Разработка учебной презентации к уроку по мировой художественной культуре на тему:

«Преподобные мастера»

Автор: учитель истории и обществознания

МБОУ ООШ с . Ивановка

Пранцкевич Ираида Владимировна

Раздел: «Средние века»

Тема урока: « Преподобные мастера»

Тип урока: урок введения в тему

Форма  урока: урок построен с применением мультимедийных технологий: CD         « Преподобные мастера»

Методы и приемы:

объяснительно-иллюстративные (чтение статей о произведениях русских иконописцев, беседа)

письменные (тест)

познавательные (выполнение творческих заданий)

Оборудование:

CD «Шедевры русской живописи»

Тест «Соотнесите имена великих иконописцев с их произведениями»

Основные понятия: иконопись, Феофан Грек, Андрей Рублев, Дионисий, Симон Ушаков

Цели урока:  1.   Выявлять и сравнивать особенности творчества древнерусских иконописцев;

2. Развивать умение самостоятельно работать с произведениями искусства;

3. Воспитывать  эстетические чувства. Обогащать духовный мир подростков на примере обращения к иконописи

 Ход урока:

1. Организационный момент  
2. Постановка целей урока
3. Прослушивание лекции о Ф. Греке
4. Выявление особенностей творчества Ф. Грека. Записи в тетради
5. Прослушивание лекции о А. Рублеве
6. Выявление особенностей творчества А. Рублева. Записи в тетради
7. Прослушивание лекции о Дионисии
8. Выявление особенностей творчества Дионисия. Записи в тетради
9. Прослушивание лекции о С. Ушакове
10. Выявление особенностей творчества С. Ушакова. Записи в тетради
11.  Тест «Соотнесите имена великих иконописцев с их произведениями»  
12. Подведение итогов урока  

Литература:

1. Программа «Мировая художественная культура» - Г.И. Данилова
2. Данилова Г.И.  «Мировая художественная культура: От истоков до XVII века. 10 класс»

Учебная и справочная для учащихся:

3. Гузик М.А. Учебный путеводитель по художественной культуре России:: Кн. Для учащихся / М. А. Гузик. – М.: Просвещение, 2002
4. Энциклопедия для детей. Т.7. Искусство. Ч. 1.Архитектура, изобразительное и декоративно-прикладное искусство с древнейших времен до эпохи Возрождения / Глав. редактор М.Д. Аксенова. – М.: Аванта⁺, 1999
5. Дмитриева Н.А. Краткая история искусств – М., 1990
6. Любимов Л. Искусство Древней Руси. – М., 1974

Основная научно-исследовательская литература для учителя:

7. Алпатов М. Немеркнущее наследие. – М., 1990
8. Бусева-Давыдова И.Л. Художественная культура древней Руси // «Искусство», приложение к «1 Сентября», 1996, № 2, 4, 5, 7, 9, 10, 11, 13, 14, 15, 17, 18; 1997, № 1-10
9. Вагнер Г., Владышевская Т. Искусство Древней Руси. – М., 1991
10. Лазарев В.Н. Русская иконопись от истоков до начала XVI века. – М., 1983

Учитель. Древнерусские изографы не называли себя художниками и, как правило,  не ставили своих имен на созданных ими иконах. Они трудились в тишине монастырских келий, перед началом работы творили молитву, освобождая себя от всего мирского, суетного, чтобы ничто не смущало душу и не отвлекало от внутренней сосредоточенности. Иконописец духовным взором проникал в невидимое, делая его зримым и явленным на своих досках. Не имя художника делало икону знаменитой, а несказанная красота ее и чудеса, ею сотворенные, прославляли его имя. Потому-то и хранит Церковь имена живописцев в своей памяти, окружая при жизни легендами, а после смерти, как высшую награду, причисляя к лику святых.

Цель нашего сегодняшнего урока состоит в том, чтобы выявить основные особенности мастерства великих иконописцев Древней Руси: Ф. Грека, А. Рублева, Дионисия и Симона Ушакова. Слайд1.

