя в творчестве «великих французских клавесинистов» Франсуа Куперена «Великого», Жана Филиппа Рамо, Луи Клод Дакен. Марин Маре.

     Для музыки характерно обилие мелких звуковых украшений и завитков, так называемых «мелизмов», аналогичных извилистым линиям стилизованных раковин «рокайлей», преобладание маленьких, ювелирно отделанных в деталях и камерных форм, отсутствие ярких противопоставлений и драматических эффекто.

     В 1750-х гг. активизировалась критика всего «выкрученного» и «вымученного», в литературе стало встречаться именование «испорченный вкус» - это направление получило наименование «греческого вкуса».

Классицизм (Формировался на фоне прочих направлений с XVI по XIX век)

 

     В середине XVIII века классицизм восторжествовал практически повсеместно, человечество решило отойти от столь пышной праздности.

В основу положен культ разума – рационализм, стройность и логичность. Название «классицизм» связывают со словом из латинского языка – classicus, что означает – «образцовый». Каждое произведение искусства строиться по строгим канонам, обладает  уравновешенностью пропорций, исключает всё лишнее. К этому направлению принадлежат реформаторские оперы

 Кристофа Виллибальда  фон Глюка,  ранняя венская и мангеймская школы.

     Классицизму присуще строгое деление на «высокие» и «низкие» жанры:

-«высокие» -  произведения, обращающиеся к античным и религиозным сюжетам, написанные торжественным языком: трагедия, гимн, ода;

-«низкие» жанры - произведения, которые изложены на просторечном языке и отражают народный быт: басня, комедия, смешивать жанры было нельзя. Музыкальная культура классицизма связана с созданием многих жанров инструментальной музыки: соната, симфония, концерт.

     Столицей музыкального мира стала Вена. Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен – три великих имени, вошедших в историю, как венские классики. Композиторы виртуозно владели разными жанрами музыки – от бытовых песенок до симфоний. Художникам-творцам в их сочинениях присущи логичность мышления, гармонии и ясность формы. Каждый из венских классиков обладал яркой, неповторимой индивидуальностью. Гайдн и Бетховен более тяготели к инструментальной музыке: сонатам, концертам, симфониям. Моцарт универсален во всем, он с легкостью творил в любом жанре. До нас дошли слова Моцарта:

«Чтобы сорвать аплодисменты, нужно либо писать вещи настолько простые, чтобы их мог напеть всякий возница, либо такое непонятное, чтобы только потому и нравилось, что ни один нормальный человек этого не понимает» Моцарт оказал огромное влияние на развитие оперы, совершенствуя ее типы: от оперы буфф до музыкальной драмы.
     Музыка классицизма удивительным образом сочетает в себе внешнюю простоту и ясность с глубоким внутренним содержанием, которому не чужды сильные чувства и драматизм.

Романтизм (первая половина XIX века)

 

     Романтизм от французского  «romantisme», от средневекового  roman – роман, стал своеобразным противопоставлением классицизму.

В XVIII веке люди словно заразились манией красоты и неземных фантазий. Cчиталось, что каждый человек – это отдельная духовно-творческая личность, со  своим внутренним миром, переживаниями и радостями.

     В этот период, который продлился до XIX века, появились уникальные шедевры музыки, гениальных композиторов и у каждого была неповторимая, необыкновенная  судьба:

     Фридерик Францишек Шопен (1810 -1849) Манеры его были изысканны, разнообразны; голос немного утомлённый, часто глухой. Шопен сам начал вести преподавательскую деятельность; любовь к преподаванию была отличительной чертой Шопена, одного из немногих великих артистов, которые посвятили этому много времени.

     Франц Петер Шуберт (1797- 1828)  Благодаря красивому голосу в возрасте одиннадцати лет Франц был принят «певчим» в венскую придворную капеллу. В учёбе Шуберту тяжело давались математика и латынь. Дал свой единственный публичный концерт, который имел большой успех в 1826г.

     Эрнст Теодор Вильгельм Гофман (1776 -1822)  Развод родителей повлиял на всю жизнь маленького Эрнста. Карл, старший сын, достался отцу, а Эрнст, в  возрасте три года остался с матерью. Мать была все время больна, поэтому, в воспитании сына участия совсем не принимала. Получилось, что Гофман рос почти сиротой. Все попытки Гофмана зарабатывать на жизнь искусством приводили к бедности и бедствиям. Всю жизнь он метался между литературой и музыкой. Гофман проводил большую часть вечеров, а иногда и часть ночи, в винном погребке. Расстроив себе вином и бессонницей нервы, Гофман приходил домой и садился писать; ужасы, создаваемые его воображением, иногда приводили в страх его самого.

     Никколо Паганини (1782- 1840)  Родился  физически слабым ребёнком, но природа щедро наградила его идеальным, до предела чувствительным слухом. Отец от ребёнка требовал беспрерывных занятий, запирал его в тёмном чулане, за непослушание лишал еды. Такие занятия подорвали хрупкое здоровье мальчика. Для современников он был загадкой.  

Одни видели в нем гения, другие – шарлатана и мошенника.    

     Барон Карл Мария Фридрих Август Эрнст фон Вебер (1786-1826)

Рос болезненным мальчиком, начал ходить только в четыре года. Его отец мечтал сделать ребёнка выдающимся музыкантом. Карл занимался музыкой с отцом и сводным братом. Однажды брат воскликнул: «Карл, ты, кажется, можешь, стать кем угодно, но музыкантом не станешь никогда». Начал свою карьеру лейтенантом, но даже на поле боя таскал с собой скрипку.              

      Джоаккино Антонио Россини (1792 - 1868) Детство Джоаккино было омрачено в равной мере последствиями Французской революции и лишениями, связанными с нуждой его родителей. «Божественный маэстро» - так назвал великого итальянского композитора Генрих Гейне, видевший в Россини «солнце Италии, расточающее свои звонкие лучи всему миру».

      Ференц Лист (1811- 1886) Чтобы ребёнок реализовал свой талант,  отец продал дом и переехал в город. Эпоха Листа - расцвет концертного пианизма и Лист был в авангарде этого процесса. До сих пор его виртуозность  остаётся ориентиром для современных пианистов, а произведения - вершинами фортепианной виртуозности.

     Якоб Людвиг Феликс Мендельсон - Бартольди (1809-1847)

Феликс рос в богатой творческой и интеллектуальной атмосфере. Мендельсону дали прекрасное образование. Он изучал живопись, математику, литературу, знал много языков. Много путешествовал.

Ещё в молодости Мендельсон встретил девушку по имени Сесиль Жанрено. Их брак оказался счастливым и крепким. Он помогал появлению новых дарований и их профессиональному росту.

      Романтизм позволил слушателю проникнуть в волшебный мир легенд, песен и сказаний. Мелодии приобрели индивидуальный, особенный оттенок, чтобы отобразить переживания и трагизм своего героя. Например, внезапная смена мажорного лада на минорный, подчеркивала напряжение в драматургии.  

