Цели урока:
углубление основных знаний и навыков учащихся в области ансамблевого
музицирования (основные моменты «ансамблевой азбуки»);
развитие и активизация
творческих способностей учащихся (самостоятельный анализ ансамблевых
произведений);
знакомство учащихся с
творческими заданиями в классе ансамбля.
Ход урока.
Ансамбль, как все мы
знаем, является одной из форм коллективного музицирования. В классах других
специальностей (домры, баяна, скрипки, духовых инструментов) ансамбль может
быть представлен разным количеством участников. Для нас же, пианистов, ансамбль
– это коллектив, состоящий, как правило, из двух учащихся.
Ансамблевая игра - один из
самых увлекательных видов музыкального творчества. В классе ансамбля учащиеся
знакомятся с лучшими образцами классической и современной музыки, расширяют музыкальный
кругозор. Ансамблевое музицирование, кроме того, обладает огромными развивающими
возможностями. Все мы знаем, что игра в ансамбле как нельзя лучше
дисциплинирует ритмику, совершенствует умение читать с листа, помогает ученику
выработать технические навыки. Игра в ансамбле способствует интенсивному
развитию всех видов музыкального слуха (звуковысотного, гармонического,
полифонического, тембро-динамического).
Если нам зададут вопрос:
сложно или просто работать в классе ансамбля?, то мы вряд ли сможем ответить
однозначно.
С одной стороны, предмет
этот вызывает неподдельный интерес у учащихся, а, как известно, мотивация
является мощным стимулом в работе. Поэтому дети часто работают в ансамбле с
гораздо большей отдачей, чем, скажем, это происходит со специальностью.
Еще один плюс в сторону
несложности преподавания ансамбля в той программе, которую приходится
исполнять. Здесь мы не увидим ни этюдов, где ученик должен работать технически
в одиночку, ни таких сложных произведений, как полифония или крупная форма. Как
правило, в ансамбле мы имеем дело с малыми формами – пьесами, образными,
характерными. Это также привлекает учащихся и преподавателей.
Кроме того, ограничивающих
рамок по классам здесь нет, и произведения для каждого конкретного ансамбля мы
можем выбрать в соответствии со способностями и темпераментом учащихся.
С
другой стороны, есть достаточно весомый аргумент, который сводит на «нет»,
перекрывает все наши перечисленные выше плюсы и делает этот предмет весьма
непростым. Как известно, не бывает абсолютно одинаковых людей. Все люди
индивидуальны. Конечно, мы стараемся подбирать детей в ансамбль с более или
менее одинаковыми способностями, но это не всегда возможно. И на урок по ансамблю
приходят учащиеся, имеющие разный слух, разное чувство ритма, разное
звукопроизношение, разную музыкальную память, разное эмоциональное восприятие.
Иными словами, приходят индивидуальности.
И главная задача педагога – преодолеть имеющуюся разницу, объединить
эти индивидуальности в один творческий союз (именно творческий) и направить его
к единой цели – воплощению замысла композитора в конкретном произведении.
Задача эта достаточно сложная, и быстрее и легче решаемой, на мой взгляд, она
может стать, если как можно раньше вовлечь учащихся в процесс творчества,
предоставить возможность активной самостоятельной работы в классе. В этом
случае юные музыканты сами участвуют в создании произведения, а педагог лишь
направляет их работу. С этой целью в нашей школе мы пересмотрели учебные планы
и ввели ансамбль со 2-го класса, чтобы учащиеся как можно раньше познакомились
с этим предметом. Чем раньше ученик начинает играть в ансамбле, тем более
грамотный, техничный музыкант из него вырастет.
В моем представлении вся работа в ансамбле делится на две части (или
два уровня): повседневная, основная (или классная) работа и предконкурсная
подготовка. Основная работа проводится на каждом уроке, и суть ее в том, что
учащиеся с самого первого занятия работают вместе. Если берется произведение,
требующее предварительной работы, то на первом занятии происходит знакомство с
текстом, а собственно совместная работа начинается со второго урока.