 Слайд 2.   Конец XIV – начало XVI века называют золотым веком Древней Руси. Это было время торжества Москвы, вобравшей духовную и художественную культуру Киева и Владимира, Новгорода и Пскова. Теперь в нее съезжались книжники, духовные деятели живописцы. В это благоприятное время и прибыл из Византии живописец Феофан Грек, прозванный так за свое происхождение.

Все поражало современников в личности Феофана – и масштаб его дарования, и его творческая свобода, и необычная манера письма.

Определить, в чем заключалась необычность манеры письма Ф. Грека, нам поможет рассказ об одном из самых великолепных его произведений – «Богоматерь Донская».

Слайд 3.    Рассказ об иконе  Ф.Грека « Богоматерь Донская» "Богоматерь Донская" принадлежит к варианту "Умиление", отличительной особенностью которого следует отметить обнаженные до колен ножки Младенца.  Название "Донская" связано с преданием о чудесной помощи иконы рати князя Дмитрия Донского в Куликовской битве 1380 го-да. В летописных источниках икона "Богоматерь Донская" впервые упоминается под 1552 годом, когда перед нею в Успенском соборе города Коломны молился царь Иван Грозный, отправляясь в поход на Казань.

В 1591 году в честь иконы по случаю избавления Москвы от набега крымских татар войсками царя Федора Ивановича был основан Донской монастырь в Москве, где главной святыней стала копия (список) с этой иконы.

 Первоначально икона находилась в Успенском соборе города Коломны, в 1560-х годах перенесена в Москву в Благовещенский собор Кремля.

Время создания памятника не вызывает у специалистов сомнений, но его принадлежность кисти Феофана Грека оспаривается в научных кругах.

 Икона двухсторонняя, на обороте - изображение "Успение Богоматери" (1380-1390-е годы, мастер круга Феофана Грека).

Слады 4-7.    Характеристика творчества Феофана Грека на примере фрагментов его живописи. Стиль Феофана Грека поражает выразительностью и экспрессией. Для его фресковых росписей характерна т. н. «скоропись», при почти монохромной живописи и непроработанности мелких деталей изображения оказывают огромное воздействие на чувства зрителя. В творчестве Феофана Грека выразились наиболее полно и в нём нашли свое идеальное воплощение два полюса византийской духовной жизни и её отражения в культуре — классическое начало (воспевание земной красоты как Божественного творения, как отсвета высшего совершенства) и устремление к духовной аскезе, отвергающей внешнее, эффектное, красивое.

Искусство Феофана Грека внесло на Русь понятие высокой христианской символики. Во фресках Феофана острые пробела, будто фиксирующие момент мистического видения, пронзительные вспышки света, резкими ударами падающие на лики, руки, одежды, символизируют божественный свет, пронизывающий материю, испепеляющий её природные формы и возрождающий её к новой, одухотворенной жизни. Учитывая назначение пробелов — вызывать в лике святого состояние духовности, Феофану не было равных.  Ограниченность цветовой гаммы (чёрный, красновато-коричневый со многими оттенками, белый и др.) — будто образ монашеского, аскетического отречения от многообразия и многоцветия мира — изобличают в Феофане творческую личность. Манера нарочитого изографа среди иконописцев в пору высокого духовного подъема древнерусского искусства, в котором иконописцы опирались на подлинники, отличается поистине творческим началом, революционным мышлением, отрешенностью от законодательств. Вот, что сообщает Епифаний Премудрый о работе Феофана: «Когда он все это рисовал или писал, никто не видел, чтобы он когда-либо взирал на образцы, как [это] делают некоторые наши иконописцы, которые в недоумении постоянно [в них] всматриваются, глядя туда и сюда, и не столько пишут красками, сколько смотрят на образы. Он же казалось, руками пишет роспись.» Тревожность и острота искусства Феофана Грека рождены в духовной атмосфере позднепалеологовского времени, с характерным для него более индивидуальным переживанием религии и тяготением к монашескому подвижничеству.

Учитель. Итак, какие особенности живописи Ф. Грека можно выделить?

Выявление особенностей творчества Ф. Грека. Запись в тетрадь.

