Методическая разработка по ИЗО 6 класс

МУНИЦИПАЛЬНОЕ БЮДЖЕТНОЕ ОБЩЕОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ
НИЖНЕПОПОВСКАЯ ОСНОВНАЯ ОБЩЕОБРАЗОВАТЕЛЬНАЯ ШКОЛА

х. Нижнепопов

Методическая разработка

На тему: «Композиция. Основные средства художественной выразительности».

По курсу: Изобразительное искусство. Искусство в жизни человека.

6 класс

Учитель: Генералова  Ольга  Валентиновна

2021 г.

     Методический материал разработан как пример анализа произведения живописи и   может быть  использован  к урокам изобразительного искусства в 6 классе по темам  «Жанры изобразительного искусства», « Изображение пространства»,

 « Выразительные возможности изобразительного искусства. Язык и смысл»,  как дополнительный материал,  для устных исследовательских работ или,

для  закрепления основных приемов изображения: композиции  и основных средств художественной композиции.

        В работе используется анализ картин эпохи  Ренессанса:

 Лукас Кранах Старший.   Адам и Ева 1531 г

 Андреа Скьявоне,  «Молодой Авель» 1555 г.

 Питер Пауль Рубенс  «Рождение Венеры»  1636 г.

 Иоганн Генрих Фюссли «Тиресий перед Одиссеем» 1700-1785 г.

 Цель методической разработки:

•         Развивать способности ориентироваться в мире современной художе­ственной культуры,

•         формировать опыт смыслового и эмоционально-ценностного вос­приятия произведений искусства,

•         развитие эстетического, эмоционально-ценностного видения изображения;

•         развитие наблюдательности, способности к сопереживанию, зрительной памяти, ассоциативного мышления, художественного вкуса и творческого воображения

Лукас Кранах Старший.   Адам и Ева 1531 г.

       Рассматривая репродукцию  картины «Адам и Ева», мы сразу понимаем, что это мифологический сюжет, где в  «Саду земных наслаждений» на первом плане главным объектом произведения являются герои картины. Они крупные и привлекают внимание сразу. Художник использует правило «золотого сечения» и работает контрастными цветами, используя статичную композицию и яркие пятна. Понятно, что  при создании этого  произведения  использовались  знания перспективы, геометрии и анатомии. Целостность рисунка, единство сюжета достигается трехъярусным расположением пейзажа и ритмичным чередованием горизонталей и вертикалей. Это можно наблюдать по расположению человеческих поз, деревьев, животных и горизонта.

       Идейный замысел художник достигает  ритмическим сочетанием масс, цветом и светотенями.  Яркие яблоки  на темном фоне — это не просто вкусные фрукты, это напоминание о райском саде, где жили Адам и Ева, где Ева нарушила запрет бога, вкусив яблоко. Чтобы безмолвно рассказать о том, что яблоки означают  дары жизни, изобилие земли, плоды знания, художник использовал декоративные приемы изображения, как обращение к античной и религиозно-политической живописи.

      Декоративные детали являются центром внимания. Несмотря на то, что они является самыми малыми темными пятнами на высвеченных светлых больших пятнах, от них взгляд плавно переходит к рассмотрению других изображений, расположенных  на переднем плане, но, недолго задерживаясь на нечетком контрасте животных на насыщенной зеленой поляне, невольно возвращается взгляд  на декоративные детали.    Художник использовал прием  «крючка».  От одной  маленькой детали – листика - витиеватые  линии растений, рога оленя,  волос  Евы ведут к большому количеству  животных и густым гроздьям винограда, что объясняет  тайный смысл грехопадения – размножения. 

       Лукас Кранах добавляет в сюжет змею, которую изображает, как символ здравомыслия, мудрости и здоровья, применив фантастически «железный» цвет, что позволяет  сравнить  крепкое железо с деревом  и понять, что жизнь людей на Земле будет долгой, как многочисленные ветви и листва. 

      Идейный замысел этого также ощущается в симметричном расположении деталей, центром вращения которых является декоративное украшение на чреслах героев, что позволяет при взгляде вверх и вниз видеть множество предметов  и  понимать дальнейшую роль этих двух людей на Земле.

     Картина передает ощущение равновесия, покоя и умиротворенности, а яблоки, изображенные яркими тонами с использованием теней и бликов,  словно зажигают новые жизни, символизируя первый день Творения.  Рассматривая сюжет, необходимо задуматься, откуда падает такой яркий свет на тела людей, вырисовывая каждую мышцу?  Художник  и здесь внес свое представление: яблоки – золото солнца и под их блеском тела тоже светятся фарфоровым глянцевым  светом.