К такому методу я пришла не сразу. Сначала я работала с каждым учеником
отдельно, как с солистом, тщательно выучивая его партию и затем соединяя
учащихся в ансамбль. При такой работе ощущение баланса, ощущение ансамбля
вообще развивается гораздо медленнее. Согласитесь, говорить ученику о том, что
здесь соло у него, а здесь - у его партнера, менее доходчиво, чем при совместном
разборе сразу, когда оба партнера работают вместе. При предварительной
индивидуальной работе учащиеся в ансамбле играют довольно долго как солисты, а
не участники одно музыкального коллектива (играют часто формально -
громко-тихо, не вдаваясь особенно в другую партию). Такой вариант меня всегда
не устраивал, и однажды я решила дать учащимся для чтения с листа несложный ансамбль.
Им это понравилось. Потом это было перенесено непосредственно в ансамбль.
Сначала мы просто читали с листа, потом стали глубже вникать в текст, стали
анализировать и находить основные точки соприкосновения в ансамбле. И в
конечном результате пришли к тому, что основная работа на уроках проводится
теперь таким вот образом.
Любой музыкант, даже маленький, должен быть музыкантом думающим.
Все наши замечания он должен пропускать через голову, через себя, и тогда нам
не придется говорить одно и то же по несколько раз, тогда он будет работать с
полным пониманием того, что ему необходимо выразить в музыке. Чтобы заставить
думать ученика полезно использовать проблемно-творческий метод в работе,
который является одним из ведущих в преподавании. Суть его в том, что материал
не преподносится в готовом виде, педагог ставит перед учениками проблемный вопросы,
дает им какие-то задания. Совместный поиск правильных решений способствует более
глубокому и осознанному пониманию проблемы. В этом случае, ученики являются
своего рода «первооткрывателями», и, решив поставленную задачу самостоятельно, без
навязывания педагогом, будут стараться закрепить самостоятельно добытые знания.
Именно такая работа и проводится на каждом уроке. Она направлена в первую
очередь на освоение ансамблевой азбуки, попутно захватывает и чисто
фортепианную исполнительскую грамоту, знакомит учащихся с большим количеством
произведений для фортепианного ансамбля. Этот этап (основной, повседневный)
открывает большие возможности для самостоятельной работы и проявления
творческой инициативы учащихся. Сейчас мы вам это и продемонстрируем.
В открытом уроке принимают участие Балычева Диана (2 класс) и Бояркина
Катя (3 класс). Обе они в ансамбле играют первый год.
Девочки готовятся к конкурсу, поэтому вся работа направлена на подготовку
конкурсных произведений. Но к открытому уроку мы прошли дополнительно ряд несложных
произведений, работая непосредственно в классе.
М. И. Глинка «Ходит ветер у ворот».
Ученицам предлагается зрительно ознакомиться с текстом пьесы. Затем
педагог просит учащихся сыграть наиболее трудные с точки зрения чтения с листа
места в каждой партии отдельно (синхронное место в двух партиях, ритмически
трудное место в первой партии, заключение во второй партии).
(Учащиеся исполняют их).
Далее начинается анализ текста. Педагог задает вопросы:
где мелодия, а где аккомпанемент?
(в 1-ой партии – мелодия, во 2-ой - аккомпанемент);
что главное, а что второстепенное?
(главное – мелодия, аккомпанемент – второстепенное);
что
главное во второй партии?
(главное – бас);
как развивается фраза?
(фраза строится по 4 такта и развитие идет к 3-му такту).
Педагог
обращает внимание девочек на динамику в пьесе, на «эхо» основного мотива и
затем предлагает сыграть пьесу целиком с учетом фразировки, баланса, динамики.
Первые звуки пьесы девочки берут не вместе. Педагог останавливает их,
объясняет, как это важно – играть синхронно, а тем более – начать вместе.