Учитель. Создание икон требовало огромного мастерства, духовного совершенства, внутренней чистоты. Всем этим в полной мере обладал великий древнерусский художник Андрей Рублев. То немногое, что известно о Рублеве искусствоведам известно и нам. Повторяться мы не будем. А вот определить характерные особенности этого гения нам и предстоит сейчас выполнить, прослушав лекцию о самом совершенном и самом прекрасном его творении – «Троице». из самых известных и прославленных в мире икон — «Троица», написанная Андреем Рублевым в первой четверти XV века. Три ангела собрались вокруг стола, на котором стоит жертвенная чаша, для тихой, неспешной беседы. Хрупки и невесомы контуры и складки их одеяний, чиста гармония голубых, васильковых, нежно-зеленых, золотисто-желтых красок. Кажется поначалу, что бесконечно далека эта икона от реальной жизни XV столетия с ее бурными страстями, политическими распрями, набегами врагов. Но так ли это?

 Подробности жизненного пути Андрея Рублева почти неизвестны. Как и всякий средневековый мастер, он не подписывал свои произведения, в летописях его имя упоминалось редко. Все же, тщательные исследования историков древнерусского искусства позволяют предполагать, что он был монахом Троице-Сергиева монастыря, для Троицкого собора которого он и написал свой шедевр. Вспомним, что и основатель монастыря, Сергий Радонежский, и его преемники поддерживали объединительную политику московских князей, их борьбу с монголо-татарским игом. Но не прошло и полувека после Куликовской битвы, в которой соединенные русские силы разбили орду Мамая, как московская Русь оказалась на пороге кровавой феодальной усобицы. В «Троице», согласно богословским представлениям, три ангела символизируют единство, согласие. Рублев зримо, в совершенной художественной форме воплощает эту символику нерушимого единства. Композиционно ангелы вписаны в круг, краски их одеяний дополняют и перекликаются одна с другой. Мир, согласие, любовь — вот к чему призывал современников Андрей Рублев, и не было в ту эпоху призыва более важного, более созвучного времени.

 Слайд 8.  История создания величайшей иконы человечества примерно такова. Игумен Никон (ставший после Сергия Радонежского настоятелем Троице-Сергиевого монастыря) очень сокрушался, что вновь воздвигнутый белокаменный Троицкий собор не был украшен живописью. Предчувствуя скорую кончину свою и желая завершить убранство собора при жизни, Никон призвал для работы Андрея Рублева и Даниила Черного — прославленных живописцев, «изрядных вельми, всех превосходящих и в добродетели совершенных». Работа заключалась не только в том, чтобы расписать храм фресками. Кроме этого, надо было написать большое количество икон для высокого многоярусного иконостаса. Игумен Никон еще при жизни своей хотел не только видеть храм украшенным, но и написанной икону, которая должна была стать главным памятником «в похвалу Сергию Радонежскому».

 Приступать к росписи соборных стен можно было только через год после его постройки, когда фрескам уже не будет угрожать осадка здания. Но работы по внутреннему убранству храма можно было начинать сразу после окончания его строительства. И первой заботой было создание главной иконы — «Троицы», которая должна была стоять по правую сторону царских врат.

 «Троица» с момента своего создания была любимейшей иконой древнерусских художников, служила образцом для бесчисленных копий и воспроизведений. Но судьба самого Андрея Рублева и многих его творений драматична и поначалу даже необъяснима. Смиренный инок, он всю жизнь свою посвятил созданию фресок и икон на религиозные сюжеты. Уважаемый и широко известный, еще при жизни названный «преподобным», через какое-то время он был забыт потомками, а многие творения его оказались утраченными. Даже в начале XX века некоторые специалисты не могли достоверно назвать ни одного его произведения. Осталось лишь имя, да и то знали его только любители древнерусского искусства. Даже в знаменитой энциклопедии Брокгауза и Ефрона, выходившей в 1890—1907 годы, не нашлось места хотя бы для простого упоминания об Андрее Рублеве.

