Добавить материал и получить бесплатное свидетельство о публикации в СМИ
Эл. №ФС77-60625 от 20.01.2015
Инфоурок / ИЗО, МХК / Другие методич. материалы / Поурочные планы ФГТ 3 класс история изобразительного искусства

Поурочные планы ФГТ 3 класс история изобразительного искусства



  • ИЗО, МХК

Поделитесь материалом с коллегами:

План урока №1


Тема урока: Византийское искусство

Цель урока:

Через анализ многообразия византийской культуры выявить ее художественные особенности и роль в культуре Средневековья.

Задачи:

Образовательные:

  1. Раскрыть исторические условия развития византийской культуры.

  2. Проанализировать крупнейшие памятники византийского искусства.

  3. Обозначить истоки и роль византийской культуры в развитии средневековой культуры.

Развивающие:

  1. Учиться анализировать памятники искусства.

  2. Уметь оценивать вклад византийских мастеров в развитие средневековой культуры.

  3. Развивать интерес к познанию славянской культуры.

  4. Развивать любовь к искусству, кругозор, логическое и образное мышление.

Воспитательные:

  1. Воспитывать интерес и уважение к памятникам культуры.

  2. Способствовать самостоятельному изучению истории мировой культуры.

  3. Воспитывать патриотические чувства учащихся, умение отстаивать свой взгляд на различные искусствоведческие проблемы.

  4. Обогащать духовный мир учащихся.

Оборудование:

  • доска;

  • компьютер;

  • проектор;

  • экран;

  • географическая карта.

Тип урока: знакомство с новым материалом.

Форма: урок–презентация.

Жанр: урок–панорама.

Предварительная подготовка: создание мультимедиапрезентации «Средние века. Византийская культура», организация проблемно–поисковых групп и подготовка индивидуальных заданий.

Тема урока, его место в целом программы.

«Мир византийской культуры» - первый урок в разделе «Средние века» за 10 класс МХК по программе Даниловой Г.И.

План урока.

I. Оргмомент.

II. Подготовка к восприятию новой темы. Вводное слово учителя.

III. Изложение новой темы. /Работа по блокам на основе презентации/.

  1. Византийская архитектура.

  2. Искусство мозаики.

  3. Мастерство иконописи.

  4. Музыка Византии.

IV. Закрепление темы. /Оформление таблицы. Выводы/.

V. Подведение итогов. Рефлексия.

VI. Заключительное слово учителя.

VII. Задание на дом.

Ход урока

Эпиграф.

Все на свете уходит – остается искусство.

В Боровицкая.

- Мы начинаем разговор о средневековой культуре. Понять ее развитие и особенности эстетики невозможно без анализа византийской культуры. Объявление цели и задач урока.

Сообщение ученика.

Византия подарила миру искусство, в котором глубочайшая духовность являлась мерилом истинной красоты. Возникнув в Константинополе – столице империи, оно оказало влияние на развитие культур таких стран как Сербия, Болгария, Грузия, Армения, Древняя Русь. В определенной степени, его влиянием были охвачены и страны Западной Европы.

На современной карте этого государства нет. (См. географическую карту Империи Ромеев 4-15 в.в.). Оно прекратило свое существование в мае 1453 года, когда было завоевано турками. Само название этого государства – Империя Ромеев. Она возникла в 395 году, когда император Феодосий, умирая, разделил Римскую империю на 2 части: Западную и Восточную. Последняя была названа историками 19 века Византией. Византия – наследница Античности. Именно византийские переписчики сохранили миру произведения Гомера, Эсхила, Софокла, вплоть до 7 века существовал народный античный театр. Греческий язык оставался разговорным языком.

- На уроке мы, естественно, не сможем охватить весь спектр византийской культуры, а остановимся лишь на некоторых видах искусства: архитектура, мозаика, иконопись, музыка.

Постановка проблемы урока. В чем богатство и многообразие византийской культуры? Каковы художественные особенности византийской культуры?

Задание классу. В процессе работы на уроке оформить таблицу.

(См. образец на доске).

Виды искусства

Примеры

Х Характерные черты различных видов искусства

1. Архитектура

 

 

2. Мозаика

 

 

3. Иконопись

 

 

4. Музыка

 

 

Работа с мультимедиапрезентацией «Средние века. Византийская культура». Первая группа учащихся представляет достижения византийской архитектуры.

  1. Просмотр фрагмента видеофильма «Храмы мира. Путь горний».

  2. Рассказ об особенностях внешнего архитектурного облика и внутреннем убранстве собора Св.Софии в Константинополе.

  3. Выразительное чтение стихотворения О.Мендельштама «Айа–София».

  • Какое настроение передает автор в этом стихотворении?

  • Какие характерные архитектурные особенности собора упоминаются в стихотворении?

Беседа по вопросам.

  • Какое архитектурное сооружение наиболее характерно для раннего этапа византийского зодчества?

  • Какие идеи стремились воплотить строители собора Св. Софии?

  • Какие архитектурные новшества были применены при строительстве собора Св. Софии в Константинополе?

  • Почему в византийской архитектуре базилики были вытеснены крестово-купольными храмами?

Вторая группа рассказывает об искусстве мозаики. (Просмотр второго блока презентации «Мозаики Византии»).

  1. Что такое византийская мозаика.

  2. Выразительное чтение и анализ стихотворения А.Блока «Равенна».

  3. Анализ мозаик Равенны «Императрица Феодора»,»Император Юстиниан со свитой».

Вывод. Характерные особенности мозаики:

  • совершенные композиционные приемы;

  • декоративность;

  • колористические эффекты;

  • сопоставление контрастных цветов;

  • регламентация цветовой гаммы;

  • манера кладки смальты ровными рядами, образующими узор;

  • композиция всегда строилась с круга – сферы, нимба как символа небесного совершенства.

Вопросы классу.

  • Что такое смальта?

  • Откуда в Византию пришло искусство мозаики?

  • Почему искусство византийских мозаичистов приобрело мировую славу? Какими средствами достигался эффект магического воздействия на зрителя?

Третья проблемно–поисковая группа анализирует искусство византийской иконописи.

  1. Что такое икона.

  2. Анализ икон, представленных в презентации: «Сергий и Вакх» - 6 век, «Владимирская Богоматерь» - начало 12 века, «Христос Пантократор»- 14 век.

Обсуждение вопросов.

  • Какое место занимают иконы в православном мире?

  • Как икона «Владимирская Богоматерь» попала на Русь и почему до сих пор является одной из наиболее почитаемых икон?

  • Каковы характерные особенности икон?

Характерные особенности икон:

  • фронтальность изображения (обращенность их к зрителю);

  • строгая симметрия по отношению к центральной фигуре Христа или Богоматери;

  • высокий лоб – средоточие духовного начала;

  • сияющий нимб вокруг головы;

  • пристальный, суровый взор увеличенных глаз;

  • статичность, состояние аскетического бесстрастного покоя;

  • декоративность и условность одежды, подчеркивающей бесплотность, бестелесность фигур;

  • цвет на иконах символичен.

Четвертая группа учащихся представляет музыкальную культуру Византии.

1. Прослушивание «Знаменного распева» и чтение цитаты епископа Иоанна Златоуста.

- Согласны ли вы с мнением автора этих строк?

2. Сообщение учащихся об известных музыкантах и теоретиках церковной музыки, музыкальных инструментах Византии. (Работа с презентацией).

- Какие чувства и мысли пробуждает в вас эта музыка?

Задание. Оформить выводы письменно в тетрадь.

Выводы:

1. В чем проявилась связь византийской культуры с античным искусством, на ваш взгляд?

  • Классичность / правильная передача пропорций человеческого тела, его объема и движений/.

  • В центре внимания художника стоит человек.

  • Искусство выполняло эстетическую функцию и являлось посредником между миром человеческим и божественным.

2. Как вы думаете, каковы основные достижения художественной культуры Византии?

  • Воплощение в жизнь крестово-купольного храма.

  • Синтез различных видов искусств.

  • Ориентированность художественного языка на условность, символику / зарождение иконографии и нотного письма /.

  • Эмоциональное начало, преобладание духовного содержания над физическим совершенством.

3. Какова роль византийской культуры в развитии средневековой культуры, и в частности русской?

  • Принятие христианства на Руси явилось мощным стимулом в развитии культуры.

  • Православная культура развивается по канонам византийского искусства.

  • В средние века Русь становится духовным центром православия

/Москва – третий Рим/.

Рефлексия.

  • Что нового узнали на уроке?

  • Какое открытие сделал каждый из вас?

- Хотелось бы в заключение урока обратить ваше внимание на эпиграф, слова поэтессы В.Боровицкой.

Все на свете уходит – остается искусство.
Цепь веков не прервется голосами поэтов.
Смотрят фрески соборов и полотна портретов.
На земле одряхлевшей будет горько и грустно.
Только пусто не будет, пока живо искусство.

Византийская культура не исчезла с падением Византийской империи. Мы с вами являемся хранителями того огромного пласта мировой культуры, который был создан нашими предками, и имеем возможность изучать и восхищаться этими шедеврами.

Домашнее задание: Зарисовка понравившегося здания.


План урока № 2

Тема: Раннехристианская архитектура. Храм св. Софии в Константинополе

Цели и задачи урока:

  • сформировать представление о храмовом строительстве в Византии на примере храма Святой Софии,

  • способствовать развитию интереса к культуре Византии и ее связи с культурой Руси,

  • развитие умений анализировать, аргументировать свою точку зрения,

  • создать условия для повышения познавательной и творческо-поисковой активности учащихся, развития их личностно-мотивационной сферы сформировать представление о храмовом строительстве в Византии на примере храма Святой Софии,

  • способствовать развитию интереса к культуре Византии и ее связи с культурой Руси,

  • развитие умений анализировать, аргументировать свою точку зрения.

Ход урока

I. Организационный момент.

II. Подготовка к восприятию новой темы. Вводное слово учителя.

III. Изложение новой темы. (Работа по блокам может происходить на основе презентации или использования ЦОР).

  • Город Константина

  • Икона "София премудрость Божия"

  • Как было выбрано место для Святой Софии

  • Как строили Святую Софию

  • Внутреннее великолепие храма Святой Софии

  • Символы храма Святой Софии

  • Образ мира

  • Современники и потомки о храме Святой Софии

  • Прекрасен храм, купающийся в мире

IV. Закрепление темы. (Оформление ответов в рабочем листе). Подведение итогов

V. Заключительное слово учителя.

VI. Задание на дом.

Организационный момент

Подготовка к восприятию новой темы. Вводное слово учителя

Главный вопрос урока.?

Почему образ храма Святой Софии константинопольской до сих пор поражает воображение людей и притягивает к себе своей неповторимостью и величием?

Храм Святой Софии в Константинополе, всемирно известный памятник византийской архитектуры, по словам русского ученого Н.П. Кондакова, "сделал для империи больше, чем многие ее войны".

Византийской культуре удалось сохранить блистательную красоту античного искусства. Она вобрала в себя загадочную неподвижность культуры восточных стран. Но великой ее сделало христианство.

Когда возникла Византийская империя?

Кто основал город Константинополь?

Какой храм являлся символом православной веры?

Что означает выражение "Москва - третий Рим"?

Византия подарила миру искусство, в котором глубочайшая духовность являлась мерилом истинной красоты. Возникнув в Константинополе - столице империи, оно оказало влияние на развитие культур многих стран, в списке которых первое место занимает Древняя Русь.

На современной карте этого государства нет. Оно прекратило свое существование в мае 1453 года, когда было завоевано турками, а возникла в 395 году, когда император Феодосий, умирая, разделил Римскую империю на 2 части: Западную и Восточную. Последняя была названа историками XIX века Византией. На уроке мы, естественно, не сможем охватить весь спектр византийской культуры, а остановимся лишь на одном ее шедевре - храме Святой Софии.

Изложение новой темы. (Работа по блокам может происходить на основе презентации или использования ЦОР.Некоторые вопросы, могут быть подготовлены к уроку учащимися.)

Город Константина.

Символом духовного обновления Римской империи с принятием христианства становится город Константинополь, названный именем основавшего его императора, св. равноапостольного Константина Великого. Новая столица империи находилась на границе Европы и Азии, на берегу моря, удобного для торговли и сообщения, посреди плодородных цветущих холмов и долин.

11 мая 330 года состоялось торжественное освящение города Константинополь город, о котором святитель Иоанн Златоуст сказал, что он - подобен небу, стал культурным и религиозным центром для многих православных народов мира.

Довольно скоро Константинополь приобретает черты римского города: но церкви, устроенные на месте языческих храмов, и крест, царствующий повсюду, говорят нам, что это город христианский.

Храм Святой Софии - его греческое название Айя - София - был самым святым местом Константинополя

Икона "София премудрость Божия".

Икона "София премудрость Божия". Это изображение появилось в Византии. Именно такому образу был посвящен храм Софии Премудрости Божией в Константинополе, который был построен по божественному наитию: по преданию, София как Огненный Ангел явилась сыну одного из строителей, повелев назвать храм Ее именем.

Кто дал имя храму святой Софии, неизвестно. Во всяком случае, в IV веке его уже называли Софией. Протоиерей Г. Флоровский говорит, что "нетрудно сказать, как понимали это имя христиане того времени. ЭтобылоимяХриста, СынаБожия".

Храм был освящен впервые 25 декабря (537 г.) Он стал для византийцев храмом вообще, храмом по преимуществу, средоточием всех молитвенных памятей и воспоминаний.

И вместе с тем стал символом царства, символом царственного достоинства и власти - "мать нашего царства", говорит о Софии уже Юстиниан...

Как было выбрано место для Святой Софии.

На месте будущей Софии император Константин Великий построил небольшую церковь-базилику. Храм был богато украшен: редкий мрамор, серебро, золото, мозаики. Но освящен он был уже при императоре Констанции, в 360 году. Констанций увеличил храм так, что современники стали называть его "великой церковью". В 404 году базилика погибла в пожаре.

Император Феодосий Младший в 415 году отстроил церковь заново. В 532 году при императоре Юстиниане вспыхнуло народное восстание, известное под названием "Ника", в результате которого погиб в огне и многострадальный храм Софии. После этого Юстиниан на месте сгоревшей базилики решил воздвигнуть великолепный храм, который своими размерами и пышностью затмил бы все, что было построено в Константинополе до него.

Как строили Святую Софию.

Для возведения грандиозного храма Юстиниан выкупил у частных владельцев ближайшие участки земли и велел снести находившиеся на них постройки.

Для руководства работами Юстиниан пригласил лучших архитекторов того времени: Исидора Милетского И АнфимияТралльского, которые ранее зарекомендовали Себя возведением церкви Святых Сергия И Вакха . Император поручил строительство двум архитекторам: Анфимию из Тралл и Исидору из Милета.

Траллы и Милет - древнейшие греческие города в Малой Азии. Анфимий отлично знал механику, а Исидор был превосходный ваятель. Первому понадобилось неполных два месяца для создания проекта и подготовки к строительству. Само же строительство продолжалось 5 лет, 10 месяцев и 10 дней - сообщают византийские летописи.

Закладка фундамента состоялась 23 февраля 532 года, а строилась святая София всей империей. В Константинополь прибыли драгоценности, взятые из развалин языческих храмов, терм, портиков, дворцов Азии, Греции, островов Архипелага Италии.

Эфесский претор прислал восемь колонн зеленого с черными пятнами мрамора, взятых из храма Дианы. Римская знатная госпожа Марция пожертвовала восемь изящных порфировых колонн из храма солнца в Бальбеке.

Можно было также видеть редчайшие украшения, привезенные из Троады, Кизика, Афин и Циклад; белый с розовыми жилками мрамор Фригии, зеленый мрамор Лаконии, голубой - Ливии, красный гранит Египта, порфир Саиса.

Кроме мраморных украшений Юстиниан, с целью придать возводимому им храму небывалый блеск и роскошь, использовал на его украшение золото, серебро, слоновую кость.

Юстиниан настойчиво стремился к тому, чтобы храм не имел себе равных по красоте. В своем рвении он зашел так далеко, что весь пол в храме захотел вымостить золотыми плитками. Придворные отговорили императора от этого предприятия. Пол был выложен редким по красоте разноцветным мрамором, порфирой и яшмой.

Многое в строительстве этого храма было необычным, например, известь замешивали на ячменной воде, а в цемент добавляли масло. Для верхней доски престола был "изобретен" новый материал: в растопленное золото бросали ониксы, топазы, жемчуг, аметисты, сапфиры, рубины - все самое дорогое.

Юстиниан достиг поставленной цели. Созданный храм превзошел своим великолепием знаменитый храм в Иерусалиме, построенный царем Соломоном. Когда император вошел в храм в день его освящения 25 декабря 537 года, он воскликнул: "Слава Всевышнему, Который избрал меня для совершения этого великого дела! Я превзошел тебя, Соломон!" Освящение храма было всенародным праздником. Император осыпал серебром народонаселение столицы

Храм Святой Софии поражает размерами и особым, совершенно не передаваемым ощущением внутреннего пространства. Его венчает огромный купол (около 31,5 метра диаметром), в основании которого прорезано 40 окон. Льющийся из них свет создает впечатление невесомости купола, как бы парящего над храмом, подобно небесному своду. Существует легенда о том, что купол Святой Софии подвешен на золотой цепи с неба и ангелы его поддерживают.

Византийский историк Прокопий Кесарийский писал: "Кажется что храм не покоится на твердом сооружении, но в следствии легкости строения, золотым полушарием, спущенным с неба, прикрывает это место. Все это сверх всякого вероятия искусно соединенное в высоте, сочетаясь друг с другом витает в воздухе"

Вопросы.

Почему Юстиниан настойчиво стремился к тому, чтобы храм не имел себе равных по красоте?

Что означают слова Юстиниана "Слава Всевышнему, Который избрал меня для совершения этого великого дела! Я превзошел тебя, Соломон!"?

Какие архитектурные новшества были применены при строительстве собора Святой Софии?

Внутреннее великолепие храма Святой Софии.

Несомненно, что внутреннее великолепие храма превосходит самое смелое воображение. Золото для сооружения престола в алтаре было сочтено недостаточно драгоценным, и для этого употребили особый сплав из золота, серебра, толченого жемчуга и драгоценных камней, так что поверхность престола имела 72 разных цвета и оттенка.

Все священные богослужебные предметы - чаши, сосуды, ковчежцы - были из самого чистого золота и ослепляли сверканием драгоценных камней; книги Священного Писания с их золотыми переплетами и застежками немало весили. Из золота были все священные принадлежности и предметы придворного церемониала, при короновании и разных византийских церемониях, славящихся своей сложностью и пышностью.

Шесть тысяч канделябров в виде громадных гроздей, столько же переносных подсвечников, каждый весом в 45 кг. Мозаики на куполе сверкали от сияния канделябров, серебряные лампады висели на бронзовых цепях, бесчисленные огни отражались в мозаиках и драгоценных камнях.

Врата были из слоновой кости, янтаря и кедрового дерева с наличниками из позолоченного серебра. В притворе находился яшмовый бассейн со скульптурами львов, извергавших воду.

В Дом Божий могли входить, только омыв ноги.

Вопросы.

Почему храм Святой Софии приобрёл необычайное значение?

Почему Юстиниан не жалел средств на украшение этого здания?

Попробуйте перечислить все материалы, которые были использованы для украшения храма Святой Софии

Символы храма Святой Софии.

В храме Святой Софии выражены две идеи.

Первая - могущество христианства, воплощенная в огромном, непринужденно разворачивающемся пространстве, контрасте светлых и темных мест.

Вторая - зависимость церкви от государства - проступает в декоре храма, схожем с парадными залами императорского дворца.

Благодаря своей величественной архитектуре и убранству главное святилище всего государства внушало мысль о мощи Византийской империи и церкви. Этому служили и размеры храма, рассчитанного на многотысячные людские толпы, и роскошь отделки интерьера цветным мрамором и декоративной мозаикой, и великолепие церемоний, происходивших в храме. Именно в здании нового типа, в купольной базилике св. Софии, наиболее последовательно выражены характерные для византийского искусства тенденции к грандиозности, величественной пышности и торжественности.

Стремление византийцев приводить любую форму к божественному символу обусловило появление и утверждение христианской архитектурной символики, которая принята и сегодня. Четыре стены под одной крышей символизируют четыре стороны света под покровительством единой церкви.

Вопрос.

Какие идеи стремились воплотить строители собора?

"Образ мира".

Византийский храм восхищал современников не только совершенством своих архитектурных форм. Мраморные орнаменты пола, великолепно украшенные одеяния священников, гармоничное пение, тщательно продуманные церемонии религиозных обрядов - всё это глубоко воздействовало на верующих. Интерьер храма был богато украшен произведениями скульптуры, декоративно-прикладного искусства и в особенности живописи.

Храм являл собой образ мира. А поскольку христианство видело в мире определенную иерархию, то эта иерархия обязательно проявлялась в устройстве и оформлении церквей. Существовали строгие правила изображения библейских сцен и их размещения в пространстве храма. Эти правила именуют каноном. Чем важнее было то, что изображалось, тем выше или ближе к алтарю его помещали.

Прежде всего, глаза и мысли входящего в церковь обращались к куполу, олицетворяющему небесный свод. Поэтому там часто изображали Христа в окружении ангелов. От купола взор обычно опускался на алтарь, где фигура Богоматери напоминала о связи Бога и человека.

На четырёх парусах часто изображали четырёх авторов Евангелий. Дальше глаз переходил к изображениям эпизодов земной жизни Богоматери и Христа в том порядке, как они описаны в Евангелиях: от Благовещения через Рождество, Крещение и Распятие к Вознесению.

Ниже были изображены те, чья деятельность связана с Христом: пророки, предсказавшие его пришествие, апостолы - его ученики, мученики, пострадавшие за веру в него, цари, его земные наместники, епископы, возглавлявшие церковь. В западной части церкви могли помещаться изображения, связанные с темой Страшного суда. Храм как бы преодолевал разрыв земли и неба, он заключал в себе всё пространство и всё время.

Вопрос.

Почему храм Святой Софии называют "образом мира"?

Современники и потомки о храме Святой Софии.

Знаменитый византийский писатель Прокопий Кесарийский (ок. 500 - после 565) современник строительства, описывая постройки императора Юстиниана, восторженно описывает собор Святой Софии: "Всякий раз, как кто-нибудь входит в этот храм, чтобы молиться, он сразу понимает, что не человеческим могуществом или искусством, но Божиим соизволением завершено такое дело".

Прокопий Кесарийский: "Этот храм представлял чудесное зрелище, - для смотревших на него он казался исключительным, для слышавших о нем - совершенно невероятным. В высоту он поднимается как будто до неба и, как корабль на высоких волнах моря, он выделяется среди других строений, как бы склоняясь над остальным городом, украшая его как составная его часть, сам украшается им, так как, будучи его частью и входя в его состав, он настолько выдается над ним, что с него можно видеть весь город, как на ладони".

Послушаем снова Прокопия Кесарийского: "Кто оценил великолепие колонн и мраморов, которые украшают храм? Кажется будто находишься на роскошном лугу, покрытом цветами. Можно ли остаться равнодушным перед пурпурной и изумрудной отделкой? Багровый цвет меняется белым, как солнце. Такое впечатление, что художником здесь была сама природа".

Поэт VI века Павел Силенциарий, так воспевал красоту храма Святой Софии:

Все здесь дышит красотой, всему подивиться немало
Око твое, но поведать каким светозарным сияньем
Храм в ночи освящен, и словно бессильно, ты молишь:
Некий ночной Фаэтон, сей блеск излил на святыню.

"Блеск золота, разнообразие цветов и теней, величавые мозаические изображения Иисуса Христа и святых в их цельном первоначальном виде должны были производить неотразимое впечатление на зрителя. Под влиянием таких впечатлений никто, вступив в этот храм, уже не пожелает отсюда возвратиться назад" - писал Павел Силенциарий

Русский паломник Антоний Новгородец, составивший описание Константинополя перед его разграблением крестоносцами в 1204 году, следующее даёт описание алтаря собора:

"Во олтари же великом над святою трапезою великою, под катапетазмою, повешен Коньстянтинов венец, и у него же повешен крест, под крестом голубь злат; и иных царей венцы висят окрест катапетазмы. Тажькатапетазма вся сотворена от злата и сребра, а столпияолтарьныя и амбон все сребряно ... И се же чудо и страшно и святое явление: во святей Софии во олтари великом за святым престолом стоит крест злат, выше двою человек от земля с камениемдрагим и жемчугом учинен, а пред ним висит крест злат полутора локтий ... перед ним три золотых лампады, в которых горит масло, эти лампады и крест соорудил царь Юстиниан, строитель церкви".

Каждаан Алексаандр Петроович - российский историк - византинист-один из крупнейших специалистов XX века по Византии так описывает храм Святой Софии в книге "У стен Царьграда": "Главный Константинопольский храм назван церковью Святой Софии - по-нашему Божественной мудрости: Мы входим в притвор, украшенный изображениями императоров, и оттуда через серебряную дверь попадаем в храм. И сразу замираем, пораженные: снаружи церковь не казалась такой грандиозной, как внутри.

В бесконечную высоту взлетает купол, залитый мягким светом, струящимся из сорока окон уего основании.

Внезапно ты чувствуешь; над тобой - не свод, сложенный умелыми мастерами: Над тобой - небосвод легкий, воздушный, парящий над землей; он не опирается на колонны, он висит сам по себе, охватывая весь храм, словно божественная сфера"

Вопросы.

Что общего в описании Святой Софии у современников и потомков?

Какое впечатление производит храм Святой Софии на зрителя, какие чувства вызывает? Попробуйте объяснить, чем вызвано это впечатление?

Прекрасен храм, купающийся в мире.

Стихотворение Осипа Мандельштама "Айя-София" написано в 1912 году. Мандельштам не бывал в Константинополе и не видел храма Святой Софии, но в это верится с трудом. Торжественная ритмика его строк предельно точно передает впечатление от величественной архитектуры.

Давайте пройдем по храму с томиком Мандельштама в руках и попытаемся прокомментировать некоторые строки его стихотворения.

Айя-София - здесь остановиться
Судил Господь народам и царям!
Ведь купол твой, по слову очевидца,
Как на цепи, подвешен к небесам.
И всем векам - пример Юстиниана,
Когда похитить для чужих богов
Позволила Эфесская Диана
Сто семь зеленых мраморных столбов.
Но что же думал твой строитель щедрый,
Когда, душой и помыслом высок,
Расположил апсиды и экседры,
Им указав на запад и восток?
Прекрасен храм, купающийся в мире,
И сорок окон - света торжество;
На парусах, под куполом, четыре
Архангела прекраснее всего.
И мудрое сферическое зданье
Народы и века переживет,
И серафимов гулкое рыданье
Не покоробит темных позолот.

Вопросы.

Какое настроение передает автор в этом стихотворении?

Какие особенности Софийского собора описывает автор?

Кого имеет в виду автор под словами "строитель щедрый"?

Какие характерные архитектурные особенности упоминаются в стихотворении?

IV. Закрепление темы. (Оформление ответов в рабочем листе). Подведение итогов

V. Заключительное слово учителя.

В конце X века, когда Владимир выбирал веру для Руси, его послы были на богослужении в соборе Святой Софии и так вспоминали об этом: "Ввели нас туда, где служат они Богу своему, и не знали - на земле или на небе мы: ибо нет на земле такого зрелища и красоты такой, и не знаем, как и рассказать об этом - знаем мы только, что пребывает там Бог с людьми". Не случайно именно Софии - Премудрости Божией были посвящены грандиозные соборы, построенные в XI веке в Киеве и Новгороде.

В заключение урока хочу обратить ваше внимание на слова поэтессы Валентины Боровицкой:

":Все на свете уходит - остается искусство.
Цепь веков не прервется голосами поэтов.
Смотрят фрески соборов и полотна портретов.
На земле одряхлевшей будет горько и грустно.
Только пусто не будет, пока живо искусство".

Церковь Святой Софии, Мудрости Божией - уникальный образец византийской архитектуры. Это выдающееся произведение искусства на протяжении многих веков стало примером для архитекторов. Обращая свои взоры на Софию Константинопольскую, строили соборы в Киеве и Новгороде русские зодчие.

Византийская культура не исчезла с падением Византийской империи. Мы с вами являемся хранителями того огромного пласта мировой культуры, который был создан нашими предками, и имеем возможность изучать и восхищаться этими шедеврами.

VI. Задание на дом.

Написать сочинение эссе "Почему Святая София восхищала современников и продолжает восхищать потомков?"

VII. Список используемой литературы и интернет-ресурсов:

  1. Кондаков Н. П. Византийские памятники и церкви Константинополя., М, 2006

  2. Лазарев В.Н. Византийское и древнерусское искусство. М., 1978

  3. Малая история искусств. Искусство средних веков М.,1975

  4. Энциклопедия для детей. Искусство. Том 7. М. : Аванта+,1998.

  5. А. Каждан "У стен Царьграда" Издательство: Детская литература. Москва, 1965

  6. Смирнов С.Г. Задачник по истории средних веков. М. 1995.

  7. Мирошниченко Е. И. О некоторых аспектах византийской культуры

  8. history.nsc.ru>:history:custom:Miroshnichenko.pdf

  9. vizantia.info>docs/20.htm

  10. school-collection.edu.ru>Каталог>

  11. marysasch.livejournal.com>42378.html

  12. http://church.ru/theology/florovsky/sophia.htm

План урока № 3,4


Тема: Византийская иконопись

Тип урока: комбинированный урок

Форма: беседа

Цели урока:

Образовательные: сформировать представление о роли церковного интерьера в византийском храме, о синтезе искусств, воплощенном в стенных и плафонных росписях; об особенности иконописных изображений; о роли иконописца.

Развивающие: развитие внимания, умения выделять главное, формулировать вопросы, работать с новыми понятиями;

Воспитательные:. выслушивать мнение товарищей, воспитание, повысить уровень культуры учащихся, формировать положительную «Я-концепцию»: умения аргументировать свою позицию, привить интерес к предмету.

Методы: объяснительно-иллюстративный, репродуктивный

Основные понятия: мозаика, иконопись, икона, иконография.

Оборудование:

для преподавателя: :проектор, мультимедийный экран, компьютерная (авторская) презентация к уроку «Византийская иконопись», раздаточный материал, карточки (для проведения рефлексии), план-конспект урока

для учащихся: тетрадь, ручка

Литература: Энциклопедия для детей. Т. 7. Искусство. Ч.1. 2 Издательство АВАНТА+

http://www.bibliotekar.ru/Iskuss1/1.htm - ВСЕОБЩАЯ ИСТОРИЯ ИСКУССТВ Том 2. Искусство средних веков. Книга первая

http://ikons-allart.do.am- Византийская иконопись. Часть 1, 2

документальный фильм «София Константинопольская»



Ход урока

Слад 1- (Внутренний вид храма Софии). Храм Святой Софии по-настоящему великолепен. Её стены и полы покрыты мрамором. Капители колон (всего 107 колон) покрыты тонкой резьбой. И по всему зданию искрятся золотом прекрасные мозаики.

Когда вы находитесь внутри, невозможно понять архитектурную организацию пространства, потому что столько слоев света, льющегося из окон, пересекаются и заходят один на другой. Отражение на мраморе, мозаиках и стенах, которые выглядят не как стены, а как ряды колон.

Слайд 2 – (Мозаика изображения креста на золотом фоне). Но интерьер первого собора Юстиниана выглядел гораздо менее броско, чем сегодня. Интерьер собора (Ая-София) отличается времен правления Юстиниана. Многие мозаики были созданы веками спустя: портрет императора и его семьи, изображение Христа-всё это добавлялось уже не во время правления Юстиниана. Вместо портретов, большая часть мозаик представляла собой простые изображения креста на золотом фоне. Первопричина этого кроется в религии. В Византии были сложности в этом вопросе, потому что отношения к изображению святых воспринималась людьми неоднозначно. Поэтому многие старались вообще избегать изображения святых.

Слайд 3 – (агнец – Христа, добрый пастор, Христос). В первые три века христианства были распространены символические и аллегорические изображения. Христа изображали в виде агнца, якоря, корабля, рыбы, виноградной лозы, доброго пастыря. Только в IV-VI вв. стала складываться иллюстративно-символическая иконография, ставшая структурной основой всего восточно-христианского искусства, искусство: архитектура, иконопись, мозаика.

Слайд 4 – (мозаика с изображением Христа). Мозаики, сохранившиеся в храме датируются более поздним временем-XII веком. Деисус – (в переводе с греческого) означает прошение, моление. Это иконографическая композиция с изображением Христа посередине и обращенных к нему в молитвенных позах Богоматери, Иоанна Крестителя и других святых. Основной смысл деисусной композиции — посредническая молитва, заступничество за род людской перед лицом грозного Небесного Царя и Судии.

Слайд 5 – (термин Мозаика, фреска.). Культура Византии славилась не только шедеврами архитектуры. Не менее успешно развивались и другие виды, и жанры искусства — мозаика, фреска, иконопись, книжная миниатюра, литература. Особого выделения заслуживает, прежде всего, мозаика. Мозаика (буквально переводиться - посвящённое музам), изображение или узор, выполненные из однородных или различных по материалу частиц (камень, смальта, керамические плитки и пр.), один из основных видов монументального искусства. Позже наряду с мозаиками всё чаще использовались фрески. «Фреска» происходит от итальянского выражения «a fresco» — письмо по сырому, еще свежему известковому грунту красками (пигментами), разведенными водой или краской. К достоинствам фрески относится быстрота исполнения и выразительность цвета.

Слайд 6 – (мозаика из храма Софии). Особенность византийской мозаики. Разноцветные стеклянные кубики, имеющие неправильную форму, мало того! - еще и выкладывались под углом друг к другу - образовывали неровную поверхность. В силу этого свет от нее отражается под разными углами, создавая не равномерный холодный зеркальный блеск, а волшебное сияющее мерцание, словно трепещущее в полутьме храма, так сказать, "дематериализация реального мира"). 