     Передавая мир внутренних переживаний человека, романтизм в музыке довольно часто носит оттенок автобиографичности, искренности:

1)Широко используются темы любви, страсти. К примеру, Роберт Шуман многие фортепианные пьесы посвящал своей возлюбленной – Кларе Вик;

2)Нередко композиторы противопоставляют тему природы душевному состоянию человека, окрашивая оттенками дисгармонии

(П.И.Чайковский «Времена года»);

3)Тема фантастики стала настоящим открытием романтиков. Композиторы создают   сказочно-фантастические  образы  (Н.Римский – Корсаков «Снегурочка», «Золотой петушок», М.Глинка «Руслан и Людмила»);

4) В высшей степени характерен для музыкального романтизма интерес к народному творчеству. Подобно поэтам-романтикам, которые за счет фольклора обогащали и обновляли литературный язык, музыканты широко обращались к национальному фольклору – народным песням, балладам, эпосу (Ф. Шуберт, Р. Шуман, Ф. Шопен, И. Брамс, Б. Сметана, Э. Григ и др.).      

      Воплощая образы национальной литературы, истории, родной природы, они опирались на интонации и ритмы национального фольклора, возрождали старинные диатонические лады. Под влиянием фольклора содержание европейской музыки ярко преобразилось.

Поздний романтизм (начало XX века)

 

прошёл под знаком последнего расцвета и одновременно кризиса романтической музыкальной культуры.  Признаки его особенно заметны в австро-немецкой культуре, историческом центре музыкального романтизма.     

     Талантливые представители этой эпохи - Рихард Штраус, Густав Малер.

В их музыке мы видим последнее проявление возвышенного, героического стиля, тесно связанного с традициями XIX века:

-симфониями Людвига ван Бетховена;

-песнями и инструментальными сочинениями Франца  Шуберта;

-симфоническими поэмами  Ференца Листа;

- музыкальными драмами Рихарда  Вагнера.  

     Арнольд Шенберг (1874 – 1951) крупнейший представитель музыкального экспрессионизма, один  из композиторов, кардинально повлиявших на музыкальные направления ХХ века. Его первые произведения: струнный секстет «Просветленная ночь» и симфоническая поэма «Пеллеас и Мелизанда»  ещё несут в себе тенденции постромантизма. В течение всей жизни Шёнберг вёл активную педагогическую деятельность и воспитал целую плеяду композиторов: Антон Веберн, Альбан Берг, Эрнст Кшенек Шёнберг создал и возглавил целую композиторскую школу известную под названием «новая венская школа».       

Импрессионизм (последняя треть XIX - начала XX веков)

 

 от французского  «impressionnisme» впечатление,  одно из крупнейших течений в искусстве, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру.

   Ярче всего он выразился в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля. Представители импрессионизма стремились разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений.

        Зачинателем музыкального импрессионизма по праву считается Дебюсси, обогативший все стороны современного композиторского мастерства: мелодику, гармонию, оркестровку, форму. Его новаторские опыты отчасти навеяны выдающимися открытиями русских композиторов-реалистов, в первую очередь М. П. Мусоргского.

    Равель чаще обращается к протяженным мелодиям, играющим важную роль в строении формы сочинения. Наконец, Равель увереннее опирается на тональную основу, в то время как Дебюсси в своих изысканных и смелых модуляциях порой приближается к атональной атмосфере. И все же, как бы ни отличались «почерки» этих двух вдохновенных художников, никто не сможет отрицать их идейного родства, общности их эстетики. Новая гармоническая концепция Дебюсси, найденные им новые импрессионистские выразительные средства, получила дальнейшее плодотворное развитие у Равеля. В этом проявился естественный ход эволюции французского музыкального искусства.

(ХХ век)

 

     Великолепный взлет искусства, блистательный расцвет многих национальных школ, целая плеяда гениальных художников.

Многие произведения, весьма сложны. Проникнуть в замысел современных произведений, понять, что волновало их авторов, можно только познакомившись с эволюцией, которую претерпело музыкальное искусство на протяжении своей долгой истории.

     Музыкальная культура конца XIX - начала XX  века – один из переломных моментов в истории. Одни композиторы развивали  традиции великих предшественников,  продолжали линию национально-романтическую, другие обращались  к духовному  миру современного человека.

 XX век - это:

- сложность и пестрота музыкальных явлений;

- расцвет стиля «модерн» в русской музыке;

-богатая музыкальная жизнь в России.

     Важным фактором в развитии музыкальной культуры оказались величайшие завоевания технического прогресса: радио, кино, грамзапись, они открыли богатейшие возможности для развития искусства и его широкого распространения в обществе. Заметное воздействие на эволюцию музыкального искусства оказывало  интенсивное развитие философии. Немецкий философ Артур Шопенгауэр подчеркивал особое значение музыки, которая более независима от жизненных реалий, нежели другие виды искусства.

  Ярчайшие представители XX века, их можно смело назвать так –

великие современные отечественные композиторы:

     Игорь Федорович Стравинский (1882 -1971)  Отец - оперный певец, солист Мариинского театра, мать - пианистка и певица. Музыку Стравинского отличает стилистическое многообразие: в первом периоде творчества она носит яркий отпечаток русской культурной традиции. Стилистика позднейших сочинений выдаёт, среди прочего, влияние  французского неоклассицизма и  додекафонии Новой венской школы.

     Сергей Сергеевич Прокофьев (1891-1953) Любовь к музыке привила мать, она часто музицировала, Сергей вначале слушал, а затем стал подсаживаться рядом за инструмент и стучал по клавишам. Его учителями были талантливые композиторы: Р. М. Глиэр, Н. А. Римский-Корсаков, А. К. Лядов и так далее. Прокофьев очень любил играть в шахматы. Он говорил о том, что данная игра помогает ему создавать музыкальные композиции. Писал во всех современных ему жанрах, создал собственный новаторский стиль и специфическую ритмику.  Особенно ярко это проявилось  в фортепианных сочинениях: «Токката» op.11, «Наваждение», Седьмая соната.

     Арам Ильич Хачатурян (1903- 1978) С детства любил музыку, в школьной капелле играл на фортепиано, горне и тубе, но родители не одобряли его увлечение, и серьёзно заняться музыкой он смог лишь в 19 лет. Какое же было счастье, когда по случаю ему купили рояль с западающими клавишами! Арам на нем быстро научился подбирать все мелодии по слуху. Первым педагогом Хачатуряна стал Михаил Фабианович Гнесин, встреча с которым определила творческую биографию молодого человека. Д.Шостакович о композиторе: «Узнать его руку можно буквально по нескольким тактам любого произведения. И эта индивидуальность проявляется не только в технологии, но и в самом мировосприятии композитора, основанном на оптимистической, жизнеутверждающей философии».

     Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906 – 1975) Любовь к музыке Шостакович унаследовал от родителей. Он и его сестры были очень музыкальны. В консерватории учился прилежно, хотя испытывал трудности. Время было голодное и сложное. Продуктовый паёк для учащихся консерватории был очень мал, юный композитор голодал, но не оставлял занятий музыкой. Он посещал филармонию и занятия, несмотря на голод и холод. Став профессором Московской консерватории воспитал замечательных, талантливых пианистов и композиторов: В. Д. Биберган,

Р. С. Бунин, А. Д. Гаджиев, Г. Г. Галынин, О. А. Евлахов, К. А. Караев, Г. В. Свиридов (в Ленинградской консерватории), Б. И. Тищенко, А. Мнацаканян (в аспирантуре Ленинградской консерватории), К. С. Хачатурян, Б. А. Чайковский, А. Г. Чугаев.