Теперь мы знаем, что Андрей Рублев жил в нелегкий, но знаменательный период русской истории. Обескровленная и униженная чужеземным игом, Русь вставала с колен, расправляла плечи и начала готовиться к освобождению от гнета Золотой Орды. То было время радостное и одновременно горькое, пора блистательных побед и жестоких поражений. К числу последних относятся грустные события 1408 года, когда на землю русскую вторгся хан Едигей. Разорительное нашествие монголо-татар еще раз показало, что русским князьям надо прекратить междоусобную вражду, жить в мире и согласии, только объединившись, они смогут окончательно избавиться от «злой татарщины». Одни ученые считают, что именно в это время (около 1411 года) Андрей Рублев и создал свое лучшее произведение — «Троицу», которая в те времена имела значение особое. Правда, другие утверждают, что «Троица» была написана в 1420-е годы, когда (как указывалось выше) в монастыре был воздвигнут белокаменный Троицкий собор.

Ветхозаветная Троица была символом единения. Еще в середине XIV века, основывая свою обитель, Сергий Радонежский (как сказано в одном из его житий) «поставил храм Троицы... дабы взиранием на святую Троицу побеждался страх перед ненавистной раздельностью мира». На довольно значительной по размерам доске Андрей Рублев изобразил ветхозаветную Троицу — явление Аврааму Бога в виде трех ангелов.

 «И явился ему Господь у дубравы Мамре, когда он сидел при входе в шатер (свой), во время зноя дневного. Он возвел очи свои и взглянул, и вот, три мужа стоят против него. Увидев он побежал на встречу им от входа в шатер (свой) и поклонился до земли, и сказал: Владыко! Если я обрел благоволение перед очами твоими, не пройди мимо раба Твоего;

 И принесут немного воды, и омоют ноги ваши; и отдохните под сим деревом, А я принесу хлеба, и вы подкрепите сердца ваши; потом пойдите (в путь свой); так как вы идете мимо раба вашего. Они сказали: сделай так, как говоришь. И поспешил Авраам в шатер к Сарре и сказал (ей): поскорее замеси три саты лучшей муки и сделай пресные хлебы. И побежал Авраам к стаду, и взял теленка нежного и хорошаго, и дал отроку, и тот поспешил приготовить его. И взял масла и молока и теленка приготовленного и поставил перед ними; а сам стоял подле них под деревом. И они ели».

 Библейский рассказ в интерпретации Андрея Рублева утратил все те повествовательные черты, которые традиционно включались в композицию иконы на этот сюжет. Нет Авраама и Сарры, нет сцены заклания тельца, даже атрибуты трапезы сведены к минимуму: ангелы представлены не вкушающими, а беседующими. Жесты ангелов, плавные и сдержанные, свидетельствуют о возвышенном характере их беседы.

Содержание «Троицы» многогранно. Идейным и композиционным центром ее является чаша с головой жертвенного тельца — прообраз агнца новозаветного. «Чаша» прошла долгий путь, и во всей истории человечества имела значение «чаши жизни», «чаши мудрости», «чаши бессмертного напитка». В средние века на основе ее христианского значения возникло поэтическое сказание о «Чаше Грааля», из которой Иисус Христос пил во время Тайной вечери. В русскую народную поэзию чаша вошла как «смертная». Эта тема звучит в былинах и «Слове о полку Игореве». Для Андрея Рублева и его современников «чаша» была тесно связана с реальной жизнью, только на иконе трагизм этой героической темы выражен у него светлой печалью. В рублевской «Троице» «чаша смертная» — «залог жизни будущей».

Учитель. Назовите те характерные черты живописной манеры А. Рублева, о которых упоминает автор?

Выявление особенностей творчества А. Рублева. Запись в тетрадь.

Учитель. Что же нового привнес Андрей Рублев в русскую культуру? « Идеал согласной жизни – это новый идеал искусства, получивший в лице Рублева своего наиболее яркого и вдохновенного поэта. Высокая нравственная ценность человека получает глубокое выражение. Не страстный порыв, а самоуглубление, созерцание той внутренней красоты, которая заключена в душе человека, - вот в чем находит Рублев высшее удовлетворение как художник», - пишет О. И. Сопоцинский.