Крупнейший исследователь византийской живописи В.Н. Лазарев писал: «Входя в этот небольшой, скудно освещенный интерьер, сразу ощущаешь себя перенесенным в иной, неземной мир, где все дышит чудом и где на всем лежит печать необычного и драгоценного». Действительно, стены церкви кажутся выложенными драгоценными камнями — густо-синими сапфирами, кроваво-красными рубинами, изумрудами цвета весенней травы. Кроме того, в качестве одного из основных пигментов византийцы использовали настоящее золото.

Слайд 7 –(храм святой Софии с мечетями). В 1453 году турецкий султан Мехмед II Завоеватель во главе 200-тысячного войска осадил Константинополь. Дни Византии были сочтены, но император Константин XI Палеолог отрекаться от престола не стал, а возглавил отряд последних защитников империи — 14 тыс. бойцов. Византийцы героически сопротивлялись, но силы были неравны. 29 мая турки ворвались в город. 1453 год-Константинополь пал под натиском Османской империи и собор был превращен турками в мечеть, получив четыре красивых минарета, чтобы призывать правоверных к молитвам, а голубая мечеть, точно напротив него показывает какое влияние, оказал храм София и на внешний вид мусульманских мечетей.

Он остается великим символом, как для христиан, так и для мусульман. Храм Святой Софии по-настоящему величественное сооружение античности.

Слайд 8 – (мозаика Богоматерь с младенцем). Восстановление интерьеров Святой Софии началось в 1932 году. А в 1934 году мечеть в храме Святой Софии была упразднена, а вместо нее открыт музей, где можно видеть расчищенные мозаичные образы Богоматери с Младенцем, Христа Пантократора и другие шедевры византийских мастеров. «Посетитель и ныне испытывает совершенно особое чувство в этом храме, купол которого как бы являет собой небесную сферу, опрокинутую над головой, — писал известный искусствовед Л.Д. Любимов.

Слайд 9 – (поясное изображение Христа Пантократора (Вседержителя). К XI в. сложился законченный, классический стиль византийской мозаики. Он отличается строгой системой расположения сюжетов, иллюстрирующих и раскрывающих основные темы и догматы христианства. По этой системе в куполе храма помещается поясное изображение Христа Пантократора (Вседержителя), в алтаре-апсиде фигура Богоматери-Оранты, молящейся с воздетыми руками. По сторонам от нее даются фигуры архангелов, а в нижнем ряду — апостолов. Именно в таком стиле исполнены многие мозаичные циклы XI-XI1 вв. как в самой Византии, так и за ее пределами.

Слайд 10 – (мозаика Богоматери-Оранты). Ора́нта (от лат. orans — молящийся) — один из основных типов изображения Богоматери, представляющий Её с поднятыми и раскинутыми в стороны руками, раскрытыми ладонями наружу, то есть в традиционном жесте заступнической молитвы.

Слайд 11 – (фигуры архангелов).

Слайд 12 – (фигуры апостолов).

Слайд 13 – (термин – иконопись). ИКОНОПИСЬ - христианская (главным образом православная) станковая культовая живопись - энкаустика, в средние века преимущественно темпера на дереве, позже масляная живопись. В средневековой иконописи в условных отвлеченных формах (золотой фон, плоскостность, религиозная символика) воплощались общественные и эстетические идеалы, что делает иконы значительными произведениями искусства.

Слайд 14 – (книжная миниатюра + фаюмский портрет). Византия - родина иконописи. Корни изобразительных приемов иконописи, с одной стороны, - в книжной миниатюре, от которой заимствовано тонкое письмо, воздушность, утонченность палитры. С другой - в фаюмском портрете, от которого иконописные образы унаследовали огромные глаза, печать скорбной отрешенности на лицах, золотой фон. Фаюмский портрет - часть погребального восточного культа. Изображаемый как бы пребывал в потустороннем мире. Такие портреты выполнялись в технике энкаустики восковыми красками, вжигаемыми в фон, что придавало портрету телесную теплоту. Задачи иконописи - воплощение божества в телесном образе.

Слайд 15 - (термин – икона). Икона(греч. образ, изображение) - изображение Иисуса Христа, Богородицы, какого-либо святого, евангельского или церковно-исторического события. Она должна была напоминать о том образе, который вспыхивает в сознании молящегося. Это "мост" между человеком и божественным миром, священный предмет. Христианским иконописцам удалось выполнить сложную задачу: передать живописными, материальными средствами нематериальное, духовное, бесплотное. Поэтому для иконописных изображений характерна предельная дематериализация фигур, сведенных к двумерным теням на гладкой поверхности доски, золотой фон, мистическая среда, не плоскость и не пространство, а нечто зыбкое, мерцающее в свете лампад. Золотой цвет воспринимался как божественный не только, глазом, но и разумом. Верующие называют его "фаворским", ибо, согласно библейской легенде, преображение Христа произошло на горе Фавор, где его образ предстал в ослепляющем золотом сиянии. В то же время Христос, Дева Мария, апостолы, святые были реально жившими людьми, имевшими земные черты.

Роль иконописца. Иконописец, приступая к работе, всегда помнил, что осмеливается писать своей рукой вечное и Божественное. Считалось, что создание иконы зависит не только от умения мастера, но и от его души, веры и, самое главное, от помощи самого Бога. Поэтому на иконах никогда не ставили имени мастера - человек не мог быть творцом святости. По этой причине мы почти не знаем имен иконописцев, а те, что известны, дошли до нас благодаря свидетельству летописей.

Слайд 16 – (икона Григория Чудотворца. XII в.). К числу выдающихся образцов иконописи данного периода относится икона Григория Чудотворца (XII в.), которую отличает глубокая одухотворенность, тонкий рисунок и насыщенный цвет. Структура иконы и технология иконописи складывалась в русле представлений о ее назначении: нести священный образ. Иконы писали и пишут на досках, чаще всего кипарисовых. Несколько досок скрепляют шпонками. Сверху доски покрывают левкасом - грунтом, изготовленным на рыбьем клею. Левкас полируют до гладкости, а затем наносят изображение: сначала рисунок, а потом живописный слой. В иконе различают поля, средник - центральное изображение и ковчег - узкую полоску по периметру иконы. Иконографические образы, разработанные в Византии, тоже строго соответствуют канону.



Слайд 17 – (основные отличия иконы от картины).

Икона

Картина

Икона – откровение Божие.

Картина - это творческий образ, созданный фантазией художника

Мировоззрение иконописца -мировоззрение Церкви.

Является формой передачи его собственного мировоззрения.

Икона - вне времени, она символ инобытия в нашем мире. Авторство иконописца намеренно скрывается, так как икона - творение соборное

Картине присуща индивидуальность автора. Характерное цветовое решение, своеобразная живописная манера.

Кисть иконописца бесстрастна, личные эмоции не должны иметь место.

Картина эмоциональна, она принадлежит духовному миру художника.

Икона - средство для общения с Богом и святыми.

Картина – место для общения с автором и его идеями.

Для иконы характерна обратная перспектива.

Картина построена по законам прямой перспективы.

Слайд 18 – (икона Владимирской Богоматери – XII в.). Особо необходимо отметить икону Владимирской Богоматери (XII в.), которая стала на Руси главной иконой Русской православной церкви и остается ею вплоть до наших дней. Изображенная на ней Богоматерь с младенцем наделена проникновенным выражением и при всей своей святости и духовности наполнена глубокой человечностью и эмоциональностью. Расцвет византийской иконописи относится к XII-XIV векам. Икона Владимирской Богоматери, один из знаменитейших шедевров той эпохи, тогда же была привезена из Византии на Русь. А позже, в XIV веке, на Руси творил величайший греческий художник Феофан Грек, принадлежавший уже не только византийскому, но и древнерусскому искусству.

Византийская культура оказала огромное влияние на всю средневековую Европу и многие страны Азии. Византийские мастера работали в разных странах, у них учились местные архитекторы и художники. Особенно велико было значение Византии для развития культуры славянских стран, Армении и Грузии.

Слайд 19 – (икона Двенадцать апостолов. XIV в.). Очередной и последний период расцвета иконописи приходится на XIV-XV вв., от которого сохранилось большое количество прекрасных икон. Как и вся живопись, иконопись данного периода претерпевает заметные изменения. Усложняется цветовая гамма, чему способствует использование полутонов. Усиливаются естественность и человечность изображаемых фигур, они становятся более легкими и подвижными, нередко изображаются в движении.

Выдающимся образцом подобной живописи является икона «Двенадцать апостолов» (XIV в.). Изображенные на ней апостолы предстают в разных позах и одеждах, они держатся свободно и раскованно, как бы беседуют между собой. Передние фигуры больше задних, их лица объемны благодаря использованию тонких бликов. В XV в. в иконописи усиливается графическое начало, иконы исполняются со штриховкой тонкими параллельными линиями.

Слайд 20 – (Феофан Грек, иконы в Благовещенском соборе Московского кремля). Подобно архитектуре и мозаике, иконопись нашла широкое распространение за пределами Византии. Многие византийские мастера успешно трудились в славянских странах — Сербии, Болгарии, Руси. Один из них — великий Феофан Грек — создавал свои произведения в XIV в. на Руси. От него дошли до нас росписи в Церкви Спаса Преображения в Новгороде, а также иконы в Благовещенском соборе Московского Кремля.

Слайд 21 – (вопрос). Какой главный вклад в мировую духовную культуру внесла Византия?

Слайд 22 – (вывод: ответ). Главный вклад в мировую духовную культуру Византия внесла, прежде всего, через утверждение и развитие православного христианства. Не менее значительным был также ее вклад в художественную культуру, в развитие архитектуры, мозаики, иконописи, литературы. Следует особо отметить ее благотворное влияние на становление и развитие русской культуры

Слайд 23 – (самостоятельная работа). Посмотреть в Интернете видеоролик «Равеннское пение» (римо-византийское), V-VIII вв.,; рассмотреть мозаики Равенны, их колорит.


Основные термины

Мозаика (буквально переводиться - посвящённое музам), изображение или узор, выполненные из однородных или различных по материалу частиц (камень, смальта, керамические плитки и пр.), один из основных видов монументального искусства.

Фреска происходит от итальянского выражения «a fresco» — письмо по сырому, еще свежему известковому грунту красками (пигментами), разведенными водой или краской. К достоинствам фрески относится быстрота исполнения и выразительность цвета.

Икона(греч. образ, изображение) - изображение Иисуса Христа, Богородицы, какого-либо святого, евангельского или церковно-исторического события. Она должна была напоминать о том образе, который вспыхивает в сознании молящегося. Это "мост" между человеком и божественным миром, священный предмет.

ИКОНОПИСЬ - христианская (главным образом православная) станковая культовая живопись - энкаустика, в средние века преимущественно темпера на дереве, позже масляная живопись.


основные отличия иконы от картины

Икона

Картина

Икона – откровение Божие.

Картина - это творческий образ, созданный фантазией художника

Мировоззрение иконописца -мировоззрение Церкви.

Является формой передачи его собственного мировоззрения.

Икона - вне времени, она символ инобытия в нашем мире. Авторство иконописца намеренно скрывается, так как икона - творение соборное

Картине присуща индивидуальность автора. Характерное цветовое решение, своеобразная живописная манера.

Кисть иконописца бесстрастна, личные эмоции не должны иметь место.

Картина эмоциональна, она принадлежит духовному миру художника.

Икона - средство для общения с Богом и святыми.

Картина – место для общения с автором и его идеями.

Для иконы характерна обратная перспектива.

Картина построена по законам прямой перспективы.


План урока № 5,6

Тема урока: Византийский орнамент.

Цель урока: Рассказать детям о Византийском орнаменте.

Ход урока


Византийское искусство — очень важная историческая эпоха, время создания нового христианского искусства и в то же время — утонченного, богато орнаментированного светского, придворного искусства. Византийский декор изобразительно развился в недрах эллинистической и римской художественных культур. Большое влияние на византийскую орнаментикуоказало персидское и арабское искусство, из которых формально использовали орнаментальную схему и повышеннуюдекоративность. В византийском декоре появились изображениявосточного мифологического фольклора: драконы, грифоны (сочленение льва с орлом), сэнмурвы (собаки-птицы). Из сасанидского Ирана пришло изображение кушти (ленточки выше копыт на ногах лошади), которые являлись признаком божественной избранности всадника, удостоверением его святости. Сказалось влияние кельтской орнаментики: перевивающиеся растения и ленточные сплетения. Ввизантийском орнаменте активно используются зооморфные мотивы — как реальные, так и фантастические, наделенные определенными символами, аллегориями, поэтическими иносказаниями. Наиболее распространенными были изображенияльвов, леопардов, волков — одним словом, тех животных, которые олицетворяли мощь, победу, силу, отвагу. Из птиц предпочтение отдавали павлинам, голубям, орлам. Растительныемотивы — это разнообразные вариациипальметок, часто трех-лепестковых и пятилепестковых, гибкие стебли и листья, виноградная кисть, колос пшеницы, лавровый венок, оливковая ветвь, а также «византийский цветок», своеобразное порождениевизантийской орнаментики, где живой природный мотив и егоабстрагирование тесно связаны.Византийский орнаментhttp://img1.liveinternet.ru/images/foto/b/1/apps/1/308/1308735_image001_12.jpg

«Византийский цветок» — просто узор, без подтекста и символики. Появляются в декоре Византии эмблемы и символы новой религии, например,изображение креста, рисунок которого очень разнообразился, монограмма Христа, голубь, рыба, барашек, павлин и др.

Домашнее задание :Зарисовать любой орнамент в тетрадь




План урока № 7,8

Тема: Европейское искусство средневековья

Цель: формирование у учащихся представлений о художественной культуре Средневековья.

Задачи:

  • Ознакомить учащихся и истоками и характером романского и готического стилей;

  • Выявить отличительные особенности романского и готического стилей; развивать познавательную активность;

  • Воспитывать нравственно-эстетическое восприятие мира искусства, интерес к искусству и его истории.

Оборудование: презентация.

Ход урока


СЛОВАРЬ УРОКА:

СОБОР – главный храм города или монастыря.

БАЗИЛИКА – здание, разделенное внутри продольными рядами столбов или колонн на несколько частей – нефов.

НЕФ (корабль) – вытянутая в длину, обычно прямоугольная в плане, часть помещения храма, разделённого рядами колонн, арок или столбов.

ПОРТАЛ – архитектурно оформленный вход в здание или храм.

КОЛОННА – обработанный круглый в сечении столб, частями которого являются: ствол (фуст), база, капитель.

КАНОН – свод норм и правил.

ВИТРАЖ – сюжетная или декоративная картина из кусков цветного стекла, вставленная в проем окна, двери.

РОЗА – круглое окно с фигурными переплетами и витражами над входом в храм.

ФРЕСКА – живопись по сырой штукатурке.

МОЗАИКА – изображение или узор, выполненный из отдельных, очень плотно пригнанных цветных камей или мрамора.

АЛТАРЬ – восточная часть христианского храма, отделенная от основной части храма алтарной преградой или иконостасом.

КОНТРФОРС – вертикальный и суживающийся кверху выступ стены, принимающий на себя ее распор и усиливающий ее устойчивость.

КРИПТА – сводчатые подземные помещения храма, где находились почетные места погребений.

ТИМПАН – полукруглое пространство над центральным входом в храм, оформленный рельефом с изображением сцен страшного суда.

В тетради вам необходимо заполнить таблицу «Стили в архитектуре средневековья».


РОМАНСКИЙ СТИЛЬ


ГОТИЧЕСКИЙ СТИЛЬ



Отметку вы получите за выполнение входного теста, работу в тетрадях, группах и индивидуально, а также за выполнение итогового задания «Я СТОЮ ПЕРЕД РОМАНСКИМ (ГОТИЧЕСКИМ) СОБОРОМ».

Изучив тему сегодняшнего урока, работая в группах, вам надо будет представить выполненные своими руками примеры искусства эпохи средневековья и объяснить, к какому виду изобразительного искусства


В истории западноевропейского средневекового искусства различают три периода:

-- искусство раннего средневековья (5 – 9 века);

-- романское искусство (10 – 12 века);

-- готическое искусство (12 – 15 века).

Каждый из этих периодов обладал неповторимым своеобразием, однако на протяжении всего средневековья сохранились общие черты культуры.

После варварского завоевания Западной Европы ощущается культурный упадок. Были утрачены навыки каменного строительства, ремесленные изделия и произведения изобразительного искусства уже не ценились так высоко, как в античную эпоху. Римские статуи, храмы, общественные здания воспринимались варварами как проявление чуждой, языческой культуры.

Достижения разрушенной цивилизации начинают восприниматься более образованной частью общества. В это время развивается искусство рукописной книги.

Возрождение раннего средневековья связано с именем великого государя франков.

-- Назовите его имя?

ОТВЕТЫ УЧЕНИКОВ.

Им был выстроен дворцовый комплекс в Аахене.

Развитие искусства определяла церковь. Она установила правила изображения - КАНОН. Ему должен были следовать средневековые мастера фресковой живописи и мозаики, книжной миниатюры.

Гордые римляне в пору расцвета империи утверждали: «Все дороги ведут в Рим!». Потом эту поговорку позабыли. И было время, когда мостовые древнего города поросли травой. Но в 1000 году н. э. по всем дорогам Европы потянулись в Рим десятки тысяч людей.

Уже в середине декабря город был переполнен. Жили на улицах, в садах, на площадях. Казалось, нет больше свободного места. А люди всё приходили и приходили. Несмотря на многолюдство, в городе царила непривычная тишина. И жители Рима, и пришедшие ходили в темных одеждах, молчаливые и задумчивые.

Все ждали конца света. Он должен был наступить, по утверждениям монахов, с началом нового тысячелетия, в ночь с 31 декабря на 1 января.

Пророчествам верили безусловно. А как было не верить, когда сама жизнь, каждый день убеждали в наступлении страшных времен: нападение жестоких племен норманнов и венгров, неурожаи, голод, свирепствовали тиф и чума, землетрясения.

В канун наступления Нового года и нового тысячелетия все пришедшие в Рим потянулись к базилике святого Петра, которая стояла на месте старого цирка, где римский император Нерон дикими зверями травил первых христиан.

Когда колокол ударил полночь, вся толпа пала на землю. Страшный рев потряс Рим и его окрестности. Все возопили: «Господи, помилуй!». Но вот колокол пробил последний раз, и ничего не произошло, ничего не случилось. Возликовавшая толпа запела: «Тебя, Господи, хвалим!».

И наступило утро 1 января 1001 года.

После этих событий по всей территории западной Европы разворачивается глобальная стройка. Строят церкви, храмы, монастыри дабы отблагодарить господа за подаренное спасение.

«Их строили даже тогда, - пишет один монах-летописец, - когда в том не было необходимости… Казалось, что мир стряхивал свои отрепья, чтобы весь приукраситься белым нарядом церквей».

Зодчество (архитектура) в средние века стало ведущим искусством, о чем свидетельствует тогдашнее грандиозное строительство.

В 11 веке каменное строительство разворачивается по всей Европе.

При сооружении каменных зданий средневековые мастера сталкиваются с рядом технических трудностей, связанных с возведением перекрытий: деревянные балки и

потолки часто горели; каменные же конструкции (арки, купола, своды) имели полукруглые очертания и как бы стремились раздвинуть стены постройки. Чтобы этого не произошло, романские зодчие делали очень толстые стены, массивные столбы и опоры.

Главными видами архитектурных сооружений были РЫЦАРСКИЙ ЗАМОК, МОНАСТЫРСКИЙ АНСАМБЛЬ.

Что такое замок? Каким должен быть его внешний вид?

В эпоху междоусобных войн нападениям подвергались и монастыри, и храмы. Какие черты присущи всем этим сооружениям? Какие особенности романской архитектуры вы можете выделить? Предположите, почему этот архитектурный стиль назывался РОМАНСКИМ?

ОТВЕТЫ УЧЕНИКОВ.

Ярче и полнее всего особенности романского стиля прослеживаются в храмах, построенных в 9 – 12 веках.

В основу романского храма легла древнеримская БАЗИЛИКА – это вытянутое в плане сооружение, внутреннее пространство которого разделено колоннами на три или пять нефа. НЕФ – продольная часть базилики.

Центральный неф шире боковых. Каждый неф завершается полукруглым выступом - АПСИДОЙ. В апсидах располагается АЛТАРЬ - место для богослужения.

Ближе к алтарю продольные залы пересекались поперечным нефом, так что в плане храмы представляют собой латинский крест.

Центральный вход в храм, называемый ПОРТАЛОМ, располагается с западной стороны храма.

В романском храме впервые встречается ПЕРСПЕКТИВНЫЙ ПОРТАЛ (демонстрация образца макета перспективного портала) - выразительно решенный вход в здание, суживающийся уступами и перекрытый рядом уменьшающихся концентрических арок.

Всюду повторяются очертания полукруглой арки – на сводах, оконных проёмах, входах в храм. Своей суровостью и мощью храмы напоминали крепости. Величественные и суровые, они утверждали могущество церкви.

Внутренний вид храма соответствует его внешнему облику. Сумрачный центральный неф перекрыт цилиндрическим сводом, опирающимся на мощные, приземистые колонны или столбы: между ними перекинуты полукруглые арки, ряды колонн и арок отделяли центральный неф от боковых.

Ребята, вам необходимо приступить к заполнению словаря урока, с пояснением изученных понятий и зарисовкой объекта изучения (арка пологая, полукруглая).

Учитель ИЗО:

Флоренский называл средневековый собор СИНТЕЗОМ (СОЕДИНЕНИЕМ) ИСКУССТВ.

-- Какие виды искусств вы знаете?

ОТВЕТЫ УЧЕНИКОВ:

Виды изобразительного искусства: живопись, графика, скульптура, архитектура, декоративно-прикладное искусство.

Учитель ИЗО:

Слияние видов особо проявилось во внутреннем убранстве собора – интерьере.

По мнению духовенства, искусство должно было служить «библией для безграмотных»: изображать сцены, описанные в христианских книгах, укреплять в вере и устрашать муками ада. Сложились определённые правила украшения храма.

Богаче украшался западный фасад, где располагался главный вход в храм. Украшения портала должны были как бы зазывать в храм, это граница двух миров – земного, грешного и небесного – горнего: он их разделял и связывал между собой. Поэтому на ТИМПАНЕ – так назывался полукруг над входом – входящий в храм часто мог видеть изображение страшного суда.

Верующим напоминали, что путь к спасению грешников лежит через церковь как посредника между Богом и людьми.

В романском искусстве проявились народные черты: сказочность, фантазия, грубоватый юмор. На капителях колонн, окнах, рельефах стен и дверей изображались кентавры, полуптицы, полу животные, различные химеры и другие сказочные существа. Они попали в искусство из языческих верований и народного творчества – сказок, басен, песен.

Главное внимание художники средних веков обращали внимание на богатство мыслей, чувств, и настроений человека. Романские мастера часто изображали людей с немощными, иссушенными страданиями телами и некрасивыми, изможденными лицами. Обычно романские фигуры строго вертикальны, вытянуты, неподвижны. Знаменитая скульптурная группа Эккехард и Ута в соборе в Наумбурге – словно оживляет людей бурного и сурового 13 века. В образе Маркграфа Эккехарда скульптор изобразил жестокого и властного рыцаря тех времен: чувствуя свою силу и власть, он держит себя невозмутимо и с достоинством. Полная противоположность Эккехарду – нежная, обаятельная Ута поражает своей поэтической одухотворенностью, трогает до глубины души своей женственностью. На ее красивом лице застыла какая-то светлая мечта. Жест, которым она прижала к щеке воротник своего длинного плаща, придаёт ей теплоту и человечность. Эккехард и Ута – одни из основателей собора в Наумбурге. Их уже не было в живых, когда мастер выполнял статуи, пользуясь описаниями хроник и своими жизненными наблюдениями. Это редкий для средневековья образец портретной скульптурой

Новый этап рождения искусства связан с рождением городов. Город был невелик и ограничен городскими стенами. Жители воспринимали его цельно.

Тысячу лет назад для каждого жителя его город был символом Вселенной. Центром города был СОБОР, вся планировка улиц тяготела к нему. Собор был архитектурным и пространственным центром города, все жизненно важное для жителей города происходило на СОБОРНОЙ ПЛОЩАДИ, колониальный звон соборных колоколов рассказывал о пожаре или море, о нападении врагов или ином событии.

Собор был хранителем времени: крещение, помолвка, брачная церемония, отпевание, причащение, исповедь, погребение – все это связывало горожанина с собором.

Собор служил и местом захоронения состоятельных граждан, у которых в храмах располагались родовые усыпальницы.

Строительство и украшение собора горожане считали своим кровным делом. Средневековые хроники свидетельствуют о том, что «дамы, рыцари – все стремились не только пожертвованиями, но и посильным трудом помочь строительству». Дотации, вклады на строительство собора рассматривались как достойное, богоугодное дело. Собор строился долго, иногда столетиями, оставаясь в центре внимания горожан.


Здесь лёг его фундамент, и народ

Стекаться стал к растущему собору.

Он камни клал, он вывел стены, свод,-

Себе в них дал основу и опору.

Из тёмных толщ возник его собор,

Стремительный, он встал над грунтом косным,

Он в твердь громады мощные простёр,

Чтоб облаком растаять светоносным.

И зодчий рёк: «Бескрылый, окрылись!

Бесформенный, прекрасным встань над нами!»

И камень встал, колонной прянул ввысь,

Оделся пышно листьями, цветами.

И. Бехер «Возведение собора»

Возведение и украшение храма способствовало развитию городского художественного ремесла, как сообщает знаменитая парижская «Книга ремёсел».

Собор давал работу живописцам, резчикам по камню, филигранщикам, ваятелям, изготовителям четок (из кораллов, раковин, янтаря, рога, кости), ковров, инкрустаций, золотых и серебряных нитей и т. д.


В соборе хранились реликвии с мощами, к нему стекались паломники. При соборе находилась школа с певческими и грамматическими классами. Богатыми были книжные собрания соборов. На паперти, а в зимнее время в помещении собора, школяры и студенты устраивали диспуты. На паперти заключались сделки, нанимали на работу, начинали брачную церемонию.

Именно там нищие просили милостыню. Юристы устраивали там совещания, давали консультации. На паперти давали представления, устраивались церковные эли (благотворительные базары), пирушки.

Городской собор долгое время служил местом муниципальных собраний. Храм был готовым и открытым прибежищем в дни горя, тревог и сомнений, мог стать убежищем, гарантирующим неприкосновенность.

Городской собор – символ богатства и могущества города, его духовный центр.

В узком пространстве городов, благодаря развитию строительной техники, смелым экспериментам средневековых мастеров, рождается новый стиль – ГОТИКА (по названию германского варварского племени готов).

Новый стиль никогда не рождается сразу. Не появляется в точно назначенный день и час. Он рождается исподволь, подчас незаметно. Порой в облике какой-нибудь малой и не очень приметной детали, в старой, привычной конструкции. Но эта малость порождает потом другую, третью. Число новшеств растёт, ширится. И вдруг оказывается, что им уже тесно, неуютно в старых, неудобных и даже некрасивых формах. Так устанавливается НОВЫЙ СТИЛЬ.

Готика – дитя города, её родители не бароны, герцоги и епископы, а простые купцы и ремесленники.

Готическим называли любое искусство, не соответствовавшее классическим античным формам. На смену полуциркульной арке приходит стрельчатая, толстые стены не нужны, что позволило расширить интерьер и поднять всё сооружение на

большую высоту (обратите внимание на иллюстрации и задания к ним на 175-176 страницах учебника).

Тонкие стены почти целиком состоят из огромных окон. Изящные колонны поддерживают очень высокий, на вид невесомый потолок. Шпили, башенки, окна собора – все эти многочисленные детали сделаны так, что они как бы тянуться ввысь. У прихожанина создавалось впечатление, что огромный храм невесом и стремится взлететь к небесам.

Стрельчатая арка, аркбутаны – наружная арка, уменьшавшая давление свода и контрфорс – наружный выступ. Высота собора была 40 и выше метров и выше, границы между нефами были стёрты. Пространство собора – с главным окном над порталом – розой, многочисленными окнами, украшенными витражами, нишами, галереями, скульптурами как внутри храма, так и снаружи храма вызывало ощущение чего-то чудесного, достойного быть олицетворением божественного мира на земле. В готическом соборе исчезла ровная плоская стена, и живопись перешла на окна, превратившись в витражи (изображения, составленные из скрепленных между собой цветных стекол).

Сияние солнечных лучей, проникавших в собор через витражи, символизировало свет, исходящий от самого Бога. Именно поэтому витражам придавалось такое огромное значение.

Изображение в окнах набирали из небольших кусочков ярко раскрашенного стекла; их свинцовые ободки служили контуром рисунка.

Городские ремесленники украшали соборы витражами, барельефами и статуями, изображающие сцены повседневной жизни, людей труда – крестьян и ремесленников за работой.

В тревожном, беспокойном мире мастера прославляли терпение, благородство и душевную стойкость человека. Христу сопереживали потому, что он страдал ради людей.

Внимание привлекалось теперь не только к творимым чудесам, но и к мукам и гибели распятого Христа. Очищение от греха и возвышение через страдания – вот главная мысль готического искусства, вызывавшая в зрителе ответные чувства сострадания, милосердия, жалости.

Особо почитали Богоматерь – Деву Марию. В Европе её «мадонна», что значит «моя госпожа». Её любили самозабвенно, ей молились страстно; в ней видели заступницу за людей перед сыном Иисусом. Особенно увлекало мастеров желание в мадонны с младенцем на руках воспеть жертвенную силу материнской любви.

Сам собор, величественный и грандиозный, прославлял бога, увековечивал трудолюбие, талант и опыт создавших его людей.

Домашнее задание : Сообщение на тему варвары.


