Добавить материал и получить бесплатное свидетельство о публикации в СМИ
Эл. №ФС77-60625 от 20.01.2015
Свидетельство о публикации

Автоматическая выдача свидетельства о публикации в официальном СМИ сразу после добавления материала на сайт - Бесплатно

Добавить свой материал

За каждый опубликованный материал Вы получите бесплатное свидетельство о публикации от проекта «Инфоурок»

(Свидетельство о регистрации СМИ: Эл №ФС77-60625 от 20.01.2015)

Инфоурок / ИЗО, МХК / Рабочие программы / Учебное пособие по МХК 10 класс
ВНИМАНИЮ ВСЕХ УЧИТЕЛЕЙ: согласно Федеральному закону № 313-ФЗ все педагоги должны пройти обучение навыкам оказания первой помощи.

Дистанционный курс "Оказание первой помощи детям и взрослым" от проекта "Инфоурок" даёт Вам возможность привести свои знания в соответствие с требованиями закона и получить удостоверение о повышении квалификации установленного образца (180 часов). Начало обучения новой группы: 28 июня.

Подать заявку на курс
  • ИЗО, МХК

Учебное пособие по МХК 10 класс

библиотека
материалов










Учебное пособие по МХК



10 класс


Культура 19 века

От реализма до модернизма.





Бондаренко А.Б.






















Пояснительная записка


Занятия по МХК в 10 классе охватывают период от классического реализма начала 19 века до модернизма начала 20 века. В основном 19-й – это век развития реалистического искусства.

Реализм имеет разные оттенки: критический реализм, классический реализм, натурализм, модернизм.

Цель курса – ознакомиться с культурой, которая предшествовала культуре 20 века, понять эстетическую базу, на которой сформировалось современное искусство.



Введение


Страны Западной Европы, России, США стали светскими государствами, где бурно развивались капиталистические отношения, углубляющие разрыв между богатыми и бедными, но вместе с этим развивались промышленность и образование. Массовая печать, создавала почву для развития в литературе подлинных реалистических событий, экономических и социальных потрясений. Появляются литературные журналы, кружки, где обсуждаются проблемы философского, политического, социального и нравственного характера. В России наряду с литературными кружками появляются общества, имеющие просветительский характер: художников - передвижников и Могучая кучка – в музыкальном искусстве.

Отличительной чертой всего 19 века является бурное развитие литературы во всех странах Западной Европы, России, Америки. Если в 18 веке культура воспринималась через призму театра, то культура 19 века насыщена и пронизана литературой. Она хорошо прочитывается в живописных, музыкальных, театральных жанрах. Почему в 19 веке был большой взлет литературы? Все логично: ему предшествовала эпоха Просвещения, – мода на образованность.

В эпоху Просвещения в литературе герои романов были типажными и носили обобщенный характер: если слуга, то плут, если дворянин, то будет обманут, если король, то почти бог, они угадывались в пьесах по первой произнесенной фразе.

Сентиментализм проблемы общественной жизни и социальном неравенстве, затрагивал через сюжеты о любви.

Романтизм практически отказался от реальности, выдвигая на первый план историзм, мистику и одиночество интеллектуала, непонятого обществом.

Слово реализм в переводе с латинского языка означает действительность, отображение реальных событий посредством литературы и искусства.

Одной из эстетических задач реализма являлась борьба с классицизмом и романтизмом, уход от «типажного» Просвещения, «мистического» и «возвышенного» Романтизма. Эстетикой 19 века становится реалистическое изображение в литературе, живописи и музыке действительного положения общества.

Что же из предыдущих веков, легло в основу развития реалистического искусства 19-го века?

Типажи Мольера и Фонвизина дали впоследствии почву для развития реализма в литературе. Живопись и графические листы Хогарта и Гойи получили дальнейшее развитее реалистических направлений в изобразительном искусстве.

Индивидуализм романтиков способствовал выделению из общества человека – интеллектуала, который становится главной фигурой в литературе и живописи 19 века, основным носителем реальных взглядов на жизнь. Уже не король, а рядовой дворянин или петербургский студент становятся носителями правды.


1 Раздел.

Критический реализм

1.Русская философия. Западники и славянофилы.


В начале 19 века, Карамзин публикует «Историю Государства Российского». Успех истории был колоссальным. Русское общество бурно обсуждало историю, вклад России в мировой прогресс, мировую культуру. Одни считали, что Россия ничего не сделала для развития цивилизации, другие считали, что без России не могла бы существовать Европа. Произошел раскол интеллигенции за западников и славянофилов.

Западники утверждали, что Россия должна идти по пути, который проложил запад, потому что сама ни на что не способна.

Славянофилы утверждали, что у России уже есть свой, самобытный путь развития.

Самый рьяный сторонник западников был Чаадаев. Он пишет письмо, в котором Россия предстала дикой, варварской страной, и, если бы не ее большая территория, то о ней бы никто не знал.