     Родион Константинович Щедрин (1932) Музыкой Родион был окружён с самого детства: слышал игру отца на скрипке, инструментальное трио в составе отца и его братьев. Несмотря на это, особого рвения к музыке не проявлял. Как и у местной детворы, круг его интересов ограничивался лазанием по деревьям, дворовыми играми, воровством яблок из соседского сада. Однако у мальчика наблюдались исключительные музыкальные способности, и  дар музыканта  победил все остальные таланты. Щедрин более полувека состоял в браке с одной из величайших балерин XX века Майи Плисецкой, которой посветил многие свои произведения. Велика его личная помощь композиторам, музыковедам, дирижёрам.  «Долгое время Щедрин возглавлял Союз композиторов России, и мало кто знает, скольким молодым талантам отверженным, гонимым властью, помог этот человек», — написал о нём в 2002 году Владимир Спиваков.

Термин «Музыкальная форма» имеет три значения:

1) Тип композиции или точнее «форма-схема» музыкального произведения

рассматривается в  музыкальной конструкции в статике:

- схема последования разделов, которую описывают последовательностью латинских букв, например, ABA, ABACA и т.п.;

-динамике,  «развёртывание» схемы во времени;

2) Воплощение музыкального содержания:

-целостная организация мелодических мотивов, гармонии, метра и ритма, склада и фактуры, тембров и других элементов музыки;

3) Музыкально-теоретическая учебная дисциплина и отрасль музыкознания, занимающиеся изучением формы.

Законы построения музыкальной  формы - это пропорции,  в основе которой лежит  принцип симметрии -это золотое сечение т.е. выраженное отношение меньшего к большему, как большое к целому.

Основные принципы формообразования

Повторность:

-точная; (Р.Шуман Смелый наездник)

-варьированная;

изменяются отдельные элементы темы: ритм, лад, фактура изложения, мелодия - интонационная сторона, но тема в целом узнаваема

(Й.Гайдн  Соната D-dur, I часть, ГП)

-секвентная;

тема, без особых изменений, проводится на другой высоте

(И.С.Бах Ария g-moll из «Нотной тетради А.М.Бах»)

-выборочная:

обычно это происходит в заключительных частях произведения

 (Л.Бетховен Соната f-moll ор.49 №1,ГП, I часть)

Контраст:

Контраст – это распознанное слухом глубокого отличия.

Функции контраста:

- накопление «событий», внесение элемента неожиданности, построение «интриги» формы;

- импульс к развитию формы; смена тональностей, обилие диссонансов

- итоговая функция в форме, когда она вводится в конце раздела,

как новое качество, новый смысл, к которому пришло развитие формы

Разновидности контраста:

-контраст сопоставление:

когда новый образ характеризуется полной сменой выразительных средств;

-производный контраст:

предполагает глубокое перерождение, переход в другую семантику

(от древнегреческого σημασία - знак, указание) предшествовавшего материала. Л.Бетховена Соната f-moll, все темы экспозиции внутренне едины, но сходство главной и побочной только подчеркивает их глубокую контрастность. Минорная главная тема имеет героико-драматическую окраску, подобна натянутой струне, взлетает вверх по аккордовым звукам и моментально завоевывает широкий диапазон, в ней содержится характерный контраст решимости и сомнения. Основные темы сонатной  экспозиции одновременно  и  ярко контрасты и внутренне родственны, представляя 

собой «единство противоположностей» важнейший композиционный приём Бетховена - приём производного контраста.   А. Серов назвал его законом единства в разнообразии и разнообразия в единстве.

Повтор и контрастирование: две ведущие силы развития композиционной формы, диалектически связанные между собой.

Принципы развития:

-вариантно - вариационный;

-полифонический;

-разработочный;

-свободное развёртывание.

     Принцип развития зародился в музыке позже, чем принцип повторения, особенно типичен для чисто инструментальных композиций.  Из тематического материала выделяются элементы, которые  изменяются, взаимодействуют между собой и с другими темами.

Содержание музыки

     Форма  неотделима от внутреннего духовного облика произведения;

то, что выражает музыка. Главное - это музыкальная идея, образ. Важнейшая сторона музыкального содержания: красота, прекрасное, эстетический идеал.

Музыке доступно содержание различного рода:

-Эпическое;

-Драматическое;

-Лирическое.

     При этом в силу её изобразительной природы, наиболее близка ей лирика, предусматривающая преобладание «самовыражения» над изображением внешнего мира. В содержании музыки в целом господствуют положительные образы, отвечающие этическому и эстетическому идеалу автора. Хотя уже давно, и особенно широко с эпохи романтизма, в музыку вошли также отрицательные образы, а с ними - ирония, карикатура, гротеск. И всё же, ведущей тенденцией музыкального содержания осталось тяготение к утверждению - «воспеванию», а не к отрицанию – «обличению».

     Подобная склонность музыки к раскрытию и подчёркиванию лучшего в человеке усиливает её значение как выразителя гуманистического начала и носителя нравственно-воспитательной функции.

Музыкальный  стиль

отличительное качество музыкальных творений, которое позволяет отличить, узнавать, ощущать временное пространство.

    Важный момент  для теории стиля указание на единый ге́незис:

происходит от названия ветхозаветной Книги Бытия - происхождение, возникновение, рождение, зарождение.  Качество,  которое позволяет в музыке слышать, угадывать, определять того или тех, кто ее создает или воспроизводит, т.е. качество от­личительное, дающее возможность судить о генезисе. По му­зыкальным темам, по композиции, по конкретной струк­ту­ре музыкальной ткани и интонационной организации мы отличим пер­вую фортепианную сонату Бетховена от второй, а тем более от багатели, симфонии, концерта. Но во всех этих совершенно разных по жанру, форме, образному строю про­изведениях, слух угадывает и нечто общее – почерк, мане­ру, интонацию того единственного мастера, который пред­стает вос­приятию, сознанию и во множестве биографических описаний, портретов.

     «В максимально конкретном (но не переводимом на язык слов), весьма тонком и «заразительном» выражении эмоций музыка не знает себе равных. Именно на этой её способности основано широко распространённое определение её как «языка души»» А. Н. Серов

Функции стиля:

-обеспечение историко-культурной ориентации слушателя;

-фиксация и выражение определённого содержания;

-функция объединения и разграничения.

Классификация стилей:

-музыкально-исторические стили:

средневековая ренессансная музыка, барокко, рококо, классицизм романтизм, импрессионизм, веризм, конструктивизм, экспрессионизм, авангард, неоклассицизм и необарокко, фольклоризм и неофоьклоризм, поставангард и неоавангард, неосредневековье и неоканонизм, неоромантизм, минимализм, концептуализм, полистилистика;

-национальные стили:

франко-фламандский, австро-немецкий, русский, латиноамериканский и др.;

-стили направлений и школ:

мангеймская школа, венская школа, нововенская школа, русская классическая школа;

-индивидуальный композиторский стиль:

баховский, шопеновский. скрябинский;

-индивидуальный исполнительский стиль: С.Рахманинова, С.Рихтера, Г.Нейгауза и др.