План урока № 9,10

Тема урока: Искусство варваров

Ход урока

Историческая роль варваров и общий характер их искусства. Острый кризис, переживавшийся с 3 века нашей эры античным миром, и революция рабов, приведшие к крушению Рабовладельческого строя, протекали в условиях сильнейшего натиска на Римскую империю со стороны варваров. В Западной Европе это были, по преимуществу, племена германского происхождения, и когда в 476 году Западная империя перестает существовать, они образуют на ее территории ряд самостоятельных, по большей части недолговечных и сменяющих одно другое государств. В Галлии и прилегающих частях северной Германии обосновываются франки, на севере Испании вестготы, в Северной Италии остготы, вытесняемые затем лангобардами, в Англии англо-саксы. Все эти варвары, как и ассимилирующееся с ними коренное население — на северо-западе это были преимущественно кельты, имели свои многовековые художественные традиции. В соприкосновении с классическим искусством античности эти традиции не только не утратили своего значения, но, наряду с наследием греко-римской художественной культуры и некоторыми элементами, заимствованными с Переднего Востока, составили основу, на которой выросло все искусство западного средневековья. На всех этапах развития последнего отчетливо будут проступать характерные особенности искусства варваров: динамизм форм и их повышенная экспрессивность.
С конца 5 по конец 8 века художественные традиции варваров играют преобладающую роль в большей части Западной Европы, и вследствие этого указанный отрезок времени обозначается в истории западноевропейского искусства как период искусства варваров. В связи с большим значением в этот период раннего средневековья государства франков, где господствовала тогда династия Меровингов, он нередко называется также периодом меровингского искусства. Термин этот более закономерно, однако, применять лишь в приложении к памятникам, создававшимся, за означенные столетия, на территории современной Франции.
Архитектура варваров. О ранней архитектуре варварских народов, осевших в Западной Европе, мы знаем, главным образом, из письменных источников.
Обычным видом было деревянное зодчество, памятники которого нередко были украшены обильной декоративной резьбой. С принятием христианства в церковной архитектуре утверждается тип базилики, а вместе с тем и каменное строительство.
К числу самых ранних памятников архитектуры варварских народов относится гробница остготского короля Теодориха в Равенне (526—530). Это монументальное сооружение отличается особой лаконичностью своего внешнего облика. Циклопический характер постройки выступает отчетливо в самой конструкции сооружения. Внутри мавзолей состоит из двух помещений, расположенных друг над другом, купол его высечен из огромного монолита. В целом гробница сурова и вместе с тем величественна.
Наиболее ранние крупные церкви 6—7 веков были впоследствии перестроены, но на территории теперешней Франции сохранилось несколько небольших церковных зданий. Наиболее известными являются баптистерий в Пуатье (7—8 вв.) и крипта (в былое время самостоятельная постройка) святого Лаврентия в Гренобле (того же времени). Оба здания представляют крытые коробовым сводом прямоугольные пространства с примыкающими к ним небольшими абсидами (абсидиолами). Расположенные у стен грубоватые в деталях колонны служат не столько конструктивным, сколько декоративным целям.
Декоративное искусство варваров. В художественной культуре варваров изобразительная сторона была развита слабо. Зато орнаментально-декоративные формы отличались чрезвычайным богатством. Особенно высоко стояла при этом техника художественной обработки металлов. Памятники этого искусства находят на огромном протяжении — от берегов Черного моря до Британских островов, в погребениях и кладах. Чаще всего встречаются фибулы (застежки, пряжки), украшения оружия, декоративная утварь, а также, со времени принятия христианства, предметы культа: чаши, кресты, оклады церковных книг. Для подобных изделий крайне характерно сочетание металла с цветными камнями или окрашенным стеклом, в особенности золота или золоченой меди с гранатами и рубиново-красным стеклом. Примерами подобной техники являются происходящие из Чезены (Северная Италия) фибулы в форме стилизованных орлов с распластанными крыльями (Париж, Музей Клюни и Нюрнберг). Наряду с декоративными мотивами, заимствованными из мира птиц и животных, широкое распространение получили плетения. Из особенно выдающихся памятников этого типа следует назвать золотую с красными инкрустациями рукоятку и такое же украшение ножен меча (Париж), происходящие из погребения франкского короля Хильдерика (?—481), и ряд так называемых «вотивных» корон (короля Рецесвинта и др.), обнаруженных в кладе, найденном в середине 19 века в Гварразаре около Толедо (находятся в Париже, в Музее Клюни и в Мадриде). Подобные короны, представляющие, в основном, богато орнаментированный металлический обруч, приносились в дар церквам и подвешивались как украшение на их аркадах.
Миниатюра меровингов. В искусстве франков видное место занимают также рукописи с миниатюрами. Со времени принятия варварами христианства средоточием умственной жизни и центрами церковного образования в течение многих веков в Европе являлись, главным образом, монастыри. Среди различных отраслей монастырского хозяйства, в особенности при крупных аббатствах, имелись специальные мастерские — «скриптории», где писались и украшались книги, требовавшиеся как для церковных нужд, так и для обучения. В рассматриваемый ранний период средневековья особенно распространены были Евангелия, поучения отцов церкви и богослужебные книги (лекционарии, сакраментарии). Скорее как исключение, из тех же мастерских выходили и книги светского содержания (рукописи законодательного характера, хроники, грамматики). Украшение меровингских рукописей носит орнаментальный характер, причем особенно показателен для них так называемый изоморфический тип инициалов, остов которых образуют стилизованные рыбы, птицы, животные, а иногда и человеческие фигуры. В качестве образцов типичных памятников может быть назван «Геллонский сакраментарии» в Парижской национальной библиотеке (ок. 780). Миниатюры изобразительного характера встречаются в меровингских рукописях крайне редко. Насколько в подобных случаях художники оказываются беспомощными в передаче человеческой фигуры, свидетельствует, например, изображение стоящей фигуры (законодатель?) в «Сборнике законов варваров» в Библиотеке Сент-Галлена (ок. 798).
Пластика варваров. Тот же примитивизм в изображении человека наблюдается и в пластике. В века, следующие за переселением народов, статуарная скульптура исчезает из западноевропейского искусства на несколько столетий. Искусство, если не считать изделий прикладного характера, служило тогда чуть ли не целиком церкви, а в ее кругах представление о круглой, особенно монументальной, скульптуре долго ассоциировалось с язычеством и идолопоклонством. В неменьшей степени исчезновение статуарной пластики было, однако, обусловлено тем обстоятельством, что эта форма искусства была чужда художественным навыкам осевших теперь в Европе варваров.
Искусство рельефа претерпевает существеннейшие изменения. Он становится плоским и приобретает преимущественно орнаментально-декоративный характер. Подобными рельефами вплоть до романского периода украшались архитектура, кивории (сооружения над алтарями), передние стенки алтарных престолов (так называемые антепендиумы), саркофаги и пр. В качестве особенно часто встречающихся орнаментальных форм можно назвать плетения из лент и жгутов, сохранившиеся от раннехристианского искусства изображения побегов виноградных лоз, декоративных крестов, венков с монограммой Христа, птиц, клюющих грозди или пьющих из чаши. Этот тип орнаментации наблюдается, в частности, на меровингских саркофагах, среди которых наиболее известным является саркофаг в Муассаке (7—8 вв.).
Близкие к меровингскому искусству стилистические черты наблюдаются также и в Северной Италии в искусстве лангобардов. И здесь наблюдаются утрата элементарной правильности изображения человеческой фигуры и господство плоскостного стиля. Характерным примером служит названная по имени заказчика, аквилейского патриарха, мраморная «Плита Зигуальда», составляющая одну из стенок балдахина баптистерия в Чивидале (762—776).
Ирландская миниатюра. Иной стилистический характер, по сравнению с искусством франков и лангобардов, имеют памятники островной группы — Ирландии и Англии. Здесь слагается и получает широкое распространение своеобразный орнаментальный стиль, особенно полно выраженный в области миниатюры. Его характерными особенностями являются крайняя абстрактность и линеарно-плоскостная трактовка форм, распространяющиеся на изображение человека. Родиной этой миниатюры считается Ирландия, рано принявшая христианство и игравшая крупную роль в распространении его в Западной и Центральной Европе. Основанные ирландскими миссионерами монастыри, сеть которых простиралась вплоть до Италии, являлись важными рассадниками данного стиля, окончательно сложившегося, по-видимому, около 700 года в Западной Англии, в Нортумбрии. Главнейшими памятниками рассматриваемой школы миниатюры, традиционно обозначаемой как «ирландская», являются несколько Евангелий: так называемая «Книга из Дурроу», «Келлская книга», «Евангелие из Эхтернаха», относящиеся к 8 веку. Непременной принадлежностью подобных рукописей является крупный инициал начальной страницы, занимающий в высоту не менее ее половины. В своем строении эти инициалы отличаются простыми и крупными геометрическими формами, в пределах резких очертаний которых все плоскости заполняются сложнейшим и тончайшим орнаментом. Орнаментация, использующая и сливающая мотивы самого разнообразного происхождения — искусства древних кельтов, англо-саксов, коптов христианского Египта, народов Передней Азии, представляется исключительно богатой и разнообразной. В качестве наиболее часто встречающихся мотивов можно назвать спирали, даваемые чаще всего в сочетании с раструбами (так называемый спирально-трубчатый орнамент), лестничный мотив из ломающихся под прямым углом линий, шахматный узор и, в особенности, характерный для этого стиля зверино-ленточный орнамент. Ленты, наделенные на концах змеиными или звериными головами, сплетаются в этих рисунках в сложные композиции. Часто использовались также точки, бегущие вдоль очертания букв и изображений. Особенно широко были распространены символические изображения евангелистов. Миниатюры с другими сюжетами встречаются как исключение.
При создании образов человека от реальной человеческой фигуры сохранялись лишь основные элементы, без которых изображение вообще было бы непонятным. Ангел в «Книге из Дурроу» уподобляется плоской, покрытой геометрическим орнаментом стеле, к которой приставлена голова в повороте и ноги, показанные в профиль, в то время как руки отсутствуют. В «Эхтернахском Евангелии» тот же символ вырисовывается из трех пар волютообразных элементов, напоминающих турецкие бобы и, если бы не голова над ними и тонкие кисти рук, в них невозможно было бы признать очертания человеческой фигуры.
Что касается технической стороны миниатюр, то они выполнены пером, с редким каллиграфическим мастерством, без какой бы то ни было моделировки и плоско раскрашены акварелью. Золото и серебро не применяются в них вовсе. Из красок чаще встречаются зеленая, кирпично-красная и желтая; иногда к ним присоединяется лиловая и в редких случаях голубая. Подобным образом украшались не только рукописи, но и произведения прикладного искусства, а также крайне характерные для Ирландии и Англии большие каменные придорожные кресты (Бьюкестль, Рутвель и др.).
Варварское искусство Скандинавии. Чем больше мы удаляемся от очагов античной культуры, тем сильнее проявляются и дольше держатся традиции варварского искусства. Это имеет место, в частности, в Скандинавии. Одним из самых распространенных видов художественного творчества была резьба по дереву, применявшаяся как в оформлении предметов бытового назначения, так и в архитектуре. Для знакомства с искусством Скандинавии исключительно важное значение имеет обнаруженное в самом начале текущего столетия большое варварское погребение в Осеберге, близ Осло, в Норвегии. В погребении этом, по-видимому королевы Осе (около 800 г.), имелся большой корабль, на котором находились покрытые резьбой телега и несколько саней, утварь, ткани и пр. В орнаментации резьбы по дереву доминирующим мотивом служат причудливые ленты — животные, переплетающиеся и кусающие друг друга. Напряженность и динамика орнамента делают его гораздо более выразительным, чем многочисленные, но крайне примитивные изображения сражающихся людей, встречающиеся рядом с указанным орнаментом.
В скандинавском искусстве высокого уровня достигали также изделия из металла, служившие, главным образом, для украшения одежд и оружия. На некоторых из таких предметов встречаются изображения человека. Так, на известных бронзовых пластинках из Торслунда (Швеция, 7 в.) представлено несколько рельефных групп: поводырь с медведем, воины, из которых один одет в медвежью шкуру, танцующие какой-то ритуальный танец, и др. Эти изображения с точки зрения передачи натуры значительно совершеннее упоминавшихся выше, тогда как неоднократно встречающиеся наскальные изображения с повествовательными сюжетами из народных саг (так называемые «рунические камни», камень из Рамсундсберга и др.) отличаются примитивным и условным рисунком.

Домашнее задание: пересказ пройдённых тем.


План урока № 9,10


Цель: Романский стиль

Задачи:

  • Ознакомить учащихся и истоками и характером романского стиля;

  • Выявить отличительные особенности романского стиля; развивать познавательную активность;

  • Воспитывать нравственно-эстетическое восприятие мира искусства, интерес к искусству и его истории.

Оборудование: презентация.

Ход урока

I. Организационный этап.

- Ребята, сегодня на уроке мы продолжим знакомство с художественной культурой эпохи Средневековья.

Работа в тетради.

II. Изучение нового материала.

1. Постановка цели.

- Наибольшее развитие в средневековую эпоху получает монументальная архитектура. И сегодня на уроке мы познакомимся с архитектурными стилями Средневековья, будем учиться их различать.

2. Работа в тетради.

Cтиль – устойчивое единство художественных приемов и средств, используемых при создании произведений искусства.

3. Словарная работа.

- Во время урока вы услышите слова – специальные термины, которые употребляются в архитектуре. И чтобы вам было понятно, чем идет речь, я бы хотела прокомментировать эти термины.

  • Свод – выпуклая архитектурная конструкция; используется как покрытие или перекрытие сооружений.

  • Капитель – венчающая часть колонны или столба.

  • Рельеф – полуобъемное скульптурное изображение.

  • Портал – архитектурно оформленный вход в здание.

  • Тимпан – углубленная часть арки над входом.

  • Арка – перекрытие проема в стене или пространства между двумя опорами.

  • Фасад – в архитектуре наружная, главная сторона здания.

  • Фронтон – верхняя треугольная часть фасада храма.

- У нас работали две поисковые группы учащихся, которые подготовили информацию по данным стилям.

I часть.

4. Сообщение 1 ученика о происхождении термина “романское искусство”.

Термин “романское искусство” появился в начале XIX столетия. Так обозначали европейское искусство X -XII веков. Ученые полагали, что архитектура в тот период находилась под сильным влиянием так называемого “романского” зодчества (от лат. romanus – римский). Позже взгляд исследователей на средневековое искусство изменился, но название “романское искусство” сохранилось.

Становление романского искусства в различных странах и областях Европы происходило неравномерно. Если на северо-востоке Франции период романики завершился в конце XII века, то в Германии и Италии характерные черты этого стиля наблюдались даже в XIII столетии.

5. Работа в тетради.

Термин “романское искусство” возник в XIX веке, так обозначают стиль европейского искусства X- XII веков.

6. Сообщение 2 ученика “Краткая характеристика романской архитектуры”.

В суровую, тревожную, но созидательную эпоху XI-XII веков утверждается первый общеевропейский стиль – романский, который присущ в первую очередь ведущему искусству этой эпохи – архитектуре. Архитектура романского стиля отличалась оборонительным, крепостным характером – имела массивные стены, узкие окна, высокие башни. Такая особенность была вызвана частыми войнами, суровыми условиями жизни и желанием отгородится от внешнего мира. Постройки этого периода отличались суровой простотой, ясностью объемов, внушительностью, тяжеловесностью, монолитностью, замкнутостью, отсутствием украшений. Созданные преимущественно для сельского ландшафта они прекрасно гармонировали с природным окружением

7. Слово учителя.

- Главными и наиболее значимыми сооружениями романского стиля были монастырь-крепость, храм – крепость, замок-крепость. Основным типом культового здания был собор. Романский храм, вытянутый в плане в виде латинского креста, олицетворял собой модель мира и отражал католическую идею “крестного пути” страдания и искупления грехов.

- В романской архитектуре получили распространение башни: узкие, высокие с шатровыми вершинами сторожили храм с восточной и западной стороны.
- Важным элементом романской архитектуры была колонна, ее капитель украшена скульптурным орнаментом.
- Но ведущим началом романского зодчества была стена.
- Если есть гладкие стены, то их можно украсить. Каким образом?
(росписью)
- Стены романских храмов были украшены фресками и мозаиками. К сожалению, живопись романского периода практически не сохранилась.
- В романский период впервые появилась монументальная скульптура. Скульптурные изображения – рельефы – располагались, как правило, на порталах (архитектурно оформленных входах).

- Если храм представлялся крепостью бога, то замок – крепостью рыцаря. Романские каменные замки с мощными оборонительными стенами были неприступными крепостями. Возводились замки у реки на холме, окруженном рвом с водой, через ров перекидывался подъемный мост.

8. Сообщение 3 ученика об одном из памятников романской архитектуры.

http://festival.1september.ru/articles/566474/img1.jpg

Собор и башня в Пизе. Начало строительства – 1063 г. Италия.

К выдающимся произведениям архитектуры Центральной Италии, впитавшей античные традиции, относится знаменитый комплекс в Пизе. Этот прекрасный ансамбль, включавший в себя собор и башню, создавался в течение долгого времени: строительство было начато в 1063 году, а закончилось лишь в XII веке. В XI веке здесь работал архитектор Бускетто, в XII веке – архитектор Райнальдо. Самой известной частью комплекса является знаменитая Пизанская “падающая” башня. Некоторые исследователи полагают, что башня наклонилась в результате оседания фундамента в самом начале работ, и тогда было решено сделать ее наклонной.

9. Микроитог.

- Именно в романской архитектуре впервые появились огромные здания, целиком выстроенные из камня. Своды, массивные толстые стены, крупные опоры, обилие гладких поверхностей, скульптурный орнамент – характерные черты романской церкви.

III. Обобщение полученных знаний.

- Как вы понимаете такой термин как “синтез искусств”?
- Синтез искусств – органичное единство, взаимосвязь различных видов искусства в рамках единого художественного произведения. 
- О взаимосвязи, каких видов искусств можно сказать относительно романского стиля? (архитектура, живопись, скульптура).
- Главным их них является …? (архитектура)
- Верно. Живопись и скульптура подчинены архитектуре.

На основе полученных знаний учащиеся под руководством учителя проводят сравнительно-сопоставительный анализ романского стиля.

Результатом работы является сравнительная таблица

Особенности стилей средневекового искусства”

 

РОМАНСКИЙ СТИЛЬ

Церковная архитектура

Здания соборов тяжеловесны и приземисты, это были огромные сооружения – т.к. их главной задачей было вместить большое кол-во людей во время богослужений.Характерные черты: толстые стены, крупные опоры, гладкие поверхности.

Светская архитектура

В романский период изменилась светская архитектура. Замки стали каменными и превратились в неприступные крепости. За крепостной стеной замка находилось многочисленные хозяйственные постройки. Как правило, замок был окружен глубоким рвом. Мост, перекинутый через ров к главной башне, в случае опасности поднимали и закрывали входные ворота башни.

Живопись

Как правило, на сводах и стенках храма изображали библейские сюжеты, которые нужно было рассматривать, передвигаясь по храму. Росписи романского периода имели назидательный характер.

Скульптура

В романский период в Западной Европе впервые появилась монументальная скульптура. Скульптурные изображения – рельефы – располагались на порталах церквей. Рельефы обычно раскрашивали - это придавало им большую выразительность и убедительность.

IV. Итог урока.

- Сегодня на уроке мы продолжили знакомство с художественной культурой Средних веков и на основе сравнительно-сопоставительного анализа архитектуры того времени получили представление о стилях средневековья.

План урока №11, 12

Тема : «Готический стиль»


Цели:

  1. Сформировать представление о готическом стиле

  2. Воспитывать нравственно-эстетическое восприятие мира, искусства

  3. Развивать творческую и познавательную активность.


Оборудование:

Иллюстрированный материал по теме «Готическое искусство»; художественный материал для выполнения рисунка-эскиза; Литературный ряд: М.Волошин, компьютер, проектор, экран


План урока:

  • 1. Приветствие. Вспоминаем и обобщаем пройденное на предыдущих уроках об эпохе средневековья.

  • 2. Объявление темы урока.

  • 3. Создание проблемной ситуации (задание на доске)

  • 4. Просмотр презентации . (1-16 слайд)

  • 5. Вопросы к уроку.

  • 6. Работа над эскизами витража. Индивидуальная работа по карточкам. Приемы работы у доски

  • 7. Подведение итогов. Обсуждение творческого задания.

  • 8. Выставка. Оценки.



Ход урока:

Учитель: Ребята! Сегодня на уроке мы продолжаем знакомство с архитектурными стилями.

Создание проблемной ситуации. Выход на отличия Романского и готического стиля. Причины.


Содержание беседы:

Показ слайдов с архитектурой романского стиля.

Показ презентации

1 слайд: Готический стиль. Храмовая архитектура.

2 слайд: Соотнести название стиля с архитектурой замка


3 слайд: XI-XV века- ведущая роль готического стиля

Распространился во Франции и центральной части Восточной Европы. Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности и христианскому мировоззрению. Поэтому башни Готических храмов такие высокие, будто возвышались к небу к слиянию с богом. Это сильное эмоциональное воздействие на верующих.

4 слайд: Замки

5 слайд: Новый взгляд на архитектуру.

Создание прочного, легкого и высокого свода.

Готический ребристый свод - это система несущих перекрещивающихся ребер будущего перекрытия - НЕРВЮР.

Каркасная конструкция выноситься наружу. При помощи внешних систем – КОНТРОСФОРОВ и АНКУБАНТОВ – висячих наклонных арок.

Место опоры анкубанта на контросфоре укреплялось маленькой башенкой – ПИНАКЛЕМ.

Выкладывались несуществующие конструктивные элементы, декоративные нервюры.

Зрительный вес камня больше не соответствовал физическому – он превращался в легчайшее кружево резьбы.

6 слайд: Иррациональность - главная черта готической архитектуры. Она растворяет материальность в пространстве.

Преодоление тяжести тела и души стало главным устремлением в искусстве.

В Готике определились идеи бесконечности, отсюда основная доминанта – вертикаль.

Скульптура в готическом искусстве.


7 слайд: Скульптура в готическом искусстве.

Множество пластических образов внутри и снаружи собора.

Это огромная каменная симфония. Фантастические чудовища наводят ужас, святым поклоняются, складываются легенды об оживших статуях.

8 слайд: Ведущее место в готическом искусстве - Собор

Это – синтез искусств: скульптур, витражей, декоративного искусства.

9 слайд:

Цвет и свет в пространстве.

Готика заимствовала с Востока (Византии) идею цветовой организации пространства.

Новая конструкция освободило стену от нагрузки и превратилось в одно большое окно.

Важно было не только цвет стекол, но и переплеты окон.

Игра света и цвета - живописное решение архитектурного пространства.

10 слайд: Витражи. Иллюстрации

11 слайд: Готический орнамент, растительный

12 слайд: Карточка- задание ( дорисовать окно, используя геометрический и растительные орнаменты)

13 слайд: Карточка- задание (раскодировка цвета)

14 слайд: Карточка- задание ( цветовое решение по символам)

15 слайд: Стиль во всем.

Мебель, предметы быта повторяли в миниатюре композицию архитектурных сооружений.

16 слайд: Леса готической скульптуры!

hello_html_m6456891d.pngкарточка 1

hello_html_4846c74c.pngкарточка 2

hello_html_m5811458a.pngкарточка 3

карточка 4hello_html_1b8857dc.png


hello_html_22906fb7.pngкарточка 5

hello_html_m10fe6e84.pngкарточка 6

hello_html_m10fe6e84.pngкарточка 7

hello_html_3ded3f65.gifкарточка 8

Как жутко всё и близко в ней.

Колонны, строгие фигуры

Сибил, пророков, королей…

Мир фантастических растений,

Окаменелых приведений,

Драконов, Магов и химер

Здесь всё есть символ, знак, пример.

Какую повесть зла и мук вы

Вы здесь разберёте на стенах?

Как в этих сложных письменах

Понять значенье каждой буквы?

Их взгляд, как взгляд змеи, тягуч…

Закрыта дверь. Потерян ключ.

М. Волошин.

Вопросы к новому материалу:

  1. При помощи каких изменений удалось облегчить несущие стены архитектуры?

  2. Какие цвета использовались в витражах?

  3. Что символизировал цвет?

  4. Чем украшались фасады соборов?

Раздаточный материал.

Символика цвета:

Фиолетовый - цвет молитвы и мудрости

Красный - цвет крови

Синий - символ верности

Зеленый – символ влюблённости

Чёрный – траур, смерть

Оранжевый – наслаждение, великолепие

Белый – символ чистоты


Практическая работа:

Задание

Эскизы витражей, использование символов цвета и формы окон. Дополнить в форму окна геометрический, стилизованный растительный орнамент.


Подведение итогов, Выставка работ

ученики задают вопросы, обсуждают работы


Заключительное слово учителя:

Теперь вы знаете особенности готического стиля, при помощи чего зодчие добились такого изящества форм. Вопреки представлению о сумрачном и аскетичном облике готических соборов, и «мрачности» средневековой культуры, можно утверждать, что готика была очень яркая и многоцветная. Роспись скульптур, сияние золота церковной утвари, свечей, свет, проникающий через витражи, создавало и создает ирреальное ощущение



Литература:

  1. Словарь «Стили в искусстве», В.Г. Власов, С-Петербург, 1995г.

  2. Краткая энциклопедия дизайна, О.И.Нестеренко, М. Молодая гвардия, 1994г.

  3. Краткий словарь художественных терминов, Н.М. Сокольникова, Обнинск, 1996г.

  4. Мир архитектуры, А. Гутнов, М. ,Молодая гвардия, 1985г.


План урока №13, 14


Тема: Искусство средневекового орнамента

Исторический обзор

Любовь к ярким краскам и драгоценным материалам — характерная черта художественной культуры раннего средневековья.

В этот период искусство носило религиозный характер. Церкви поощряли развитие искусства, музыки и ремесел. Религия позволяла людям думать о возвышенном, давала им надежду на лучшее будущее. Даже самые строгие и воинственные правители приглашали в свои дворцы художников, музыкантов, поэтов и мыслителей, обеспечивая их деньгами, зрителями и создавая условия для работы. Покровительствуя искусству, они поддерживали церковь. Посредством искусства (например, картины на библейские сюжеты) церковь распространяла свои идеи. Поэтому картины, музыка, скульптура, мозаика и архитектура использовались для обучения людей. У каждой культуры был свой стиль в изобразительном искусстве, музыке и литературе.



Характеристика орнамента

На долю орнамента в раннем средневековом искусстве выпала огромная роль. Сложнейшие узоры в те времена украшали всякую свободную поверхность: архитравы порталов, алтарные преграды, плиты кивориев, спинки и подлокотники деревянных скамей и кресел, ножки и бортики кубков. Начиная с VI в. излюбленным типом узора становятся бесконечно разнообразные мотивы плетений, среди которых внезапно появляется то птичья голова или крыло, то звериная лапа, то изгибающееся тело, то оскаленная морда хищника. Этот орнамент весь пронизан динамикой, он не дает глазу остановиться. Такой декор, получивший в научной литературе название «абстрактный звериный орнамент», особенно прочно держался в искусстве северных стран.       Подобный орнамент украшает и рукописи раннего средневековья. На полях появляются плетенка, стилизованные изображения животных и растений, разнообразные розетки, точки и т. п. В тексте этот орнамент окружает буквы, располагается между строчками. Основное внимание уделяется заглавной букве — инициалу. Для этого периода характерен зооморфный инициал, выполненный в виде стилизованной фигуры птицы, рыбы или животного. Нередко такой инициал заполнял в средневековой рукописи половину, а иногда и целую страницу. Как правило, сложное плетение орнамента, широко используемая символика (крест, голубь, рыбы и т. п.) и инициал составляли основной декор книги. Фигура человека в книжном орнаменте встречается редко и обычно вплетается в орнамент. Краски используются чистые и светлые. 
       В английском декоративно-прикладном искусстве и архитектуре этого периода основным видом украшения были плетеные орнаменты и изображения животных. С середины X в. в декор английской книги вместо плетений приходят бордюры и рамки, украшенные пышными побегами многоцветного акантового листа.



Орнаментальные мотивы

В целом искусству раннего средневековья чуждо изображение человека. Излюбленными мотивами его являются фигуры птиц, зверей, различных чудовищ и демонов, в образах которых причудливо сплелись древние магические верования и христианское представление о греховном начале в мире.






Романский орнамент


Исторический обзор

Романский стиль/от лат. Romanum - римский/ -  стиль европейского  искусства, связанный с античной культурой Рима. Получил распространение в X - XIII веках. Романский орнамент соединил в себе местные традиции с восточными – византийскими, иранскими, египетскими и др.

В XI – XIII вв. в Западной Европе происходит заметное накопление культурного потенциала, достаточного для возникновения определенного стиля, получившего название романского. Это название связано с тем, что его главную формообразующую функцию (как и вообще в искусстве Средневековья) играет архитектура, во многом опиравшаяся на сохранившиеся до того времени римские традиции. Центром стилеобразования в этот период являлся католический храм.



Характеристика орнамента

  Романский стиль совершенно отверг пропорциональные каноны и формы античной архитектуры и свойственный ей арсенал орнаментально-декоративных средств. Архитектурные детали античного происхождения были сильно преобразованы и огрублены. 

В романском церковном искусстве встречается большое количество нерелигиозных тем. Здесь можно встретить и сюжеты, из древней и средневековой истории, из басен, романов и сатирической литературы, и изображения работающих в поле крестьян, и фигуры паломников, монахов, и даже преследовавшихся церковью жонглеров и скоморохов.

Одной из основных, характерных черт романского искусства - пристрастие к необычному, чудесному. В романском искусстве сильнее всего проявились народные черты — декоративность, сказочность, безграничная фантазия в сочетании с юмором и выразительностью. Свое воплощение эти черты нашли во второстепенных персонажах и сюжетах, трактованных с большой правдивостью и наблюдательностью. 
Количество употребляемых цветов и романском орнаменте очень невелико: охра желтая, охра красная, кармин, свинцовые белила, черный и серый цвета. В XII в. появляется зеленый, а затем и синий цвета. 

Полы, украшались такими мотивами орнамента, как знаки зодиака, квадрат, шашечный узор, прямоугольник, ромб, «ласточкин хвост», круг, многоконечная звезда, все элементы которых располагаются симметрично относительно оси.

Романский орнамент свободнее всего развивался в живописи в манускриптах, где блестящую обработку получали главным образом, большие заглавные буквы или инициалы.



Орнаментальные мотивы

Очень часто встречаются изображения экзотических зверей, таких как слоны, верблюды, страусы, грифоны, единороги, сирены; фантастических существ и чудовищ. 

Главные элементы орнамента: геометрические мотивы, розетки, стилизованные цветы, необычные растения, ленты, извилистые стебли с виноградными лозами, пальметки, птицы, животные. Большое место занимают образы чудовищ, частично заимствованные на Востоке.
Романские орнаментальные сюжеты, состоящие, в основном из несуществующих существ, таких как кентавры, грифоны и сирены, птицы и рыбы, позднее становятся очень популярными. Очень часто можно встретить изображения льва и орла, а также сфинкса, пеликана, василиска, гарпии, аспида. 

Готический орнамент


Исторический обзор

Готика от итал.gotico, лат.Gothi – готы/- художественный стиль в западноевропейском искусстве XII-XV вв., названный по имени германских племен – готов. Проявился прежде всего в строительстве соборов. 
Орнамент готической эпохи находился под сильным влиянием архитектуры.

Искусство зодчества храмов не случайно: оно выражает собою внутреннюю тайну строящего народа – это искание Бога в небесах. Готика – это устремление ввысь, тоска, это крик души.

Характеристика орнамента

Готический орнамент был многообразен и символичен. Продолжают использоваться преобразованные античные и византийские мотивы, но наряду с ними явно преобладают новые темы.
Прямолинейные геометрические формы переходят в плетения криволинейные. Помимо геометрических орнаментальных построений и воспроизведения формы стрельчатой арки, сферических треугольников и четырехугольников широко применяются растительные формы местной флоры, что составляет характерную особенность орнаментации той эпохи – листья винограда, репейника, дуба, плюща, клевера, роз и др. 

Особое место в готической архитектуре было отведено ажурному орнаменту, исполненному в камне.

Искусствo готического зодчества развивалось в синтезе со скульптурой. В скульптурной орнаментике стилизованные мотивы аканта и пальметты уступают место другим растительным формам. Из бутонов побегов раннеготической декорировки растительные мотивы превращаются в цветущую распустившуюся листву в орнаменте XIII в. и пышные букеты с цветами и фруктами в XIV столетии.

Полы в эпоху готики мостились керамическими плитками, которые часто украшал орнамент. Как правило, плитки делались квадратной, иногда прямоугольной или шестиугольной формы. Общий орнамент составлялся сочетанием линий узора отдельных плиток. Плитки чаще выстилались лентами по типу кладки паркета, в более важных помещениях церкви использовалась более изысканная конфигурация. 


Орнаментальные мотивы

Архитектурные элементы могли украшаться изображениями кентавров, человеческих голов, отдельными фигурами, эпизодов из Библии, исторических персонажей, листьев винограда и розы. Например, гаргуйи собора Парижской Богоматери изображают крылатых животных. 

Для украшения плиток использовались самые разнообразные мотивы: геометрические, растительные, зооморфные, антропоморфные и др. Чаще всего встречаются сочетание пальметок и растительных побегов, а также одна из распространенных разновидностей готического орнамента – лилия на высоком стебле, изображенная или в виде отдельного цветка, или в виде четырех, связанных вместе.

В орнаментации мебели часто используются тонкие сплетения, напоминающие нервюры сводов соединенные с лиственным орнаментом. Типичен для мебели конца XV в. орнамент «льняных складок». В мебели также воспроизводится из дерева скульптурный каменный фриз в виде туго сплетенных, скрученных веток и листьев.

Домашнее задание : зарисовка орнамента



План урока №15, 16

Тема: Искусство средневекового Востока

Цель урока: составить общее представление средневековом творчестве Востока.

Задачи урока:

  • способствовать формированию познавательного интереса, эстетической активности обучаемых, побуждать к развитию связной, логичной, красивой речи на примерах художественной критики, высказыванию собственных суждений, обогащать словарный запас;

  • - воспитывать эстетический вкус, способность и желание к самообразованию.

Оборудование:

  • для обучаемых – учебник, тетрадь для записей, карандаш для кратких зарисовок;


Методы обучения и формы организации учебной деятельности: иллюстративно-репродуктивный, частично поисковый, проблемный. Форма урока: комбинированный урок.

Используемая литература:

  1. Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура.М.1999

  2. История архитектуры. Х. Френч. Москва.2003

  3. Мировая скульптура. сост. И.Г.Мосин. Кристалл. М. 2003

  4. Ойстрах О.Г., Демидова Т.Л. Методическое пособие по курсу «Мировая художественная культура» М. «Фирма МХК».2001

  5. Рапацкая Л.А. Мировая художественная культура. 10 класс. Владос.М.2008

  6. Энциклопедия для детей. т7. Искусство ч.1. М. Аванта.2003


ХОД УРОКА.


Сегодня на уроке мы продолжаем знакомиться с искусством средневековья. В ходе урока вам необходимо ответить на следующие вопросы:

  1. Кто оказывал влияние на развитие искусства в средние века?

  2. Каковы виды искусства получили развитие в средние века?

  3. Каковы особенности развития средневекового искусства?

  4. Какую роль играл собор в жизни средневекового города?

  5. Почему средневековые мастера гордились результатами своего труда?

Искусство средневековой Индии.

На рубеже 1-2 тыс н.э. возникает новая религия - индуизм. Тремя главными богами (называемыми тримурти) являются Брахма - творец мира, Вишну - охранитель мира и Шива - разрушитель мира.

Гопурам в Мадурае

http://artwwworld.org.ua/pics/shadowbckgcr.jpg

http://artwwworld.org.ua/pics/shadowbckgcl.jpg


Гопурам в Мадурае


Культ Брахмы не разработан. Храмов, посвященных ему мало. Брахму обычно изображают четырехголовым, он господствует над четырьмя сторонами света, из головы произошли четыре веды. Его изображают сидящим с короноподобной прической, с серьгами в ушах, бородатым, четвероруким. В руках - четки, сосуд в одной из левых рук, связки бумаги из пальмовых листьев, священная трава. Тело Брахмы золотистого цвета.

Вишну более почитаем в северной Индии - области ариев. В изобразительном искусстве Вишну считается идеалом красоты. Тело его сине-голубое, обычно четыре руки, в которых он держит ритуальные предметы: метательный диск, раковина. На голове коническая корона, в ушах серьги, на шее ожерелья. На шее гирлянда цветов, свисающая почти до колен.

Шива Махадева

http://artwwworld.org.ua/pics/shadowbckgcr.jpg

http://artwwworld.org.ua/pics/shadowbckgcl.jpg


Шива Махадева


Шива изображался божеством, несшим как благо, так и бедствия. Волосы его собраны в коническую прическу. Под одной ногой его находится фигура карлика, символизирующая мир, который пересоздает Шива. В руках у Шивы может держать: трезубец, четки, меч, половину черепа. Изображается вместе с женой Утой.

Эпоха средневековья в Индии знаменуется расцветом индуистской архитектуры и пластики. В свое правление династия Паллавов VII и VIII вв. создала пещерные храмы, модели храмов, вырубленные из цельной скалы. В восточной части Южной Индии был построен прибрежный храм Шивы Махабалипурам, представляющий комплекс построек. Индуистские храмы периода средневековья характеризуются богато украшенными колоннами с колоколообразными капителями, маленькими размерами, плоскими крышами. Каменная кладка применялась без раствора и была очень массивной. В эту эпоху были выработаны правила зодчества, зафиксированные в канонических трактатах. Характерным является высеченный из скального массива храм Кайласанатха. Более поздними пещерными храмами являются храмы Элефанта, острова около Бомбея. Затем пещерное храмовое строительство угасает.

Черная пагода или храм солнца в Карнаке

http://artwwworld.org.ua/pics/shadowbckgcr.jpg

http://artwwworld.org.ua/pics/shadowbckgcl.jpg


Черная пагода или храм солнца в Карнаке


Храмовая архитектура характерна единством, но обычно выделяют два ведущих стиля и множество школ. Северному стилю присуща башня с округлой вершиной и криволинейными очертаниями, башни южного стиля имеют форму усеченной пирамиды. Большинство южноиндийских храмов посвящено Шиве.

Стиль Паллавов получил развитие при династии Чолов X-XII вв. Стилю в это время присуща пирамидальная башня, увенчанная куполом или шпилем. Таким храмом был храм в Мадурае. Храмы более позднего периода стали вычурными. Их строили многоугольными или в форме звезды, ставили на высокие платформы сложной формы.