Письмо Чаадаева (фрагменты):

«У нас …Сначала — дикое варварство, потом грубое невежество, затем свирепое и унизительное чужеземное владычество, дух которого позднее унаследовала наша национальная власть, — такова печальная история нашей юности. Этого периода бурной деятельности, кипучей игры духовных сил народных, у нас не было совсем. Эпоха нашей социальной жизни, соответствующая этому возрасту, была заполнена тусклым и мрачным существованием, лишенным силы и энергии, которое ничто не оживляло, кроме злодеяний, ничто не смягчало, кроме рабства. Ни пленительных воспоминаний, ни грациозных образов в памяти народа, ни мощных поучений в его предании. Окиньте взглядом все прожитые нами века, все занимаемое нами пространство, — вы не найдете ни одного привлекательного воспоминания, ни одного почтенного памятника, который властно говорил бы вам о прошлом, который воссоздавал бы его пред вами живо и картинно. Мы живем одним настоящим в самых тесных его пределах, без прошедшего и будущего, среди мертвого застоя...

Годы ранней юности, проведенные нами в тупой неподвижности, не оставили никакого следа в нашей душе. У нас нет ничего индивидуального, на что могла бы опереться наша мысль… Обособленные странной судьбой от всемирного движения человечества, мы также ничего не восприняли и из идей человеческого рода…

И вот я спрашиваю вас, где наши мудрецы, наши мыслители?  Кто когда-либо мыслил за нас, кто теперь за нас мыслит? А ведь, стоя между двумя главными частями мира, Востоком и Западом, упираясь одним локтем в Китай, другим в Германию, мы должны были бы соединить в себе оба великих начала духовной природы: воображение и рассудок, и совмещать в нашей цивилизации историю всего земного шара….

Исторический опыт для нас не существует; поколения и века протекли без пользы для нас. Глядя на нас, можно было бы сказать, что общий закон человечества отменен по отношению к нам…

Пусть поверхностная философия вопиет, сколько хочет, по поводу религиозных войн и костров, зажженных нетерпимостью, — мы можем только завидовать доле народов, создавших себе…целый мир идей, которого мы даже представить себе не можем, не говоря уже о том, чтобы перенестись в него телом и душой, как у нас об этом мечтают…»


Это письмо попало на стол императору Николаю I, он был, мягко говоря, удивлен высказываниями Чаадаева и дал указание врачам осмотреть состояние здоровья головы Чаадаева.

Возмущен был не только император. Письмо вызвало негодование и в высших кругах российского общества.

А.С. Пушкин не был ни западником, не славянофилом, но его так возмутило письмо Чаадаева, что он опубликовал ответное письмо, в котором гениально описал предназначение русского народа и его место в мировой истории.

Пушкин. Письмо Чаадаеву:

«Что касается мыслей, то вы знаете, что я далеко не во всем согласен с вами. Нет сомнения, что схизма (разделение церквей) отъединила нас от остальной Европы и что мы не принимали участия ни в одном из великих событий, которые ее потрясли, но у нас было свое особое предназначение. Это Россия, это ее необъятные пространства поглотили монгольское нашествие. Татары не посмели перейти наши западные границы и оставить нас в тылу. Они отошли к своим пустыням, и христианская цивилизация была спасена. Для достижения этой цели мы должны были вести совершенно особое существование, которое, оставив нас христианами, сделало нас, однако, совершенно чуждыми христианскому миру, так что нашим мученичеством энергичное развитие Европы было избавлено от всяких помех…

Наше духовенство, до Феофана, было достойно уважения, оно никогда не пятнало себя низостями папизма и, конечно,  никогда не вызвало бы реформации в тот момент, когда человечество больше всего нуждалось в единстве. Согласен, что нынешнее наше духовенство отстало. Хотите знать причину? Оно носит бороду, вот и все. Оно не принадлежит к хорошему обществу. Что же касается нашей исторической ничтожности, то я решительно не могу с вами согласиться. Войны Олега и Святослава и даже удельные усобицы - разве это не та жизнь, полная кипучего брожения и пылкой и бесцельной деятельности, которой отличается юность всех народов? Татарское нашествие - печальное и великое зрелище. Пробуждение России, развитие ее могущества, ее движение к единству (к русскому единству, разумеется) оба Ивана, величественная драма, начавшаяся в Угличе и закончившаяся в Ипатьевском монастыре, - как, неужели все это не история, а лишь бледный и полузабытый сон? А Петр Великий, который один есть целая всемирная история! А Екатерина II, которая поставила Россию на пороге Европы? А Александр, который привел вас в Париж? И (положа руку на сердце) разве не находите вы чего-то значительного в теперешнем положении России, чего-то такого, что поразит будущего историка? Думаете ли вы, что он поставит нас вне Европы? Хотя лично я сердечно привязан к государю, я далеко не восторгаюсь всем, что вижу вокруг себя; как литератора - меня раздражает, как человек с предрассудками - я оскорблен, - но клянусь честью, что, ни за что на свете я не хотел бы переменить отечество, или иметь другую историю, кроме истории наших предков, такой, какой нам Бог ее дал…»

Вопросы:

  1. Что утверждали западники, что утверждали славянофилы?

  2. Есть ли место чувству патриотизма у Чаадаева, если есть, то в какой мере?

  3. Прочитав письмо Пушкина, объясните, как он понимал патриотизм?