Музыкальный жанр

род музыки, музыкальных произведений, отличающийся особыми, только ему свойственными стилистическими признаками. Понятие жанра в музыке стоит на границе категорий содержания и формы и позволяет судить об объективном содержании произведения, исходя из комплекса использованных выразительных средств. В музыковедении сложились различные системы классификации музыкального жанра, которые зависят от того, какой из обусловливающих жанр факторов рассматривается в качестве основного. Нередко одно и то же произведение может быть охарактеризовано c разных точек зрения или один и тот же жанр можно отнести к нескольким жанровым группам.

Классификация жанров по способу исполнения:

Инструментальные жанры:

-Камерные (сольные): фуга, фугетта, инвенция, соната, прелюдия, экспромт, этюд, токката, скерцо, пьеса, ноктюрн, песня без слов, рондо, поэма, сюита, каприс, каприччио, арабеска, парафраз, кампанелла, новеллетта, юмореска, багатель, рапсодия и т.д.;

-Ансамблевые: Concerto grosso, дуэт, трио, квартет и т.д.;

-Оркестровая: симфония, увертюра, дивертисмент, концерт, серенада ит.д.

Вокальные жанры:

-Камерная (сольные): ария, песня, романс, элегия, былина и т.д.;

-Ансамблевые: мотет, мадригал, трио, квартет и т.д.;

-Хоровая: хорал, хоровая песня, духовный концерт, гимн, литургия и т.д.;

Вокально-симфонический жанр:

-оратория, кантата, месса, реквием и т.д.;

Музыкально-театральные жанры:

-опера, балет, оперетта, мюзикл и т.д.;

Концептуальные - синтетические жанры:

-инструментальный театр, хоровой театр, инсталляция и т.д..

Классификация жанров связанная с обстановкой исполнения:

Учёный А. Сохор  утверждает, что жанры музыки бывают:

-Обрядовые и культовые :

псалмы, месса, реквием - для них характерны обобщённые образы, господство хорового начала и одинаковые настроения у большинства слушателей;

-Массово-бытовые:

разновидности песни, марша и танца: полька, вальс, регтайм, баллада,

гимн - отличаются простой формой и привычными интонациями;

-Концертные жанры:

оратория, соната, квартет, симфония - характерно исполнение в концертном зале, лирический тон;

-Театральные жанры: мюзикл, опера, балет - требуют действия, сюжета и декораций.

II. Функции музыкальной формы

Логические функции:

начало – импульс – движение - развитие-предел-замыкание;

Драматургические функции:

экспозиция, завязка, развитие, кульминация, развязка- каждая часть показывает, в каком состоянии, находится образ.

 Композиционные функции частей музыкального произведения в форме:

Признаки экспозиционной функции:

-устойчивость структуры и гармонии;

-преобладают замкнутые кадансами квадратные четырёх  или восьмитактовые построения, реже неквадратные построения-3+5, 5+5 и т.д;

-гармонии характерна основная тональность, гармоническая устойчивость - этот тип изложения соответствует первоначальному проведению темы, а также,  её репризному повторению.

Признаки срединной функции:

- неустойчивость структуры и гармонии,  избегание тоники, введение неустойчивых гармонических функций, отклонений, новых тональностей;

-преобладание  дробных, разномасштабных построений с незавершёнными каденциями;

Признаки заключительной функции:

-характеризуется подчёркнутой устойчивостью и остановкой развития;

-в структуре преобладают повторение мотивов, ряд дополнений после ясно закончившейся основной части;

-для гармонии характерна остановка движения, выраженная более редкими гармоническими сменами, введение органного пункта на тонике, плагальных отклонений, повторение устойчивых гармонических оборотов.

Дополнительные функции:

связки, соединяющие  различные части формы в единое целое:

-мелодическим ходом, на фоне какой-либо гармонии;

-повторениями каденций на тонике предыдущего раздела, за которым следует модуляционный переход к тональности следующей части;

-модуляционным переходом;

-разными видами секвенций.

Предъикт:

Признаки предъикта:

-звучание аккорда доминантовой группы из будущей тональности;

-доминантовая гармония на сильных долях; в чётных тактах, чередуется с другими аккордами;

-доминантовый органный пункт.

Вступления:

- без определённой конкретной темы;

- состоящие из одного звука, аккорда или несколько аккордов;

- с использованием будущего тематического материала.

III. Музыкально-языковые средства

   Музыкальный язык образно отражает, моделирует соответствующие явления и эмоции. Элементы музыкального языка, применённые в конкретном произведении, становятся элементами формы.

«Когда мы воспринимаем ухом ритм и мелодию, у нас изменяется душевное настроение»                                                                                     Аристотель

Метр

   С момента своего возникновения музыка была тесно связана с движением. Равномерность, характеризующая движение, оказала воздействие на музыку. Древнегреческий философ Платон говорил, что «ритм - это порядок в движении». С ритмом мы сталкиваемся на каждом шагу - когда идём по ступенькам или слышим биение сердца. Тиканье часов - это тоже ритм. Каков бы не был ритм, в нём всегда чередуются сильные и слабые звуки. Это чередование музыканты называют метром. Стало быть, ритм существует не сам по себе, а в содружестве с метром.

     Метр - это нечто, вроде сетки или канвы, по клеткам которой можно «вышивать» различные ритмические узоры. В музыке важную роль играет пульсация, организующая ее движение.  Единица пульсации называется долей.  Доли неравноценны: есть сильные и группирующиеся вокруг них слабые. 

     Чередование сильных и слабых долей образует метр произведения. 

Сильная доля образует метрический акцент: 

-акцент - это реальное или мысленное выделение какого-либо звука;

-ритмические акценты - выделение длительности;

-динамические акценты - выделение громкостью - sf..

Строгая метрика и свободная:

-Строгая метрика - равномерное чередование сильных и слабых долей,  характерна для танцевальных мелодий, вальсов, маршей, для большинства массовых песен;

-Свободная метрика -  неравномерное чередование, характерна для русских протяжных песен, мелодий речитативного или импровизационного характера. Это переменный метр, полиметрия - одновременное сочетание различных метров.

Размер

числовое обозначение количества долей метра в такте и длительности каждой доли.  

Размеры бывают простые и сложные:

Простые:

имеют 1 сильную долю - 2/2, 3/2, 2/4, 3/4, 3/8.

Существует две  разновидности простого метра - 2-хдольный и 3-хдольный:

-2-х дольный метр связан с движением шага;

-3-х дольный метр с большей плавностью, закругленностью движений. 

     Двухдольность и трехдольность в музыке выражается в принадлежности к одной из поэтических стоп:

-Хоре́й

от древнегреческого χορεῖος - «плясовой», от χορεῖος πούς - хоровая стопа. Размер двухсложный, стихотворный размер (метр),  стопа которого содержит долгий и следующий за ним краткий  безударный слог:

Бу́ря мгло́ю не́бо кро́ет,

Ви́хри сне́жные крутя́;

А. Пушкин «Зимний вечер» (четырёхстопный)

     В музыке, отделившейся от поэзии, хореическими называют группы и мотивы, начинающиеся с сильного времени, фразы, начинающиеся с сильного такта. Xорей создаёт впечатление непрерывности развёртывания.