Средневековая архитектура представлена школами Ориссы, Гуджарата, Южного Раджастхана, Бундельханда. Шикхарасевероиндийских храмов имеет особую форму. На уровне около трети высоты стены храма башни начинают сужаться, и округлую вершину венчает плоский каменный диск и шпиль. К таким храмам относятся храм Вишну - Джаганнатха в Пури и черную пагоду в Конараке, представляющую собой храм бога солнца Сурьи.

Китай

Большое значение в развитии культуры имели города, среди которых первое место занимали Лоян и Чанъань. В 10—11 веках они уступают первенство Кай-фыну, в 12 веке — Ханчжоу.
Средневековый китайский город обычно обнесен мощными стенами, укрепленными над воротами и на углах башнями, расширенными к основанию. Изображение городских стен нередко встречается в стенной живописи буддийских монастырей (Цяньфодун, Майцзишань). Городские и дворцовые здания не сохранились. Картина Ли Чжао-дао (8 в.) «Дворец в Лояне» показывает сложность архитектурных сооружений этого времени, в основе конструкции которых лежит установившееся в глубокой древности пересечение столба и горизонтальной перекладины с использованием кронштейна «доугун». Значительное внимание уделяется тяжелой крыше с приподнятыми углами, покрытой глиняной поливной черепицей, покоящейся на легких деревянных стенах, украшенной на углах и коньке глиняной скульптурой. Обращает внимание комплексность архитектурного замысла — группа построек с террасами и мостами, объединенными парком.
Благодаря прочности строительного материала (камень, кирпич) сохранились пагоды, своеобразные культовые сооружения, строительство которых связано с распространением буддизма. По сравнению с более поздними ханские пагоды отличаются большей массивностью, ясностью конструкции и простотой форм. Типы их разнообразны. Наиболее простой имеет квадратный план с пятью и семью ступенчатыми этажами, например пагода «даяньта» (г. Сиань, 652, перестроена в 701—707 гг.; основание 25 кв. м, высота 60 м).

Со времени 4—5 веков в области развития скульптуры происходят большие изменения. В буддийских монастырях Лунмынь в провинции Хэнань, Майцзи-шань, Цяньфодун в Ганьсу и других памятники танского времени представлены значительно полнее. Искусство скульптуры становится более зрелым. Наблюдается довольно полное знание анатомии человеческого тела, более свободное изображение фигуры, нередко передаваемой в движении. При соблюдении иконографических традиций, связывающих скульпторов, в облик божества вкладываются жизненные черты, передаются мягкость и объемность тела, округлые лица полны глубокого внутреннего спокойствия. В них отсутствует мистическое выражение, свойственное произведениям вэйской пластики. В скульптурах воинов — охранителей будды усилена лепкой выпуклость мышц. Отныне идея сверхчеловеческого, божественного оформляется не в мистической отвлеченности выражения лиц святых, а путем показа физической силы или совершенной красоты тела. Значительно свободнее становится трактовка ткани, сквозь которую ощущаются формы тела. Одним из наиболее выразительных произведений этого круга является колоссальная скульптура Будды Вайрочана (676) в Лун-мыне. Несмотря на большие размеры, в ее исполнении наблюдается много мягкости и человечности.
Замечательным произведением надгробной скульптуры, достигшей при танской династии наивысших достижений, являются шесть каменных рельефов из гробницы императора Тай-цзуна (657) с изображением его боевых коней. Скульптор выполнил их с большой силой выразительности и подлинным реализмом.
Ярко выражены реалистические черты в погребальных глиняных скульптурах людей и животных, покрываемых яркой росписью или поливой.

Китайская станковая картина выполнялась минеральными или растительными водяными красками на тонком шелке и оформлялась в виде свитка. Горизонтальная форма свитка большей частью использовалась для сюжетов повествовательного характера. Вертикальную форму свитка предназначали для декоративных сюжетов. Вертикальные свитки служили для украшения стен, горизонтальные хранились в футлярах.
Гу Кай-чжи. Единственная сохранившаяся станковая картина на шелке «Наставление женщинам» приписывается художнику и ученому Гу Кай-чжи (346—407, Британский музей). Сложность композиции и совершенство живописи свидетельствуют о длительном пути развития станковой живописи в Китае до Гу Кай-чжи, что подтверждает, помимо сведений письменных источников, находка фрагмента картины на шелке с изображением девушки, феникса и дракона при раскопках возле г. Чанша, датируемых 5—3 веками до н. э.
На горизонтальном свитке работы Гу Кай-чжи размещены в чередовании с текстом девять самостоятельных по сюжету картин, иллюстрирующих поэму Чан Хуа (346—407). Большая часть композиций выполнена на фоне гладкого шелка. Лишь в одном случае мастер вводит пейзаж, в другом — интерьер спальни.
Особенность живописи Гу Кай-чжи — выразительность, тонкость и плавность линии. Основное внимание художника сосредоточено на изображении человеческой фигуры. В его картинах она имеет несколько вытянутый характер — черта, отмеченная в буддийском искусстве и погребальной пластике этого времени. Велико искусство Гу Кай-чжи в размещении фигур в пространстве и передаче внутренней связи между членами группы. Он стремился «не к изображению внешних форм, но старался вскрыть глубокий характер, душу существа и вещей» (приписывается Гу Кай-чжи). Наиболее значительным видом искусства, изображающим человека, художник считал портрет, в котором главное — выполнение глаз, «отражающих душу человека».
Темой одной из девяти композиций свитка Гу Кай-чжи избрал семейный портрет. Взяв за основу композиции треугольник, он разместил фигуры одну за другой в диагональном перспективном направлении к центру. На первом плане справа — глава дома с супругой. Слева — две молодые женщины с детьми на руках. Одна из них причесывает сына, который с плачем вырывается из рук матери. Верхнюю часть группы завершают старик и две девушки. В сложном семейном портрете Гу Кай-чжи сумел совместить торжественную парадность и бытовые черты, оживляющие группу.
При участии Гу Кай-чжи складывались эстетические теории, оформленные в 5 веке художником Се Хэ как «Шесть правил живописи», получившие впоследствии много противоречивых толкований. Аналогичные трактаты возникали в поэзии и каллиграфии, в искусствах, развивавшихся в Китае в тесной связи и взаимодействии с живописью.

Япония


Архитектура Японии так же, как и культура в целом (религия, философия, литература), продолжительное время находилась под влиянием Китая.
Культовые сооружения. Японские храмы подразделяются на синтоистские и буддийские. Синтоизм (син — бог, то — путь, учение) — древняя религия туземного населения, культ предков и сил природы.
Проникновение буддизма в б веке через Корею из Китая повлекло строительство храмов и монастырей по китайскому образцу. Буддийские постройки составляли ансамбли, включавшие главный (Золотой) храм, храм для проповеди, колокольню, ворота, библиотеку, сокровищницу и пагоды.
Ансамбль Хорюдзи в г. Нара. Храмовый ансамбль Хорюдзи в г. Нара — древнейшая деревянная постройка мира — создан в 607 году при участии корейских зодчих. Горизонтальные массы Золотого храма и других построек уравновешиваются вертикалью пагоды, высотою в 33,5 метра, пятью крышами, сильно вынесенными вперед. Шестая крыша, пристроенная около 1700 года, перекрывает галерею. Через все здание проходит прочная мачта из ствола дерева хиноки, имеющая целью предохранить пагоду от землетрясения.
Массивный, но скромный по размерам (10,5×14 м) Золотой храм поддерживается 26 деревянными колоннами, поставленными на каменном цоколе. Входная дверь фланкирована нишами со статуями охранителей ворот; внутри имелась стенная роспись, выполненная, по преданию, в 610 году корейским художником Донте.
Ансамбль Хорюдзи, послуживший образцом для всех последующих храмовых построек, на редкость гармонично расположен среди окружающего пейзажа, на фоне которого сверкают красные пятна колонн, лак и золото.


Ансамбль Хорюдзи в Нара. Аксонометрический чертежhttp://www.la-fa.ru/history/images/nara.jpg

В период становления феодализма столицей Японии становится город Нара, распланированный с учетом градостроительных принципов китайской столицы Чанъань.
Эпоху феодализма в Японии принято считать с так называемого хэйанского (хэйан — мир и спокойствие) периода (794—1192), который был временем пышного расцвета придворной культуры, сопровождавшегося созданием аристократических литературных произведений (роман Мурасаки Сикибу «Гэндзи моноготари» — повесть о Гэндзи и др.), строительством буддийских монастырей и дворцовых комплексов.
В стране продолжало господствовать китайское влияние, и, как и раньше, китайское зодчество служило образцом для японских архитекторов. В частности, план китайской столицы — Лояна был положен в основу застройки новой столицы Японии — Хейан (Киото).
Храм Феникса близ Киото. Характерным памятником хэйанской культуры является храм Феникса в ансамбле Бидоин, близ Киото (1053), первоначально построенный как увеселительный дворец могущественной семьи Фудзивара — фактических правителей Японии.
Павильон, напоминающий в плане распластанные крылья птицы, был помещен посредине пруда. Легкие изогнутые крыши и тонкие подпоры с доугунами, отражавшиеся в воде, выглядели необычайно изящно и гармонично. В убранстве храма широко применены роспись, сложная резьба по дереву, золотой и черный лак, инкрустация перламутром, ажурные бронзовые пластины. Все это отличает утонченное придворное искусство 9—12 веков от лаконизма эпохи Нара.



Храм Феникса. Ансамбль Бидоин в Удзи близ Киото. Чертеж фасадаhttp://www.la-fa.ru/history/images/kioto.jpg

Гражданские сооружения. Если храм Феникса дает представление о характере не дошедшего до нас светского зодчества 11 века, представление о светских постройках 14 века можно составить на примере Золотого павильона в Киото, бывшего до 1408 года частью увеселительного дворца крупнейшего феодала Асикага Иомитсу.
Золотой павильон в Киото. Золотой павильон (название произошло от покрытой листовым золотом крыши) является классическим образцом сооружения, где вертикальные и горизонтальные опоры несут крышу, а переборки состоят из скользящих по желобкам бумажных ширм. Важная особенность жилых построек Японии и Золотого храма, в частности, — гармоничное сочетание архитектуры с пейзажем.
Жилые дома. Дома японцев — наиболее привлекательное явление из всего, что создала японская архитектура, в данном случае свободная от китайского влияния. Следуя конструктивным принципам, указанным выше, японские зодчие достигли высокого совершенства в решении интерьера. Простота и оригинальность внутренних помещений достигается за счет того, что модулем служит циновка размером 1,8×0,9.м. Циновки устилают все комнаты, подразделяющиеся на приемный зал, жилые и хозяйственные помещения. Постоянных переборок внутри дома нет, их заменяют передвижные перегородки — сёдзи, затянутые промасленной бумагой, непрозрачной, но пропускающей свет.
Наружные стены в зимнее время забраны деревянными скользящими ширмами — амадо. Деревянные части как внутри, так и снаружи остаются некрашеными; сучки, трещины, обнаженное строение волокнистого камфарного дерева или бамбука создают оригинальный декоративный эффект.
Мебель в японских жилищах употребляется минимально, размеры ее невелики, таким образом комната воспринимается со зрительного горизонта на уровне 70 сантиметров от пола, что позволяет сократить высоту дома. Оформление интерьера чрезвычайно лаконично — красивый рисунок деревянных переплетов, резьба на горизонтальных балках и особая «ниша красоты» — токонама — в приемном зале, размером в одну циновку, где в углублении висит свиток с изображением пейзажа, а на полу стоит ваза с цветами.
Благодаря раздвижным стенам японцы могут объединять помещения, превращая маленькие комнаты в большие залы; это же обстоятельство позволяет объединять дом с садом, открывая интерьер для воздуха и солнечных лучей.
Сады. Японские сады — своеобразный и сложный вид искусства. На протяжении средневековья жители «страны восходящего солнца» стремились в островных условиях, где отсутствует простор, воссоздать многообразие природы в миниатюрном виде. Так возникли «идеальные ландшафты» не только в парках микадо и крупных феодалов, но и на маленьких участках и даже на окнах горожан. С этой целью культивируются карликовые породы деревьев; в садах размером 30—50 квадратных метров насыпают холм, символизирующий высокую гору, покрытый красивыми деревцами, иногда с беседкой или пагодой на вершине; миниатюрный водопад низвергается в пруд, изображающий озеро, дорожки извиваются среди поросших мхом камней, мостики перекинуты через ручейки — и все это выдержано в едином масштабе и создает массу аспектов для созерцания в любое время суток.

Ранняя скульптура Японии связана с заупокойным культом и религией буддизма. Глиняные фигурки святых, учеников Будды, выполненные в 711 году и хранящиеся в пагоде храма Хорюдзи в г. Нара, поражают своим реализмом. Разные типы людей и различные степени проявления горя изображают художники в экспрессивных фигурах изможденных аскетов, содрогающихся от рыданий, причитающих с закрытыми глазами или, запрокинув голову, издающих вопли отчаяния.

С течением времени скульптура делается более каноничной. Персонажи буддийского пантеона — бодисатвы, стражи, а также драконы, львы, слоны и прочие символические животные постоянно помещаются в храмах. В условиях влажного климата Японии скульптура большей частью делалась из дерева, крытого золотым лаком.

Монументальная скульптура. Помимо храмовых изображений, связанных с архитектурой, монументальная скульптура представлена гигантскими, бронзовыми или деревянными статуями Будды, из которых наиболее почитаема Даи-Бутсу (Великий Будда) в Камакуре, близ Иокагамы, воздвигнутая в 1252 году.

Будда Камакура, спаянный из бронзы, имеет высоту 12 метров при длине лица в 4 метра. Он пуст внутри, и лестница позволяет подняться до высоты плеч, откуда, через два маленьких отверстия открывается прекрасный вид на окрестности.

Величественная фигура выражает главную идею буддизма — душевный покой, бесстрастие и самосозерцание. Полузакрытые глаза и загадочная улыбка чуть склоненной под тяжестью дум головы оставляют впечатление внутренней силы и значительности.

Мелкая пластика — нетцке. К 17 веку большое распространение получила миниатюрная скульптура — нетцке — костяные или деревянные фигурки ремесленников, актеров, мифологических героев и животных с двумя просверленными дырочками, через которые продевался шнурок от кисета, веера или футляра. Это была часть национальной японской одежды, обычно лишенной карманов. Шнур нетцке прихватывался поясом, а сама фигурка вывешивалась поверх.

Нетцке и более крупные, до 10—12 сантиметров, фигурки из слоновой кости — окимино — особенно привлекательны жанровой тематикой, в которой отражается жизнь народа. С юмором, гротескной остротой изображают, например, резчики, как продавец птиц зазывает покупателей, бродячие актеры — манзаи — поют новогодние песни, женщина чистит рыбу; дети разбивают вазу, пытаясь вызволить свалившегося туда шалуна. В миниатюрной скульптуре так же, как и в гравюре на дереве, выражены дух японского народа, его отношение к жизни, оптимизм и острота мысли.

Японское изобразительное искусство прошло сходные с Китаем и Кореей этапы. В период становления феодализма широко была развита монументальная живопись. Росписи в Золотом храме ансамбля Хорюдзи конца 7 века по стилю близки к искусству Кореи эпохи Силла и Китая при династии Тан.

В средние века многие японские художники ездили в Китай изучать искусство живописи и каллиграфии; росписи 15—16 веков на шелке и рисовой бумаге сближаются со знаменитыми китайскими гохуа (так называемая «Школа Каыо»). Шелковые горизонтальные (макемоно) и вертикальные (какемоно) свитки с пейзажными мотивами, изображениями птиц и цветов были доступны узкому кругу аристократии; содержание живописи служило темой беседы во время чайных церемоний.

Наряду со школой Кано в японском искусстве существовали и другие художественные направления.

В 17 веке, в связи с ростом городов возникла реалистическая жанровая школа Укийо-е — «Картины жизни», «Образы переходящего мира». Школа Укийо-е так же, как новый жанр литературы — реалистическая повесть «Укийо-дзоси» и новый театр без масок — театр Кабуки, обращается к городской тематике, уличным сценам и народным увеселениям, быту ремесленников, торговцев, актеров, гейш.

Гравюра на дереве. Большой заслугой этой школы было развитие гравюры на дереве — массовой, дешевой, доступной демократическим слоям населения. В искусстве гравюры обычно принимали участие три человека: художник, создающий цветной рисунок, мастер, вырезающий изображение на дереве, и печатник. Авторство сохранялось только за художником, который ставил на гравюре свою подпись.

Ранние японские гравюры были черно-белыми. В этой технике работал Моронобу Хисикава (1638—1714), художник, скованный традицией, но сделавший предметом своего внимания народную жизнь.

Харунобу Судзуки. Применение печати с нескольких досок (для каждого цвета изготовлялась отдельная доска) связано с именем Харунобу (1725—1770). Он делал гравюры на шелке и бумаге. Его излюбленные темы — повседневная жизнь средних классов и, в особенности, женщина в бытовой обстановке. В творчестве Харунобу проявились черты, ставшие характерными для японской гравюры: преобладающая роль линии и пятна, декоративность, композиционное мастерство. При ярко выраженном интересе художника к простолюдинам — таковы его подавальщица из чайного домика, дочь крестьянина Осен, продавщица зубочисток Офудзи, ойран — куртизанки из «Зеленых домов» Иосивара — квартала в Эдо (Токио) — Харунобу отдает дань феодальному искусству и типы женских лиц создает в условных канонах красоты — с удлиненным овалом, изображая несколькими штрихами глаза, рот и нос.

С 90-х годов 18 века небольшие форматы гравюр Харунобу сменяются листами с крупными фигурами и погрудными изображениями (так называемые «Большие головы»). Среди многих художников этого жанра (Кийонага, Тойокуни и др.) наибольшую известность приобрел Утамаро Китагава (1753—1806) — мастер чрезвычайно разносторонний и оставивший огромное наследие.

Утамаро Китагава. Первые работы Утамаро, относящиеся к 70-м годам, иллюстрируют сочинения по естественной истории («Книга раковин», «Книга насекомых», «Книга птиц»); сохранились и бытовые картины из жизни ремесленников, но прославился Утамаро сериями гравюр, изображающих женщин, преимущественно гейш — певиц и танцовщиц Эдо — во время праздника, за туалетом, на прогулке или просто в созерцательном раздумье («Песни изголовья», «Ежегодник зеленых домов» и др.).

Утамаро превращает низкорослых японок в грациозных красавиц с удлиненными, изысканными фигурами и маленькими кистями рук.

Затканная цветами одежда (нередко гравюры заказывались художникам как реклама нового узора ткани) ниспадает каскадом складок, образующих пьедестал. На белых, удлиненных лицах, похожих одно на другое, чуть намечены щелочки глаз, тонкий, с легкой горбинкой нос и лепестки губ. И все это увенчано сложным сооружением прически с гребнями, хризантемами и костяными шпильками.

Движения героинь Утамаро, скорее, манерны, чем эмоциональны, лица также лишены психологической глубины, но мастерство художника заключается в красоте и плавности линий, вызывающих ощущение танцевального ритма или музыкальной фразы.

Непревзойденные образцы представляют гравюры Утамаро и в колористическом отношении. Излюбленные тона художника — серебристо-серые, жемчужно-розовые, сиреневые и бархатисто-черные. Известно, что для передачи одной только серой прозрачной ткани художник применял шесть досок, а иногда количество досок для гравюры достигало двадцати.

Особый раздел в творчестве художников Укийо-е занимал театральный жанр, который вел свое происхождение от театральной афиши (художники Кийонобу, Сюнсо, Тойокуни) и получил завершение в искусстве Сяраку (родился в 60-х годах 18 в.).

Сяраку Тосюсаи. Актер традиционного театра масок Но, он изображал персонажей театра Кабуки в двойных портретах и полуфигурах, носивших большей частью гротесковый характер. Персонажи Сяраку всегда даны в движении и выражают разнообразные чувства, а подчас и грубые инстинкты — алчность, тупость, коварство. Художник словно протестует своими гравюрами против утвердившихся штампов — застылых, традиционных, условно-прекрасных. Вдохновенное и скорбное творчество Сяраку не нашло последователей.

Школа Укийо-е взамен идеальных ландшафтов средневековья показала во всем многообразии реальный пейзаж Японии, иногда суровый и величавый, иногда простой и непритязательный. Классические художественные приемы сочетались в них с новым щущением природы.

Хиросиге Итирюсаи. Как мастер пейзажа прославился Хиросиге (1797—1858), неутомимый путешественник, воспевший в своих сериях «53 станции Токайдо», «36 видов Фудзи», «100 видов Эдо», дороги Японии, ее бухты и заливы, мосты и переправы, снежную пелену на соломенных крышах и косую завесу дождя.

Хиросиге стремился в своих гравюрах раскрыть состояние природы; в тончайших оттенках серого, голубого, коричневого передать туманную дымку, окутывающую горы или пылающий отсвет заходящего солнца на воде.

Излюбленный художественный прием Хиросиге — акцент на переднем плане, крупное изображение моста, дерева, скалы или группы людей, за которыми легко намечены даль и линия горизонта. Художник был знаком с перспективой и пространственность изображения усиливал с помощью переходных тонов.

Спокойная красота природы в гравюрах Хиросиге перекликается с лирической японской поэзией, дающей в пятистрочной форме «танка» отточенные пейзажные описания.

Хокусаи Кацусика. Крупнейшим, всемирно-известным мастером гравюры был Хокусаи (1760—1849). Неутомимый «старик, одержимый рисунком», как подписывался художник, Хокусаи создал многочисленные серии гравюр, около 30 тысяч рисунков и проиллюстрировал около 500 книг, где выступал как пейзажист, портретист, жанрист, иллюстратор и мастер цветов, обладающий великолепным композиционным даром и безупречной линией.

Пейзажи Хокусаи, обобщающие и лаконичные, не подавляют; они всегда населены людьми. На переднем плане в его произведениях изображаются жизнь и быт простого люда: рыбаки натягивают сеть, продавец зонтов расставляет свой товар; рабочие дровяного склада укладывают штабеля, а бочар трудится, стоя на коленях. Казалось бы, будничные моменты опоэтизированы художником и повествуют о величии природы и многообразии жизни.

Это же можно сказать и относительно рисунков «Манга». По первоначальному замыслу они должны были служить пособием для учеников, но, собранные в 15 томах, стали летописью японской жизни, народными картинами, где в множестве композиций изображены пейзажи, военные сражения, юмористические сценки и городские типы, животные и растения.

Артистический рисунок Хокусаи, то орнаментально-плавный, то острый и решительный, всегда является основой художественной выразительности его работ. Знакомый с европейской перспективой и светотенью, Хокусаи в области цвета следует традиционным декоративным принципам, предпочитая класть краски ровными плоскостями, не смешивая их, но добиваясь гармонических сочетаний, и в этом отношении всегда сохраняет самобытность и национальный колорит японской гравюры.

Из всей плеяды знаменитых мастеров 18—19 веков Хокусаи наиболее последовательно демократичен. Его никогда не соблазняли ни театральные сюжеты, ни красавицы Иосивара. Листы его гравюр населены прачками и кустарями, плетущими корзины, крестьянами в соломенных дождевых плащах и огромных грибообразных шляпах; бедными женщинами с простоволосыми детьми, привязанными за спиной; ремесленниками и тружениками рыбачьих поселков. Народу, его жизни и труду посвящено все творчество Хокусаи. «Замечательный художник и честный человек», как гласит надпись на его могиле, умер в 1849 году в возрасте 89 лет.

1. В средние века центр образования и культуры :

а) церковь;

б) школа;

в) государство.

2. О каком архитектурном стиле идет речь: “главная роль отводилась суровой, крепостного характера архитектуре...”

а) готический;

б) романский;

в) барокко.

 3. Идеал эпохи Средневековья в:

а) телесной красоте;

б) телесной и духовной красоте;

в) духовной красоте.

4. “Ведущим архитектурным стилем стал городской собор со стельчатыми сводами, устремленными ввысь... с многоцветными витражами”. О каком архитектурном стиле идет речь?

а) романском;

б) барокко;

в) готическом.

5. "Немецкие рыцарские средневековые поэты-певцы, воспевавшие любовь к даме, служение богу и сюзерену, рыцарские подвиги и крестовые походы":

а) менестрели;

б) миннезингеры;

в) трубадуры.

6. Этот памятник архитектуры - синтез художественного опыта античноcти и воззрений христианства: "Он велик по размерам: диаметр купола около 32 метров, а его кольцо-основание поднято на высоту 14-этажного дома (более 40 метров)".

а) Софийский собор в Полоцке;

б) храм Василия Блаженного;

в) Софийский собор в Константинополе.

7. Искусство средневековья проникнуто духом:

а) символики;

б) науки;

в) мифологии.


Домашнее задание: Сделать сообщение на выбор. (Китай, Япония, Индия)


План урока №1, 2


Тема : Искусство Киевской Руси

Цели:

познакомить обучающихся с культурными достижениями Киевской Руси, особенностями развития архитектуры, фресковой и мозаичной живописи, показать преемственность древнерусского искусства;

воспитать уважение к памятникам культуры, понимание красоты, патриотизм;

развивать эмоциональное, эстетическое, образное восприятие, творческие способности, познавательную активность, коммуникативные навыки;

Тип урока: изучение нового материала

Форма проведения урока: урок-путешествие, интегрированный: изобразительное искусство и история.

Место урока в учебном плане: один из уроков в главе «Русь Древняя»

Методы: словесный, наглядный, самостоятельная работа, заполнение таблицы, составление словаря урока, создание храмов.

Работа, проведенная до урока: подготовлена презентация «Культура Киевской Руси», подобраны материалы для выполнения практической работы

Методические новшества: привлечение к ведению урока учителя изобразительного искусства

Оборудование:

  1. Ноутбук

  2. Мультимедийный экран

  3. Мультимедиапроектор

  4. Презентация учителя

  5. Материал для выполнения практической работы: краски, кисточки

  6. Музыка

Ход урока

Учитель истории: Здравствуйте, ребята! Сегодня на уроке вы познакомитесь с культурой Киевской Руси. (слайд 1) Вы должны будете ответить на вопросы:

Достижения, какого государства нашли воплощение в древнерусской культуре?

Какие виды искусства получили развитие в Киевской Руси?

Назовите особенности древнерусской культуры.

Также вам необходимо по ходу урока заполнить таблицу “Культура Киевской Руси” (работа со слайдом) слайд 2

Направления развития культуры Достижения

1. Духовная культура:

архитектура;

живопись;

фреска;

мозаика;

иконопись.

Также вам надо составить словарь сегодняшнего урока (работа со слайдом): слайд 3 фреска, икона, апсида, закомара, пилястра, крестово-купольный храм.

Учитель ИЗО:

Эпиграф нашего урока:

О, светло-светлая и украсно-украшена земля русская!

И многими красотами удивлена еси

Всего еси исполнена земля Русская!”

Эти слова древнерусского летописца – признание высокого уровня развития культуры народа, присущей ему любви к красоте. Далеко вглубь веков уходит история нашего народа. Находить, изучать и сохранять их – важное и благородное дело. Мы родились на земле славной своей историей, богатой многовековой культурой и прекрасными памятниками искусства, снискавшими мировую славу. Сегодня мы познакомимся с ними.

Учитель истории: Русь приняла христианство от Византии.

А давайте вспомним, кто первым из русских князей принял христианство на Руси? (Княгиня Ольга в 957 г. крестилась в Византии) Оттуда же были заимствованы достижения в искусстве, пришли мастера. Но с самого начала русская культура отличалась самобытностью и оригинальностью.

Основа русской культуры – культура восточных славян (древние мифы, сказания, искусство ремесленников).

Древнерусская культура впитала культуры народов, проживающих на территории Руси, а также соседей.

Особое влияние на древнерусскую культуру оказала культура Византии и христианство.

(Обучающиеся записывают сведения в тетрадях).

Учитель истории: Для того чтобы совершить путешествие, необходимо к нему подготовиться. Нам не помешает вспомнить понятия, связанные с культурными достижениями этой великой страны прежде, чем отправляться в путь. Я называю определение, а вам необходимо назвать исторический термин, который к нему относится (работа со слайдом). Слайд 4

Прямоугольное в плане здание, лежащее в основе строений Греции, Рима, Византии (базилика).

Круглый опорный столб (колонна).

Полукруглый выступ стены, место расположения алтаря (апсида).

Тип здания, которое в плане имело крест и завершалось куполом (крестово-купольное).

Основание купола (барабан).

Главный храм Константинополя (св. Софии).

В дословном переводе с греческого языка означает “изображение” (икона).

Картина, выложенная из кусочков цветного стекла – смальты (мозаика).

Живопись красками по сырой штукатурке (фреска).

Вид ИЗО, искусство строить и украшать здания (архитектура).

Вы хорошо подготовились к путешествию! И так, ребята, наше путешествие начинается.

Учитель истории: Сегодня мы перенесемся в Древний Киев – мать городов русских. Слайд 5 Русь называют Гардариком – страной городов. Киев (или Куяба) как называют его арабские купцы – столица, главный город руссов. Но далеко ему до Константинополя, недаром они называют его Царьградом. Сойдя на берег, можно увидеть много ладей, купцы из разных стран, есть, что купить и продать в Киеве. Слайд 6 Купцы привезли в Киев паволоки – драгоценную парчу, пряности и вина, драгоценные камни и оружие. Да и здесь им есть, что купить. Меха: собольи, куньи, песцовые, мед и воск, рабов и изделия киевских ремесленников. Слайд 7 Город располагается на высоком берегу Днепра. Раньше город был укреплен земляным валом с бревенчатыми стенами. Слайд 8 При нынешнем князе Ярославе выстроены каменные стены с пятью воротами. Самые красивые из них – Золотые. Слайд 9

Мы вышли к Золотым воротам. Слайд 10 Посмотри, в них три пролета: средний выше и шире боковых. Венчает ворота надвратная церковь. Внизу помещения для стражи и княжеской казны. Ярко блестят на солнце золотые купола: от того и ворота прозваны Золотыми. Идем дальше. Против западных – Лядских ворот, гордость киевлян и всех русичей – Софийский собор. Слайд 11 Построен на месте и в честь победы киевлян над печенегами. Говорят, с того времени перестали они тревожить Русь своими набегами.

Собор похож на византийские, и назван в честь Богоматери Премудрой. Но есть отличия: (записать) центральный купол окружают размещенные чуть пониже четыре средних купола, а за ними еще ниже восемь малых. Основа собора – крестово-купольная форма. В плане храм представляет собой крест, а венчают его 13 куполов. Высота центрального купола 29 метров, а площадь – 1300 м². Слайд 12

Ребята! С именем, какого князя связано строительство храма Святой Софии в Киеве? (Работа со слайдом) (Я.Мудрый) Слайд 13

Учитель ИЗО: Посмотрите, внимательно, ребята, на реконструкцию храма Святой Софии. Слайд 14 Какие архитектурные детали, используемые в культовом строительстве, вам известны? В архитектурных сооружениях каких стран они применялись? (Византии)

(Ответы учеников)

В храме Святой Софии зодчие используют новые приемы: перекрытия по закомарам, пилястры, расчленяющие стены, купола на барабанах. Большой каменный квадрат окружен с севера, запада и юга двумя рядами открытых галерей. Их на Руси называют папертями.

Ребята, а кто мне подскажет, что это такое? (Непокрытая площадка перед внутренним притвором храма)

Все части здания связаны между собой, подчинены единому ритму и гармонии. Ритм -соразмерность, закономерное сочетание, рождается из чередующихся одинаковых архитектурных элементов. Это полуциркульные арки – галереи, которые повторяются затем в арках верхних окон, и завершается закомарами, сводом, на котором держится крыша.

Словарная работа: обучающиеся вносят записи в словарь.

Пилястра пристенная полуколонна, прямоугольная в основании.

Закомара полукруглое завершение стены.

Работа со слайдом

Глядя на примеры архитектурных построек, выберите сооружения, относящиеся к эпохе Киевской Руси и, по возможности, назовите их. Слайд 15

В храме идут богослужения, здесь обсуждают важные вопросы, князья вступают на престол, здесь же находится библиотека.

Войдем внутрь святой Софии! Слайд 16

Огромное пространство храма делят двенадцать мощных крестообразных столбов. В двенадцать широких окон основания центрального купола диаметром 8 метров льется солнечный свет и кажется, что купол парит в воздухе. Слайд 17 Посмотрите, здесь мастера поместили фигуру Спасителя нашего Иисуса Христа Вседержителя. Блистает мозаика золотом, сине-голубыми, сиреневыми, зелеными и пурпурными переливами. Всего здесь до 130 оттенков. Мерцающая живопись! Слайд 18 Сильна наша держава, если может позволить себе эту роскошь, богатство, красоту! В простенках храма изображены святые, а в центральной апсиде – Богоматерь Оранта (Молящаяся) в фиолетовых одеждах, красных сапожках. Она молится, воздев руки к небу. Слайд 19 Огромные глаза, тонкий нос, удлиненный овал лица, одухотворенность облика – она парит в вышине, являя собой самое преданное служение Богу. “Оранта” – по-нашему Заступница, мы называем ее “нерушимая стена”– для нас она не только “мать всего сущего”, но и заступница, ограждающая нашу Русь от бесчисленных врагов.

Под ногами расстилаются узоры мозаичных полов. Слайд 20

Здесь в Софии нас окружают ангелы и святые, здесь мы особенно близки к Богу.

Храм украшен фресками. Штукатурка быстро сохнет, поэтому мастера должны быть искусны, чтобы быстро и точно наносить краску. Здесь изображен наш князь Ярослав со своей семьей. Слайд 21 Поэтому искусство иконописи пришлось нам по душе. Иконы появились во времена раннего христианства. Евангелист Лука, художник по профессии, написал несколько образов Божьей Матери.