  4. Что вы можете сказать о патриотизме в современной России?

  5. Найдите разницу между национализмом и патриотизмом.

2.Критический реализм в русской литературе

Рост капиталистических отношений в России, оказал влияние на культуру и прежде всего на литературу. К началу 19 века выделяется особый класс помещиков, который в своей массе был позором для русского государства. Чудовищный разрыв между богатыми и бедными, вызывает у последних инстинкт самосохранения и здесь уже нет места высокой духовности. Человеческую душу уродуют деньги, находятся ли они у помещика в достатке или статского служащего, живущего в большой нужде. Бездна в социальном неравенстве волновала передовую интеллигенцию России. Перед произволом набирающего обороты капитализма, маленький человек – чиновник средней руки оставался беззащитным, нищим, бесправным «затравленным зверьком». Тема маленького человека была и до Гоголя в повестях Пушкина. Два великих гения русской словесности, одни из первых осознали и изобразили в литературе драматизм социального неравенства в России.

Александр Сергеевич Пушкин в 1830 году пишет повести покойного Ивана Петровича Белкина, куда вошли «Выстрел», «Метель», «Гробовщик». «Барышня – крестьянка» и одна из них – «Станционный смотритель».

«Что такое станционный смотритель? Сущий мученик четырнадцатого класса, огражденный своим чином токмо от побоев, и то не всегда…. Какова должность сего диктатора, как его шутливо называет князь Вяземский? Не настоящая ли каторга? Покою нет ни днем ни ночью. Погода несносная, дорога скверная, ямщик упрямый. Лошади не везут – а виноват смотритель…. В дождь и слякоть принужден он бегать по дворам; в бурю, в крещенский мороз уходит он в сени, чтоб только на минуту отдохнуть от крика и толчков раздраженного постояльца…».

Имя и личность этого несчастного человека сливаются с его рабской должностью; поэтому Белкин ни разу не называет его собственного имени, разве что, старик. Читатель может только догадываться по отчеству его дочери – Авдотьи Самсоновны, что зовут его Самсон.

В повести Белкин рассказывает о главной трагедии станционного смотрителя: у него увезли дочь без всякого на то отцовского разрешения. Он находит её случайно у гусара Минского. Старик вошел в открытую дверь, увидел разодетую по последней моде свою Дуняшу, но та, испугавшись отца, упала в обморок, Минский его грубо выставил. У старика отняли сокровище, которое он с такой любовью воспитывал, мечтал хотя бы о малом вознаграждении от мужа за свою дочь – уважении, но его отшвырнули, как уличную собачонку. Он не знал, как живет его Дуняша; он был «отрезан» от ее существования, так и умер.

Пушкин показал маленького человека, лишенного человеческого достоинства, даже в личной жизни. Он не человек, он – должность.

Николай Васильевич Гоголь в 1842 году пишет «Петербургские повести», куда вошла повесть «Шинель». Гоголь в «Шинели» раскрыл образ «маленького человека», униженного и оскорбленного. Его герой Акакий Акакиевич не однозначен, он настолько загадочен, что трудно сказать: положительный или отрицательный. Точно про него известно, что он – маленький. Не добрый и не злой, не умный и не благородный, самый, что ни на есть рядовой представитель человечества.

Акакий Акакиевич Башмачкин был рядовым чиновником, старательно работал. Его шинель, в которой он ходил на службу, износилась, обветшала. Он мечтал купить новую шинель. Его мечта превратилась в навязчивую идею, что если бы у него была новая шинель, он был бы безмерно счастлив. Скопив деньги, он покупает шинель. Теперь Акакий Акакиевич счастлив, он с гордостью идет на работу, коллеги хвалят обновку, восхищаются покроем и тканью… Но однажды, уличные хулиганы сняли с него шинель. Его жалобы не услышаны в полиции. Свое горе Башмачкин воспринимает, как горе « вселенского значения». Его не хотят выслушать, потому что он не по форме обращается к официальным лицам. В беспамятстве, Акакий Акакиевич бежит домой, у него начинается горячка, и он умирает. Его бездыханное тело обнаружили на четвертый день.

Повесть «Шинель» оказалась знаковой для русской литературы. Гоголю удалось изобразить эталон «маленького человека» - «не злого и не доброго», а просто маленького. Русские писатели в «Шинели» находили и развивали свои литературные образы маленького человека. Так «Шинель» Гоголя в русской литературе «увеличивалась в размерах». Из безмерно широкой гоголевской «Шинели» вышли не только униженные и оскорбленные герои Достоевского, галерея крестьян Некрасова, обломовщина Гончарова, вылез из нее и «подлец Чичиков».

За вдохновением Гоголь отправился в Италию. Из Европы он озирал Россию как целое. Здесь он приступил к поэме «Мертвые души». Писатель представил целую галерею типов помещиков. Главный герой Чичиков, как вам известно, скупает у помещиков мертвые души, но автор акцентирует внимание на раскрытии типажей помещиков. Если внимательно проанализировать, то может статься, что мертвые души – это и есть помещичьи души, которые настолько недалекие и ограниченные, у которых настолько мал их жизненный интерес, что их можно назвать мертвыми. Торгуясь с Чичиковым за мертвые души своих крестьян, они говорят о них, как о живых. Действительно, умершие крестьяне оживают в устах помещиков. Гоголевские типажи – это в духовном отношении те же маленькие люди, доведенные Гоголем до эпического антигероя.