Наследие А. Рублева оказало огромное влияние на его современников и последователей. Его иконопись стала символом московской живописи эпохи Предвозрождения. Но были в Москве и иные мастера. После А. Рублева наиболее крупным явлением московской школы стало творчество Дионисия. Материал для урока:

   С ним мы с вами малознакомы. Поэтому я предлагаю вам познакомиться с творчеством этого мастера чуть поближе, прочитав статью о Дионисии, попутно выделяя характерные особенности мастерства этого иконописца. О жизни иконописца Дионисия мы знаем гораздо больше, чем о его гениальных предшественниках — Феофане Греке и Андрее Рублеве. Дионисий достиг славы при жизни. Так случилось, что творчество талантливого иконописца любил государь «всея Руси» Иван III. После падения Византии Русское государство стало центром православия: славянский мир с надеждой и упованием смотрел на Восток. Московскому князю сулили корону византийских императоров. «Москва — третий Рим», — говорили в столице Руси. Московский митрополит обращался к Ивану III: «Государь и самодержец всея Руси», «новый царь Константин». Дотошные исследователи родословий выводили происхождение московских князей через Рюрика от великого римского императора Августа. В конце концов Иван III женился на племяннице последнего византийского императора Софии Палеолог, на русском гербе изобразили двуглавого византийского орла. Так слились воедино прошлое величие Византии и энергия, сила возрождающейся из пепла войн, распрей Руси. Главное, чем тогда дышала страна, — освобождение от монголо-татарского ига. Разве не истинный праздник в родной стороне? Вот в такое время освобожденной, обновляемой Руси как нельзя кстати пришелся светлый талант Дионисия — его умение создавать праздничный настрой духа, его сочные краски.

Между 1467 и 1477 годами иконописец вместе со своим учителем мастером Митрофаном принял участие в росписи церкви Рождества Пресвятой Богородицы в Пафнутьево-Боровском монастыре. Это был один из первых серьезных заказов, выполненных Дионисием. И духовные лица сразу оценили талант молодого человека, чье призвание — нести прекрасное, создавать красоту. В 1481 году Дионисий получил приглашение владыки Вассиана создать иконы для иконостаса Успенского собора Московского Кремля. Вместе с тремя другими мастерами Дионисий приступил к выполнению нового заказа. Талант молодого художника ценили так высоко, что выплатили задаток — 100 целковых. По тем временам это была внушительная сумма. Исследователи искусства Древней Руси, специалисты по творчеству Дионисия считают, что именно он выполнил деисусный чин - одну из ответственнейших частей заказной работы... После Успенского собора Дионисий получил прозвание «мастера преизящного».

  Слайды 11-14. Чем отличается живопись Дионисия от живописи других мастеров? Композиции его работ торжественны, краски нежны и светлы, словно летний день, фигуры грациозно удлинены, лики святых красивы. Произведения Дионисия легки и радостны, они как бы рассчитаны на то, чтобы поведать миру о счастливой Руси, о том, что великая держава готова идти в будущее с надеждами, а не со скорбью в сердце. Много работал Дионисий для Иосифо-Волоколамского и Павло-Обнорского монастырей. Но особенно значительным его творением являются фрески собора Рождества Богородицы Ферапонтова монастыря, где мастер трудился в 1495—1496 годах. Великий гимн житию Богородицы создал прославленный иконописец: светлое, возвышенное настроение пронизывает все фрески, нежные, чистые краски льются из каждого уголка собора. Преобладающие тона — зеленоватые, золотистые и белые. В Ферапонтовом монастыре Дионисий работал не один, а с сыновьями и подмастерьями; впоследствии же он воспитал несколько учеников, которые продолжали творить в духе великого иконописца. Надо сказать, что именно благодаря Дионисию белый цвет обрел свое звучание в древнерусском искусстве.

 Фрески Ферапонтова монастыря никогда не переписывались — у монастыря, расположенного в глухом Белозерском крае, не было на это средств, — и по их первоначальному колориту мы теперь можем судить о манере письма Дионисия. Исследователи наследия великого мастера В. Н. Лазарев и П. П. Муратов так писали о значении творчества Дионисия для древнерусской живописи. В. Н. Лазарев: «Творчество Дионисия сыграло огромную роль в истории древнерусской живописи... С Дионисием парадное, праздничное, торжественное искусство Москвы стало на Руси ведущим. На него начали ориентироваться все города, ему начали всюду подражать...» П. П. Муратов: «...После Дионисия древнерусская живопись создала много прекрасных произведений, но Дионисиевы мерность и стройность уже никогда более не были ей возвращены».