Старая легенда гласит: девушка расставалась со своим любимым, который уходил на войну, и, как только дорога скрыла его, она взяла небольшой плоский камень и начертала на нем дорогой ей лик, чтобы никогда не расставаться. “Изображение”– по-гречески – “икона”. Слайд 22

Учитель истории: В 787 году на Вселенском соборе дали определение, что есть икона. На иконах изображается не божество, которое непостижимо и невидимо для нас, но его человеческий образ. Образ воплощает добродетель или порок. Икона учит нас отличать добро от зла, помогает нам спастись от адских мук. Человеческое тело скрыто одеждами, ведь подлинная красота в душе человека, его лике, глазах.

В иконописи мы следуем византийским образцам-канонам. Но у нас иконы живут чувствами. Изображают сомнения, надежды, огорчения, в них живет наше восхищение природой. Для простых людей иконы – книги, рассказывающие о верности, любви, терпении, преданности и вере. Слайд 23 Когда мы смотрим на Власия, то вспоминаем свою единственную лошаденку, когда смотрим на грозный лик Ильи, думаем о земле, жаждущей дождя. У Николы мы просим о помощи, в разных бедах, в нужде, устроение судьбы детей, о благополучии в пути. Параскева Пятница ведает торговыми делами, мы ставим ей церкви на торговых площадях, а ярмарки устраиваем по пятницам.

Учитель ИЗО: Слайд 24 Все действующие лица икон озарены нимбами: золотым или цветным сиянием вокруг головы. “Нимб – слово греческое и означает оно “облако”, “туча”.

Нимб – это символ святости и божественности.

Слайд 25 Каждое изображение на иконе имеет свой смысл, свое значение. Если изображен человек с рукой, прижатой к щеке,– это знак печали, а протянутая вперед рука с раскрытой ладонью обозначает повиновение и покорность.

Слайд 26 Свое значение имеет цвет. По темно-вишневому плащу узнаем Богоматерь. По светло-малиновому цвету – апостола Павла, по желтому, охристому определяем апостола Петра.

Краски как азбука: красный цвет – цвет мучеников, но и огонь веры; зеленый – выражение юности, жизни; белый – причастности к высшему званию.

В Киеве есть свой иконописец – монах Киево-Печерского монастыря Алимпий.

Слайд 27 Учился он у греческих мастеров, когда они расписывали алтарь Успенского собора. Алимпий помогал им и учился. При этом случилось чудо!

Образ Богородицы “сам вообразился и просветился паче Солнца”, из уст Богородицы выпорхнул белый голубь, облетел весь храм и скрылся.

Тогда Алимпий постригся в монахи и продолжал заниматься своим искусством. За многие добродетели игумен поставил Алимпия священником и проводил Алимпий ночи, на пение и молитву “упражняшеся”, а днем писал неустанно новые иконы и подновлял старые, обветшавшие, не ради корысти, а из чистой любви к своему искусству. Трудится он в поте лица, не щадя себя.

Учитель ИЗО: Ребята! Посмотрите, пожалуйста, внимательно на слайд и назовите виды изобразительного искусства, с которыми мы встречались сегодня на уроке. (Работа со слайдом). Слайд 28

Учитель истории: Много интересного увидели мы в Киеве, на краю земли! Кто бы мог подумать, что здесь на Руси почитают византийское искусство и создают свое, новое. Воистину, славна земля Русская, славен град Киев!

Учитель ИЗО: Слайд 29 Закончилось наше путешествие в Древний Киев. Что вам понравилось в нашем древнем городе? Кто создавал памятники искусства?

Подведение итогов.

Учитель истории: А теперь, проверим, как вы усвоили материал. Вашему вниманию предложен текст, в котором необходимо найти ошибки.

Текст “Найди ошибки”.

Развитие каменного строительства на Руси связано с принятием христианства в 899 году. Первым храмом, воздвигнутым в Киеве из камня, был храм Святой Софии. Строительство храма началось при Владимире Святом, а закончилось при Владимире Мономахе. Интерьер храма поражал своим великолепием мозаика, портреты, фрески. Украшением Киева были замечательный Дмитриевский собор, роскошный Успенский собор. Недаром Киев называли “Мать городов русских”.

Обучающиеся работают с текстом.

А сейчас вы ответите на вопросы урока:

Достижения какого государства нашли воплощение в древнерусской культуре? (Византии)

Какие виды искусства получили развитие в Киевской Руси? (Архитектура)

Установите соответствие между элементами левого и правого столбиков.

Жанр древнерусской живописи

Определение

1. Фреска


2. Миниатюра


3. Мозаика

А) Живописное художественное произведение малых размеров

Б) Живопись водяными красками по сырой штукатурке

В) Изображение, выполненное из цветных камней, смальты


1

2

3

б

а

в

Учитель ИЗО: А сейчас, ребята, мы приступаем к практической части нашего занятия. Путешествуя по Древнему Киеву, вы узнали о работе мастеров, рассматривали мозаики храма Святой Софии, наблюдали его реконструкцию. Вам необходимо выполнить работу с использованием предложенных вам материалов.

По окончании урока свои работы вы разместите на нашей экспресс выставке “И многими красотами исполнена земля русская”.

Литература:

А.А. Данилов, Л.Г. Косулина “История России с древнейших времен до конца 16 века” М. “Просвещение”, 2004 год.

Б.А, Рыбаков “Мир истории”. “Молодая гвардия”,1984.

В.Д. Сиповский “Родная старина”. Нижний Новгород, 1993 год.

Л. Любимов “Искусство Древней Руси”. М. “Просвещение”, 1981 год.

Р. Байбурова “Из истории культуры Восточной Европы: древнейшие времена”. Приложение “История” к газете “1 сентября”. №8, февраль 1989 г.

Н. М. Сокольникова “Краткий словарь художественных терминов”, “Титул”, 2000 г.

Ю. С. Рябцев “Путешествие в древнюю Русь”, Москва, “Владос”, 1995 г.



План урока №3


Тема: Искусство Новгорода XI-XV вв.

Архитектура

Господин Великий Новгород

В 12 веке Новгород освобождается от власти князя и становится феодальной республикой, возглавляемой верхами боярства и архиепископом.

Возводятся только небольшие крестовокупольные храмы с одной главой.

Внутреннее пространство упрощается.

Декоративное убранство минимальное: монолитный объем храма нарушают лишь лопатки, создающие строгий ритм; закомары украшены простым профилированным рельефом; верх барабана отмечен лаконичным аркатурным поясом.


Георгиевская церковь в Старой Ладоге . 1165. Западный фасад.

Георгиевская церковь в Старой Ладоге . 1165. Западный фасад.

Форма купола – шлемовидная.


Церковь Спаса на Нередице. Близ Новгорода. 1198 .

Церковь Спаса на Нередице. Близ Новгорода. 1198 .

«Эта всемирно известная церковь расположена на невысоком холме за речкой Спасовкой. С холма открывается вид на заливные луга Волхова, на саму реку, на озеро Ильмень. Отсюда прекрасно виден весь Новгород».

Купол тяготеет к луковичной форме.


Живопись


«В той же степени, как быт Флоренции или Венеции, весь быт Господина Великого Новгорода был радужно озарен живописью. Живописью, столь же лаконичной в своей графической точности, столь же ясной всем своим внутренним строем, столь же выразительной в каждой детали, как и новгородское зодчество».


Ангел Златые Власы. 12 в. Новгородская школа. ГРМ.

Ангел Златые Власы. 12 в. Новгородская школа. ГРМ.

Высокая чистота и красота образа.

Сильны народные традиции.


Устюжское Благовещение.

Устюжское Благовещение.

12 – нач. 13 в. ГТГ.

В прекрасных лицах и фигурах отголоски киевско-византийских мозаик.


Спас Нерукотворный

Спас Нерукотворный (лицо Христа, изображенное на плате). 12 в. ГТГ. Суровый лик с огромными глазами, написанный в оливково-желтой гамме, оживляется подрумянкой.

По-разному изогнутые брови придают лику выразительность, как кривизна линий новгородских храмов сообщает им пластическую выразительность.

«Образ иконы – образ триумфатора, энергия и сила которого позволяет нам понять, почему «Спас Нерукотворный» изображался на русских военных хоругвях».


Пророк Аарон. Фрагмент фрески церкви Спаса на Нередице. 1199.

Пророк Аарон. Фрагмент фрески церкви Спаса на Нередице. 1199.

После ВОВ церковь была восстановлена из руин, но росписи погибли.

В образах святых с горящими глазами, грозно внушительных в своей неподвижности дышала некая первозданная мощь. Подлинно народная, даже крестьянская сила.


Фрагмент фрески церкви Спаса на Нередице. 1199.

Фрагмент фрески церкви Спаса на Нередице. 1199.


Выводы


Древнерусская архитектура периода феодальной раздробленности (12 – сер. 13 вв.) имела общие черты и местные особенности.

Общерусскими чертами архитектуры стали тенденции, зародившиеся в киевский период и получившие свое полное развитие в 12 – сер. 13 вв. – достижение выразительности через лаконичность и пропорциональную соразмерность простых архитектурных объемов.

Различия школ:

Владимиро-суздальская школа – вытянутые строгие пропорции и нарядность храмов, благодаря украшению декоративными деталями и каменным рельефом стен.

Новгородская школа – монолитный объем одноглавых небольших храмов, минимальное использование простого декора.


Живопись

Владимиро-суздальская и ярославская школы – византийская традиция обогащается народными чертами: подчеркнутая декоративность, укрупненность деталей, появляется человечность и простодушие образов.

Новгородская школа - образы святых становятся сильными и величественными, графичность и монументальность.


Новгородское искусство 13 – 14 веков


Новгород не знал того ужаса, каким монгольское нашествие явилось для городов Приднепровья, Владимиро-Суздальской земли и Рязанской. Новгород платил дань татаро-монголам. Общая беда, разорение, отразились и на нем.

Пока остальная Русь принимала на себя беспощадный удар с востока, Новгород 12:50 07.06.2010противостоял шведам и немецким «псам-рыцарям» (ливонский орден).

Конечно, это сковало творческие силы Новгорода, но он остался хранителем русской культурной традиции.


С конца 13 в. наблюдается некоторое оживление и новый расцвет новгородского зодчества.


Церковь Николы на Липне близ Новгорода. 1292.

Церковь Николы на Липне близ Новгорода. 1292.


Церковь Федора Стратилата на Ручье (на Ручью) в Новгороде. 1360.

Церковь Федора Стратилата на Ручье (на Ручью) в Новгороде. 1360.

В этом храме нашли свое завершение задачи, поставленные при строительстве церкви Николы на Липне:

Стремление к наибольшей монолитности и стройности общего архитектурного облика. Соразмерность главных объемов – самое основное в этом строении.

Для решения этих задач появляется новый тип покрытия.

Приближение здания церкви к общему характеру городской застройки. Трудно представить большее органическое единство архитектуры храма с исконной новгородской крепостью.


Церковь Спаса Преображения на Ильине-улице в Новгороде. 1374.

Церковь Спаса Преображения на Ильине-улице в Новгороде. 1374.

В 14 в. зодчие отказываются от строгой лаконичности и делают храмы подчеркнуто нарядными.

Покрытие эволюционирует в двускатное на фасадах.


Живопись Новгорода 13 в.



Алексей Петров. Никола Липный. 1294.

Алексей Петров. Никола Липный. 1294.

Приближение к русскому народному мироощущению.

Византийская иконография создала аскетичный облик Николая-чудотворца, несгибаемого ревнителя веры, сурового догматика, который вызывал трепет и благоговение у верующих.

А икона Алексея Петрова совершенно уникальна: «какой , ласковый вид у святого! Это добродушный дедушка, русский старичок, которому так подходят старые русские описания его образа: «…сед, брада невеличка, кручеват, взрыловат, плешат… в руце евангелие, благословляет». Милостивым и снисходительным представлялся русскому человеку той поры истинный святитель».


Искусство Псковского княжества Зодчество Пскова до 14 века целиком относилось к новгородской школе.

В 14 – 15 вв. псковичи значительно чаще строили оборонительные сооружения, чем культовые.


Алексей Петров. Никола Липный. 1294.

«Вытянутая узкой полосой вдоль границ с Литвой и рыцарским Ливонским орденом псковская земля нуждалась в постоянном укреплении своих границ».

Крупнейшей работой стало расширение укреплений самого Пскова. К 16 веку общее протяжение крепостных стен Пскова достигло девяти километров.


Псковское зодчество питалось достижениями крепостного строительства.

Церковь Николы на Усохе в Пскове. 15 в.

Церковь Николы на Усохе в Пскове. 15 в.

Новшеством в древнерусской архитектуре явилось то, что псковские зодчие сооружали на храмовых стенах звонницы, с которых велось наблюдение за продвижением врага.


Церковь Николы на Усохе в Пскове. 15 в.

Псков. Церковь Вознесения Господня.


Живопись Новгорода


14 - 15 вв. В 70-х годах 14 в. в Новгороде появляется выходец из Константинополя – знаменитый Феофан Грек. Этот гениальный художник «настолько тесно сжился с русскими людьми и настолько крепко вошел в русское искусство, что его имя в такой же мере неотделимо от последнего, как имена Растрелли, Кваренги и Росси».

Восторжествовавшая монашеская реакция, укрепление аскетизма и догматизма в Византии раздавили новый расцвет византийской живописи. Феофан нашел возможность с полнотой осуществить все свои творческие замыслы именно на Руси.

Новгородское свободолюбие во всем, даже в религиозных воззрениях создавала наиболее творческую среду.

У Феофана творческие поиски выразились в самой живописной манере – мощном и лаконичном художественном языке.


Роспись церкви Спаса Преображения на Ильине-улице. (1378).

Роспись церкви Спаса Преображения на Ильине-улице. (1378).

Христос – Пантократор.


Феофан Грек. Троица. Фреска церкви Спаса Преображения на Ильине улице в Новгороде. 1378.

Феофан Грек. Троица. Фреска церкви Спаса Преображения на Ильине улице в Новгороде. 1378.



Макарий Египетский.

Лица святых написаны размашисто, свободно. Белые блики легко и уверенно брошены поверх темного красно-коричневого тона.


В новгородской иконе этого времени нет связей со стилистикой фресок.

В 15 в. новгородское творчество развивалось без участия чужеземных мастеров, оно целиком отмечено самой яркой новгородской самобытностью.


Икона Св.Георгий. Кон. 14 в. ГРМ.

Икона Св.Георгий. Кон. 14 в. ГРМ.


Икона Св.Георгий или «Чудо Георгия о змие». нач. 15 в. ГТГ.

Икона Св.Георгий или «Чудо Георгия о змие». нач. 15 в. ГТГ.


Икона битва суздальцев с новгородцами. 2 пол. 15 в. ГТГ.

Икона битва суздальцев с новгородцами. 2 пол. 15 в. ГТГ.


Живопись Пскова


14 – 15 вв.


Икона Сошествие во ад (Воскресение). 14 в. ГРМ.

Икона Сошествие во ад (Воскресение). 14 в. ГРМ.

Письмо без белил. Коричневые лики, тонко прописанные (краска словно втерта в доску).


Икона Собор Богоматери. Кон. 14 – нач. 15 в.

Икона Собор Богоматери. Кон. 14 – нач. 15 в. ГТГ. Дерево, темпера.

81 х 61

На сайте ГТГ очень хорошего качества.


Выводы


Искусство Новгорода времени татаро-монгольского ига

В архитектуре появляется:

- Новое понимание архитектурного силуэта – стремление к цельности.

- Новое понимание пространства - решение проблемы ансамбля храма и окружающих городских строений.


Живопись

Новгород 13 в. Приближение к русскому народному мироощущению, превалирование народных художественных традиций (декоративность).

Новгородская живопись 14 – 15 вв.:

Четкие иногда упрощенные формы. Контрастность, декоративность живописи: любовь к ярким локальным цветам. В иконах много красного, часто красный фон.


Псков

Псковское зодчество питалось достижениями крепостного строительства.

Новшеством в древнерусской архитектуре явилось то, что псковские зодчие сооружали на храмовых стенах звонницы, с которых велось наблюдение за продвижением врага.

Псковская живопись:

Письмо без белил. Коричневые лики, тонко прописанные (краска словно втерта в доску).


План урока №4

Тема: Владимиро-Суздальская архитектурная школа


Владимиро-Суздальская школа


Храмы Владимиро-Суздальской земли были белокаменными. Самые древние из них отличало почти полное отсутствие декора: арочный поясок украшал апсиды, а стены посередине горизонтально пересекала полочка-отлив (выше ее стену делали тоньше). Немногочисленные узкие окна напоминали щели бойниц. Внутри толстые крестообразные в плане столбы несли своды. Для храмов XII—XV вв. характерна белокаменная резьба. В одних случаях изображения были связаны с фольклорными сюжетами, в других — демонстрировались образцы греко-скифско-персидского «звериного стиля», в третьих — явственно ощущались западные, романские влияния. Все перечисленные черты легли в основу историко-регионального владимиро-суздальского стиля.


Андрей, сын Юрия Долгорукого, незадолго до смерти отца самовольно ушел из Киевской земли, забрав с собой чудотворную икону Богоматери кисти византийских мастеров — ту, которая позднее прославилась на Руси под именем Владимирской. Предание гласит, что кони, везшие повозку с иконой, остановились в 12 верстах от Владимира, и их не удалось сдвинуть с места. Это было истолковано как нежелание Богоматери отправляться дальше. Андрей решил сделать столицей унаследованного им княжества не Ростов и не Суздаль — оплоты местной знати, а молодой город Владимир. Под Владимиром, на месте остановки, Андрей основал город-замок, названный Боголюбовом, за что сам получил прозвание Боголюбского.


Церковь Рождества Богородицы в Боголюбовском дворце (1158— 1165) отличалась роскошью и красотой. Ее купол несли не столбы, а круглые колонны, которые завершались пышными золочеными капителями, напоминавшими короны. Внутри было светло и просторно, стены покрывали фрески, а полы сверкали начищенными плитами красной меди. Над белокаменной крепостной стеной возвышались золотая глава церкви и две высокие лестничные башни двухэтажного белокаменного дворца.

Одноглавая белокаменная четырех-столпная церковь Покрова на Нерли (1165) — самое совершенное сооружение Руси домонгольской эпохи. Она невелика и удивительно гармонична. Полуцилиндры апсид здесь словно утоплены в тело храма, и восточная (алтарная) часть не перевешивает западную. Фасады разделяются многослойными четырехуступчатыми лопатками с приставленными к ним полуколонками; острые углы лопаток и стволы полуколонок образуют пучки вертикальных линий, стремящихся ввысь и постепенно переходящих в полукруглые закомары. Полукружиям закомар вторят завершения изящно вытянутых окон, порталов, арочек колончатого пояска. Церковь венчает полукружие главы, которая раньше была шлемовидной, а сейчас напоминает луковицу.

Красив резной убор церкви. В центре каждого фасада (кроме восточного), наверху, в поле закомары, находится рельефная фигура библейского царя Давида, играющего на лире. Его слушают львы, птицы и грифоны. Птица — древний символ человеческой души, алев — символ Христа. По средневековым легендам, львица рождает детенышей мертвыми и оживляет их своим дыханием. Это воспринималось как прообраз Воскресения Христова. Верили, будто лев спит с открытыми глазами, подобно тому, как Бог не дремлет, оберегая человечество. Наконец, лев — царь зверей, а Христос — Царь Небесный.

Последнее толкование соотносило льва с идеей княжеской власти, ведь земные правители считались наместниками Бога на земле. Резные львы внутри храма помещены на верхней части столбов, поддерживающих купол. Купол церкви — это небо, простертое над землей. Небесный свод утверждался на львах, как на власти утверждался порядок земного мира. Подо львами и птицами в кладку вставлены загадочные маски: лики с огромными очами и распущенными волосами. Некоторые ученые идентифицируют их с образом Богоматери до ее обручения с Иосифом. Однако, скорее всего, маски изображают ангелов, явившихся послушать Давида и прославить Богородицу.

Украшением Владимира являются Золотые ворота — единственный дошедший до нас памятник военно-инженерного искусства XII в. Ворота и теперь, в измененном виде, производят впечатление торжественности и силы. Их золотое сияние слепило глаза всем, кто въезжал в город, внушало мысль о необыкновенном богатстве города. Сводчатый массив ворот увенчан церковью, которая была перестроена в XVIII в. Высота проема ворот настолько велика (около 14 м), что мастера не сумели изготовить воротное полотнище таких размеров. Пришлось перекрыть их на половине высоты арочной перемычкой, на уровне которой сделан настил для стражников, охраняющих въезд в город. Кроме Золотых ворот во Владимире были еще Серебряные и Медные. По высоте владимирские Золотые ворота все же уступали киевским, высота проема которых равнялась высоте центрального прохода-нефа Софии Киевской.

Владимирский Успенский собор (1158—1160), заложенный Андреем Боголюбским, высотой превосходил все соборы Св. Софии на Руси. Он производил впечатление поразительной легкости и стройности. Стены и столбы стали тоньше, чем в постройках Юрия Долгорукого. Появились плоские четырехгранные полуколонны — пилястры (характерная черта владимиро-суздальских храмов). Наложенные на них тонкие полуколонки, словно растущие вверх, заканчивались изящными лиственными капителями. Арочки образовывали красивый пояс из колонок. Между колонками, очевидно позолоченными, были написаны изображения святых. Сверкали золоченой медью также порталы, глава и несущий ее барабан.

Успенский собор был украшен резными каменными рельефами. На одном из них грифоны возносили на небо Александра Македонского. Вошедшего в Успенский собор поражали яркие росписи, полы из цветных плиток, сделанных из обожженной глины и покрытых глазурью, драгоценные ткани и ковры. Весь облик собора был утонченно-изысканным и вызывал восхищение современников. В соборе хранилась русская святыня — икона Владимирской Богоматери. Спустя два с половиной века после постройки Успенского собора Андрей Рублев расписал его замечательными фресками.

Один из шедевров владимирской архитектуры — Дмитриевский собор (1194—1197) — называют памятником русского двоеверия, соединившего язычество с христианством. Он украшен изумительной белокаменной резьбой: ангелы, птицы, звери, фантастические существа и растения сплошь покрывают стены между многослойными лопатками. Вся верхняя часть стен, начиная со ставшего обязательным для владимиро-суздальского зодчества аркатурно-колончатого пояса, также покрыта резьбой. Под арочками колончатого пояса стоят многочисленные святые, а поля закомар заняты сюжетными сценами. На другом фасаде совершенно неожиданно для русской традиции расположен портрет князя Всеволода с сыновьями, новорожденного сына князь держит на руках. Выбор этих сюжетов продиктован назначением собора — княжеского домового храма, а также желанием возвеличить его могущественного заказчика.

Скульпторы-резчики Дмитриевского собора продумали размещение изображений до малейших деталей. На самых видных местах они поместили библейских персонажей и символы. Чем удаленнее и труднее для обозрения участок стены, тем больше на нем украшений, связанных с древнеславянской мифологией и языческой верой.




План урока №5

Тема: Феофан Грек и Андрей Рублев

Задачи урока:

  1. Обработка информации о творчестве древнерусских иконописцев.

  2. Раскрытие особенностей древнерусской живописи через анализ одного из произведений древнерусских иконописцев.

Тип урока: изучение нового материала.

Форма урока: урок—исследование.

Оборудование: компьютер, мультимедийная установка, экран,презентация, карточки.

Структура урока:

  1. Организационный момент.

  2. Постановка целей урока.

  3. Сообщение о Феофане Греке.

  4. Выявление особенностей творчества Феофана Грека. Запись в тетрадь.

  5. Сообщение об Андрее Рублеве.

  6. Выявление особенностей творчества Андрея Рублева. Запись в тетрадь.

  7. Творческая работа.

  8. Подведение итогов.

  9. Домашнее задание.

Ход урока

1. Лекция с элементами исследования.

Учитель. Древнерусские изографы не называли себя художниками и, как правило, не ставили своих имен на созданных ими иконах. Они трудились в тишине монастырских келий, перед началом работы творили молитву, освобождая себя от всего мирского, суетного, чтобы ничто не смущало душу и не отвлекало от внутренней сосредоточенности. Иконописец духовным взором вникал в невидимое, делая его зримым и явленным на своих досках. Не имя художника делало икону знаменитой, а несказанная красота её и чудеса, ею сотворенные, прославляли его имя. Поэтому-то и хранит церковь имена живописцев в своей памяти, окружая при жизни легендами, а после смерти причисляя к лику святых.

Цель нашего сегодняшнего урока состоит в том, чтобы выявить основные особенности мастерства великих иконописцев Древней Руси: Феофана Грека, Андрея Рублёва

Конец 15 –начало 16 века называют золотым веком Древней Руси. Это было время торжества Москвы, вобравшей духовную и художественную культуру Киева и Владимира, Новгорода и Пскова. Теперь в нее съезжались книжники, духовные деятели, живописцы. В это благоприятное время и прибыл из Византии живописец Феофан Грек, прозванный так за свое происхождение.

В русских летописях имя Феофана упоминается четыре раза. В Новгороде он расписал церковь Спаса на Ильине (слайд 2), в Москве – церковь Рождества Богородицы, Архангельский и Благовещенский соборы. Манера письма его резка и лаконична. Темный фон, чистые белые блики, вытянутые угловатые фигуры, жесткие складки одежд. Каждому образу свойственна мощная внутренняя энергия и – что совершенно не вписывалось в канон – индивидуальная характеристика, точная и неповторимая. Поэтому Феофана называли –неистовым. (слайд 3)

Сообщение ученика о картине --«Богоматерь Донская»(слайд4)

«Богоматерь Донская» входила в местный ряд Благовещенского собора, куда по некоторым данным, принесена была из Успенского собора в Коломне. Свое имя икона получила благодаря князю Дмитрию Донскому, который брал её с собой на Куликово поле. В иконе нет ничего воинственного, нет в ней и пророческой скорби. Она принадлежит к типу «Умиление» -- и мы видим на ней мать и дитя нежно ласкающих друг друга. Плавность линий, изысканный, немного сумрачный колорит, основанный на синих, вишневых, золотистых тонах, лики полные доброты и покоя, -- все это придает иконе неповторимое очарование.

Учитель. Итак, какие особенности живописи Феофана Грека можно выделить?

Выявление особенностей творчества. Запись в тетрадь.

Учитель. Создание икон требовало огромного мастерства, духовного совершенства, внутренней красоты. Всем этим в полной мере обладал великий древнерусский художник Андрей Рублев (слайд 5). Он жил в очень тяжкое для Руси время. О его жизни мы знаем не много. Родился около 1370 года, умер между 1427 и 1430. Был монахом Троицкого и Андроникова монастырей. Его работы объединяет неповторимая манера мастерства: легкость, совершенство композиции, теплота и открытость авторского взгляда на мир и необыкновенный подбор цветов, который рождает ощущение звучащей музыки. Колорит его икон – светлый, холодноватый, в сочетаниях и оттенках голубого, розового, вишневого,-- создает настроение тихого покоя и самоуглубленной мудрости. (слайд 6, 7)

Сообщение ученика об иконе «Троица». (слайд 8)

«Троица» является вершиной творчества Андрея Рублева. Она была написана «в память и похвалу» основателю Троицкого монастыря преподобному Сергию Радонежскому. Рассказывать о ней излишне: на нее надо просто смотреть. Это чистая совершенная гармония завораживает мгновенно. Три ангела, воплощающие три лица Троицы, объединены не только беседой о предстоящей жертве Бога Сына, которую они ведут. Их единство изначально, они—абсолютное целое. И вместе с тем каждый обособлен, отрешенно-созерцателен, погружен в себя. Нераздельность и неслиянность! В этом сакральный смысл учения о Троице. Тайна, недоступная разуму, но с такой изумительной глубиной и точностью угаданная кистью гениального иконописца.

Учитель. Назовите характерные черты живописной манеры Андрея Рублева.

Выявление особенностей творчества Андрея Рублева. Запись в тетрадь.

Творческая работа. (слайд14)

Перед вами на экране три изображения Пресвятой Богородицы из деисусного чина. Определите, какой из образцов принадлежит:

1 группа—Феофану Греку;

2 группа—прп. Андрею Рублеву;

Докажите с помощью карточек. (приложение) ( Ответы на задание – слайд 15)

Итог урока.

Найдите карточку (приложение), которая содержит описание манеры иконотворчества, покажите её:

  1. Прп. Андрея Рублева

Домашнее задание.

Написать эссе об одном из иконописцев.


План урока №6

Тема: Архитектура и скульптура Флоренции

Цели урока:

  • образовательная: создать условия для изучения и повторения учащимися произведений великих мастеров эпохи Возрождения Италии,;

  • понять отличительную особенность произведений итальянского Возрождения и Сев. Европы по отношению к личности Человека;

  • сопоставить проявления гуманизма в произведениях искусства, отражающих интерес к Человеку, его делам, воспевание духовной и физической красоты итальянского Возрождения и Сев. Европы;

  • развивающая: развивать у школьников способности зрителя, готового к восприятию произведений великих мастеров;

  • развитие творческих способностей в поисково – исследовательских и индивидуальных видах учебной деятельности;

  • воспитательная: воспитание художественного вкуса;

  • выработка устойчивой потребности общения с произведениями мировой художественной культуры и умение находить в них духовно – ценностные ориентиры.

Материалы к уроку:

СД «Мировая художественная культура», СД «История искусств», энциклопедия для детей т. 7 «Искусство» Аванта +,1997г. учебник «История» 7 класс, учебник «Мировая художественная культура» 5 – 6 класс Г.И Даниловой, Интернет – ресурсы.

Содержание урока:

Вступительное слово учителя МХК

Итак, ребята, урок сегодня необычный. Мы совместили уроки истории и мировой художественной культуры. Совмещать уроки можно при совпадении тем. Весь год на уроках истории вы изучали период средних веков – период зарождения христианства в Европе. На прошлом уроке заслушали сообщения, приготовленные вами о художниках эпохи Возрождения. На уроках МХК изучали Библию, в средние века она наиболее полно отразилась в произведениях искусства, часть которых мы изучили. Культура – это всегда отражение истории человека, той эпохи, в которой он живёт. По произведениям искусства мы можем судить об устройстве общества, его достижениях, духовном мире и быте. Задача сегодняшнего урока – обобщить и пополнить материал, полученный на уроках истории и МХК по периодам итальянского Возрождения и искусства Северной Европы XV - XVI в.в. Нам необходимо увидеть отличительную особенность произведений итальянского Возрождения и Сев. Европы по отношению к личности Человека, сопоставить проявления гуманизма в произведениях искусства, отражающих интерес к Человеку, его делам, воспевание духовной и физической красоты. Тема урока: «Расцвет искусства в эпоху Возрождения Италии» Характеристику эпохи Возрождения рассказывает учитель истории:

Колыбелью искусства эпохи Возрождения принято считать Италию. Именно Итальянские мастера вновь открыли искусство Древней Греции и Древнего Рима, Откуда и происходит само название – Возрождение. Итальянцы жили среди руин Римских памятников, ходили по той же земле и дышали тем же воздухом, что и древние римляне. Искусство Возрождения возникло на основе гуманизма («человечный»).

Гуманистов вдохновляла античность, служившая для них источником знаний и образцом художественного творчества. Великое прошлое, постоянно напоминавшее о себе в Италии, воспринималось, в то время как высшее совершенство, тогда как искусство средних веков казалось неумелым, варварским.

Возникший в 16 в. термин «возрождение» означал появление нового искусства, возрождающего классическое античное искусство.

При всем творческом многообразии и богатстве истоков искусство Возрождения – явление, отмеченное глубокой и принципиальной новизной. Оно заложило основы европейской культуры Нового времени.

Искусство еще не совсем оторвалось от ремесла, но на первое место уже выступила творческая индивидуальность художника, деятельность которого в то время была на редкость многообразна. Поразительная универсальная одаренность мастеров – они часто работали в области архитектуры, скульптуры, живописи совмещали увлечение литературой.

Характерные особенности этого периода

  • вдохновляла итальянских мастеров античность (искусство Др. Греции и Др. Рима), она служила источником знаний и образцом художественного творчества

  • возникло течение общественной мысли – гуманизм, при котором человек имеет право свободно развиваться как личность, реализуя свои способности.

  • это период романтики, поиска индивидуальности, борьбы с предрассудками

  • главная идея – прекрасный, гармонически развитый человек, обладающий неограниченными духовными и творческими возможностями (запись в тетрадях).

Первые ростки культуры Возрождения в сфере изобразительного искусства возникли в Италии в XIV веке, в архитектуре же они обнаружились только в начале следующего столетия.

Появление нового стиля впервые именно в Италии объясняется тем, что в XIV—XV веках она была передовой страной, через нее проходили в это время торговые пути, связывавшие Европу со странами Востока, что привело к развитию мануфактурной промышленности, значительному увеличению класса ремесленников, обогащению общественной верхушки, обострению классовой борьбы. В Италии быстро растут города — промышленные, такие, как Флоренция, портовые — Генуя, Венеция. Городская жизнь здесь носила развитые формы. Идеи гуманизма, характеризующие эпоху, нашли конкретное выражение в области литературы, философии, во всех сферах искусства.

Развитие архитектуры Возрождения в Италии в течение XV—XVI вв. может быть разделено на три этапа:

- Ранний Ренессанс — XV век (1420—1500 гг.). Ведущим архитектором этого периода был Ф. Брунеллески (1377—1446), а основным центром — Флоренция.

- Высокий Ренессанс — первые три десятилетия XVI века. Ведущим архитектором становится Д. Браманте (1444—1514), а центр перемещается в Рим.

- Поздний Ренессанс — 1530—1580 годы. Ведущим архитектором этого времени стал великий скульптор и живописец Микеланджело Буонаротти (1475—1564).

Ранний период связан с провинцией Тоскана и ее главным городом Флоренцией — колыбелью искусства и архитектуры итальянского Ренессанса. Первые сооружения с чертами нового стиля здесь появились в начале XV века, в Северной Италии и Венеции они отмечаются лишь в середине столетия. Дальнейшее перемещение центра архитектурной деятельности Италии в начале XVI века в Рим объяснялось ростом политической активности папства. Рим сохраняет свою роль архитектурной столицы Италии на протяжении последующих веков. Значительные архитектурные памятники были созданы в XVI веке и в других районах Италии — на Севере и в Венеции.