Константин Аксаков, сказал: «Гоголь – Гомер». «Мертвые души» - это русская «Одиссея», где перед читателем встают сказочные персонажи: Коробочки, Маниловы, Собакевичи, Плюшкины…, в которых угадываются Баба-Яга, Кощей Бессмертный … и шут гороховый.

«Мертвые души» Гоголь отнес к жанру поэмы не случайно, это одиссея маленького человека Чичикова, кочующего по типажам сказочно-былинного русского фольклора. А кто здесь Чичиков? Слишком мелок для Одиссея. Это – маленький человек, желающий дешево разбогатеть, как любой аферист. Гоголь ему дает потрясающе обобщенную, как и Башмачкину, характеристику: Географическая точка – город NN, в ней – самый заурядный человек «Ни слишком толст, ни слишком тонок; нельзя сказать, чтобы стар, однако ж и не так, чтобы слишком молод». Чичиков – абстракция, инструмент для исследования того материала, с которым он столкнется на страницах поэмы.

Чичиков на страницах «Мертвых душ», сталкивается со сказочными героями, которые, ничем общественно полезным не занимаются, они, как им и положено, издревле существуют. Единственный, кто хоть что-то делает в поэме – это сам Чичиков. Чичиков, он же Башмачкин, который мечтает о новой шинели, а купив, ее лишается. Герой «мертвых душ» не лучше: он пытается собрать с каждого помещика по нитке, чтобы сшить себе ту же шинель. Главная черта Чичикова – ограниченность. И карьеру он строит, из скучных кирпичиков – бережливости и усердия. Мечты его приземисты и ничтожны: «Ему мерещились впереди жизнь во всех довольствах, со всеми достатками; экипаж, дом, отлично устроенный, вкусные обеды». Это всего лишь шинель Башмачкина, увеличенная в размерах.

На русской почве критический реализм раскрылся ярко и самобытно. Гоголь пишет «Мертвые души» и «Ревизора» без единого положительного героя. В мировой литературе, пожалуй, нет этому аналогов. Он отказался от противопоставления положительных и отрицательных героев, как того требует классическая литература, и этим опередил свое время.

Вопросы:

  1. Кто такой маленький человек?

  2. Какие чувства вызывает у вас станционный смотритель и Башмачкин?

  3. Существуют ли «маленькие люди» в наше время?

  4. В чем Чичиков похож на Башмачкина?



  1. Критический реализм в русской живописи


Павел Федотов (1815 – 1852г.г.)



Павел Федотов является родоначальником и, пожалуй, единственным представителем критического направления в русской живописи. он закончил кадетский корпус в Москве. Но тяга к рисованию оказалась сильнее. Через 10 лет службы он подает в отставку и занимается живописью.

Вhello_html_f03ddd7.jpg Западной Европе бытовой жанр уже давно получил широкое распространение. В России, кроме Шибанова и Венецианова, пожалуй, никто из художников не пытался работать в этом жанре. В 19 веке, благодаря Федотову, появляется новое направление в искусстве – критический реализм, который оказался родным российскому менталитету. Смеяться над собой, иронизировать характерно для нашего самосознания. Павел Федотов первый не только уловил эти качества человеческой души, но и сумел их выразить в живописи. Его творчество оставило после себя целую плеяду русских художников, которые стали развивать тему бытового жанра в русском искусстве.

Классическое академическое искусство в русской живописи длилось весь 18 век, захватив начало 19 века. Это сказалось и на живописи критического реализма. Если посмотреть на картины Федотова быстрым взглядом, то первое, что обобщает его творчество – это классическое построение композиции, театральность, только герои одеты уже не в римские одежды и не демонстрируют героику, – они современны, находятся не на театральной сцене, а в домашнем интерьере, который, все же, напоминает сцену. Просматривается классицизм в картине «Свежий кавалер», только Федотов заменил пафос героизма на пафос тщеславия.

Фhello_html_m171614e.jpgедотову удалось то, что не удавалось художникам предшествующих поколений и его современникам, – глубины постижения повседневной жизни, ее драматургической сути, ее социальных конфликтов,– именно это лежит в основе его творчества. Критический реализм на русской почве – смех сквозь слезы, трагедия, вывернутая наизнанку, и художник сумел это выразить: лень, паразитический образ жизни помещиков, снобизм, тщеславие, желание устроить свою жизнь, не прикладывая к этому усилий. В Картине «Разборчивая невеста», художник показал семью обедневших помещиков, которые рады улучшить свое положение любой ценой. Этому рада даже невеста: она улыбается своему будущему горбатому богатому мужу.

Картины его – яркое проявление пороков русского общества.

В работе над композицией, Федотов заботится о перспективе, тщательно прорабатывает детали интерьеров, которые, кстати, очень много могут поведать об их обитателях.