Первый аккорд содержит в себе две функции – совместное начало и определение
последующего темпа. На помощь придет дыхание. Вдох - самый естественный и
понятный сигнал о начале игры для любого музыканты. Как певцы перед исполнением
берут дыхание, так и музыканты - исполнители, но у каждого инструмента своя
специфика. Духовики показывают вдох началом звука, скрипачи – движением смычка,
мы, пианисты – “вздохом” кисти руки и прикосновением к клавише. Педагог
предлагает учащимся по взмаху кисти взять дыхание, задержать его и с выдохом, посмотрев
на руки друг друга, начать играть. Такое упражнение ученицы повторяют несколько
раз прежде, чем начинают играть синхронно.
(Исполняется пьеса целиком).
Учащимся предлагается продумать педаль
(берем педаль, как в «Польке» - на «раз» - взять, на «и» - снять)
По ходу игры предлагается прослушать внимательно педаль и частично
убрать ее. Учащиеся принимают решение по поводу педали сами и исполняют
отмеченные кусочки уже с исправленной педалью.
Задание на дом: играть эту пьесу увереннее и живее. Как правило, на следующем
уроке она сдается. Если пьеса более сложная или более объемная, та работа на
уроке происходит таким же образом, но с кусочком произведения, на следующем
уроке добавляется еще кусочек и так далее.
Из творческих заданий мы показали самостоятельную работу по анализу
текста, по взятию педали. Можно предложить учащимся самостоятельно продумать и
расписать аппликатуру, поэкспериментировать с динамикой (естественно, если дело
касается произведения современного автора).
И как итог такой творческой работы можно дать задание самостоятельно
подготовить пьесу целиком.
Вот так мы работаем в классе. Такой метод, на мой взгляд, позволяет
более активно включать учащихся в работу, способствует более легкому вхождению
в ансамбль, вырабатывает быстроту зрительного «схватывания» ансамблевого
текста, что немаловажно для дальнейшей работы в ансамбле. Это полезно так же и
для развития навыка чтения с листа.
Кроме того, такая работа очень раскрепощает детей. Педагог не диктует
свою волю, а общается с учащимися на равных, как с соавторами, приходя сообща к
каким-то решениям.
Если такой работой заниматься регулярно и поступенно, то это, в общем-то,
несложно.
Я никому не навязываю своего мнения. У каждого из сидящих здесь
свой опыт, свои наработки, свои методы работы. Может быть кто-то попробует этот
метод как вариант и для себя найдет тоже что-то интересное.
Переходим ко второй части нашего урока. Это предконкурсная подготовка.
На этом этапе я работаю несколько иначе. Как правило, для конкурсов мы берем
пьесы более сложные, чем в обычной практике (конкурс есть конкурс, и он требует
определенного уровня). Поэтому сразу начать работу вместе не представляется
возможным. С каждым учеником отдельно разбираем текст, обращая внимание на
детали, трудные места, фразировку, аппликатуру, штрихи и т.д., иными словами,
на все, из чего состоит текст. При всем при этом долго на такой работе я не
задерживаюсь. Как только текст в общих чертах разобран, «схвачен», мы начинаем
работать вместе. Если по ходу работы возникают какие-то сложности, тогда прорабатываем
их индивидуально.
В. Соловьев. Полька.
Данная «Полька» представляет собой классический вариант ансамбля: есть
части, где в чистом виде традиционный ансамбль (1-ая партия - мелодия, 2-я –
аккомпанемент); есть переклички между партиями, где ансамблисты должны
передавать мелодию друг другу без «швов», должны очень хорошо слышать окончание
партии партнера и представлять начало своей партии, (цифры 4 и 5); есть часть,
где партнеры меняются местами (2-я партия ведет мелодию, а 1-я –
аккомпанемент).
(Учащиеся исполняют пьесу).
Преподаватель обращает внимание на совместное начало произведения
(задерживаем дыхание по жесту, как на хоре, и по жесту начинаем играть вместе с
выдохом). Преподаватель объясняет учащимся, что главным в данном случае,
«дирижером», как правило, является музыкант, ведущий первую партию. Он должен
сделать небольшой взмах рукой, при этом второй участник следит за этим
движением.