К числу главных, наиболее характерных мотивов архитектуры раннего Возрождения следует отнести:

- аркаду на небольших колонках (пяты арок опираются непосредственно на капители или же иногда на «вырезки» антаблементов, в свою очередь покоящихся на капителях);

- филенки в рамках, заполненные симметричным акантовым орнаментом или же содержащие рельефную скульптуру;

- лопатки или пилястры с цепочным, канделябровым орнаментом; мотив руста — рваного или фацетированного (на севере Италии) для обработки фасадных стен;

- большой вынос (выступ) сильно развитого венчающего карниза на фасадах зданий (в Италии) и др.;

- в период зрелого Возрождения — мотив римской архитектурной ячейки, заменившей аркаду раннего Возрождения, и проч.

- Ранний Ренессанс в Италии

- - Оспедале дельи Инноченти

- - Купол собора Санта Мария дель Фьоре

- - Церковь Сан-Лоренцо

- - Капелла Пацци

- - Палаццо Медичи-Рикарди

- - Палаццо Ручелаи

- - Архитектура периода раннего Возрождения в Северной Италии

- - Итальянский интерьер XV века

- Высокий Ренессанс

- - Собор Св. Петра в Риме

- - Палаццо Фарнезе

- - Архитектура Высокого Возрождения в Северной Италии

- - Итальянский интерьер XVI века

- Поздний Ренессанс

- - Завершение строительства собора Св. Петра

- - Площадь Капитолия

- - Капелла Медичи в церкви Сан-Лоренцо

- - Библиотека Лауренциана

- - Архитектор Виньола

- - Творчество Палладио

- - Палладио в Виченце. Д. Аркин

Домашнее задание: составить кроссворд на тему «Искусство Италии»

План урока №7


Тема: Флорентийская живопись

Форма урока: урок-лекция.

Жанр урока: урок-презентация, урок-интервью.

Цели урока:

  • расширить кругозор учащихся, поддерживать интерес их к изучению культуры эпохи Возрождения;

  • представить учащимся трех великих гениев эпохи Возрождения через сопоставление; развивать речь учащихся, совершенствуя ее образность и выразительность, пополняя их лексикон новыми терминами;

  • учить составлять тесты искусствоведческого характра;

  • совершенствовать монологическую и диалогическую речь.

Задачи:

Обучающая – понимание языка различных видов искусств, их взаимосвязи. Создание художественного образа различными видами искусств.

Развивающая – введение ребят в мир искусства, эмоционально связанный с миром их личных наблюдений, переживаний, раздумий.

Воспитательная – формирование нравственного отношения к культурным ценностям. Пробуждение творческой активности, осознание связей различных видов искусств между собой и с жизнью.

Оборудование:

  • Проектор

  • Экран

Программное обеспечениеMicrosoft Office (Microsoft Word, Power Point).

Схема урока:

  1. Общая характеристика и сравнение личностных качеств Леонардо да Винчи и Микеланджело.

  2. Особенности творчества Леонардо да Винчи.

  3. Объяснение техники сфумато.

  4. Презентация. Леонардо да Винчи.

  5. Особенности творчества Микеланджело.

  6. Презентация. Микеланджело Буонарроти.

  7. Особенности творчества Рафаэля.

  8. Презентация. Рафаэль Санти.

  9. Интервью.

  10. Обобщение темы и подведение итогов урока.

  11. Домашнее задание.

Примечание. Урок проводится совместно с учащимися, знатоками творчества гениев эпохи Возрождения. Знатоки заранее подготовили презентацию. Во время показа они рассказывают много интересного о работах мастеров. Презентации записаны на диск и прилагаются к конспекту урока. Все учащиеся предупреждены, что в конце урока можно задавать вопросы знатокам (взять у них интервью).

 Ход урока

Эпиграф:

Можно утверждать, что те, кто так счастливо одарен, как Рафаэль Урбинский, не люди, но смертные боги…

Джорджо Вазари

I. Общая характеристика и сравнение личностных качеств Леонардо да Винчи и Микеланджело.

Творчество трех итальянских гениев – Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэля считается вершиной эпохи Возрождения.

Леонардо и Микеланджело – каждый из этих гигантов волнует воображение. Их творчество представляет собой два самых высоких пика культуры Ренессанса. Сходны они только в своем одиночестве, во всем остальном являются полнейшими антиподами.

Леонардо да Винчи прославился и как художник, и как скульптор, и как великий инженер – изобретатель. Он всегда хотел превзойти всех и во всем. Леонардо был красив и силен, мог голыми руками ломать подковы, не имел равных себе в фехтовании, и ни одна женщина не могла устоять перед ним.

Леонардо да Винчи жаждал попробовать себя во всех областях деятельности. Он работал как архитектор, придумал танк и вертолет, написал работы по математике, анатомии, ботанике. Может быть, он был самым разносторонним гением, когда-либо жившим на земле.

Другой гигант Возрождения Микеланджело – не стремился проявить себя во всех областях искусства и науки, подобно Леонардо. Но как скульптор и живописец он, может быть, даже превзошел своего великого современника.

В отличие от Леонардо, который величественно удалялся от обыденной жизни, Микеланджело был человеком страстным, темпераментным, вспыльчивым и очень уязвимым. Он не обращал внимания на свой вид, был угрюм и малоразговорчив. Но он был постоянен в своих привязанностях, как в антипатиях, так и в сыновней почтительности, в материальных заботах о родственниках, в своем флорентийском патриотизме.

II. Особенности творчества Леонардо да Винчи.

Во всем, что мы знаем о жизни Леонардо, нет как бы самой личной жизни: ни семейного очага, ни счастья, ни радости или горя от общения с другими людьми. Нет и гражданского пафоса: бурлящий котел, который представляла собой тогдашняя Италия, раздираемая противоречиями, не обжигает Леонардо да Винчи, как будто бы никак не тревожит ни сердца его, ни дум. А между тем нет, быть может, жизни более страстной, более огненной, чем жизнь этого человека.

Леонардо да Винчи сознавал всеобъемлемость своего ума и художественного гения. Шаг за шагом, подчиняясь своему влечению, его исследовательская мощь прокладывала себе путь во всех областях знания, среди темных скал к таинственной пещере. Бесконечно пленительно искусство Леонардо, на котором лежит печать тайны.

Художественное наследие Леонардо да Винчи количественно невелико. Высказывалось мнение, что его увлечения естественными науками и инженерным делом помешали его плодовитости в искусстве. Однако анонимный биограф, его современник, указывает, что Леонардо “имел превосходнейшие замыслы, но создал не много вещей в красках, потому что, как говорят, никогда не был доволен собой”.

Леонардо считал человека увенчанием природы и верил в его великое назначение. Он знал, что природа сделала его творцом, первооткрывателем, призванным послужить мощным рычагом тому процессу, который мы ныне называем прогрессом. Но чтобы полностью проявить свои возможности, ему надлежало обеспечить для своей деятельности наиболее благоприятные условия в уделенный ему для жизни срок. Только бы побольше успеть! Вот почему он стучался во все двери, предлагал услуги каждому, кто мог помочь ему в его великих делах, угождал и “своим”, итальянским тиранам, и чужеземным государям; когда надо было – подлаживался под их вкусы, ибо взамен рассчитывал на поддержку в своем действенном и “всепоглощающем стремлении к истине”.

Так начинается его знаменитое письмо к Миланскому герцогу Людовико Моро, который вел в это время войну с Венецией:

Светлейший Государь, рассмотрев и вполне обдумав опыты всех тех, которые считаются мастерами и изобретателями военных орудий, и найдя, что по устройству и действию эти орудия ничем не отличаются от обычных, я постараюсь, не нанося никому ущерба, открыть перед Вашей Светлостью некоторые мои секреты”.

Далее следует перечень всего, что он может изготовить в этой области. Тут и пушки, мортиры и снаряды, тут и “крепкие мосты, которые можно без труда переносить и при помощи которых можно преследовать неприятеля, а иногда бежать от него”. Далее следуют особые пушки,”которые мечут мелкие камни подобно буре и наводят своим дымом великий страх на неприятеля”. “Я знаю, – продолжает Леонардо, – способы прокладывать, не производя ни малейшего шума, подземные ходы, узкие и извилистые…Также устрою я крытые повозки, безопасные и неприступные, которые врежутся со своей артиллерией в ряды неприятеля… а за ними невредимо и беспрепятственно проследует пехота… Вообще, согласно обстоятельствам, я могу создавать самые разнообразные орудия для причинения вреда. В случае, если дело происходит на море, я знаю множество орудий, в высшей степени пригодных для нападения и обороны, и судна, выдерживающие самую жестокую пальбу, и взрывчатые вещества, и средства, производящие дым”.

Читаешь и глазам не веришь. Страшнейшие, еще не ведомые в его время орудия уничтожения, чуть ли не танки, стреляющие на ходу, мерещились человеку, только что создавшему самый трепетный и лирический образ материнской любви.

Власть над материей, использование всех ее возможностей…

Но, сказав, как можно их использовать для вреда, Леонардо тут же добавляет:

В мирное время надеюсь быть в высшей степени полезным по сравнению с кем-либо как зодчий в сооружении зданий общественных и частных и проведении воды из одного места в другое. Могу работать в качестве скульптора над мрамором, бронзой и глиной, также в живописи могу делать все, что только можно сделать, чтобы поравняться со всяким, кто бы он ни был”.

Нет, быть может, человеческого документа более гордого и самоуверенного. Автор его считает – и в этом, по-видимому, он был близок к истине, – что силы его неисчерпаемы, а творческий гений не имеет себе равных.

Леонардо да Винчи постоянно рисовал и записывал. До нас дошло около семи тысяч страниц, покрытых его записями или рисунками: они хранятся в библиотеках Лондона, Виндзора, Парижа, Милана и Турина. Изучение этого колоссального наследия началось только в прошлом веке.

Среди всех искусств да, пожалуй, среди всех дел человеческих Леонардо ставит на первое место живопись. Ибо, гордо указывает он, живописец является “властелином всякого рода людей и всех вещей”.

Живописец, – заявляет Леонардо, – обнимает и заключает все виденное во всех его нюансах, тонах и полутонах, во всем его разнообразии и во всей его совокупности – и в этом превосходство живописи над скульптурой, которая получает свет и тени от природы, а живописец творит их сам.

Но всего этого мало. Живопись, величайшее из искусств, дает в руки того, кто подлинно ею владеет, царственную власть над природой”.

Никто до Леонардо так не говорил о живописи. И, пожалуй, никто после него не ощущал в живописи так уверенно и так властно подобную сверхчеловеческую мощь, на которую не способна природа. Ибо, по словам Леонардо, “глаз превзошел природу”.

Итак, для Леонардо да Винчи живопись – высшее деяние человеческого гения, высшее из искусств. Это деяние требует и высшего познания. А познание дается и проверяется опытом.

III. Объяснение техники сфумато.

Заглянув в бездну времени, которое есть “истребитель вещей”, Леонардо да Винчи увидел, что все изменяется, преображается, что глаз воспринимает лишь то, что рождается перед ним в данный миг, ибо в следующий время уже совершит свое неизбежное и необратимое дело.

И ему открылась неустойчивость, текучесть видимого мира. Это открытие Леонардо имело для всей последующей живописи огромное значение. До Леонардо очертания предметов приобретали в картине решающее значение. Линия царила в ней, и потому даже у величайших его предшественников картина кажется подчас раскрашенным рисунком. Леонардо первый покончил с незыблемостью, самодовлеющей властью линии, И назвал этот переворот в живописи “пропаданием очертаний”. “Свет и тени,- пишет он,- не должны быть резко разграничены, ибо границы их в большинстве случаев смутны”. И в другом месте: “Если линия, а также математическая точка - суть вещи невидимые, то и границы вещей, будучи линиями, невидимы…А потому ты, живописец, не ограничивай вещи…” Иначе образы получатся неуклюжими, лишенными прелести, деревянными.

Дымчатая светотень” Леонардо да Винчи, его знаменитое “сфумато”, – это нежный полусвет с мягкой гаммой тонов молочно-серебристых, голубоватых, иногда с зеленоватыми переливами, в которых линия сама становится как бы воздушной.

Масляные краски были изобретены в Нидерландах, но таящиеся в них новые возможности в передаче света и тени, живописных нюансов, почти незаметных переходов из тона в тон были впервые изучены и до конца использованы Леонардо да Винчи.

IV. Презентация – Приложение 5(Рассказывает и показывает заранее подготовленный ученик, знаток творчества Леонардо да Винчи).(Приложение 1)

V. Особенности творчества Микеланджело.

Микеланджело посвятил себя смолоду не только скульптуре и живописи, но и тем областям, которые либо причастны этим искусствам, либо с ними связаны; и делал он это с таким рвением, что одно время чуть ли не вовсе отошел от всякого общения с людьми… Поэтому иные считали его гордецом, а иные чудаком и сумасбродом, между тем как он не обладал ни тем, ни другим пороком. Но (как это случается со многими выдающимися людьми) любовь к мастерству и постоянное упражнение в нем заставляли его искать одиночества, а наслаждался и удовлетворялся этим мастерством он настолько, что компании не только его не радовали, но доставляли ему неудовольствие, нарушая ход его размышлений”.

Это – свидетельство ученика Микеланджело Асканио Кондиви. Оно совпадает с тем, что пишет Вазари, который также был его учеником:

Никому не должно показаться новостью, что Микеланджело любил уединение: он обожал искусство, которое обязывает человека к одиночеству и размышлению… и не правы те, кто видел в этом чудачество или странность…”

Хотя был он богат, – пишет Вазари, – но жил в бедности, друзей своих почти никогда не угощал, не любил получать подарки, думая, что если кто что-нибудь ему подарит, то он навсегда останется этому человеку обязанным”.

Как все это отлично от того, что мы знаем о Леонардо или Рафаэле!

Мы знаем, что к концу жизни Микеланджело был богатейшим человеком. В том, что он нередко проявлял щедрость, не приходится сомневаться. Мы знаем также, что он широко помогал отцу и братьям, которые всячески его эксплуатировали. Но себе он отказывал во всем и в своем одиночестве вел образ жизни самый непритязательный, совершенно не заботясь о комфорте. Часто спал одетый, “потому что, измучившись от работы, не хотел снимать, а потом опять надевать платье”. Бывало неделями не разувался, и когда с его опухших ног стаскивали наконец сапоги, вместе с ними слезала кожа.

Микеланджело никого не считал себе равным. Уступал иногда власть имущим, от которых зависел, но и в сношении с ними проявлял свой неукротимый нрав.

Великая страсть владела его существом, и он был страшен потому, что все подчинял своей страсти, не милуя ни других, ни себя. Он знал, чего хотел, и, как бывает даже у самых замечательных людей, твердо считал, что только его воля достойна уважения: что заветная цель ясна ему как никому другому. Но вот как он стремился к ее достижению.

Он был бодр, – пишет Вазари, – и нуждался в недолгом сне, очень часто вставал ночью, страдая бессоницей, и брался за резец, сделав себе картонный шлем, в макушку которого вставлялась зажженная свеча”.

Пищу, по свидетельству Кондиви, он принимал только по необходимости, особенно когда работал, довольствуясь куском хлеба.

Итак, жизнь, посвященная одной великой цели. А личная жизнь? Одиночество, как у Леонардо, который ведь тоже горел желанием. Да, этот всепожирающий огонь творчества роднил двух гениев, во всем прочем абсолютно противоположных.

Отпрыск старинного, но обедневшего дворянского рода, Микеланджело Буонарроти был патриотом и демократом. В отличие от Леонардо, гражданственность пронизывала его мироощущение. Он принимал участие в битвах против тирании, заведовал всеми укреплениями своей родной Флоренции, осажденной войсками германского императора и папы, и только слава, завоеванная им в искусстве, спасла его затем от расправы победителей.

Гений Леонардо – это воля к познанию мира и овладению им в искусстве, полное сознание и утверждение силы и власти человеческого ума.

Рафаэль дал человечеству радость безмятежного любования миром во всей его величавой и упоительной красоте, выявленной гением художника.

Гений Микеланджело выражает в искусстве другое начало. Он считал, что нужно не просто подражать природе, а постигать ее “намерения”, чтобы выразить до конца, завершить в искусстве дело природы и тем самым возвыситься над ней. К этой цели уже стремились Леонардо и Рафаэль, но никто до Микеланджело не проявлял в этом стремлении такого ошеломляющего современников дерзания.

Всем своим искусством Микеланджело хочет нам показать, что самое красивое в природе – это человеческая фигура, более того, что вне ее красоты вообще не существует. И это потому, что внешняя красота есть выражение красоты духовной, а человеческий дух опять-таки выражает самое высокое и прекрасное в мире.

И вот для возвеличивания человека во всей его духовной и физической красоте Микеланджело ставил выше прочих искусств – скульптуру.

Как и скульптуры Микеланджело, грандиозные образы, созданные его кистью, поражают своей беспримерной пластической выразительностью. В его творчестве, и быть может только в нем, скульптура является действительно “светочем живописи”. Ибо скульптура помогла Микеланджело гармонично объединять и сосредоточивать в одном определенном живописном образе все таящиеся в человеческой фигуре пластические красоты.

Если у Леонардо да Винчи цель достигается в гармонии, примиряющей все противоречия, гармонией, как бы осуществляемой самой природой, то у Микеланджело – сконцентрированная сила, и все – борьба, в которой, под резцом ли его или под его кистью, рождаются люди более прекрасные, более могущественные и более дерзновенные – люди – герои. Гигантское напряжение и динамизм в каждом их мускуле, в каждом порыве, физическом и духовном.

VI. Презентация – Приложение 6. (Рассказывает и показывает заранее подготовленный ученик, знаток творчества Микеланджело). (Приложение 2)

VII. Особенности творчества Рафаэля Санти.

Мир прекрасен, наш, земной мир! Таков лозунг всего искусства Возрождения, Человек только что открыл и вкусил красоту видимого мира, и он любуется ею как великолепнейшим зрелищем, созданным для радости глаз, для душевного восторга. Он сам часть этого мира, и потому он любуется в нем и самим собой. Радость созерцания земной красоты – это радость живительная, добрая. Дело художника – выявить все полнее, все ярче гармонию мира и этим побеждать хаос, утверждать некий высший порядок, основа которого – мера, внутренняя необходимость, рождающая красоту. А для чего все это? Чтобы преподнести людям тот праздничный спектакль, которым они жаждут насладиться, открывая глаза на мир, но который выявляется в полном блеске только вдохновением художника. Эту задачу, величайшую задачу живописи Возрождения, за которую впервые взялись мастера треченто, завершил на заре чинквеченто Рафаэль.

Рафаэль. Все его искусство предельно гармонично, дышит внутренним миром, и разум, самый высокий, соединяется в нем с человеколюбием и душевной чистотой. Его искусство, радостное и счастливое, выражает некую нравственную удовлетворенность, приятие жизни во всей ее полноте и даже обреченности. В отличие от Леонардо да Винчи, Рафаэль не томит нас своими тайнами, не сокрушает своим всевидением, а ласково приглашает насладиться земной красотой вместе с ним.

Рафаэль сознавал, - пишет Вазари, - что в анатомии он не может достичь превосходства над Микеланджело. Как человек большого рассудка, он понял, что живопись не заключается только в изображении нагого тела, что ее поле шире… Не будучи в состоянии сравниться с Микеланджело в этой области, Рафаэль постарался сравняться с ним, а может быть, и превзойти его в другой”.

Рафаэль не открывал новых миров, в отличие от Леонардо и Микеланджело, он не смущал современников дерзновенностью своих исканий: он стремился к высшему синтезу, к лучезарному завершению всего, что было достигнуто до него, и этот синтез был им найден и воплощен.

За свою недолгую жизнь он успел выразить в живописи, вероятно, все, что мог, т.е. полное царство гармонии, красоты и добра.

Он прожил всего тридцать семь лет. За этот короткий срок он сделал так много, что годы его жизни историки и искусствоведы называют эпохой, веком Рафаэля.

VIII. Презентация – Приложение 7. (Рассказывает и показывает заранее подготовленный ученик, знаток творчества Рафаэля).

(Приложение 3)

IX. Интервью.

В процессе нашей работы у вас, возможно, возникли вопросы по творчеству трех великих гениев эпохи Возрождения. И сейчас вы можете взять интервью у наших знатаков.

(Привожу примерные вопросы, которые чаще всего задают ученики).(Приложение 4)

Х. Обобщение темы и подведение итогов урока.

XI. Домашнее задание.

Описать то представление о Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэле, которое сложилось в процессе знакомства с ними и их произведениями на уроке.

 Литература

  1. Бутромеев В.П. Детский Плутарх. Великие и знаменитые: Средние века и эпоха Возрождения: Энциклопедия для детей. – Мн.: “Алкиона”– “Деконт”, 1995.

  2. Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. Вып. 1: От древнейших времен по XVI век. Очерки.– 5-е изд., стереотип.- М.: Искусство, 1985.

  3. Литература и искусство: Универсальная энциклопедия школьника/ Сост. Воротников А.А.; Минск, ТОО “Харвест”, 1996.

  4. Любимов Л. Искусство Западной Европы: Средние века. Возрождение в Италии. Кн. для чтения.– 2-е изд., испр. И доп.– М.: Просвещение, 1982.

  5. Муратов П.П. Образы Италии.– М.: Республика, 1994.

  6. Художники эпохи Возрождения/ Ред.-сост. Бочаров Ю.С., Коровина Е.А., Чернецова Е.М. – М.: ТЕРРА – Книжный клуб, 2005.


План урока №8


Тема: Сандро Боттичелли и Леонардо да Винчи

Цель урока: раскрыть гуманистический идеал эпохи Возрождения на основе анализа выдающихся произведений итальянской живописи.

Задачи урока:

  • рассказать о жизни и творчестве великих итальянских мастеров Возрождения ; Сандро Боттичелли и Леонардо да Винчи

  • на основе анализа полотен этих мастеров охарактеризовать гуманистическое мировоззрение эпохи Возрождения:

  • формировать у школьников умение адекватно воспринимать и оценивать произведения искусства.

Список использованной литературы:

  1. Рапацкая Л.А. Мировая художественная культура 10 класс. – М., Владос, 2006.

  2. Хорошенкова А.В. МХК 10 класс. – Волгоград, Корифей, 2006.

  3. Зарецкая Д.М., Смирнова В.В. Западная Европа и Древний Восток. – М., Айрис пресс, 2004.

  4. Зарецкая Д.М., Смирнова В.В. Хрестоматия Западная Европа и Древний Восток. – М., Айрис пресс, 2004.

  5. Вачьянц А.М. Ренессанс «Вариации прекрасного». – М., Айрис пресс, 2004.



Ход урока

Вступление учителя:

В конце XV- начале XVI веков в рамках итальянского Возрождения сформировалась художественная культура, не имевшая равных по своим идеалам и эстетическим ценностям. Высокое Возрождение – это период ослепительно ярких взлётов в искусстве и трагических падений и кризисов в государственной и социальной жизни Италии. Это было очень трудное для Италии время, когда государственная тирания, борьба за власть приводили к кровавым столкновениям.


Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.) считают основоположником искусства Высокого Возрождения.

Выступление ученика о творчестве Леонардо да Винчи (презентация) Вопросы к классу готовят учащиеся по своему выступлению.

hello_html_2d36d8a4.gifhello_html_a9542df.gif


Выступление ученика: «Загадки Джоконды» (фильм)


hello_html_2fd9a818.gifhello_html_3819f60b.gif


Вопросы классу:


Леонардо да Винчи утверждал, что «хороший живописец должен уметь писать две вещи: человека и представления его души. Первое легко, вторе трудно, так как оно должно быть изображено жестами и движениями».

Что, на ваш взгляд, особенно удалось ему в портрете «Джоконда»?

Почему Вазари назвал этот портрет «настоящим чудом», «божественной вещью»?

В чём секрет его неувядающей славы и особого эмоционального воздействия на зрителя?



К самым значительным художникам раннего Возрождения во Флоренции принадлежит Сандро Боттичелли (1444 или 1445-1510). Его настоящее имя - Алессандро Филипепи.

Нет живописи более поэтичной, чем живопись Сандро Боттичелли. "Как молодость прекрасна, однако она проходит" - это слова самого Лоренцо Медичи, чьим любимым художником был Боттичелли, слова, в которых важнее всего конечная печальная оговорка.

Творчество этого художника стоит особняком в искусстве итальянского Возрождения. Боттичелли был сверстником Леонардо да Винчи, который ласково называл его "наш Боттичелли". Но трудно его причислить к типичным мастерам как Раннего, так и Высокого Возрождения. В мире искусства он не был ни гордым завоевателем, как первые, ни полновластным Хозяином жизни, как вторые.

"Рождение Венеры", "Весна", "История святого Зиновия", "Оплакивание Христа" - далеко не полный перечень картин, обессмертивших имя Сандро Боттичелли, художника раннего Ренессанса.


Домашнее задание: глава 26, с. 310 одно задание из творческой мастерской (письменно)

План урока №9, 10


Тема: Рафаэль, Микеланджело

Цели:

  • Учебные:

    • знакомство с  искусством Проторенессанса;

    • формирование культуроведческой компетенции учащихся средствами литературы, живописи, архитектуры и скульптуры;

  • Воспитательные: воспитание у школьников чувства прекрасного, нравственного идеала на примере произведений Рафаэля и Микеланджело;

  • Развивающие:

    • развитие общеучебных умений: работать в заданном темпе, работать в группах;

    • развитие художественного вкуса, аналитических способностей учащихся.

Оформление аудитории:  на стенде – название, репродукции картин Рафаэля; репродукции картин, архитектурных сооружений, скульптур  Микеланджело; сцена эстетически оформлена: школьники сидят полукругом (3 группы) за столами, покрытыми скатертями; на столах репродукции картин художников того периода.
Аппаратура: интерактивная доска (презентация), аудио магнитофон.

Эпиграф:

«Я словно б мертв, но миру в утешенье
Я тысячами душ живу в сердцах
Всех любящих, и, значит, я не прах
И смертное меня не тронет тленье»

Микеланджело.

ХОД УРОКА

1. Вступительное слово учителя.

(Звучит приглушено классическая музыка – «Лунная соната» Бетховена)

(Приложение 1, слайд 2)

Что такое эпоха Возрождения? Расцвет искусства, литературы, философии, техники. Петрарка, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Дюрер, Джордано Бруно, Брунеллески… А раньше? Средние века, засилие церкви, религиозное мракобесие, невежество. Возрождение выглядит светлой зарей, первыми лучиками солнца, осветившими темную эпоху… Но ведь именно в эту светлую эпоху еретиков сжигали чаще, чем в средневековье, и именно в это время был сожжен на костре Джордано Бруно. Именно в эпоху Возрождения стало все больше появляться людей, которым были тесны рамки феодального строя, старых верований. У его истоков стояли великие поэты-мыслители Данте и Петрарка. Многие титаны эпохи Возрождения были универсальными гениями, владели кистью и пером, резцом и циркулем, философскими знаниями и инженерными расчетами. Откуда же взялись силы, которые пробудили творческую кипучую энергию титанов Возрождения? Сегодня об этой эпохе мы с вами и будем говорить. 
Чтобы кратко выразить главную особенность Возрождения, обычно употребляют слово «гуманизм». Что такое гуманизм? Как вы его понимаете? 
(Ответы учеников).
Дословно это обозначает – человечность. Несмотря на то, что отношение к конкретным людям в это время было нередко бесчеловечным, жестоким, под гуманизмом эпоха Возрождения подразумевала, прежде всего, веру в человека и его великие возможности.
«Бог создал мир, но как же этот мир прекрасен, как же много красоты в человеческой жизни и в человеческом теле, и в живом выражении человеческого лица, и в гармонии человеческого тела», – так говорили, говорят гуманисты. 
(Под музыку ведется рассказ).
И вот именно в эту эпоху, в это время в одном из итальянских городов носившее название Капризе 6 марта 1475 году у Лодовико ди Лионардо Буонаротти Симони, человека из некогда знатной, но обедневшей семьи, родился ребенок. Мальчика назвали Микеланджело. Тогда еще никто не знал, что его ожидает долгая жизнь, нелегкая творческая судьба и громкая слава величайшего художника Возрождения. (
Приложение 1, слайд 3)

2. Сообщение ученика. Краткая биография Микеланджело

Подобно многим мастерам  эпохи Возрождения, Микеланджело был скульптором и живописцем, и архитектором, и поэтом. (Приложение 1, слайд 4) Однако истинным своим призванием он считал искусство ваяния, работу с камнем. Когда подписывал письма, то часто перед своим именем ставил слово «скульптор». Даже в его стихах есть какая-то удивительная весомость слов:

Удел искусства более велик,
Чем естества! В ваяньи мир постиг,
Что смерть, что время здесь не побеждает.

Микеланджело и в живописи и в ваянии скульптор: он чувствовал и лепил мышцы.Это реалист самый глубокий. Он почти никогда не доканчивал своей скульптурной работы; все делалось порывом, гигантскими скачками льва. Но зато что за ракурсы, за повороты создавал он под влиянием минут вдохновения!

Его первая работа уже гениальна – дивной прелести ангела в болонской церкви, стоящего на коленях перед памятником святого Доминика. Еще более достоинства в Богоматери с бездыханным телом Сына: группа, находящаяся в церкви Святого Петра и исполненная всего на 25 году его жизни. (Приложение 1, слайд 5) Наконец, к немного позднему времени относится его колоссальный Давид, доставивший ему огромную славу. А всего на всего это был некогда испорченный громадный кусок мрамора, который более ста лет лежал во Флоренции. Совет художников с да Винчи во главе объявил, что он никуда не годится, а Микеланджело создал из него «Давида». Эта работа еще раз доказывает и показывает его гениальность и великий талант скульптора.

3. Учитель.

За что бы ни брался Микеланджело – в архитектуре, живописи или скульптуре, – любое творение было для него непосредственным выражением его личности, его «Я», отражением его «концепции». В 16 лет Микеланджело создал первую скульптуру «Мадонна у лестницы», затем, как вы уже слышали, их было множество, и все они были великими. В архитектуре Микеланджело является предвестником барокко. Основными его работами являются: достройка собора Святого Петра. (Приложение 1, слайд 6)

Воспевая красоту человека как воплощение величия божественного разума, его сотворившего, Микеланджело напишет в одном из лучших своих сонетов:

Высокий дух, чей образ отражает
В прекрасных членах тела твоего,
Что могут сделать бог и естество,
Когда их труд свой лучший дар являет.

В апреле 1508 года Микеланджело приезжает в Рим по приглашению Папы Юлия II. Он предлагает Микеланджело расписать капеллу. (Приложение 1, слайд 7)  А всему этому предшествует маленькая история с великим концом.

Микеланджело уже делал несколько работ для Папы Юлия II, но в основном это были скульптуры. И вдруг Папа Юлий решает расписать свою гробницу. Он выбирает нескольких художников того времени, но очень благосклонен к Микеланджело. В Ватикане в это время находится Браманте, он не любит Микеланджело и, зная, что Микеланджело в основном скульптор, нежели художник, настоятельно советует Папе Юлию, чтобы он доверил свою гробницу именно Микеланджело. Надеясь, на то, что Папа Юлий II, увидев его работу, в нем разочаруется. Не сразу, но Микеланджело соглашается на эту работу.

(Звучит музыка,  под музыку идет рассказ)

Четыре с половиной года он расписывал потолок капеллы. (Приложение 1, слайд 8) Схему потолка Сикстинской капеллы Микеланджело составлял, продумывая каждый уголок, каждый метр потолка. (Приложение 1, слайд 9) Центральная часть потолка показывает сцены из Книги Бытия. С обеих сторон несколько библейских пророков и несколько сивилл: женские пророки с древних времен, которые предсказали пришествие Иисуса. Среди пророков присутствуют все основные: Исаия, Иезекииль, Иеремия и Даниил. В люнетах над окнами изображены некоторые предки Иисуса, в том числе и Боаз. В углах потолка изображено спасение израильтян.

Эту роспись площадью более 600 кв. м. он исполнил в неимоверных трудных условиях – лежа на лесах, не успев закончить работу, она покрывалась плесенью, т.к. наступила зима, а римская известь сохнет медленно, она очень жидкая и водянистая и сильно пропитывается стена. Это обстоятельство привело Микеланджело в отчаяние, и ему не хотелось продолжать, но он вновь собирался с силами и начинал работать.
Весть об открытии капеллы распространилась по всему свету, и со всех сторон сбегались люди.

Через несколько лет Микеланджело возвращается в Сикстинскую капеллу, чтобы расписать стены. К тому времени Папа Юлий II умирает и его место занимает Клименто. Микеланджело начинает работать над произведением «Страшный Суд». (Приложение 1, слайд 10)  Во время росписи он упал и с подмастерьев и повредил себе ногу, но, несмотря на боль, он продолжает работать и уже через несколько месяцев заканчивает. В свободное время он читал Данте, черпая в его стихах образы для «Страшного Суда». Здесь ему были полный разгул фантазии, полная ширь творчества. Все фигуры в «Страшном Суде» нагие. (Приложение 1, слайд 11) Во всем блеске здесь чувствуется глубочайшее знание форм, скорченных, дрожащих от боли, сплетающихся между собой, полных необычайной силы. Современники были возмущены, поражены этим реализмом. Церемониймейстер папы умолял автора, от имени его святейшества, прикрыть хоть чем-нибудь наготу фигур. «Передайте папе, – ответил Микеланджело, – что если он исправит мир, я исправлю картину в несколько минут». (Приложение 1, слайд 12)   Эта огромная фреска, в 50 футов высоты и 40 ширины, способна произвести у зрителя головокружение. Это олицетворение тревоги, страха и ужаса. Мертвецы, заслыша звук труб Архангела, поднимают надгробные камни, раздирают саваны, безжизненно смотрят полусгнившими глазами. Одни полны отчаяния, другие надежды, наверху группа освобожденных, радостных; посередине Христос, проклинающий грешников, отвернувшийся от Богоматери, которая уговаривает его спасти заблудших. А эти несчастные, чувствующие на себе всю тяжесть Божественного приговора, в порыве отчаяния извиваются и корчатся внизу, наводя невольный ужас своими адскими конвульсиями боли. В общем, нет той чистоты духа, которая замечается в его плафоне капеллы, но потрясающая энергия общего, в особенности нижней части картины, ставит художника на недосягаемую высоту. Он понимает, что он превзошел себя. (Приложение 1, слайд 13)

Мало кому из художников удалось подняться до такой почти божественной силы творения, какая вот уже скоро пять столетий потрясает каждого, кто в благоговении поднимает глаза к расписанному Микеланджело потолку Сикстинской капеллы – прорыв в самое небо. (Приложение 1, слайд 14)

18 февраля 1564 года Микеланджело не стало, но остались его работы, стихи, рисунки, осталась память о Художнике.