Картины Федотова литературны, но не театральны. Художник как бы предлагает сюжет для рассказа и предлагает зрителю выразить его картину в литературном жанре.

Оhello_html_3283ad56.jpg сюжете картины «Сватовство майора» мы можем составить рассказ о неравном браке, где молодая невеста делает вид, что убегает от старого жениха, но на самом деле она рада, что избавится от родительской опеки. Она будет жить богато, и наставлять рога своему будущему мужу. В этой многофигурной композиции можно рассказать и о матери невесты, и о свахе, и о женихе. Каждый из этих персонажей что-то имеет от свадебной сделки: сваха – деньги, родители – обеспеченность дочери, жених – престиж в обществе, у него молодая жена – красавица.


Тарас Шевченко (1814 – 1861г.г.)

hello_html_m3ebb9976.jpg

В 19 веке Украина входила в состав российской империи. Тарас Шевченко – великий украинский писатель и художник, в литературе известны его сборники стихов «Кобзарь», «Гайдамаки». В юности способный к рисованию Тарас был выкуплен из крепостных и отправлен на учебу в Петербургскую Академию художеств. Он учился в мастерской Карла Брюллова. Впоследствии, зная жизнь крестьян, Шевченко стал руководителем национального движения и как следствие – был разжалован в солдаты и сослан в ссылку, как бунтарь.

Тарас Григорьевич видел жизнь подневольных солдат и создал свою самую знаменитую графическую серию «Притча о блудном сыне», где показал с документальной точностью все издевательства над солдатами. Он первый осмелился раскрыть армейские нравы, вынести на суд общественного мнения.

Как живописец он воспевает украинские села и их жителей. Художник не забывал, откуда он родом и говорил: «Пусть я буду мужицкий поэт…., а больше мне ничего не надо».





Вопросы:

  1. Расскажите о картинах Федотова « Завтрак аристократа», «Игроки», «Свежий кавалер». Какие слои общества высмеивает художник? Какие человеческие пороки вы находите в героях его полотен?

  2. Какая работа Хогарта напоминает вам композицию Федотова «Сватовство Майора»?

  3. По графическим листам Тараса Шевченко расскажите о жизни солдат в русской армии времен Николая I


  1. Русская опера первой половины 19 века.


Александр Сергеевич Даргомыжский (1813 – 1869г.г.)

Деятельность композитора приходится на сложный период в истории России – от этапа освободительного движения к разночинцам. В области искусства это время нашло свое отражение в демократизации художественно-культурной жизни страны. Этот «гоголевский период» обличительного направления можно назвать социально – критическим. Именно тогда утверждался критический реализм в литературе и живописи. Связь Даргомыжского с новыми явлениями в культуре делает фигуру композитора примечательной в русской музыке. Творчество Даргомыжского состоит из двух начал: первое – он единственный наследник классического направления в русском оперном искусстве, его учитель – Михаил Глинка, второе – он носитель новых демократических веяний общественной мысли.

В 40-х годах Даргомыжский находит свой путь в музыкальном искусстве. Он становится одним из представителей критического реализма, который литераторы и назвали «гоголевским период».

В зрелых произведениях Даргомыжского присутствует социальная тематика. В опере «Русалка», в песнях и романсах, появляются представители низших слоев общества – крестьяне, солдаты, бедные чиновники. В передаче бытовых сцен, обрисовке характеров звучат нотки гражданственности, обличения мещанства, например, в песнях «Червяк», «Мельник». Тем самым его творчество составляет параллель с литературой Гоголя, живописью Федотова, нравственно-критическими сценами графики Агина (иллюстрации к «Мертвым душам»).

Даргомыжского привлекало воплощение в музыке характеров, передача музыкальных портретов, эмоциональных состояний. Своеобразную сторону музыкального психологизма составляет сфера комического. В романсах и песнях предстает целая галерея его «музыкальных портретов», они будто выхвачены из современной жизни. Для создания своих мелодий он брал вдохновение не от народной песни, как Глинка, а от городского романса. В опере «Русалка» по произведению Пушкина, его арии ведут свое происхождение от романсов. В музыкальном лексиконе появилось словосочетание разно-романсовый мелодический тип. Новаторство Даргомыжского нашло продолжателей у более молодого поколения русских композиторов: Мусоргского, Чайковского, Римского-Корсакова.

Будучи зрелым композитором, Даргомыжский отправляется в Париж. Ко многому увиденному и услышанному там, в европейском музыкальном мире, он относится критически. Здесь он испытал прилив чувства патриотизма. В письме другу он пишет: «…шестимесячного путешествия для тебя довольно будет, чтоб убедиться, что нет в мире народа лучше русского, и что ежели, существует в Европе элементы поэзии, то это в России».

Действительно, русская опера была на высоте относительно европейской. Европе чужды эпические темы, исторические драмы, которые разворачивались в опере Глинки «Иван Сусанин». Если европейская опера раскрывает социальные темы через любовные отношения, то на русской сцене, в присутствии императора, на подмостки выходит толпа мужиков в лаптях… И здесь уже не до любовных интриг, здесь - вся Россия! Это ли не смелость русского оперного искусства?