       Для воплощения творческого замысла, художник использует густую и вязкую фактуру масляной краски на дереве, что создает впечатление зеркальной глади,  где каждая деталь сообразна её значению, собственной природе и ценности.  Гладкая шерсть животных, отливающие атласом тела Евы и Адама, как  матовый шёлк небо, деревья как бархат  -  безошибочное  чувство меры, умение быть точным…ничего не утомляет перегрузкой в манере письма автором.

Андреа Скьявоне,  «Молодой Авель» 1555 г.

.

   Произведение «Молодой Авель» было создано в эпоху Высокого Возрождения мастером  Андреа Скьявоне в монохромном колорите,

видимо для того, чтобы передать трагическую судьбу героя.

Библейская статичная композиция с драматичными образами  и повествовательной аллегоричностью построена по правилам «золотого сечения».  Расположенные на первом плане Авель  с ягненком - самые  крупные элементы, привлекают внимание сразу, так как на фоне  трехъярусного пейзажа являются самым светлым пятном. Ягненок олицетворят изображение Христа.  Для  передачи  любви Авеля к животному, как к самому дорогому другу,  два объекта расположены настолько близко, что воспринимаются глазом, как единое целое.

   Автор  много внимания уделил пейзажной среде, в которую  поместил героев. В результате чего создается  чувство полной волнения стихийной жизни могучей природы , несмотря на то, что все очень в темн 

  Контрастный композиционный центр базируется на разнице между темным и светлым тонами. 

   Взгляд стремится в центр картины на  слегка опущенную на плечо голову Авеля. Художнику удалось  передать  печальное лицо божественного человека.

    Использование контрастных  светотеней переводят взгляд на красивую рельефную  руку, которая нежно обнимает ягненка.  Автор изобразил такой же печально-невинный взгляд ягненка,  будто тот оправдывается за то, чего не совершал. 

   Герои смотрят в противоположные стороны, словно знают, что это  их  последние минуты жизни.

   Спиралевидное построение сюжета, с использованием знаний перспективы, геометрии и анатомии, позволяет  увидеть  красоту сильных  ног,  тела     человека, занимающегося физическим трудом.

    Глубина пространства  ощущается за счет принципа ритмичности света и темных пятен, чередования горизонталей и вертикалей. Для правильного восприятия объектов, художник использовал линейную перспективу. Золотистый солнечный  луч и очень темные ветви деревьев символизируют день и ночь, добро и зло, жизнь и смерть.

   У художника свой собственный стиль — интеллектуальный, напряжённый, усложнённый — своеобразный вариант маньеризма, пространство которого заполнено предметами, выписанными с величайшей точностью, а освещение и цветовое решение находятся за  гранью реальности.

   Скьявоне  удалось выразить и донести до зрителя свою идею за счет целостности рисунка, единства сюжета, который изображен в виде песочных часов, которые, как бы, отсчитывают оставшееся время существования  на Земле.   Использование  фактурного мазка на холсте и мягкого желто-коричневого колорита, с небольшим участком открытого белого цвета на горизонте, символизирующим начало и конец Бытия,  создают иллюзию реального бытия.

Питер Пауль Рубенс  «Рождение Венеры»  1636 г.

       Пенорожденную  богиню Афродиту, выходящую  обнажённой из пены морской, художник написал по мифическому сюжету, когда Зефир – нежный южный ветер доставил богиню красоты, любви, смеха и брака на остров Кипр. Когда я только увидела картину, то не могла понять, что заставляет мозг осознать, что все персонажи в движении.  Почему рывок из воды свиты Венеры и  рожок Зефира создают ветер? Для этого художник применил диагональную композицию. Рассматривая движение Амуров, я увидела еще одну интересную деталь: смещенные немного к центру малыши, летят в разные стороны, давая понять, что пришла пора Венере расстаться с домом, а параллельное расположение ног с крыльями и руками создают иллюзию движения. Но, конечно, взгляд останавливается на главной героине, которая в идейном замысле художника является самым крупным светлым пятном. Да, ее тело светится фарфоровым влажным светом, а ритмически расположенное по диагонали такое же светлое, но меньшее по размеру, тело женщины открывает эстетическую красоту Венеры. Мне кажется, что художник сотворил библейскую Еву. Ритмическое чередование по диагонали темных и светлых пятен создают божественный свет, символизирующий движение любви к Богу.  

Несмотря на то, что картина написана в монохромных коричневых тонах, создается полное ощущение разнообразной палитры. В картине мощным выразительным инструментом является серо-голубая линия горизонта – соприкосновение моря с небом. Расположенная в центре между персонажами, она помогает сосредоточиться на всем сюжете, происходящем вокруг нее. А продолжение линии справа менее заметно, что также помогает смотреть в «глубь картины».