4. Учащийся читает стихотворение:

Я словно б мертв, но миру в утешенье
Я тысячами душ живу в сердцах
Всех любящих, и, значит, я не прах
И смертное меня не тронет тленье.

5. Учитель (под музыку «Ромео и Джульетта»)

В эту же эпоху, в это же почти время в славном городе Флоренции можно было видеть изящного юношу невысокого роста, хрупкого телосложения, миловидного, как девушка, с густыми волосами, доходящими до плеч. Кто он? Может быть паж знатного сеньора; может быть, робкий ученик провинциального мастера живописи? Но вряд ли кому могло прийти, что перед ними гений, будущий титан эпохи Возрождения. Тот, на могиле которого в Пантеоне будут высечены слова: «Здесь покоится тот …, при жизни которого великая природа боялась быть побежденной, а после его смерти она боялась умереть…» Они редко посещают землю, эти гении гармонии. И быстро уходят. Ему было 37 лет, как и убитому Пушкину. Его короткая жизнь стала источником для легенд. В день его смерти ожидали крушения папского дворца, он должен был рухнуть, оплакивая гения, имя которого – Рафаэль. (Приложение 1, слайд 15)

6. Сообщение ученика.

О жизни его известно мало. Родился в итальянском городе Урбино в страстную пятницу 1483 года, 6 апреля. Его отец был придворным поэтом и художником герцога Федериго да Монтефельтро. В детстве Рафаэль рисовал углем на каменных заборах соседей. Соседи пожаловались герцогу. Тогда герцог вызвал к себе Джованни Санти и спросил, знает ли он, что его сын хочет стать художником? Джовани ответил: «Надеюсь, что Рафаэль им станет». С тех пор отец сделался учителем сына. И все было бы хорошо в их доме, пока не умерла Маджия. Только 8 лет исполнилось тогда Рафаэлю, но через всю жизнь пронес он чувство святости материнской любви. (Приложение 1, слайд 16) Ему не исполнилось еще 19 лет, когда он пишет свой шедевр «Мадонну Конестабиле», которая сейчас находится в Эрмитаже.

7. Учитель.

Его звали «мадоннером». Что такое «мадоннеро»? (Ученики отвечают)Да, вы правы. Это «живописец матерей». (Приложение 1, слайд 17) Мадоннеры были бродячие ремесленники, которые ходили из города в город, из села в село и писали портреты матерей. Но Рафаэль не обижался. «Разве есть в искусстве что-нибудь больше, чем мадоннеро?» – говорил он и в очередной раз садился писать мать, охраняющую от бед младенца.
«Сикстинская мадонна», что в ней загадочного, что таинственного. Много легенд связано с ней.

(В класс под музыку  входит ученик, одетый в черное одеяние монаха, на голове капюшон, не видно не лица, ничего, только руки, а в руках четки и крест. Он медленно проходит по классу, делает круг и выходит в дверь. Музыка Бетховена «К Элизе»)

Однажды осенним днем, когда Рафаэль чувствовал себя плохо. В дверь постучался монах. Рафаэлю об этом доложили, но он отказался его принимать, монах был настойчив. Он пообещал, что излечит его от головной боли. Рафаэль согласился его принять. И боль действительно прошла. Монах был одет в черное, на лице был огромный шрам, он отказался снять черную накидку. Просьба монаха была в том, чтобы Рафаэль написал картину для Папы – Сиксты. Рафаэль отказался, сославшись на нездоровье. Монах уговорил его прогуляться и повел его на окраину города, там у ветхой избушки, он попросил его наклониться к окну и Рафаэль, наклонившись и заглянув в окно был поражен увиденным. Посреди комнаты сидела женщина с младенцем на руках, она была красива и загадочна. Когда Рафаэль повернулся спросить у монаха: «Кто эта женщина?», то монаха уже не было. Рафаэль вернулся домой и под впечатлением увиденного сделал первые наброски на холсте. На следующий день, он вновь отправляется на то место, но в ней не находит никого. Спросив, рядом бегающих, ребятишек: «Где молодая девушка с ребенком?» Ребята засмеялись в ответ и ответили, что здесь живет старуха. Рафаэль больше не увидел той девушки, но картина была закончена. (Приложение 1, слайд 18) По окончанию своей работы, он принес ее Сиксте VI. Папа был удивлен, он не заказывал никакой картины. И у него не было черного монаха. Но он принял подарок. «Эта вещь поистине из ряда вон выходящая и единственная в своем роде» – так о ней говорили тогда, да и сейчас тоже. Она загадочна. В ней есть тайна. 
Рафаэль бесконечно любил свое дело и неимоверно много работал. «Я надеюсь не упасть под такой тяжестью», – напишет он в одном из писем. Напрасно. Он рано умер. Когда художник скончался, его любимая подняла с его подушек дощечку, на которой художник рисовал, расставаясь с жизнью. Рафаэль скончался  в свой день рождения – 6 апреля, 1520 года, в полном расцвете сил. 
(Звучит музыка)

8. Беседа.

Мы сегодня более полно узнали о творчестве двух великих мастеров – Рафаэле и Микеланджело. Так давайте с вами попробуем выяснить Кто они? Просто талант или они целая эпоха Возрождения? (учащиеся отвечают, опираясь на факты. В ходе беседы учащиеся повторяют предыдущие уроки на которых изучали, что в это время жили и творили еще замечательные мастера – Леонардо да Винчи, Донателло и др.).

Учащиеся уже заранее поделены на группы. 1 группа (стол) «Знатоки творчество Рафаэля и Леонардо»; 2 группа (стол) «Знатоки творчества Микеланждело и Донателло». Каждой группе дается задание: 1группе – сравнить творчество Рафаэля и Леонардо да Винчи по схеме и на примере 2-х их произведений (живопись). 2 группе – сравнить творчество Микеланждело и Донателло на примере их произведений (скульптура).

1 группа.

Рафаэль и Леонардо

А. Общие данные

1. Автор (Рафаэль)
2. Название картины (Мадонна Конестабиле)
3. Дата, место создания (1504 г.)
4. Размеры (17,5х18см.)
5. Материал и техника (холст, темпера) .

В. Анализ

Характерная для Рафаэля гармония цвета и линии, формы
Композиция произведения вписана в круг, она симметрична, статична и уравновешена.
Композиционный центр – мадонна с Христом 
Гармония, единство человека и природы воспеты с большим лиризмом и непосредственностью
Сколько нежности, целомудрия, любви, душевной гармонии в её образе
Задумчивость, оттенок лёгкой грусти в лице юной Мадонны созвучно настроению, которое рождает прозрачный весенний пейзаж
Эпоха Возрождения, где человек всегда составляет центр композиции
Мягкая живописная манера подчёркивает нежность и хрупкость облика женщины матери, красоту мира его окружающего.

С. Оценивание

Личное мнение:

Возвышенной поэтичностью, светлой материнской любовью проникнуты его картины. Мадонны Рафаэля – нежные молодые матери, простые женщины, ласковые и любящие. Так никто еще не изображал мадонну. Эта смелость и новизна поражали современников Рафаэля.

А. Общие данные

1. Автор (Леонардо да Винчи)
2. Название картины (Джоконда, Мона Лиза)
3. Дата, место создания (1503)
4. Размеры 
5. Материал и техника (масло, дерево)

В. Анализ

Композиционный и колористический строй произведения такой, что нам кажется, что Джоконда одновременно изменчива и непоколебима, как природа.
Леонардо передает вечное течение жизни в одном прекрасном мгновении
Психологический портрет (тайна в улыбке)
Джоконда – очеловеченная душа природы, ее венец в центре мироздания
Высокое Возрождение:.
Живопись интеллектуальна, философична. Для Леонардо искусство и наука существовали нераздельно.

С. Оценивание

Личное мнение:

Будучи высшей точкой, вершиной творчества Леонардо, это полотно является как бы кристаллизацией его гения, сокровенных мыслей и вдохновения.
Картину невозможно описать словами: чем дольше вы смотрите на нее, тем больше возрастает ее воздействие на вас, и вы начинаете чувствовать то удивительное очарование, которое покоряло стольких людей на протяжении веков.

2 группа.

Микеланджело и Донателло

А. Общие данные

1. Автор (Микеланджело).
2. Название (Давид).
3. Дата, место создания (1501-1504 гг. Флоренция).
4. Размеры (547 см).
5. Материал и техника (мрамор).

В. Анализ

Микеланджело изобразил «Давида» перед совершением подвига. Прекрасное лицо юноши полно гнева, взор грозно устремлен на врага, рука сжимает пращу.

Художественный язык скульптуры «Давид» отличается ясностью и простотой: выразительный силуэт, четкий контур, ясные членения, отсутствие противоречивых элементов в трактовке движения и в скульптурной моделировке — все служит максимально отчетливому выражению основы образа — концентрированной целеустремленной воли.

С. Оценивание

Гигантские размеры статуи, невиданное еще в ренессансной скульптуре, неразрывно связаны с одним из главных качеств героического образа в искусстве Высокого Возрождения, впервые с такой наглядностью выраженным в этом произведении, — образ человека приобретает здесь подлинно титанический характер. В соответствии с этим преобладающая сторона в содержании «Давида» —пафос героического действия. Образ победителя Голиафа приобретает более широкий смысл — это олицетворение безграничной мощи свободного человека; юношеская отвага Давида перерастает в несокрушимую уверенность в способности человека преодолеть любые преграды. В скульптуре  «Давид» у Микеланджело впервые появляется новая черта внутренней характеристики — невиданная дотоле концентрация волевого напряжения, сообщающая образу героя грозную, устрашающую силу.

А. Общие данные

1. Автор (Донателло).
2. Название (Давид).
3. Дата, место создания (около 1430-32, Флоренция).
4. Размеры (в человеческий рост).
5. Материал и техника (бронза).

В. Анализ

«Давид» показан после совершение подвига.
Мальчик с гибкой фигурой и длинными волосами, ниспадающими на плечи, стоит в несколько самоуверенной и пассивной позе, его левое плечо приподнято, 
голова слегка наклонена, корпус немного изогнут, тяжесть тела покоится на правой ноге. В правой, полусогнутой руке он держит меч, опирающийся на шлем, в левой — камень от пращи; левой ногой попираетотрубленную голову Голиафа, символ поверженной гордыни, шлем которого украшает сценка с путти, тянущими колесницу, которые выглядят усталыми и немного подвыпившими, на что намекают два сосуда с вином; подножие статуи Давида окружает лавровый венок.

Фигура Давида на редкость свободно развернута в пространстве, он спокойно стоит в небрежной позе, глядя сверху вниз и выражает то радостное спокойствие, которое поражает нас в греческих произведениях. Одежду Давида составляет лишь простая войлочная пастушеская шляпа, увенчанная лавровым венком, и богато украшенные поножи.

С. Оценивание

Давид» – это первое изображение свободно стоящего обнаженного человеческого тела в скульптуре Возрождения. «Статуя «Давида» была создана в наиболее классический период творчества мастера, вероятно, для фонтана посредине внутреннего двора палаццо Риккарди-Медичи.

 Впервые она упоминается, стоящей на этом месте, в отчете о свадьбе Лоренцо Медичи в 1469 году. После падения Медичи и конфискации дворца в 1495 г. статую перевезли во двор Палаццо Веккьо и установили на мраморной колонне, в 1777 передали в Галерею Уффици, сейчас хранится в Национальном музее Флоренции.

После «Давида» Донателло обнаженная фигура стала неотъемлемой частью нового гуманистического искусства. Скульпторов Высокого Возрождения больше привлекало изображение цветущей и мускулистой наготы. В статуе Давида сохраняются отголоски готики – в постановке фигуры, характерного готического изгиба тела, движении тонких, в лице, склоненное и прикрытое полями шляпы. Но все же в этой статуе Донателло воплотил смелый порыв, динамизм, одухотворенность, более чем в ранних и поздних своих произведениях. По сути эта фигура завершает период закладывания основ Возрождения и знаменует начало новой эпохи в истории итальянского искусства.

Из каждой группы по одному представителю выходят и представляют свой анализ работы.

9. Учитель:

Микеланджело, Рафаэль… Каждый из них – гений, и каждому из них не хватает что-то от того, что было у других. Простосердечный и цельный человек в конце концов устанет от бесконечной, изнурительной борьбы героев Микеланджело, и его  потянет к ясной простате Рафаэля. Но человека с прометеевским началом повлечет из соразмерного бытия Рафаэля к клокочущим порывам Микеланджело. Они создали гармонию – мир человека Высокого Возрождения: это мир без подлости и фальши, мир титанов и ученых, мир лучезарной простаты, мир, двери которого всегда открыты для вас.

10. Итог урока

Итак, дорогие ребята, думается, что сегодняшний урок на тему: «Рафаэль, Микеланджело. Кто они? Талант или … целая эпоха Возрождения» прошел плодотворно, так как вы продемонстрировали глубокие знания не только в области  искусства, но и литературы и архитектуры, а также исполнительское мастерство, и умение работать в группе. Нужно было сплоченно трудиться в каждой команде и проявить не только глубину знаний, но и оригинальность мышления и творческий подход, что на наш взгляд вам удалось как умелым  критикам-искусствоведам. Как знать, может быть, и о ком-нибудь из вас благодарные потомки будут вспоминать, рассуждая о прекрасном: искусстве, литературе (поэзии) и называя в связи с этим ваши имена.

План урока №11


Тема: Венецианская живопись. Тициан


Цель урока:

  • Познакомить учащихся с представителями Венецианской живописи

  • Развивать навыки сопоставления и анализа у учащихся на примере представителей Венецианской живописи

  • Введя учащихся в атмосферу эпохи Ренессанса воспитывать чувство прекрасного.

Любите живопись, поэты!
Лишь ей, единственной, дано
Души изменчивой приметы 
Переносить на полотно.
Н. Заболоцкий

"Живопись в одно мгновение должна вложить в сознание зрителей всё своё содержание". Леонардо да Винчи

  1. Организация класса к уроку.

  2. Вступительное слово учителя.

Эпоха Возрождения, которую мы продолжаем изучать, в более широком понимании означает новый образ жизни и новое мировоззрение. Это время зарождения капиталистических отношений, формирования мировых торговых связей, образования национальных государств, возникновения социальных конфликтов: религиозные войны во Франции, крестьянская война в Германии, буржуазная революция в Нидерландах. В этот период начинается процесс отделения художественных ценностей от религиозно-этических, и устанавливается новое отношение к искусству. Рождается представление о человеке как “земном боге” являющимся истинным творцом собственной сущности и всего что создают его руки и интеллект.

Прежде чем мы познакомимся с представителями Позднего Возрождения: Тицианом, Выполнение теста на 2 варианта с использованием презентации.

Приложение 1. Учащиеся, просматривая презентацию, отвечают на вопросы на приготовленных листочках. Ключи ответов:

1 вариант

2 вариант

  1.  – В, Г;

  2. 1) – Б, 2) – В, 3) – А;

  3. Романский стиль – 1, 4, 5, 7;

  4. А, Д;

  5. 2, 4, 6;

  6. - В

  1. Б, В;

  2. 1) – В, 2) – Б, 3) – А;

  3. Готический стиль – 1, 3, 6, 8;

  4. А, Б, Д;

  5. 1, 3, 5;

  6. Б.

  1. Изучение новой темы по плану:

  • Тициан.

  • Виртуальное путешествие по залам Эрмитажа.

  1. Закрепление новой темы, составление краткого конспекта с использованием презентации. Приложение 1.

Учащиеся приготовили сообщения и мини-презентации по представителям Позднего Возрождения. Краткое изложение.

1-й ученик: Тициан (Тициано Вечеллио) (около 1489/90 – 1576гг.) итальянский живописец. Глава венецианской школы Высокого и Позднего Возрождения. Происходил из родовитой провинциальной семьи. В ≈ 1500г. - отдан на обучение к мастеру мозаики, затем учился живописи у Дж. Беллини. С 1517 по 155г. занимал должность официального живописца Венецианской республики. Его заказчиками были императоры, короли, папы римские. Художественные произведения: “Святое семейство”, “Мадонна с младенцем, святой Екатериной и маленьким Иоанном Крестителем”, “Кающаяся Мария Магдалина”.http://festival.1september.ru/articles/549622/img1.jpg

  http://festival.1september.ru/articles/549622/img2.jpg

В искусстве эпохи Возрождения, в особенности в период Кватроченто, особое место принадлежало Венеции. Венецианские мастера были призваны запечатлеть все богатство, красоту и великолепие этого удивительного города. Древняя живописьВенеции достигла своего расцвета во второй половине пятнадцатого столетия. Красочные празднично-декоративные произведения венецианских художников служили украшениями дворцов, храмов, помещений разнообразных общественных заведений, и восхищали своей уникальностью простых горожан и правителей.

Ярчайшим примером живописи венецианской школы является творчество выдающегося мастера Витторе Карпаччо. Его повествовательные простодушные композиции невероятно поэтично представляли Венецию во время разных торжественных церемоний. Художник писал известные сцены из Священной истории и трактовал их с точки зрения своей современности, а также изображал повседневную жизнь родного ему города. Истинного восхищения достойны его работы «Житие святого Стефана», «Житие святой Урсулы» и «Сцены из жизни Марии».

В венецианской живописи Раннего Возрождения реалистичные тенденции были отображены в произведениях искусства Антонелло да Мессина. Одной из наиболее знаменитых его картин является «Св. Себастьян» 1476-го года. Среди художников Возрождения тема мученичества святого Себастьяна была особенно распространенной, однако Антонелло да Мессина сумел найти ее собственную трактовку: образ Себастьяна не наделен той характерной страдальческой экзальтацией, свойственной произведениям других художников, работавших с данным сюжетом. Антонелло да Мессина был великолепным мастером портрета. Его лучшими произведениями считаются «Кондотьер», «Автопортрет» и «Мужской портрет». Эти картины наполнены обобщенностью и сдержанностью – качествами, которые высоко ценились современниками художника.

Джованни Беллини – легендарный венецианский мастер Кватроченто – считался одним из основателей Высокого Возрождения в живописи. Трагическим величием наполнены его произведения «Оплакивание Христа» и «Мадонна со святым». Кисти Беллини принадлежит большое количество замечательных портретных работ, положивших начало развитию портретного направления в живописи Венеции. Неотъемлемой частью всех произведений художника было удивительное его удивительное мастерство в изображении природы. Оно оказало существенное внимание на многих пейзажистов Венеции, творивших в последующие поколения. Учениками Беллини были такие известнейшие мастера как Тициан и Джорджоне.


  1. Виртуальное путешествие по залу Эрмитажа, посвящённое творчеству Тициана (электронное пособие).

  2. Подведение итогов урока. Рефлексия учащихся.

  3. Домашнее задание: конспект, индивидуальные задания – приготовить сообщения

Литература:

  1. Молодёжи об искусстве” - Т. Вийранд. Таллинн 1990г.

  2. Журнал “Галерея”. № 1 – 195

  3. История искусства зарубежных стран 17-18 веков. Под редакцией В.И. Раздольской. Москва 1988г


План урока №12


Тема: Творчество Веронезе и Тинторетто


Паоло Веронезе (Paolo Veronese) (1528–1588). Собственно, настоящее имя Паоло Кальяри (Caliari). Итальянский живописец эпохи Позднего Возрождения. Родился в Вероне в семье скульптора Габриэле Кальяри. Учился у малозначительного веронского живописца Антонио Бадиле, которому приходился племянником. С конца 1540-х годов Веронезе начал работать самостоятельно. Веронезе первое время работал на терраферме, создавая ряд фресок и масляных композиций (фрески в вилле Эмо начала 1550-х годов и другие). Блестящий талант декоратора, одаренность колориста проявилось в росписях на мифологическую тематику на вилле Соранцо около Кастельфранко (начало 1550-х). По этим работам можно понять, что Веронезе знал произведения Рафаэля, Микеланджело, Пармиджанино, Корреджо. Уже в этих работах проявилась праздничность, жизнерадостность, столь характерная для творчества Веронезе. В 1553 Веронезе приехал в Венецию для участия в работах по украшению Дворца дожей. Он выполнил декоративные панно и плафоны в технике масляной живописи на холсте. После этого продолжал работать главным образом в Венеции, а также исполнял заказы в Падуе, Вероне, Мантуе и Виченце. Сложившаяся к середине 1550-х годов художественная манера Паоло Веронезе воплотила лучшие черты венецианской школы живописи: легкий, артистически - изощренный рисунок и пластичность формы сочетаются в картинах художника с изысканной колористической гаммой, основанной на сложных сочетаниях чистых цветов, объединенных светоносным серебристым тоном.

Большей интимностью образов, включением в композицию пейзажных и жанровых мотивов отличаются выполненные Веронезе фрески в загородных венецианских виллах (Барбаро, около 1561, и др.). Собственно, в творчестве зрелого Веронезе фрески виллы Барбаро, построенной Палладио на терраферме, неподалеку от Тревизо занимают достаточно важное место.


Веронезе Умерщвление святого Георгия

Искушение святого Антония

1553, Музей изящных искусств, Канн Умерщвление святого Георгия, 1564

Монастырь Сан Джорджо, Верона

Веронезе Красавица Нани

Веронезе Даниеле Барбаро

Красавица Нани (Венецианка)

1560-е, Музей Лувр, Париж Портрет Даниеле Барбаро, 1569

Палаццо Питти, Флоренция

Веронезе Марс и Венера

Веронезе Марс и Нептун

Марс и Венера, 1570-е

Метрополитен-музей, Нью-Йорк Марс и Нептун, 1575

Палаццо Дукале, Венеция

Отличающаяся изяществом небольшая вилла-дворец красиво вписана в окружающий сельский пейзаж и обрамлена цветущим садом. Ее архитектурному образу соответствуют полные легкого движения и звонкой красочности фрески Веронезе. В этом цикле непринужденно чередуются полные пенящегося «танцующего веселья» композиции на мифологические темы — плафон «Олимп» и другие — с остроумно неожиданными выхваченными из жизни мотивами: например, изображение двери, через которую входит в зал красивый юноша, снявший шляпу в поклоне, как бы обращенном к хозяевам дома. Однако в «бытовых» мотивах такого рода мастер не ставит себе задачу художественного раскрытия через естественное течение жизни обычных простых людей всей типической характерности их взаимоотношений. Исполненные маслом на холсте монументальные многофигурные композиции Веронезе (“Триумф Мардохея”, 1556, в церкви Сан-Себастьяно; “Триумф Венеции”, 1578–1585, во Дворце дожей, – все в Венеции) выделяются в его творчестве праздничной приподнятостью образов, выразительностью ракурсов, поз, движения, ликующим великолепием звучного колорита.

Брак в Кане

1563 Честь

1556-1557 Граф де Порто с сыном, 1556 Музыка

1556-1557 Пир у Симона Фарисея

1570


В Венеции Веронезе знакомится с творчеством Тициана (около 1477–1576), у которого он воспринял широкую, свободную манеру письма, ставшую характерной для его произведений. 1560-е годы – период расцвета творчества Веронезе. Его произведения приобретают все более светский характер: он показывает современную ему Венецию, архитектуру города, сцены из жизни; его персонажи исполнены горделивого достоинства, роскошно одеты в современные костюмы. Картины Веронезе наполнены жизнерадостностью, весельем. Часто живописец обращается к изображению пиров, праздников с обилием ярко одетых людей, со стремлением к жанровости. Но всегда, несмотря на множество действующих лиц, его картины легко воспринимаются благодаря стройности композиции (“Поклонение волхвов”, около 1548, Санкт-Петербург, Эрмитаж). В знаменитой картине “Брак в Кане”, написанной для трапезной монастыря Сан Джорджо Маджоре (1562–1563, Париж, Лувр), Веронезе изобразил около 130 фигур, помещая крупнейших живописцев (Тициана, Тинторетто, Бассано и даже самого себя) среди пирующих европейских правителей и музыкантов.


Измена

1565-1570 Презрение

1565-1570 Почтение

1565-1570 Обручение

1565-1570 Похищение Европы

1578


Веронезе писал также станковые многофигурные композиции с изображением праздничных пиршеств, шествий, приемов (“Брак в Кане”, 1563, Лувр, Париж; “Поклонение волхвов”, около 1571, Картинная галерея, Дрезден; “Пир в доме Левия”, 1573, Галерея Академии, Венеция), монументальные по композиции алтарные образы (“Обручение святой Екатерины”, около 1575, Галерея Академии, Венеция). Смелое введение Веронезе в свои произведения жизненных наблюдений, жанровых мотивов, портретов современников стало причиной для обвинения художника инквизицией в излишне светской трактовке религиозных тем. Во многих масштабных произведениях Веронезе переносил события священной истории в обстановку современной Венеции: “Пир у Симона Фарисея” (1570, Милан, галерея Брера), “Пир в доме Левия” (1573, Венеция, Галерея Академии) и др.

Воскрешение Христа

1570-е Битва при Лепанто

1572 Лукреция

1580-е Венера и Адонис

1582 Распятие

1582


Немногочисленным интимным портретам Веронезе свойственна мягкая, иногда с оттенком жанровости лиричность (“Граф де Порто с сыном Адриано”, 1554-1556, собрание Контини-Бонакосси, Флоренция). В поздних работах Веронезе, отмеченных чертами кризиса ренессансного мировоззрения, появляются настроения смутной тревоги, скорби и меланхолии (“Похищение Европы”, 1580, Дворец дожей, Венеция; “Оплакивание Христа”, между 1576 и 1582, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Но к этому же времени относится самая пышная декоративная композиция мастера – “Триумф Венеции”, плафон зала Большого Совета Дворца дожей (1580–1585). Мифологические и аллегорические персонажи соседствуют с нарядными и праздными венецианцами. В этой работе художника обозначились черты парадности, сложные иллюзионистические приемы, декоративная пышность, предвосхищавшая искусство барокко 17 столетия.

Скончался Веронезе в 1588 году и был погребен в церкви Сан Себастьяно в Венеции.

Творчество Паоло Веронезе завершает искусство эпохи позднего Возрождения.

 Якобо Робусти (Тинторетто) родился в 1518/1519 г. в Венеции. В самом раннем детстве он проявил необыкновенную способность к живописи и поступил в ученики к Тициану. Он делал настолько быстрые успехи, что, по преданию, Тициан не захотел дальше держать его у себя, предугадывая будущего конкурента. И Тинторетто, покинув его школу, продолжал восхищаться блеском и силой Тициановских красок, а в стремлении к совершенству рисунка опирался на наследие Микеланджело.
Однако, влияние великих художников не заглушило в нём самостоятельности, и он, взяв от них лучшее, создал свой стиль, отличием которого стала живая драматичность композиции, смелость мастерского рисунка, своеобразная живописность в распределении света и теней, теплота и сила красок, широкий приём письма.
Вскоре Тинторетто приобрел громкую известность наравне с Тицианом и Паоло Веронезе. Количество заказов порой приводило его к поспешности их исполнения, и поэтому не все его работы хороши в одинаковой степени.
Среди ранних работ Тинторетто можно отметить «Грехопадение Адама и Евы» и «Убийство Авеля», исполненные в духе Тициана; «Поклонение золотому тельцу» и «Страшный Суд», в которых уже заметна его оригинальность. В полном блеске талант Тинторетто выказывают «Чудо Св.Марка», «Брак в Кане Галилейской», «Философ Диоген» и многие другие картины, рассеянные по разным европейским музеям.
Ещё ярче выражают искусство Тинторетто его фрески. Из сохранившихся фресок особенно великолепны стенные картины и плафоны в здании Школы Св.Роха («Распятие», «Избиение младенцев», «Мария Магдалина в пустыне», «Медный змий») и во дворце дожей в Венеции (колоссальное «Воскресение праведников», «Венеция, богиня морей», «Завоевание Цары»).
Тинторетто писал также и прекрасно исполненные портреты, среди которых можно отметить и его собственный автопортрет. Свое мастерство художник передал своим детям – его сын и дочь стали портретистами.
Скончался  Якобо Робусти (Тинторетто)  в 1594 г.



План урока №13


Тема: Возрождение в Нидерландах

Вид урока: обобщение изученного материала.

Цель:

завершить ознакомление с изобразительным искусством эпохи Возрождения, систематизировать полученные ранее знания.

Задачи:

  • Образовательные: закрепить знания по теме «Эпоха Возрождения».

  • Воспитательные: содействовать в ходе урока творческому подходу в работе над проектом.

  • Коррекционные: содействовать эстетическому развитию учащихся с целью коррекции поведения, восприятия, уровню мышления, речи и восприятия.

Оборудование: проектор, презентация «Эпоха Возрождения», подготовленные распечатки портретов и работ мастеров для оформления схемы, ватман, клей, ножницы, фломастеры, музыкальный видео фрагмент «Северное Возрождение».

Ход урока

Организационный этап

Всем добрый день! Рада Вас приветствовать!

Сегодня мы продолжаем работу по теме «Северное Возрождение. Живопись нидерландских и немецких мастеров» и завершим изучение тему Возрождения творческой работой.

Проверка домашнего задания.

На прошлом уроке мы рассматривали мастеров эпохи Северного Возрождения. Домашним заданием было подготовить сообщение о Питере Брейгеле старшем (учащийся зачитывает сообщение).

Обобщение материала.

Нами была рассмотрена большая эпоха в изобразительном искусстве. Истоки Возрождения как художественного движения, сплотившего философов, литераторов, музыкантов, архитекторов и художников, - в гуманизме как мировоззрении эпохи, с позиций которого подвергались переоценке духовные и художественные достижения предшествующих эпох. Появляется убеждение в том, что так называемые гуманитарные науки более важны, нежели изучение Священного писания, т.е. изучение языков, литературы, истории и философии должно происходить не в религиозных, а в светских рамках. Много известных мастеров до сих пор на устах исследователей, каждый мастер внес свой вклад в развитие искусства. Для закрепления и систематизации изученного материала мы выполним проект «Искусство Возрождения (Ренессанс) XIV-XVI вв.», который будет выполнен в форме информационного плаката по данной эпохе, который впоследствии будет использоваться как демонстрационный материал на уроках МХК. Для выполнения данного проекта вспомним основных мастеров эпохи.

Периоды эпохи имеют общепринятые названия, но и есть названия, образованные от числительных итальянского языка. Применим их в нашей работе.

Северное Возрождение (чинквенченто, 1500-е гг).

Художники, жившие к северу от Альп, не имели перед своими глазами образцов античного искусства. Долго сохранялись традиции и навыки готического искустсва. Потреты северных художников лишены гармонизации и идеализации действительности, в своей реалистичности они доходят ждо натурализма.они не порывают с народной стихией, крестьянской жизнью, фольклорными традициями.

Основные представители:

Питер Брейгель старший (1525-1569): в своем творчестве показал единство человека и плодоносящей природы, находящихся в бесконечном движении и обновлении; показал современную жизнь, напряженность предреволюционной поры, национальный характер народа, в первую очередь крестьянства, его типы, нравы, жизненный уклад, неистощимую энергию, его праздничное мироощущение. Сюжеты реальной жизни сатирического содержания претворяются у него в богатое красочное зрелище. Резко обрисовывая и упрощая формы, он гиперболизирует характерные черты предмета, подчеркивает их интенсивным плотным цветовым пятном (красным, синим, зеленым, фиолетовым, коричневым) на светлом или коричневом фоне, умело используя колористические контрасты. Ощущения глубины он достигает с помощью бледных смешанных тонов пейзажа на дальнем плане, богатых теплыми и мягкими переходами,

Ян ван Эйк (1385-1441): Сюжеты реальной жизни сатирического содержания претворяются у него в богатое красочное зрелище. Резко обрисовывая и упрощая формы, он гиперболизирует характерные черты предмета, подчеркивает их интенсивным плотным цветовым пятном (красным, синим, зеленым, фиолетовым, коричневым) на светлом или коричневом фоне, умело используя колористические контрасты. Ощущения глубины он достигает с помощью бледных смешанных тонов пейзажа на дальнем плане, богатых теплыми и мягкими переходами. Утверждает самоценность портрета единичного человека, отличающегося объективностью, конкретностью и глубиной раскрытия неповторимого своеобразия личности.

Практическая работа.

А теперь, вспомнив основных представителей эпохи, на ватмане отобразим эпоху в виде предложенной схемы.

Выполнение задания сопровождается музыкальным видео фрагментом музыки эпохи Северного Возрождения.

Подведение итогов.

Демонстрация выполненной схемы, выставление оценок.

Гуманистическое мировоззрение стало одним из крупнейших прогрессивных завоеваний эпохи Возрождения, оказавшим сильное влияние на все последующее развитие европейской культуры. Эпоха Возрождения подготовила появление гигантского художественного феномена – творчества Уильяма Шекспира.

Предлагается путешествие в то место, где хранятся произведения живописи мастеров эпохи Возрождения – Лувр. Виртуальная экскурсия осуществляется с помощью сервиса google maps.

На этом наш урок-проект закончен. Всем спасибо за работу и внимание.


План урока №14


Тема: Босх и Питер Брейгель Старший

Цели урока:

  • способствовать уяснению учащимися наступления эпохи самоутверждения человеческой личности, освобождение от средневековой корпоративности и морали ;

  • способствовать развитию интереса у учащихся к деятелям эпохи Возрождения.

  • создать условия для развития навыков школьников оценивать и делать выводы по значимости исторических и культурных событий

  • привить школьникам умения и навыки анализировать произведения искусства, творчество мастеров

  • развивать информационно-коммуникативные умения и навыки учащихся

  • приобщить учащихся к пониманию высокого искусства, идей гуманизма и терпимости

Оборудование: компьютер, проектор, экран

Ход урока

План.

  1. Понятие о Северном Возрождении.