«Поэт в России больше чем поэт». Эти строки относятся не только к русской литературе, но и к русской живописи и русской музыке.

Творческое наследие.

Даргомыжский написал две оперы по произведениям Пушкина: «Русалка» и «Каменный гость». Все остальное творчества он посвятил развитию народной песни, романсам на стихи Пушкина и Лермонтова. Он развивает хоровой и а капельный жанр, увлекается созданием камерных вокальных ансамблей (дуэты, трио, квартеты). Среди них можно встретить элегию «Минувших дней очарованье», «Скажи, что так задумчив ты».

С середины 40 годов. Даргомыжский устраивает музыкальные вечера, где показывал вокальную музыку – сольную, ансамблевую, хоровую, а капельную. Основой служили вокальные ансамбли и хоровые сочинения – так называемые «Петербургские серенады». Исполнялись такие песни, как «Из страны, страны далекой»; баллады, например, «Ворон к ворону летит»… (баллада – это эпическое произведение исторического, мифологического содержания или заимствованы из фольклора). Композитором были написаны и крупные ансамблевые произведения на слова Пушкина «Что смолкнул, веселия глас?» и «Буря мглою небо кроет».

Произведения композитора Даргомыжского завоевывают прочное место в программе симфонических и камерных концертов. В 1865 году он выступал с концертами в Брюсселе, которые имели большой успех.

Творчество Глинки и Даргомыжского,– первых классиков русской национальной композиторской школы, стало блестящим рассветом русского музыкального искусства 19 века. Их бессмертные творения остаются высокими образцами национальной и мировой музыкальной культуры.

Вопросы:

  1. В какой социальной среде формировалось творчество Даргомыжского?

  2. В чем новаторство Даргомыжского?

  3. Почем у композитора по- настоящему раскрылось чувство патриотизма за границей?

  4. В чем выражается критический реализм у Даргомыжского?

  5. Какие произведения композитора вы знаете?




2 раздел

Классический реализм


5.Английская литература.


В 19 веке Англия была самой передовой страной Западной Европы. Развитой капитализм, крепкое государственное правление, деловитость общества не давали широкого распространения идеям романтизма. Реализм в Англии формировался не через романтизм, а непосредственно стал преемником просветительского реализма. Достаточно вспомнить Даниэля Дефо и Джонатана Свифта.

Джейн Остен (1774 – 1817г.г.) - первая леди английской литературы. Роман «Гордость и предубеждение» написан в период расцвета романтизма в Западной Европе. Остен своим творчеством явила образец нового реалистического романа.

В творчестве писательницы не было панорамы общества, богатства и бедности, случайных встреч и роковых совпадений, что было присуще романтизму. Джейн Остен волновали не столько социальные катаклизмы, сколько жизнь ее современников. Герои ее романов – мужчины и женщины, лишены романтической таинственной загадочности. Но, как и в романах других писателей, ее персонажей волновали те же эмоциональные переживания.

Джейн Остен смотрела на жизнь своих героев пристально и иронично.

В романе «Гордость и предубеждение», девушка Элизабет и мистер Дарси изначально по складу характера не склонны чрезмерно выражать эмоции. Они сдержаны, горды, умны, ироничны. Для литературы начала 19 века эти образы были довольно смелыми.

Творчество Джейн Остен оказало большое влияние на формирование реалистической английской литературы.

Процесс становления реалистической литературы в Англии в 19 веке можно разделить на 4 этапа:

  1. Драматургический метод и глубокий психоанализ, связанный с творчеством Джейн Остен;

  2. Историзм. В развитие этого жанра большой вклад сделал английский писатель Вальтер Скотт. Он включил историзм в английский роман, открыл связь человека с историей. Писатель вывел историческую личность в плоскость фона, а вымышленных героев сделал творцами, движущей силой эпохи. К примеру, в романе «Айвенго» изображены исторические события 12 века в Шотландии. Но повествует об этом на примере вымышленных героев.

  3. Социально выраженное критическое отношение к издержкам капитализма. К таким писателям относятся Шарлотта Бронте, Уильям Теккерей.

  4. Традиция Шекспира. Юмор, основанный на любви и сострадании, смешение классического и трагического, интерес к личности.


Чартизм


Англия – первая капиталистическая страна в Европе, где идеологические и политические противоречия чувствуются особенно остро. В 1830 году политическое движение, боровшееся за народно-демократические принципы в Англии, получившего название чартизм,– движение просуществовало 20 лет. Это отразилось на литературе: появились жанры чартистской литературы такие, как памфлет, критические статьи, романы. Чартизм внес большой вклад в формирование реалистической литературы новых эстетических взглядов. Тогда же впервые на английский язык был переведен А.С.Пушкин.

Шарлотта Бронте

Отблеск чартизма лежит и в романах Шарлотты Бронте. Реализм вступил в новую для него стадию развития – в сферу чувств.

Центральный роман Бронте – «Джен Эйр». Героиня расстается с женихом Рочестером прямо из-под венца, когда узнает, что у него душевнобольная жена. Блуждая по стране, Джен случайно без чувств падает на порог дома Риверса, который оказывается ее родственником. В сюжете явно сказывается влияние романтизма. Однако «Джейн Эйр» – это глубоко психологический роман о человеческой душе.