(А.Гречанинов «Грустная песенка» из цикла «Детский альбом»)

-Ямб

от древнегреческого iimbos:

-в античной метрике простая стопа, двусложная, короткий слог + долгий слог;

-в русском значении -  безударный слог + ударный слог:

Мой дя́дя са́мых че́стных пра́вил…

А. С. Пушкин «Евгений Онегин»

четырёхстопный каталектический, то есть имеющий лишние слоги.

     Применение античного  термина ямб в современной  музыкальной  теории, чаще понимается, как последовательность лёгкого и тяжёлого моментов. Этот термин применяют к мотивам и группам, оканчивающимся на сильном времени. В отличие от хорея, ямбу свойственны, с одной стороны, активный характер, устремлённость к концу, с другой - завершённость и ограниченность. (И.С.Бах  «Инвенция» a-moll, П.И.Чайковский «Баба-Яга» из цикла «Детский альбом» ор.39)

-Дактиль

от греческого δάκτυλος - «палец», трёхдольный размер античной музыке и стихосложении. Палец состоит из трёх фаланг, первая из которых длинней остальных. Подобно этому дактилическая стопа состоит из трёх слогов, из которых первый ударный, а остальные безударные:

Ту́чки небе́сные, ве́чные стра́нники…

М. Ю. Лермонтов

     В музыке – это вальс, мазурка, полонез, менуэт, скерцо, баркарола,

гондольера, пьесы лирического характера. (Ф.Шопен Вальс №14 e-moll)

-Амфибрахий

от греческого ἀμφίβραχυς - с обеих сторон краткий. Стихотворный размер, образуемый трёхсложными стопами с сильным местом, ударением на втором слоге.

Не ве́тер бушу́ет над бо́ром,

Не с го́р побежа́ли ручьи́ -

Н. А. Некрасов

     Музыкальная  стопа, определяется по принципу метрической  тяжести -как последование лёгкой, тяжёлой и снова лёгкой доли. Количество звуков 

на каждой доле может меняться, на слабых долях возможны местные 

акценты. (Й. Гайдн  Соната D-dur, 1часть. ГП)

-Анапест

от греческого ἀνάπαιστος - отражённый назад, обратный дактилю; трёхсложный стихотворный размер. В античной квантитативной метрике - метр, стопа которого состоит из двух кратких слогов и одного долгого.

У людей-то в дому - чистота, лепота,

А у нас-то в дому - теснота, духота…

Н.А.Некрасов.

     Анапест обладает большой ритмической энергией. Это обусловливает его место в форме музыкального  произведения, не в началах разделов, а в подходах, предыктах к новым разделам и в заключительных построениях.

(М. И. Глинка «Вальс-фантазия»)

Сложные:
сочетают в себе  2-х или нескольких простых размеров.

-однородные:

сочетание одинаковых простых размеров- 4/4=2/4+2/4, 9/8=3/8+3/8+3/8, 6/8=3/8+3/8, 6/4=3/4+3/4(Д.Шостакович «Прелюдии»  №5 f-moll)

-смешанные:

сочетание разных простых размеров -  5/4=3/4+2/4,    7/4=3/4+2/4+2/4,  (Д.Шостакович «24 Прелюдии»  ор.34 №17 G-dur)

-переменные:

изменяются на протяжении произведения. Если это изменение равномерно, то при ключе выставляются 2 размера. В противном случае размер ставится по мере необходимости. (А,Скрябин «Прелюдии» №24, №16, №21. ор. 11)

Такты высшего порядка - «тяжелые» и «легкие».

Признаки «тяжелого» такта:  

-вступление гармонии, ее смена;

-задержание звука;

- каденционная тоника, глубокий бас;

- мелодическая вершина.

Ритм

чередование длительностей музыкальных звуков  и пауз, организованное при помощи метра. Графическая запись ритма образует ритмический рисунок.

Виды ритмического рисунка:

-пунктирный ритм:

от латинского punctus – точка; 

образуется от применения длительности с точкой (половинная с точкой и четверть, четверть с точкой и восьмая, восьмая с точкой и шестнадцатая).

Пунктирный ритм бывает:

-двойной: с двумя точками  (Й.Гайдн Соната D-dur)

-обратный: восьмая и четверть с точкой, шестнадцатая и восьмая с точкой, (В.А.Моцарт Соната C-dur.)

-синкопированный  ритм:

несовпадение ритмического или динамического акцента с метрическим. 

Синкопа бывает:

-междутактовая (В.Моцарт Соната C-dur,  III часть);

-внутритактовая (В.Моцарт Соната C-dur,  I часть);

-внутридолевая  (И.С.Бах 3х-голосная Фуга C-dur).

     В музыке танцевальной,  подчеркнуто метризованной - синкопа выявляет остроту и пружинистость ритма. В лирической мелодии синкопа может придать особую распевность, благодаря ослаблению метрического акцента, поскольку на сильном времени звук, слигованный с предыдущей легкой долей, не берется, а только преодолевается. (С.Рахманинов «Элегия»)

-особые виды ритмического дробления доли и такта:

- дуоль, триоль,  квартоль, квинтоль и т.д. приводят к свободной мелодической орнаментике. (Ф.Шопен, Э.Григ  «Ноктюрны»

«Мелодия - единственная форма музыки; без мелодии музыка немыслима,

а музыка и мелодия неразрывны»                                             Рихард Вагнер

Мелодия

от греческого melodia - пение, напев;

осмысленно – одухотворённая последовательность звуков в музыке, 

выраженная одноголосно.  В глубинной же своей основе мелодический строй музыкального произведения соответствует мировоззренческому содержанию исторического, национального и индивидуального стиля, жанра, художественного замысла композитора. Мелодия имеет подъемы и спады, точка наивысшего напряжения в мелодии называется кульминацией.

Типы мелодического движения.

Типы мелодического движения зависят от:

направления мелодии:

-движение вверх, восходящее движение, связывается с эмоциональным подъёмом  (П.И.Чайковский «Баркарола» из цикла «Времена года»);

-движение вниз, нисходящее движение, выражает  успокоение; древнейшая модель мелодии (Ф.Шуберт Экспромт Es-dur);

- плавное (поступенное) движение, выражает лирическое настроение (Ф.Шопен «Вальс» №9 As-dur);

-волнообразное движение, даёт импульс к развитию мелодии  

(С.Рахманинов Концерт №3, I часть, ГП);

-скачкообразное движение, такие мелодии называют «мелодиями широкого дыхания»: (П.И.Чайковский Увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта»);

Смешанное движение бывает 2-х видов:

скачок с заполнением (И.С.Бах Инвенция F-dur)

-движение мелодии по звукам аккорда:

(Ф.Шопен «Мазурки» op.68 №№2,3).

музыкально-исторических стилей:

-мелодии – монологи И. С. Баха и других  композиторов эпохи барокко пронизаны возвышенным пафосом ораторской речи или проповеди;

- мелодии в музыке Людвига  ван Бетховена, напротив, движутся как бы усилием воли, преодолевающей препятствия;

- в  музыке Йозеф  Гайдна, Сергея Прокофьева, Родиона Щедрина мелодии  нередко предстают как характеристический портрет персонажа.