  2. Особенности Северного Возрождения

  3. Образ человека в творчестве Иеронима Босха

  4. Идеи Босха и современность


Вступительное слово учителя:

Сегодня мы продолжим разговор о эпохе Возрождения, а именно о Северном возрождении. К Северному Возрождению относится культура и искусства стран, расположенных к северу от Италии. К ним можно отнести Германию, Францию, Нидерланды.

Чем отличается живопись в этих странах (именно она достигла наивысшего расцвета) от живописи Итальянского Возрождения?


  1. Художников привлекали образы простых людей, их простые будничные занятия.

  2. Они использовали технику масляной живописи, что позволило им применять рассеивание света, отражение его, преломлении и т.д.


Ярким представителем Нидерландской живописи является Иероним Босх. Он жил во 2 пол. XV – начале XVI века. Его творчество показывает изначально человека, как греховного. Обратимся к его картине «Семь смертных грехов». Сме́ртный грех в христианстве — тяжёлый грех, влекущий за собою потерю спасения души в случае отсутствия покаяния.

(Далее в сопровождении презентации.)

2. «Семь смертных грехов» — одна из самых ранних известных работ Босха. Она имеет ярко выраженный нравоучительный характер с элементами иронии и сатиры.

3.Эта работа обладает довольно усложненной структурой:

  • пять разного диаметра окружностей на темном фоне. Предполагают, что это крышка стола - столешница, расписанная мастером.

  • В центре – нечто вроде всевидящего ока. В середине – подобие зрачка, в котором по бедра изображен Христос, стоящий в саркофаге. Христос все видит, он в центре мира, он в центре этого условно изображенного глаза.

Ниже надпись: "Берегись, берегись, Бог видит всё".

4.Это не собственно глаз, но явный намек на него. Всевидящее око зрит все, но оно по неисповедимым, непонятным для нас причинам, не вмешивается в ход вещей. Муки Христа - зарок человечества - оказываются едва ли не напрасными. Он указывает на свою рану в боку, он в очередной раз взывает к людям, но это воззвание оказывается почти никем не услышанным.

Широкая полоса, идущая вокруг этого квази-зрачка напоминает радужную оболочку. Круг расчерчен лучами, которые в то же время несколько напоминают рисунок радужки.


5.И, наконец, на внешней, самой широкой полосе изображены семь сцен, которые

символизируют семь смертных грехов. Каждый грех обозначен надписью и трактован художником в виде жанровой сценки.

Таким образом, Босх создает обобщенную картину человечества, погрязшего в грехах.

Сейчас мы рассмотрим как художник представил на картине грехи человеческие.

Задание: в тетрадях запишите в столбик все представленные грехи и попробуйте найти им противоположные качества – добродетели.

6.Прямо перед Вами сцена ревности, драка, изображающая ГНЕВ.

На зелёной лужайке перед гостиницей — драка. Человек в необычном, для того времени, головном уборе, бросив плащ, накинулся на женщину. Совершенно озверелое побоище, во время которого один другому насадил на голову трехногий табурет, чуть не проломив и голову, и сидение этого табурета.

7. Здесь видим сцену показывающую ГОРДЫНЮ. Интерьер довольно зажиточного дома, женская комната. Модница, стоя к зрителю спиной, вертится перед зеркалом, висящим на створке шкафа, примеряя новый белый чепец и любуясь собой в этом чепце, не замечая, что зеркало ей подсовывает чертенок, высунувшийся из шкафа. Но даже такой, казалось бы, с нашей точки зрения, невинный поступок, даже не поступок, а просто мелочь какая-то, может повлечь за собой далеко идущие последствия. Здесь как бы таится зародыш греха гордыни, который некоторые теологи считали "отцом всех грехов".

8. В центре — сцена, показывающая СЛАДОСТРАСТИЕ, ПОХОТЬ. В палатке — две влюблённые пары, занятые прелюдией к полному выражению страсти. Их развлекают клоуны, рядом музыкальные инструменты.

Со времен раннего христианства отцы церкви всячески поносили "непристойные пляски и телодвижения", "низкие и бесстыдные песни", праздношатающихся потешников. Они клеймили бродячих актеров и актрис как "детей сатаны" и "вавилонских блудниц" — людей безнравственных, распущенных, возбуждаемых "демоном блуда". В связи с безнравственной музыкой бичевал разврат и Иероним Босх, который возводил в абсолют греховность земного существования. На его картинах музыкальные инструменты — символ похоти.

9. ЛЕНЬ(уныние)

Женщина, пришедшая к священнику, пытается призвать его выполнять свои обязанности, о которых он забыл(то ли уснув, то ли предавшись мечтам). Подумайте, почему лень отнесена к смертному греху?

10. ЧРЕВОУГОДИЕ. Очень неопрятное, неуютное помещение, какой-то злачный дом или задняя комната харчевни. У Босха часто будут встречаться такие постройки и интерьеры, в которых смешиваются элементы грязной харчевни, публичного дома и сарая. Монахиня потчует нескольких едоков. Омерзительный толстяк, у которого брюхо свешивается между колен, остервенело грызет куриную или индюшачью ногу; такой же отвратительный младенец тянет к нему руку, требуя своей доли. Но и исхудавший пропойца столь же неприятен. Он, словно трясущимися руками, буквально выдавливает последние капли из кувшина себе в рот. На полу разбросана дешевая мебель, тут же разведен костер. Какой-то омерзительный быт, но при этом чувствуется, что это своего рода нечто вроде уклада жизни, и есть целый слой людей, которые привыкли к подобной обстановке, к таким обстоятельствам, которые всю эту мерзость вокруг себя воспринимают как что-то естественное.

11. АЛЧНОСТЬ, ЖАДНОСТЬ. Босх показывает в виде помощника шерифа, решение которого зависит от взятки. Насколько этот сюжет актуален сегодня?

12. ЗАВИСТЬ изображается пожилой парой, завистливо глядящей на соседа с редкой и дорогой птичкой, накупившим товаров, которые еле тащит в мешке слуга. А другой прохожий с завистью смотрит на другую "птичку" - их дочь, красавицу и помощницу, о ценности которой родители позабыли.

Собаки выражают фламандскую пословицу: "Две собаки с одной костью редко договариваются ".


13. Художник напоминает людям, погруженным в каждодневную суету привычных, будничных грехов, повторяющихся снова и снова, что за злом неотступно следует воздаяние.

Четыре угла картины украшены сценами "четырех последних вещей" с которыми каждый встретится в конце жизни:

СМЕРТЬ, СТРАШНЫЙ СУД, АД, НЕБЕСНЫЕ ВРАТА

14. СМЕРТЬ. Лежит истощенный человек. Последние минуты жизни, смерть уже рядом. Его окружают монахи и врач.

Под внимательным взглядом ангела-хранителя, монах молится о спасении души умирающего. Но, как в большинстве работ Босха, зло всегда рядом - подобный обезьяне, демон примостился рядом с ангелом.


15. Страшный суд (верх, правый угол)

Четыре трубящих ангела возвещают о начале Страшного суда. Христос сидит на прозрачном шаре, по обе стороны от него - избранные праведники. Внизу умоляющие о прощении проклятые грешники, которые тонут, отправляясь в Ад.

16. Ад (низ, левый угол - увеличить)

Ад является самым поразительным из четырех сцен. Здесь показаны различные наказания, соответствующие семи смертным грехам.

Cлевa - пара в кровати, покрытая красным (символ прелюбодеяния).

Вокруг - множество демонов, готовящихся к пыткам.

В центре фигура, которую пытает демон в костюме монахини.

Следующая - лежит на каменной плите, готовая к расчленению.

Внизу - пару, (похожую на Адама и Еву), пытает и угрожает демон, несущий сферу.


17. Небесные врата - рай... У входа Св Пётр и небесное трио ангелов приветствует новых граждане Города Бога, которые появляются в воротах голыми, как новорожденные малыши.

Даже здесь, у входа, притаился демон, надеясь сбить с пути праведную душу(слева, внизу). Но зоркий Архангел в красном плаще — на страже.

Христос с открытой книгой(в центре круга), сообщает решение Бога. Вокруг Дева Мария, апостолы и четыре коленопреклонённых ангела.

Справа — те, кто принимает прибывших и проводит их в Рай.


Мы увидели грехи людей видении Иеронима Босха.

Проверим вашу таблицу грехи и добродетели. 7 грехов и 7 добродетелей.


Таблица

  1. ГОРДЫНЯ

  1. СМИРЕНИЕ

2.ЖАДНОСТЬ.

2.ЩЕДРОСТЬ

3.ЗАВИСТЬ.

3.ЛЮБОВЬ

4.ГНЕВ.

4.ДОБРОТА

5.РАСПУТСТВО.

5.ВОЗДЕРЖАНИЕ

6.ЧРЕВОУГОДИЕ.

6.УМЕРЕННОСТЬ

7.ЛЕНЬ.

7.УСЕРДИЕ



Впрочем, и в наше время к сюжету о семи смертных грехах обращаются довольно часто. Достаточно вспомнить фильм «Семь» (1995г.). Триллер повествует о серии ритуальных убийств. Все жертвы отягощены одним из семи смертных грехов. За это неуловимый маньяк жестоко их карает, руководствуясь собственными понятиями о справедливости. Главный герой, детектив Миллз, дает волю своему гневу, тем самым завершая чудовищное «произведение» безумного убийцы…

19.Так что же – спасенья нет? Ведь человек грешит каждый день. Правда, чаще всего – в помыслах. Но грехи прощаются, если человек раскаялся, исповедался и встал на путь Семи Добродетелей.

20-32. Скульптуры Шемякина

«Дети — жертвы пороков взрослых»

скульптурная композиция М. М. Шемякина, расположенная на Болотной площади Москвы. Композиция задумана автором как аллегория борьбы со злом и пороками: Композиция задумывалась и осуществлялась мною, как символ и призыв к борьбе за спасение сегодняшнего и будущего поколений… Я, как художник, этим произведением призываю оглянуться вокруг, услышать и узреть то, что происходит.

И пока не поздно, здравомыслящим и честным людям надо задуматься.

М. Шемякин


Точная дата и место рождения Питера Брейгеля остаются неизвестными, хотя принято считать, что родился он около 1525 года в деревушке Брейгель, близ Бреды в Брабанте. Это было тяжелое время для брейгелевской родины; 17 североевропейских провинций, входящих ныне в состав Бельгии и Голландии, вели тогда кровавую борьбу с испанским королем за свою независимость.

Борьба обострялась конфессиональными противоречиями.

Детство и юность Брейгеля покрыты мраком неизвестности. Ван Мандер в своей книге утверждает, что художник был учеником у известного живописца и издателя Питера Кука ван Альста (1502— 1550) и что между ними сложились прекрасные отношения. Первые документальные свидетельства о жизни Брейгеля относятся к началу 1550-х годов, когда ему уже было за двадцать.

В конце 1551 года он стал членом профессионального объединения художников — Гильдии св. Луки в Антверпене, из чего можно сделать вывод, что период учебы к этому времени был завершен.

В начале 1560-х годов произошли резкие перемены в личной жизни Брейгеля. В 1563 году он женился на Марии Кук, дочери своего бывшего наставника Питера Кука ван Альста. Новоиспеченные супруги поселились в Брюсселе, предоставившем художнику новые возможности. Брюссель был столицей, в нем обитали коронованные особы и богатые вельможи, что повышало шансы найти себе знатных покровителей. В Брюсселе Брейгель начал писать картины в новой для себя манере, отойдя от стилистики и композиционных принципов своих гравюр антверпенского периода.

Жить художнику оставалось всего шесть лет, но именно за этот короткий срок он успел создать большинство своих шедевров. Среди заказчиков Брейгеля были такие крупные личности, как кардинал Антуан Перрено де Гранвела, возглавлявший Государственный совет Нидерландов, и банкир Николас Ионгелинк, заказавший писцу его знаменитую серию «Месяцы» («Времена года»).

Последний период жизни Брейгеля совпал с бурными потрясениями в жизни Нидерландов.

Его творчество той поры, как зеркало, показывает, в каком направлении шла эволюция художника. Картины Брейгеля наполнились горечью и смирением перед лицом неумолимого рока.

Брейгель скончался в Брюсселе 9 сентября 1569 года и был погребен в церкви Нотр-Дам де ла Шапель, где в свое время венчался с Марией Кук. На руках у вдовы остались двое малолетних сыновей, Питер и Ян.

Им впоследствии было суждено продолжить художническую династию Брейгелей.

Домашнее задание: узнать почему смертных грехов именно 7 ?


План урока №15


Тема: Возрождение в Германии. Альбрехт Дюрер


Сценарный план урока:

  1. Альбрехт Дюрер

  2. Гравюры «Апокалипсиса»: «Четыре всадника», «Трубный глас»

  3. Диптих «Четыре апостола»

Этапы урока:

  1. Ориентировочно-мотивационный

  2. Информационный

  3. Обобщение и систематизация

  4. Рефлексия

  5. Домашнее задание

Ход урока

1. ОРИЕНТИРОВОЧНО-МОТИВАЦИОННЫЙ ЭТАП

Альбрехт Дюрер (1471-1528) – художник, график, золотых дел мастер.

Альбрехт Дюрер – математик и философ, оставивший нам научные трактаты, дневники и письма.

Альбрехт Дюрер – открытый и искренний человек, наделенный неутомимой жаждой научного познания, охотно делящийся своими открытиями с теми, кто желает учиться.

Альбрехт Дюрер – адепт так называемого мистического христианства, являющего собой сплав раннехристианских верований, алхимии, астрологии и науки, неустанно пытавшийся постичь Мистерии древности. [4].

Более четырех столетий прошло с тех пор, когда жил и творил этот неповторимый гений. Но, в который раз всматриваясь в его автопортреты, восхищаясь уникальными гравюрами мастера, имеющими сложный символический подтекст, решая геометрические задачи божественного титана, не устаешь удивляться многогранности таланта великого человека эпохи Возрождения.

Вопросы для обсуждения с учащимися

1. Какие характерные признаки новой эпохи воплощали в себе гении Возрождения?

– неутолимая жажда научного познания, пристальное внимание к человеку и его внутреннему миру, реалистическое видение природы, интерес к классическому искусству и творческое развитие национальных традиций.

2. Как эти признаки могли преломиться в творчестве северного Леонардо да Винчи – Дюрере?

– органическое слияние светского гуманизма и религиозного спиритуализма.

3. Главная причина формирования нового мировоззрения в Германии?

– религиозная революция, борьба за преображение церкви – Реформация.

4. Какие причины спровоцировали Грандиозную крестьянскую войну и придали ей религиозную окраску?

– раздробленность, яростное сопротивление рыцарей-феодалов централизации государства, поведение папской власти, тяжелое положение крестьян, тревожная духовная атмосфера, наполненная предчувствием конца света.

Дюрер с поразительной цельностью сконцентрировал в своем творчестве все характерные признаки новой эпохи. Его неслучайно называют северным Леонардо да Винчи – интерес к классическому искусству Италии и творческое развитие национальных традиций ярко преломились и мировоззрении и творчестве Дюрера. Вместе с тем, «он был очень религиозен, склонен к мистике и переживал страдания Христа с невероятной остротой, как свои собственные. Именно это позволило Дюреру отождествлять себя с «головой, покрытой кровью и ранами». [2].

2. ИНФОРМАЦИОННЫЙ ЭТАП

Объяснения учителя, сопровождающиеся показом слайдов презентации

Специфика Ренессанса в Германии определялась тем, что интерес к человеку его внутренней жизни, реалистическое видение природы соединились с жестокой борьбой за обновление церкви – Реформацией. Реформация способствовала освобождению немецкой культуры от господства церковной идеологии, но в условиях Крестьянской войны, принявшей религиозную окраску, породила предчувствие конца света и веру в скорое пришествие Христа. Это находило выражение в идеях и образах мистического спиритуализма.Зловещие слова «Апокалипсиса» – мрачных пророчеств Иоанна Богослова, предрекавших крушение мира, – раздавались с амвонов всех церквей Германии. Апокалипсис – знаменитая серия из 15 гравюр на дереве, созданная Альбрехтом Дюрером после первого путешествия в Италию. Она иллюстрирует Откровение Иоанна Богослова, и была впервые опубликована в 1498 году в Нюрнберге на латыни и немецком языке. И словно слышен отзвук молитвы, записанной Дюрером в дневнике: «О Боже на небесах, сжалься над нами, о Господи Иисус Христос, заступись за твой народ, освободи нас вовремя…».[3].Популярность гравюр серии была связана с широко распространённым в это время ожиданием конца света в 1500 году. «Самая известная гравюра серии – «Четыре всадника» (1497-1498).Пророчества в Откровении Иоанна Богослова начинаются с появления четырех всадников на белом, рыжем, вороном и бледном конях, несущих людям гибель. На гравюре они возникают из густой тьмы, и стрелы небесных лучей показывают, что это – посланники неба. Натянута тетива лука у первого, меч второго готов разить. У третьего вместо оружия пустые весы на коромысле. Четвертый всадник – это сама Смерть – полуобнаженный старик с разорванном в крике ртом и горящими глазами. Он держит в руках вилы, которыми могильщики спихивали тела в яму во время эпидемий. Под копыта коней падают поверженные ужасом король, священник, крестьянин, горожанка. Это иллюстрация слов Откровения о том, что погибнут «и цари земные, и всякий раб, и всякий свободный». [1]. На гравюре «Трубный глас» (1497-1498) изображен момент снятия седьмой печати с Книги судеб. Каждый новый трубный звук семи Ангелов предвещает человечеству новые и страшные беды.

Задание для учащихся

Звуковые образы гравюр «Четыре всадника», «Трубный глас». [2].

Слайд №9 из презентации учителя

Попробуйте, воспроизвести звуки, которые «слышны» в гравюрах Дюрера (цокот копыт, шум крыльев, звуки трубы, разгул стихий) и подобрать им аналогии в звучании музыкальных инструментов.

Работа в группах. Коллективное оценивание работ групп.

О том, как мир символов и аллегорий постепенно превращается в мир фактов и живой реальности, свидетельствует портретная живопись Дюрера, выражавшая специфическое мировосприятие немцев.

Подлинным прорывом в творчестве Дюрера и во всей ренессансной живописи Германии стало одно из самых глубоких произведений портретного жанра – диптих «Четыре апостола» (1526). На левой доске в красном хитоне изображен апостол Иоанн, за ним – апостол Петр. На правой доске – в белом плаще апостол Павел, рядом с ним апостол Марк. В картине соединен античный идеал красоты с готической композицией и сакральным подтекстом. «Скульптурная пластика фигур и титанические образы апостолов не оставляют сомнений в том, что каждый из них – портрет реального человека эпохи Ренессанса…».[1].

О сохранении готической традиции свидетельствует: композиция (святые занимают всю поверхность и почти выдвинуты в пространство храма), отсутствие пейзажа или архитектурного фона, отстраненность образов великих и суровых мудрецов.

Сакральное звучание в традициях готики придает акцент на фигурах апостолов Иоанна и Павла, разместив их на переднем плане и выделив цветом, Дюрер выразил солидарность с Реформацией, поскольку Иоанн был любимым апостолом идеолога Реформации Мартина Лютера, а святой Павел – бесспорным авторитетом всех протестантов.

Однако сам Дюрер утверждал, что апостолы олицетворяют всего лишь тип темперамента: Иоанн – меланхолика, Павел – холерика, Петр – флегматика, Марк – сангвиника. Такая идентификация напрямую вытекала из внешности каждого апостола и характера его деятельности. Но в любом случае речь идет о синтезе между обобщающим философским началом в оценке человечества и частными свойствами индивидуальной личности. «Достаточно взглянуть на усталое сосредоточенное лицо старика со лбом Сократа – апостола Петра или на горящий мятежным внутренним огнем взор апостола Павла, для того чтобы ощутить в этих величавых мудрецах яркие индивидуальности живых людей. И в то же время все четыре образа проникнуты одним высоким этическим началом, важнейшим для Дюрера, – силой человеческого разума, свободного и независимого». [5].

Задание для учащихся

Используя слайд 17 из презентации учителя, перенести карту-схемуурока в тетрадь или составить свою.

Приложение 1. Карта-схема урока

3. ОБОЩЕНИЕ И СИСТЕМАТИЗАЦИЯ

Опорные моменты опроса-закрепления

  1. В Германии более, чем в других странах Севера, одной из главных причин формирования нового мировоззрения стала религиозная революция.

  2. Реформация определила и мощный сдвиг в культурной жизни, и ее двойственный характер.

  3. Ожидание антихриста и гибели мира, надежда на Божью справедливость – все это в полной мере воплощено Дюрером в серии гравюр «Апокалипсис» на тему космических катастроф и грядущего Страшного суда.

  4. Органическое слияние идей светского гуманизма и религиозного спиритуализма ярко преломилось в творчестве А.Дюрера. Дюрер выражал экстатические видения в реальных образах, обладавших жизненной правдой.

  5. Диптих «Четыре апостола» можно интерпретировать как психологический портрет эпохи и отражение ее религиозной политики.

4. РЕФЛЕКСИЯ

* Вместе с учащимися:

  • выделяем главное в теме урока;

  • вспоминаем материал предыдущего урока о гротескно-карнавальном характере Возрождения в Нидерландах и сравниваем со спецификой Ренессанса в Германии;

  • подтверждаем различие в художественном идеале Севера и Юга;

* Учащиеся выполняют задание 1 из Приложения 2

5. ДОМАШНЕЕ ЗАДАНИЕ

Урок 7. стр. 48-52

Творческое задание

Рассмотрите гравюру Дюрера « Меланхолия», обратите внимание на детали, которые имеет глубокий символический смысл, попытайтесь его найти. Ответ дайте в виде таблицы.

План урока №16


Тема: Орнамент эпохи Возрождения

Орнамент эпохи Ренессанса

Стиль эпохи Возрождения (XIV – XVI вв.) отличается повышенным интересом к античной культуре. Необыкновенно популярными становятся сюжеты, мотивы, формы и техники, использовавшиеся когда-то мастерами Древнего Рима и Древней Греции. Европейцев снова начинают интересовать гармония, симметрия и перспектива. Свои истоки Ренессанс берет в Италии. Конечно же, случайностью это не назовешь. Ведь именно здесь когда-то и располагался центр Римской Империи. Настоящей же колыбелью данного стиля стала Флоренция. Орнамент эпохи Возрождения соединил и переосмыслил в себе три древних традиции – римскую, арабо-мусульманскую и готическую. Разумеется, римские традиции сыграли при этом главную роль. 

Основные мотивы орнамента эпохи Возрождения

В орнаментах этой эпохи присутствуют дубовые и акантовые листья, виноградная лоза, зооморфные элементы в сочетании обнаженным человеческим телом. Тут же можно встретить иконки, греческий меандр, чешую, плетенку, бусы, ленты и древнейший мотив раковины. Акантовый лист и завиток занимают в узорах Ренессанса особое место. После итальянского похода во Франции (XVI в.) в декоре часто применяются такие элементы, как рог изобилия, маски, дельфины, львиные головы, крылатые сфинксы. Фламандский стиль этого века во многом повторяет французский. При этом в орнаментах активно используют кариатид, маскароны, фигуры гениев, частично состоящие из листвы и композиции, включающие в себя медальоны. 

Характерные особенности орнамента Ренессанса

Орнамент в эпоху Возрождения отличается реалистичностью и повышенной живописностью. При этом любые виды декора находятся под исключительным влиянием живописи. Именно ей была отведена определяющая роль в художественной культуре эпохи Ренессанса. В композициях орнаментов господствуют уравновешенные, спокойные мотивы, как горизонтальные, так и вертикальные. Повсеместно используются римские канделябры, а также полуциркульные мотивы. Особенно тонкой и гармоничной орнаментикой отличается декор ренессансных интерьеров. Конечно же, в узорах этого стиля присутствуют и собственные, характерные только ему мотивы. Это, прежде всего, герб, заключенный в венок из цветов, поддерживаемый купидонами. 


узоры эпохи ренессансорнамент эпохи возрожденияузоры эпохи ренессансузоры эпохи ренессансузоры эпохи ренессансорнамент эпохи возрожденияузоры эпохи ренессансорнамент эпохи возрожденияузоры эпохи ренессансорнамент эпохи возрожденияорнамент эпохи возрожденияузоры эпохи ренессансорнамент эпохи возрожденияорнамент ренессансэпоха возрождения узорорнамент возрожденияузор итальянского ренессансаорнамент итальянского возрождения высокое разрешениеорнамент итальянского возрождения высокого качества картинкаорнамент эпохи ренессанса в высоком разрешении 1920х1600орнамент эпохи ренессанса в высоком разрешении 1920х1600орнамент эпохи ренессанса в высоком разрешении 1920х1600орнамент эпохи ренессанса в высоком разрешении 1920х1600орнамент эпохи ренессанса в высоком разрешении 1920х1600

 

Ренессансный орнамент на керамике

Доминирующим керамическим изделием XVI века была майолика. Так называют керамические изделия из обожженной цветной глины, покрытые глазурью. Их гладкая поверхность очень хорошо подходила для росписи. Орнамент на такую посуду наносился обычно синим кобальтом. В качестве мотива при этом использовались геральдические изображения, павлиньи перья, портреты в круглых рамках. В более поздний период на керамику наносились орнаменты, состоящие из элементов, заимствованных из римских монет и медалей. 

Орнамент на ювелирных изделиях

Золото и серебро в эпоху Возрождения ценились необыкновенно высоко. Из этих благородных металлов изготавливались кубки, канделябры, кувшины, блюда и т.д., украшенные гравировкой. Орнаментом могли быть, к примеру, густые абстрактные завитки. 

Декорирование текстиля

При оформлении ткани орнаментальными узорами в эпоху Возрождения используются как консервативные мотивы, так и совершенно новые. Декор тканей чаще всего состоит из мелких повторяющихся геометрических элементов. Иногда используется и крупный рисунок (до 50 см). Подобный орнамент хорошо известен и популярен до сих пор. Дорогие ткани – бархат и парча – обычно выделываются с различными стилизованными элементами. Чаще всего на таком текстиле можно видеть гранатовый мотив. При этом обычно выполняется аранжировка, нередко в виде слезы. Оживальная форма (форма, образованная дугами двух окружностей), использовавшаяся в готике, продолжает украшать ткани и в эпоху Ренессанса. Однако на этот раз она становится гораздо разнообразнее. Используется тонкая лоза, ленточное плетение, причудливые листочки. Геометрический узор, который так же часто можно видеть на тканях эпохи Возрождения, становится гораздо более отчетливым. В мотивах такого вида присутствует огромное количество мелких деталей. Особенно примечательна в этом плане вышивка льняных рубашек и кружево reticella. То есть такие орнаменты, при выполнении которых требуется расчет по клеткам. 

Орнамент на стекле

Особое внимание в этом плане стоит уделить венецианскому стеклу. В период раннего Ренессанса Венеция была могущественным государством, где процветали ремесла, торговля, искусство. Значительного технического прогресса это государство достигло в производстве стекла. Современники называли венецианское стекло «cristallo» из-за сходства с горным хрусталем. Оформление изделий, выполненных из такого стекла, выполняется с использованием романской, византийской и восточной техник. В эпоху Возрождения венецианское стекло становится необыкновенно популярным у знати. Аристократия других стран стремилась открывать свои стеклодувные мастерские и тщетно пытались найти секрет его производства. Отличными эстетическими качествами отличается также испанское стекло медового цвета. В нем часто используются различные эмали, а орнаментом обычно служили узоры из ярко-зеленых листьев и стилизованных фигур животных.



План урока №17


Тема: Зачет

1.Что явилось причиной размаха архитектурного строительства на Руси?

   а) античные традиции;

   б) влияние Византии;

   в) принятие христианства;

   г) рост городов.

2. «Расположен в центре Владимира. Фасад богато украшен, купола расположены далеко друг от друга. Центральное место занимает икона Владимирской Богоматери…»
О каком соборе идет речь?

     а) Храм покрова Богородицы;

     б)Храм Святой Софии;

     в)Успенский собор;

     г)Спасо-Преображенский собор;

в) Преображенский собор.

 

3. Определите название архитектурных элементов

   а) пилястры;

б) закомары;

в) апсида.


4. Как называется данный собор?

       а) Дмитриевский собор;

       б) Собор Покрова на Нерли;

       в) Преображенская церковь.

      

5. Какой из представленных соборов располагается в Москве? Напишите его название.


6.В каком соборе находится данная икона?

 

     а) в Успенском;

     б) в Дмитриевском;

     в) в Преображенском

7. Напишите, как называется икона?

                                 

   8. Кто написал икону Донской Богоматери?


     а) Феофан Грек;

     б) Рублев;

     в) Дионисий.

  

9. Кто является автором иконы «Торица»?

     а) Феофан Грек;

     б) Рублев;

     в) Дионисий.

  

  1. Какой термин является синонимом Возрождения?

а) ренессанс

б) декаданс

в) оба термина являются синонимами Возрождения.


  1. Отличительные черты Возрождения:

а) связь культуры и религии, подчинение человека церкви;

б) подражание античности, лишение человека права на развитие своих способностей;

в) светский характер культуры, гуманизм, обращение к античности.


19. Из всех искусств Возрождение особенно возвысило:

а) изобразительное;

б) "искусство слова";

в) музыкальное.


  1. Любимый сюжет живописи Ренессанса:

а) исторические события Италии 14-16 вв.;

б) Mадонна с младенцем;

в) изображение природы Италии.


  1. Одной из живописных последних работ Микеланджело была выполненная в 1514 г. огромная фреска Сикстинской капеллы. Какой библейский сюжет был изображен?

а) "Сотворение мира";

б) "Потоп";

в) 'Тайная вечеря"


  1. Биограф итальянских художников Возрождения Джорджио Вазари следующим образом характеризовал трех величайших мастеров:

1) "Он показал путь к главной задаче искусства, каковой является человеческое тело, и, обращая внимание только на нее, оставляя в стороне игру красок..."

2) "Он всех побеждал своей приветливостью и искусством, но больше всего гением своей натуры..."

3) "Дарование его было так велико, что при создании любых трудных предметов, к которым обращалась его пытливость, он легко и совершенно находил решения... Он ежедневно делал модели и чертежи..."

а) Рафаэль;

б) Леонардо да Винчи;

в) Микеланджело.


  1. Чем отличаются картины итальянских мастеров и художников Северного Возрождения?

а) они практически неразличимы по технике исполнения и жанровым особенностям;

б) у итальянских мастеров четко прослеживается центр картины, у художников Северного Возрождения центр везде и нигде;

в) у итальянских мастеров больше картин на религиозные темы, у художников Северного Возрождения — на бытовые темы;

г) у итальянских мастеров в центре внимания — человек, у художников Северного Возрождения — природа.


  1. Как называются полотна Тициана на мифологические темы? 


Контрольный урок – май


1. Кто их византийский иконописцев работал на Руси?

А) Прохор с Городца.

Б) Феофан Грек.

В) Андрей Рублев.


2. Какая византийская икона является самой почитаемой святыней на Руси?

А) Владимирская икона Богоматери.

Б) икона Христа Пантократора 1363 г.

В) икона Святого Дмитрия Солунского.


3. Как переводится слово «икона»?

А) «доска».

Б) «образ».

В) «вседержитель».


4. Каковы черты искусства Андрея Рублева?

А) обилие темного цвета, экспрессивность.

Б) гармоничный рисунок, мягкий и светлый колорит, созерцательность.

В) удлиненные пропорции, светлый праздничный колорит.


5. Для какого собора была написана «Троица» Андрея Рублева?

А) для Троицкого собора Троице-Сергиевой лавры.

Б) для Успенского собора Московского Кремля.

В) для Святой Софии в Вологде


6. Какая из икон Богоматери принадлежит кисти Феофана Грека?

А) Донская икона Богоматери.

Б) Владимирская икона Богоматери.

В) Смоленская икона Богоматери.


7. Какая страна оказала главное влияние на искусство Руси?

А) Византийская империя

Б) Сербия

В) Болгария


8. Назовите год крещения Руси?

А) 1037 г.

Б) 988 г.

В) 1204 г.


9. Как переводится слово «икона»?

 

10. Где лежат истоки русской музыкальной культуры?

     а) в Византийской музыке;

     б) в киевских традициях;

     В) в языческих традициях славян.

 

11. Как по другому называют знаменный распев?

        а) крюковым;

         б) знаковым;

         в) распевным.

12. Какой музыкальный инструмент является основным в музыкальном искусстве Древней Руси?

13. Кому посвящена данная икона?

 

14. В каком веке появился в музыкальной культуре колокольный звон?

         А) в X веке;

         Б) в XI веке;

         В) в XII веке.

15. Сопоставьте архитектурный облик Софийских соборов в Константинополе, Киеве и Новгороде?


  1. ____________________ - итальянский скульптор эпохи Возрождения, основоположник индивидуализированного скульптурного портрета, придерживался реалистических принципов, иногда кажется, что он нарочно отыскивал некрасивые стороны природы.

  2. ____________________— великий итальянский художник (живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, естествоиспытатель), изобретатель, писатель, один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, яркий пример «универсального человека» (лат. homo universalis).

  3. ____________________— итальянский живописец эпохи Возрождения. Его имя стоит в одном ряду с такими художниками Возрождения, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль. Писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья. Ему не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции.

  4. ___________________ — фламандский живописец раннего Возрождения, мастер портрета, автор более 100 композиций на религиозные сюжеты, один из первых художников, освоивших технику живописи масляными красками.


  1. Вспомните название и автора работы:


hello_html_m63b4b67d hello_html_m422b27c8 hello_html_m538e75ba


hello_html_m5db6d674 hello_html_m245e56a0 hello_html_208948a7


hello_html_m2c92bd1 hello_html_ma2b9624  hello_html_3981543b hello_html_m7689862a


Автор
Дата добавления 24.09.2015
Раздел ИЗО, МХК
Подраздел Другие методич. материалы
Просмотров1892
Номер материала ДВ-007889
Получить свидетельство о публикации

Похожие материалы

Включите уведомления прямо сейчас и мы сразу сообщим Вам о важных новостях. Не волнуйтесь, мы будем отправлять только самое главное.
Специальное предложение
Вверх