Романтизм Бронте отказывается от ярких красок классических романтиков, где присутствуют яркие по контрасту образы. Ей больше свойственны тусклые, пастозные, мрачные краски. Ее женщины некрасивы, но красивы их души.

У Виктора Гюго в «Соборе Парижской Богоматери», романтические герои контрастно положительны или отрицательны, в них нет роста, переоценки ценностей. У героев Бронте прослеживается внутренняя динамика, изменение душевных качеств человека.

Реалистический образ вырастал из романтизма, поэтому ему тоже свойственны такие чувства, как любовь и страсть. На страницах романа «Джен Эйр» герои воспринимаются убедительно: смело раскрывается психология чувств; во взаимоотношениях Джен и Рочестера есть дух независимости, что было довольно смелым для женщины, не зря Бронте взяла мужской псевдоним Керел Белл. Она затронула вопросы равноправия мужчины и женщины.

Объяснение Джен в любви принимает характер смелой декламации о равноправии: «…или вы думаете, что я автомат, бесчувственная машина? У меня такая же душа, как у Вас, такое же сердце… Я говорю с Вами сейчас, презрев обычаи и условности, и даже презрев все земное…».

Узнав, что ее возлюбленный женат на умалишенной больной женщине, Джен решает разорвать с ним отношения. Рочестер уговаривает ее остаться, уехать с ним в Италию, где никто не будет знать о его беде. Джен не принимает его предложения и уходит. Она предпочла жить на улице в нищете без хлеба и гроша. Джен Эйр – гордая, чистая натура; мысль о том, что всю жизнь ей придется лгать, быть вдалеке от родины, зависеть от прихоти деспотичного человека, невыносима для нее.

Необычайный успех романа объясняется той смелостью, с которой писательница рисует чувство любви; даже передовые писатели мужчины не решались на такое изображение.

У Рочестера это страсть, сметающая все преграды, У Джен – страсть, вступившая в борьбу с чувством долга.

Сюжет романа еще связан с романтической традицией: замок Рочестера, скрывающий страшную тайну, внезапные появления ужасной женщины – жены Рочестера, случайные совпадения и т.д.

Но писательница остается реалисткой в самом главном – в правдивом изображении социальной среды, социальных отношений и человеческих характеров.

К Шарлотте Бронте слава пришла при жизни. К ней приезжали поклонники ее таланта, чтобы познакомиться и выразить ей свое почтение. После смерти ее дом стал музеем.

Уильям Теккерей (1811 – 1863г.г.)

Родоначальник сатирического и критического направления в английской литературе, основоположник реализма с элементами гротеска. Писатель считал, что личность – общественная единица, а скептицизм – основа сатиры. Теккерей сатирик, обладающий собственной эстетикой, наделенный уникальной способностью видеть слабости человеческой природы.

«Книга снобов», его сатирическое произведение, занимает особое место в его творчестве. Сноб – это тот, кто смотрит сверху на нижестоящих и пресмыкается перед теми, кто выше его по рангу.

«Ярмарка тщеславия» – шедевр Теккерея. В романе писатель избегает гиперболизации (преувеличения) в характеристике героя. Его герои – не отъявленные злодеи и не идеальные герои.

Задача романа – воспроизвести ощущение правды. Понять, какие причины заставляют человека совершать те или иные поступки, кто дергает человека - куклу за ниточку и понуждает ее к действию? Поэтому роман начинается, как в кукольном театре. Теккерей – кукольник. Открывая роман «перед занавесом» он говорит о бренности человеческого существования: жизнь – не более, чем кукольный спектакль, разыгранный на ярмарке тщеславия. Тщеславие – это прославление пустого и ненужного. Теккерей в романе описывает двух подруг – Беки и Эмели, которые после окончания пансиона пытаются стать богатыми дамами, выйти в большой свет через удачное замужество, а для этого все средства хороши. Писатель раскрывает психологию пороков – эгоизм, обман, предательство близких и преданных людей, зависть и измена.

Роман заканчивается таким же, как в прологе, ироничным эпилогом: «Ах, суета сует! Кто из нас счастлив в этом мире? Кто из нас получает то, чего жаждет его сердце, а получив, не жаждет большего?.. Давайте, дети, сложим кукол и закроем ящик, ибо наше представление окончено».

Подзаголовок «Ярмарки тщеславия» гласит: роман без героя. Этим Теккерей хотел сказать, что не считает героями своих марионеток.

Теккерей – признанный мастер литературы 19 века – по праву занял достойное место в «блестящей плеяде» английских романистов.


Чарльз Диккенс (1812 – 1870г.г.)


Самый крупный писатель из английских романистов, написал 19 романов. Диккенс – первый писатель - урбанист, который затронул жизнь лондонских трущоб.

Большинство его романов раскрывают жизнь детей, которые оказались в бедных кварталах Лондона, где процветало воровство, пьянство, мошенничество. Он любил детей, детские образы в его романах получались живыми и убедительными.