 Творчество этого замечательного художника развивалось в эпоху формирования централизованного Русского государства и было органично связано с подъемом русской национальной культуры. Дионисий продолжал и развивал наследие А. Рублева, создавая произведения, исполненные оптимизма и торжественной ясности. Он предвосхитил развитие светского начала в искусстве XVI века, вводя черты конкретности в изображение действия, поз, одежд и т. д. Изящный уверенный рисунок, легкий прозрачный колорит, гибкие вытянутые пропорции фигур и уравновешенная гармоничная композиция — все это придает произведениям Дионисия неповторимое обаяние спокойной величавости и лиризма

Учитель. Итак, перечислите основные особенности мастерства Дионисия.

Учитель. Будучи последователем Рублева, Дионисий как выдающийся и самобытный мастер нашел свой собственный путь и свое место в древнерусском искусстве. Ему не свойственно столь присуще Рублеву подчинение композиции круговым ритмам. Отсутствует у него и то внимательное отношение к человеческому лицу, та любовь к его изображению, которые так характерны для Рублева. Мастер внес много нового в понимание колорита, который ни у одного из русских художников не был так богат и разнообразен.

Таким образом, творчество трех крупнейших мастеров Древней Руси показывает, как глубоко и духовно было их искусство. До таких высот русская живопись уже не поднималась никогда.

Учитель. С именем Симона Ушакова в истории древнерусской иконописи принято связывать представление о последнем периоде искусства Московской Руси. И его творчество, и сама его  личность типичны для эпохи коренных изменений, происходивших во второй половине XVII века. Прочитав статью об Ушакове, вы не только познакомитесь с этим художником, но и сможете выделить характерные  особенности стиля этого иконописца.

 Материал из жизни Симона Ушакова

Учитель. Что же характерно для стиля Ушакова?

Одной из центральных фигур в искусстве XVII века был Симон Ушаков (1626—1686). Значение этого мастера не ограничивается созданными им многочисленными произведениями, в которых он стремился преодолеть художественную догму и добиться правдивого изображения — «как в жизни бывает». Свидетельством передовых взглядов Ушакова является написанное им, очевидно, в 60-х годах «Слово к любителю иконного писания». В этом трактате Ушаков высоко ставит назначение художника, способного создавать образы «всех умных тварей и вещей . с различным совершенством создавать эти образы и посредством различных художеств делать замысленное легко видимым». Выше всех «существующих на земле художеств» Ушаков считает живопись, которая «потому все прочие виды превосходит, что деликатнее и живее изображает представляемый предмет, яснее передавая все его качества .». Ушаков уподобляет живопись зеркалу, отражающему жизнь и все предметы.

«Слово к любителю иконного писания» было посвящено Ушаковым Иосифу Владимировичу, московскому живописцу, уроженцу Ярославля, пользовавшемуся в 40—60-х годах значительной известностью. Иосиф Владимиров — автор более раннего трактата об иконописании, в котором он, хотя и не столь определенно, как Ушаков, также заявлял себя: сторонником новшеств и требовал большей жизненности в искусстве.

Ушаков — художник, ученый, богослов, педагог— был человеком новой эпохи, новым типом мыслителя и творца. Будучи новатором в искусстве, он в то же время понимал ценность старинных традиций русской культуры и тщательно оберегал их. Достаточно вспомнить его роль при росписи Архангельского собора в 1666 году. Именно в силу названных качеств, отмеченной редкой широты взглядов он смог более тридцати лет стоять во главе русского искусства.

Занимаясь воспитанием учеников и всячески стремясь передать им свои знания, он задумал даже изда­ние подробного анатомического атласа. «Имея от господа бога талант иконописательства . не хотел я его скрыть в землю . но попытался . выполнить искусным иконописательством ту азбуку искусства, которая заключает в себе все члены человеческого тела, которые в различных случаях требуются в нашем искусстве, и решил их вырезать на медных досках .» — писал о своем замысле Ушаков, однако атлас, по-видимому, издан не был.