-«бесконечная мелодия» музыки романтиков развертывается как песнь души: наполняющее ее чувство то растет, то словно в изнеможении слабеет, окрашивается множеством эмоциональных полутонов.

Жанровые мелодические типы:

1)хорально - монодический тип;

2)песенная мелодика;

3)мелодика танцевальная;

4)мелодика моторно-двигательного типа;

5)речитативно-декламационный тип мелоса.

Составные компоненты мелодии:

Интонация

как звуковое воплощение музыкальной мысли, основной материал для создания музыкальных образов, мелодический оборот, наименьшая частица мелодии, имеющая выразительное значение «зерно-интонация».

Критерии классификации интонаций:

- эмоциональная: веселая, грустная, тревожная, радостная;

- жанровая: песенная, танцевальная, вальсовая, маршевая, гимническая;

- национальная: славянская, восточная и т.п.;

- логически -речевая: вопрос, утверждение, восклицание, повествование;

- стилевая: романтическая, барочная, шопеновская;

- по принадлежности к позициям внутреннего мира человека - персонаж, лирический герой, художественное «я»;

- по исходным основам выражения интонаций - голос, речитатив, декламация, кантилена;

- по принадлежности к культурной сфере - церковная, светская, джазовая;

- по общехудожественным представлениям - эпическая, лирическая, драматическая, понятие «интонационный словарь эпохи».

Мотив

наименьшая часть темы, способная напоминать о ней, существуя отдельно от темы. Наряду с мотивами в теме можно обнаружить элементы, не обладающие свойством напоминания темы, но структурно сопоставимые с мотивом. Это так называемые немотивные образования. Мотив, являясь мельчайшим смысловым элементом музыкальной речи, оказывается и наименьшей структурной единицей. Типичный мотив содержит один метрический акцент. Мотив может состоять из более мелких структурных единиц, называемых субмотивами.

Тема

индивидуализированный музыкальный материал, выражающий основную музыкальную мысль произведения или его части. Основным свойством темы является ее узнаваемость даже в отрыве от контекста. В процессе становления формы тема развивается, проходя разные стадии.

В зависимости от типа формы произведение может строиться на одной, двух или нескольких темах.

Цезура

от латинского  «caesura», от «caedere» рубить, отрезывать, момент раздела между частями произведения.

Важнейшее значение для освоения и понимания любой музыкально формы имеет цезура. Музыкальная форма складывается из частей, которые могут быть отделены друг от друга или связаны между собой. Правильно выбранная цезура усиливает ощущение единства и контраста формы, создает необходимое разделение музыкальной речи.

К признакам цезур относятся:

-повторность мелодико-ритмических фигур;

-паузы (остановка голоса, членящая речевой поток на те или иные части);

-ритмические остановки;

-кадансы;

-смены тональности, тембра, регистра, динамического оттенка и т.п.

     Цезура обычно яснее всего выражена в главном голосе. Сопровождение может не заключать в себе перерывов в момент цезуры в главном голосе. Применение цезур говорит о логичности мышления автора и исполнителя и помогает слушателю легче воспринимать музыкальный материал.

С другой стороны опытные композиторы всегда используют хитрые приемы маскирования цезур, что создает определенную недоговоренность. Это подобно стихотворному приему, при котором конец фразы переносится в начало следующего четверостишия.

Фактура

это строение музыкальной ткани, учитывающее характер и соотношение составляющих ее голосов. Синонимами слова фактура являются: склад, изложение, музыкальная ткань, письмо.

Виды фактуры:

Монодия

Разновидности монодии (по В.В. Задерайкому):

-монодическая фактура вокального распева, соответствующая старинной вокальной монодии;

-монодическая фактура без скрытого многоголосия;

-фактура со скрытым многоголосием;

-сольная монодическая фактура;

-туттийная монотембральная унисонная фактура;

-туттийная монотембральная монодическая фактура с октавными дублировками;

-туттийная политембральная фактура – унисонная и с октавными дублировками;

-монодическая фактура как результат линейного следования разнотембровых мотивов и звуков с элементами стереофонии.

Многоголосие (полифоническая фактура):

Полифони́я

от греческого πολυ — «много», φωνή — «звук» вид многоголосной музыки, в котором одновременно звучат несколько самостоятельных равноценных мелодий.

«Сущность полифонии именно в том,что голоса здесь  остаются самостоятельными и сочетаются в единстве высшего порядка»

М. Бахтин (русский философ)

Разновидности полифонии:

-органум:

наиболее ранняя форма многоголосия, с  развития органума берет начало полифония. В этом жанре зародились правила голосоведения, ритмического констатирования и много другого.

Типы органума:

параллельный:

 главный, заданный голос дублируется в один совершенных консонансов

- октаву, квинту, кварту;

свободный:

органальный голос по фактурной функции независим от главного, присочиняется к нему гоморитмически, в технике «нота-против-ноты»;

-мелизматический:

на один звук главного голоса приходится несколько звуков второго голоса; нижний, по тесситуре, выдерживаемый тон такого органума называется bordunus (бурдон);

-метризованный:

главный голос, выдержанный большими длительностям, гармонизуется двумя-тремя другими, сочинёнными в технике ритмических модусов).

-подголосочность и гетерофония:

от греческого «eteros» - другой и «ponn» - звук,  изложение характерное для народной музыки. Особый вид многоголосия, при котором кроме основного голоса существует еще один или несколько подчиненных.

   В композиторском творчестве выделяются два основных вида полифонии:

имитационная и неимитационная (разнотемная, контрастная).

-имитационная полифония:

от латинского — «подражание», проведение одной и той же темы поочередно в разных голосах;

-неимитационная полифония:

в разнотемной полифонии одновременно звучат разные, иногда контрастные мелодии.

     Профессиональная музыка XX века тяготеет к полифонии иначе, нежели творчество композиторов XVIII-XIX веков. Полифония с точки зрения конструктивной уже не имеет второстепенного значения по сравнению с тонально-гармоническими отношениями. Возрождаются приемы тематического развития и формы, характерные для мелодического мышления Баха и старых контрапунктистов, но в то же время полифония не является лишь претворением основ старинной музыки, а представляет собой своеобразное, стилистически богатое явление.   

     В творчестве многих композиторов XX в. полифония составляет одну из основ стиля. Ныне полифония не только расширяет представления об исконно-полифонических формах, но и все глубже проникает в формы гомофонно-гармонического склада, преобразует их, влияет на выразительно-смысловые возможности.

    О том, как далеко заходит взаимодействие полифонных и гомофонных принципов можно судить по сонатной и собственно полифоническим формам таких композиторов  как Дмитрий Шостакович и Пауль Хиндемит. Характерная для XX в. тенденция к синтезу принципов гомофонии и полифонии дает музыкальному искусству новые способы объективного и полноценного отражения явлений действительности, соединяя аналитичность полифонического развития с динамическими возможностями гомофонного.

     Фактура как показатель стиля эпохи или индивидуального стиля композитора, жанра произведения. Явление получило интенсивное развитие в инструментализме барокко и классицизме, ярко обозначилось в раннем клавирном стиле. Родоначальник неповторимых фактурных рисунков – Фредерик Шопен. 