Педагог задает вопрос: « Что самое важное в ансамбле?»
(играть вместе и баланс).
Да, действительно, самое
главное, чего нужно добиваться в ансамбле, это -
синхронность при взятии звука;
равновесие в звучании;
единство штрихов;
умение вести и передавать
мелодическую линию от партии к партии;
ощущение единой ритмической
пульсации.
В первой части пьесы
проводится работа над балансом во 2-ой партии и балансом ансамбля в целом.
(Ученики играют, слушая
равновесие между мелодией и аккомпанементом).
Далее педагог просит сыграть
аккомпанемент (2-я партия) и восьмые ноты в 1-ой партии, добиваясь синхронности,
затем исполняется цифра 1 полностью по тексту.
Во второй части отрабатывается
звук в перекличках тем (цифры 4 и 5). Педагог обращает внимание на восьмые
ноты аккомпанемента в 1-ой партии, просит ученицу убрать их и прослушать
четверти, в которых заключена мелодическая линия (цифра 5).
Отдельно прорабатывается
переход к третьей части пьесы (совместное замедление).
Больше всего внимания
уделено заключительной части «Польки».
В начале этой части мелодия
переходит во вторую партию, а у первой в это время – аккомпанемент.
Для выработки синхронности и
ровности 16-х нот учащимся предложено сыграть следующим образом:
1-я п. – левая рука, 2-я п. –
левая рука;
1-я п. – 2 руки, 2-я п. –
левая рука;
1-я п. – 2 руки, 2-я п. –
правая рука;
1-я п. – левая рука, 2-я п. –
2 руки.
Для правильного равновесия:
1-я п. – 2 руки, 2-я п. –
левая рука (исполняются тихо, но активно).
Педагог дает задание
исполнить кусочек целиком, слушая баланс и синхронную ровность 16-х нот.
(Учащиеся играют).
Синхронные 16-е ноты, которые
идут в двух партиях, предложено поиграть сначала с акцентами (1-я п. – правая
рука, 2-я п. – правая рука), а потом полностью по тексту.
Отдельно прорабатываются
синхронные 16-е в первой партии. Предлагается играть по левой руке, как менее
подвижной и активной.
(Ученица отдельно играет
левой рукой, а затем двумя руками).
В заключение урока
показана игра с выключением партий поочередно. Этот прием используется как
упражнение для концентрации внимания и вырабатывания навыка быстрого
подхватывания текста в случае его потери во время выступления.
Вот таким образом
проходит работа в моем классе ансамбля.
В заключение хочется
сказать несколько хороших слов об ансамбле.
О том, что ансамблевое
музицирование обладает огромными развивающими возможностями, мы уже говорили.
Она доставляет ребёнку огромное удовольствие и радость. Игра в ансамбле учит
слушать партнёра, учит музыкальному мышлению: это искусство вести диалог с
партнёром, т.е. понимать друг друга, уметь вовремя подавать реплики и вовремя
уступать. Если это искусство в процессе обучения постигается ребёнком, то можно
надеяться, что он успешно освоит специфику игры на фортепиано.
Предмет «ансамбль»,
безусловно, весьма интересен и очень полезен. Кроме всего, перечисленного выше,
он способствует, во-первых, знакомству учащихся с большим количеством
произведений, чем выполняет просветительскую функцию; во-вторых, приучает к
творческой, активной самостоятельной работе, которая в свою очередь дает толчок
к дальнейшему совершенствованию; в-третьих, что самое главное, - развивает у
учащихся основное и необходимое качество, без которого нет музыканта, - слух.
Поэтому ансамблю в
музыкальной школе должно уделяться внимание, пожалуй, не меньшее, чем другим
предметам.
Оставьте свой комментарий
Авторизуйтесь, чтобы задавать вопросы.