Примером ранних работ Ушакова может служить икона «Благовещение с акафистом» 1659 года, написанная им вместе с двумя другими иконописцами — Яковом Казанцем и Гавриилом Кондратьевым. Великолепием архитектурных фонов и миниатюрной тонкостью письма икона во многом напоминает работы строгановских мастеров начала XVII века, подробно иллюстрируя сложное песнопение.

Слайды 14-18. С первых лет самостоятельного творчества определился интерес Ушакова к изображению человеческого лица. Излюбленной темой его становится Спас Нерукотворный. Изображений Спаса работы Ушакова сохранилось несколько — в собрании Третьяковской галереи, в иконостасе Троицкого собора Троице-Сергиевой лавры в Загорске, в Историческом музее и т. д. Самая ранняя из этих икон относится к 1657 году и хранится в Московской церкви Троицы в Никитниках. Настойчиво повторяя эту тему, художник стремился избавиться от условных канонов иконописного изображения и добиться телесного цвета лица, сдержанной, но отчетливо выраженной объемности построения и почти классической правильности черт. Правда, иконам Спаса работы Ушакова недостает одухотворенности русских икон XIV—XV веков, но это в известной мере искупается искренним старанием художника воссоздать на иконе возможно правдоподобнее живое человеческое лицо.

Ушаковым была написана икона Владимирской богоматери, носящая название «Насаждение древа государства Российского» (1668). Икону эту следовало бы считать картиной триумфа русской государственности. В нижней части ее изображены — стена Московского Кремля, за ней Успенский собор, главная святыня Русского государства. У подножия собора князь Иван Калита — собиратель русских земель и митрополит Петр, первым перенесший митрополичью кафедру из Владимира в Москву, сажают древо Русского государства. На ветвях его размещены медальоны с портретами всех наиболее значительных политических деятелей Древней Руси. В центральном, самом большом медальоне, представлена икона Владимирской Богоматери, почитавшейся покровительницей Москвы. Внизу, на кремлевской стене, стоят царь Алексей Михайлович и царица Мария Ильинична с царевичами Алексеем и Федором. Портреты царя и царицы Ушаков постарался сделать возможно более похожими. Сохранились сведения о ряде портретов, написанных Ушаковым. Некоторые из них были исполнены в новой для древнерусского искусства технике масляной живописи, К сожалению, до сих пор ни одного из этих портретов обнаружить не удалось. Ушакову, несомненно, были знакомь! некоторые основы пер­спективы. Об этом свидетельствуют не только изображение Кремля в иконе («Насаждение древа»), но и подробно и тщательно разработанные архитектурные фоны некоторых гравюр, исполненных на меди по его рисункам гравером Афанасием Трухменским («Давид», «Варлаам и Иоасаф»),

Для характеристики чрезвычайно разносторонней личности Ушакова следует указать, что он не только был теоретиком, живописцем, рисовалыциком-«знаменщиком», автором многих рисунков для гравюр, воспроизводившихся русскими граверами второй половины XVII века, но, по-видимому, и сам гравировал: ему приписываются награвированные в 60-х годах на меди сухой иглой листы «Отечество» (Троица) и «Семь смертных грехов».

Учитель.  Проверим, насколько мы можем определять авторов иконописных произведений по характерным особенностям их творчество. Для этого выполним маленький тест. Ваша задача: соотнести имена великих иконописцев с их произведениями.

                                             Выполнение теста

 Репродукции картин демонстрируются на большом экране

Учащиеся должны только проставить номер, под которым находится правильный ответ

Проверка может осуществиться в классе, если достаточно времени или после урока.

Подведем итог.  Развитие древнерусской живописи шло по пути от страстного душевного порыва, выраженного в творчестве Ф. Грека, к самоуглублению, созерцанию той внутренней красоты, которая заключена в душе человека (А. Рублев), разрушения сочетания между внешней красотой формы и глубинной внутренней характеристики, наметившегося в творчестве Дионисия, и до стремления к жизненному правдоподобию (С.Ушаков).