     Великолепные  достижения в изобретении музыкально – живописных фактур наблюдаются у Модеста  Мусоргского, Николая Римского-Корсакова, Александра Скрябина, Клода Дебюсси, Сергея Рахманинова, Сергея Прокофьева, Игоря Стравинского, Бела Бартока.

     Фигурации: от латинского «figurare» -  придавать форму, образовывать.

Три чистых вида фигурации:

-гармоническая - движение по аккордовым звукам;

Данный вид фактуры распространнен у гитаристов и пианистов в качестве аккомпанемента в самых различных стилях.

-мелодическая -  движение по аккордовым и неаккордовым звукам;

поскольку мелодия появилась раньше гармонии - это должно быть наиболее древний вид фигураций,освоение которого началось в эпоху полифонии;

-ритмическая - повторение в каком-либо ритме одной ноты, созвучия; характерны остинатные фигуры, используется для придания своеобразного рисунка аккомпанирующим голосам. Является одной из самых распространненых фигураций используемых в аккомпанементе.

«Диссонанс есть величайшая сила музыки»  П.И. Чайковский

Гармония

от греческого harmonia – согласованность, соразмерность, связь,

одна из главных выразительных средств  музыки.

Гармония и тембр - это составные части фактуры.

     Гармония в музыке основывается на слиянии звуков в созвучия – аккорды или интервалы. Ритм гармонических смен имеет важное выразительное значение. Учащение смены гармонии вызывает ощущение активизации

движения, эмоционального подъема. И наоборот, замедление создает ощущение торможения, успокоения.

     Каждому периоду, направлению, композиторскому стилю - приписывается собственная гармония. Недаром в музыкальной среде вы можете услышать выражения вроде «гармония барокко» или «средних веков», а также «скрябинская», «шубертовская» или «прокофьевская».

Начальная история гармонии в музыке

Развёртывание свойств консонанса - диссонанса и форм лада в монодико-ладовых системах: Древнего Китая, Индии, стран Ближнего Востока, Древней Греции и Рима. Предформы гармонии  закрепили в слуховом восприятии человека  феномен вертикального созвучия, которое ещё не стало осознанным фактором музыкального мышления.

Гармония в Средние века и в эпоху Возрождения

    В ранних формах многоголосия выдвинулся новый элемент музыки — автономное созвучие. В многоголосной музыке школы Нотр-Дам и в период Арс нова роль опоры выполняли квинта и квинтоктава.

     С XIII века гармония обогатилась терцовыми созвучиями, которые считались несовершенными; позже, в XV-XVI веках, терцовые созвучия употреблялимь свободно и, наконец, стали доминирующими.

     До начала XVII века господствовала модальность, такую гармонию называют старомодальной. Церковная музыка, одноголосная и многоголосная, основана на восьми (с середины XVI века — двенадцати) церковных тонах, с добавлением внутриладового хроматизма.  Светскую музыку эпохи Возрождения также объясняют через церковные тоны, к которым, однако, она полностью не сводима.

Гармония Нового Времени

Гармония XVII—XIX веков  основана на тональности как системе музыкального мышления особого типа, окончательно оформившейся в русле идей эпохи Просвещения. В  эпоху барокко уже утверждаются мажор и минор как два господствующих лада. Господствующими они являются и в наше время, особенно в массовой культуре, несмотря на чрезвычайное усложнение гармонии в XX веке и появление атональной музыки.

Гармония в русской музыке

Основу составляют ладовые системы древних церковных распевов. С XVII века утвердилась тональность, родственная западноевропейской. Если в русской гармонии XVIII века (Д. С. Бортнянский) национальный характер был несколько нивелирован, то в XIX веке выступила мощная тенденция к национальному своеобразию гармонии: М. И. Глинка, М. П. Мусоргский, Н. А. Римский-Корсаков и другие.

Гармония русской музыки имеет характерные черты:

-широкое использование плагальных оборотов с субдоминантой;

-применение гармоний побочных ступеней;

- тенденция к свободе гармонической структуры.

Эти и другие свойства русской гармонии в сочетании с оригинальной мелодикой и ритмикой во многом обусловливают своеобразие русской «композиторской» музыки.

     Русская музыка в поисках нового в гармонии XX века характерна разнообразием гармонических стилей, сосредоточенных в сочинениях отдельных композиторов: А.Скрябин, С.Рахманинов, И.Стравинский, С.Прокофьев, Д.Шостакович.

Тембр

от французского - timbre — «колокольчик», «метка», «отличительный знак» обертоновая окраска звука; одна из специфических характеристик музыкального звука, наряду с его высотой, громкостью и длительностью.      

     Если на разных инструментах взять одну и ту же ноту одинаковой высоты или громкости, все равно звук будет значительно отличаться благодаря тембровым характеристикам инструмента. Одинаковые вокальные партии, исполненные двумя разными вокалистами, легко различить на слух благодаря особой тембровой окраске голоса. Тембр, неважно, инструментальный или голосовой, помогает придать музыкальному произведению правильное настроение, расставить важные акценты. Таким образом, тембр – это та характеристика, которая во многом определяет атмосферу звучащего музыкального произведения, а главное, вызывает у человека те или иные эмоции по поводу услышанного.

     В музыке XX века такая характеристика звука, как тембр, начала играть ключевую роль в концепции новых музыкальных стилей.

Виды тембров по А.Н. Сохору

-инструментальный – зависит от особенностей строения инструмента

-гармонический – зависит от характера сочетания звуков;

-регистровый – зависит от регистра инструмента;

-фактурный – зависит от уровня плотности, акустики и пр.

Цезура

от латинского caesura - рубка, срубание; древнегреческого -  τομή - рассечение, отсечение, отрубание.

Признаки цезуры:

-Пауза: временное молчание, перерыв в звучании музыкального произведения в целом или какой-либо его части или отдельного голоса, самый простой и действенный способ создания цезуры. Пауза практически всегда звучит хорошо, один из самых эффективных приемов композиции и аранжировки: резкие паузы всех инструментов.

-Ритмические остановки,  остановка на продолжительном звуке:

длительность звуков может быть различной, но обычно признаком цезуры является звук более длинный относительно общего движения мелодии;

-Повторность мелодико-ритмических фигур с затактами одинаковой длины:

с  помощью данного вида цезур разграничиваются мотивы;

-Смена регистра, динамики: то есть  приёмы, построенные  на принципах контраста;

-Кадансы: каденциями или кадансами называются гармонические обороты, заключающие отдельное музыкальное построение и завершающие изложение музыкальной мысли или самостоятельной ее части.

По своему местоположению в периоде каденции разделяются на две категории:

-серединные: конец первого предложения;

-заключительные: конец второго предложения, общее заключение периода.