 Конечно, художник уделяет большое внимание светотеням. Легкость и прозрачность воды достигается открытым белым цветом. На репродукции не видно, какой мазок использует художник, но понятно, что он работает на грунте. Выбирая основной цвет, а в этой картине – светло-коричневый, объем достигается более темными и более светлыми пятнами. Что интересно в его работе, так это тень от персонажей. Я бы сказала, что здесь присутствует тень реальная и нереальная. Реальная тень - тень внизу, а нереальная – это  тень на небе от тел Афродиты и Амуров. Да, она очень аккуратная, слегка силуэтная, но такое возможно лишь на полотне. Но, думаю, что именно в этом и божественность картины. Наверное, художник так изобразил нимб от сотворенных только что Богом тел, еще не впавшим в искушение и не совершившим грех. Да, это исключение, новый зародившийся стиль. Позже его назовут барокко.

Действительно, несмотря на тяжеловесность фигур, Венера не выглядит Вульгарной,  в картине она  становится Небесной. А резкие контрасты  света и тени, теплые краски наделяют кипучей энергией.

Иоганн Генрих Фюссли «Тиресий перед Одиссеем» 1700-1785 г.

       Если смотреть на репродукцию картины Иоганна Генрих Фюссли «Тиресий перед Одиссеем»,  то сразу становится понятно, что это иллюстрация к мифическому  произведению. Представим, что мы не знаем содержания литературного произведения но попытаемся понять язык кисти художника.

       Первое впечатление – это мрачный задний план и мощная эпическая фигура на высвеченном пятне. Взгляд притягивается к указующему персту персонажа и грозному лику, также высвеченными на темном фоне, а затем к персонажам, расположенными на переднем плане. Автор располагает композицию по диагональному золотому сечению, используя статичность в картине. Эта статика показывает устойчивое величие  центральной фигуры, а сложные земляные тона усиливают драматичность содержания происходящего. Но, думаю, что все-таки пора познакомиться с содержанием мифа.

         Итак, Иоганн Фюссли, увлекающийся эпической поэзией, создает сцену предсказания  дальнейшей судьбы Одиссея  у покойного Тиресия. Для этого Одиссею необходимо было совершить  ритуал, которому его научила волшебница – принести в жертву животное. Долго он отгонял души умерших, слетающихся на жертвенную кровь, пока не появился Тиресий. Слепой предсказатель рассказал Одиссею о его дальнейших скитаниях и о его судьбе, а также строго настрого запретил прикасаться к священным коровам Гелиоса.

          Мастер фантазирует, используя  элемент рассудочности и театральности. Тиресий показывает будущее Одиссея на освещенном и затемненном заднем плане. Думаю, что  неестественными позами и жестами изображенных душ умерших, он хотел показать греховные деяния, которые надо избегать, а темный поглощающий все мрак, контрастирующий со светлой стороной жизни – это грань, ад, который готов поглотить нарушивших законы Божии.

         Для усиления веры предсказания, художник применяет симметричный ритм, который подчеркивает важность события, техникой нанесения красочного слоя, который несет смысловую нагрузку, служит созданием настроения картины.

          Используя диагональное построение рук образов умерших душ, предсказывающих Одиссею неподобающее поведение, автор переводит взгляд на изображение жертвы. Мне кажется, что и этот момент предсказатель осуждает, указывая пальцем на недопустимость такого обращения. Всматриваясь в лицо преклоненного Одиссея, видя его скорбное, слегка испуганное выражение лица, создается трагическое чувство безысходного горя героя.

       Фюссли воспитывался на идеалах искусства неоклассицизма, которое призывало мастеров к «подражанию древним» в поисках высоких художественных идеалов.

       В зарождавшемся  новом эстетическом направлении возникали  переходно-эклектические черты: своеобразный рокайльный классицизм. Но художник, не имевший академического образования, применяет больше маньеризм.

       Его картина наделена мистическим подтекстом. Для показа человеческих страстей, губительных и жестоких, мастер прибегает к нервной угловатой линии контура,  игре резкими контрастами света и тени,  боковым освещением, делающим пространственные границы трудно различимыми.

      По репродукции понятно, что картина выполнена на холсте, потому что видно  ярко выраженную фактуру переплетенных нитей. Используя небольшое пятно голубого цвета и,  противопоставляя пятна красного цвета, подчиненных ритму раскрытого веера, художнику удается  изменить состояние человеческой психики.

      Всматриваясь в детали изображения,  возникает иллюзия волшебства паранормального   явления, что заставляет вдуматься в миросозерцание

времени, призывает не заблудиться на половине жизненного пути.