Заключение

«Любите и изучайте великое искусство музыки. Оно откроет вам целый мир высоких чувств, страстей, мыслей. Оно сделает вас духовно богаче. Благодаря музыке вы найдете в себе новые неведомые вам прежде силы. Вы увидите жизнь в новых тонах и красках»                                     Д. Шостакович

     Цель данной работы заключается в том, чтобы помочь преподавателям ДМШ систематизировать способы работы над формой музыкального произведения во взаимосвязи с задачами, стоящими перед учеником на разных этапах изучения сочинения, где особая роль принадлежит мыслительной деятельности исполнителя. Учитель должен владеть необходимыми  знаниями, применять их в работе над произведением, раскрывать тайны создания, развития, тем самым обогащать внутренний мир ребёнка, давать импульс  к изучению, познанию, пониманию замысла композитора. Только владея знаниями, возможно заинтересовать ученика, помочь ему в успешности, повысить свою самооценку, вселить уверенность в себя. Все эти качества помогают ученику в качественном исполнении на сцене. В моём классе принято вести большую концертно-конкурсную работу. Всегда, с древних времён было интересно состязаться, кто выше, быстрее, сильнее. Так и в нашем музыкальном классе всегда помогает дух соревнования. Когда просыпается желание к новому, красивому, неизведанному, тогда и наступает плодотворная работа ученика, родителя и учителя. И вот тут-то ваши знания должны быть профессиональными, интересно поданные ученику на простом, понятном и в то же время изложенные  грамотным языком.

   В методической работе дана краткая характеристика исторических эпох, которая поможет обозначить композицию произведения на начальной стадии формирования исполнительской концепции. Учащиеся моего класса – это  одна большая музыкальная  семья, они часто общаются, слушают репертуар, узнают произведения классиков, современных композиторов. Часто провожу параллели между одинаковыми стилистическими произведениями, зачастую слышу от воспитанников: 

-О, это же мой Гайдн!!!;

-Я тоже хочу это сыграть;

-Это мой любимый отрывок!

     Очень важно чтобы у ученика развивалась слуховая память, которая даёт толчок к пониманию стиля не только эпохи, но и композиторского стиля.

     Процесс познания музыкального образа опирается на глубокое исследование нотного текста произведения, практическая неисчерпаемость которого позволяет искать и находить все новые грани звучания и превращать условные знаки нотной записи в яркие, глубокие звуковые образы. Проникая вглубь идейно-образного содержания музыки, исполнитель обнаруживает закономерности формы, музыкального языка и стиля, индивидуальные черты и особенности. В своей работе с учениками стараюсь всегда найти тот образ, который близок ученику. Все мы знаем что музыка Моцарта-это яркие, самобытные герои, часто комичные; музыка Шостаковича наполнена различными образами в каждом такте, яркий пример его фортепианные прелюдии. Учитель должен уметь вызвать различные настроения у ребёнка от жалости до сарказма. Очень люблю игру: да и нет не говорю, наверняка все дети её знают. Немного изменив её,  мы играем в настроения героев:  грустно - весело не говорю. На первых этапах, просто никакой фантазии, а потом просто взрыв, таких слов не часто услышишь: крутяшка, зажигалка, кучерявка, печалька и т.д.

    Все компоненты музыкальной ткани необходимо рассматривать не изолированно, а в тесной взаимосвязи друг с другом. Добиваясь от ученика объемности, рельефности интонирования каждого звука, интервала, фразы, тембро - динамической тонкости, гибкости агогики, в то же время стремился к цельности восприятия всего произведения. Музыкальная форма не пассивна,  обладает собственной логикой, исторически развивающимися закономерностями. В широком философско-эстетическом смысле слова музыкальная форма - это комплекс взаимодействующих и взаимосвязанных выразительных средств, воплощающих в музыке определённое идейно-художественное содержание.  Как важно совместно с учеником выработать план развития пьесы, его спада, развития, затихания, показа основной линии и т.д.. Как - то на концерте для родителей  мы играли в игру «Комментарии», т.е.  по очереди говорили какое впечатление произвела музыка своего сотоварища, при этом ученики выкладывались с большой отдачей сил:

-Сплошная реклама, то есть ни о чём;

-Вот это да! мне так не сыграть;

-Хотелось спать;

- Мы всё время приплясывали!

     Учитель должен владеть комплексом теоретических знаний, применять различные методы  развернутого исполнительского анализа авторского текста,  владеть исполнительскими навыками для профессионального показа произведения. Многое зависит от вашего показа, если ваше исполнение  будет чуть лучше, явно ученик не побежит домой заниматься, поэтому профессионализм педагога, его личный пример, большая любовь к детям

-это залог вашего успеха.

     Необходимость знания всех элементов формы создаёт успешность в достижении одной цели - добиться от  ученика живого исполнения музыкального текста, естественного выразительного движения, эмоционального сопереживания исполняемому, объединяющего в единое целое все элементы формы. Поэтому методический доклад о музыкальной форме актуален, востребован на всех уроках начиная от прикосновения к «зерну» основной идеи и заканчивая строительством прекрасного.

У педагогов есть возможность пользоваться данным материалом, совершенствоваться, помогая своим ученикам достигать высоких результатов, повышать интерес к музыке, искусству,  прекрасному.

Литература

1.Асафьев Б. Музыкальная форма как процесс. - Л., 1971

2.Гржибовская Р. Н. Интерпретация музыкального произведения. Теория и методика обучения игре на фортепиано, ред. А. Каузовой, А. Николаевой.

М. : Владос, 2001

3.Григорьев В. Некоторые черты педагогической системы Д. Ф. Ойстраха Музыкальное исполнительство и педагогика, сост. Т. Гайдамович.

М.: Музыка, 1991

4. Кремлев Ю. Фортепианные сонаты Бетховена М., Сов. композитор, 1970.

5.Красовская Е. Охват формы музыкального произведения. Теория и методика обучения игре на фортепиано,  ред. А. Каузовой, А. Николаевой.  М.: Владос, 2001.

6.Куземина Л. Исполнительский анализ музыкальных сочинений по системе Б. Л. Яворского, Харьков 1983.

7.Ларченко О. А. Педагогические принципы П. А. Серебрякова Музыкальное исполнительство и педагогика, сост. Т. Гайдамович. М. Музыка, 1991

8. Мартинсен К. Индивидуальная фортепианная техника  Музыка, 1966

9.Музыкальный энциклопедический словарь. - М., 1985

9. Мазель Л. Строение музыкальных произведений 2-е изд. доп. и перераб. М.: Музыка, 1979Очертовская Н. Содержание и форма в музыке. – Л., 1985.

10. Назайкинский Е.В. Стиль и жанр в музыке 7-е изд. – М.: Музыка, 1984

11.Эфир радиостанции классической музыки «Орфей» Михаил Казиник «Беседы о музыке»

12.Попова Г.В. О музыкальных жанрах. – М., 1981.

13. ru.wikipedia.org

14. Ройтерштейн М.И. Основы музыкального анализа.- Москва Владос, 2001

15. Способин И.В. Музыкальная форма 7-е изд. – М.: Музыка, 1984.

Содержание

Введение

I. Музыкальная форма

1.1.Исторические эпохи

1.2.Основные принципы формообразования

1.3.Содержание музыки

1.4.Музыкальный  стиль

1.5.Музыкальный жанр

II. Функции музыкальной формы

2.1.Логические функции

2.2.Драматургические функции

2.3.Композиционные функции

III. Музыкально-языковые средства

3.1.Метр

3.2.Размер

3.3.Ритм

3.4.Мелодия

3.5.Фактура

3.6.Гармония

3.7.Тембр

3.8. Цезура

Заключение

Литература

Содержание