Роман «Приключения Оливера Твиста» – глубоко печальная книга. Маленький Оливер в10 лет был отдан в ученики гробовщику. Он попадает в Лондон в воровской притон, где из него готовят преступника.

Диккенса возмущали и отталкивали книги, в которых этот мир рисовался в приукрашенном, романтическом виде. Ему хотелось показать читателям, особенно молодежи, что этот мир – жалок и отвратителен, начисто лишен романтики, и ему это удалось.

В воровском притоне Оливер знакомится с жестоким грабителем Сайксом, с содержателем притона омерзительным Феджином, с воровкой Ненси. С десяти лет Феджин посылал ее на улицу «зарабатывать» деньги. У нее еще оставался лучик добра: ей жаль маленького Оливера. Ненси предупреждает его о готовящемся покушении, за это ее убивают. Гибель Сайса во время полицейской облавы, гибель Феджина на виселице, их душевные муки перед смертью – закономерный конец их недостойной жизни.

Оливер оказался не способным на плохие дела, тем более на воровство. Попав в семью доброго мистера Браунлоу, мальчик остается там жить. Ему сумели привить не только хорошие манеры, высокую честность.

Роман « Приключения Оливера Твиста» перекликается со сказками, поэтому и заканчивается счастливо. В сюжете чувствуется связь с Андерсеном, Братьями Гримм, Шарлем Перро: маленький мальчик попадает к злому волшебнику, в данном случае, к Феджину, его спасает добрая фея Ненси, наконец, сказочный герой возвращается в родной дом,– Оливер обретает родной дом с хорошими и добрыми родителями.


Курьезы из жизни писателей.


Шарлотта Бронте роман «Джен Эйр» посвятила Теккерею, которого никогда не видела, но была горячей поклонницей его творчества. Читатели образ Рочестера стали воспринимать как литературный портрет Теккерея: у него, как и у Рочестера, душевнобольная жена; находили сходство даже в портретном описании Рочестера и Теккерея. Нелепые слухи дошли до Шарлотты, и это привело ее в ужас: она и понятия не имела о внешности и семейном положении Теккерея. В 1849 году Шарлотта представилась Теккерею и просила извинения, но Теккерей сам отнесся к светским сплетням с присущим ему юмором.

Диккенс написал сатирический роман «Записки Пиквикского клуба» и дал объявление на иллюстрирование своего произведения. Теккерей был еще и карикатуристом. Он выслал Диккенсу свои рисунки, но тот их отверг. Впоследствии два великих английских писателя стали добрыми приятелями.

У приехавшего в Париж Диккенса украли часы. Диккенс очень расстроился, а когда вечером вернулся в отель, обнаружил свои часы и записку: «Сэр, мне трудно рассчитывать на вашу снисходительность, прошу у вас прощения. Убедившись в своей ошибке, я спешу исправить ее, а так же прошу принять мои искренние заверения в признательности и уважении к Вам, как к автору « Приключений Оливера Твиста» и считать меня, сэр, своим преданным слугой. Карманный вор».

Вопросы:

1. Объясните различие между романтической и реалистической литературой

2. Почему литература 19 века была связана с материалистическим мировоззрением?

3. Найдите общие черты стиля «критический реализм» в творчестве европейских писателей.



Задание на дом: найдите в библиотеке или в интернете, биографические справки о Джейн Остен, Шарлотте Бронте, Теккерее, Чарльзе Диккенсе.


6.Живопись Франции середины 19 века


hello_html_m4c2da1ff.jpg Середина 19 века во Франции ознаменована нарастанием демократического и рабочего движения. Революционные потрясения 1830 года, 1840года, Парижская коммуна в 1871году совершили переворот не только в социальной сфере, но и во всех областях культурной жизни. В этот период создается теоретическая программа реализма, которая получила практическое применение в графике, живописи и скульптуре. Революционные события не оставили художников без внимания. В изобразительном искусстве Франции критиковались мещанские сценки, слащавые пейзажи, томные барышни. Революция оставила искусство без романтических иллюзий.

Домье. Художник работал в основном в графической технике. Он создал образ рабочего – героя, борца за свои классовые интересы.

Домье, будучи блестящим рисовальщиком, обращается к сатирическому портрету. Самая известная литография «Законодательное чрево»: министры и члены правительства сидят амфитеатром, уподобившись редкостной коллекции чудовищ. Портретное сходство обнаруживается в литографии «все мы, честные люди, обнимемся», где изображены видные политические деятели во главе с Луи Филиппом.

Вспомним графические листы «Капричос» Гойи, ведь он тоже карикатурно изображал социальную и политическую жизнь Испании, но он изображал пороки аллегорично, Домье показывает портреты носителей порока.

Оhello_html_27a8be6a.jpgтбрасывая все второстепенное, художник создает монументальный стиль в литографии. Лист «Улица Транснонен» - лаконичный обличительный документ, изображающий зверские расправы в рабочем квартале. На полу лежат трупы убитых во время сна всей семьи рабочего.

Домье изображает не только ужасы расправы, он один из первых в мировом искусстве показывает образ рабочего. В литографии «Руки прочь! Свободу печати», он изобразил рабочего - печатника, полного боевой энергии.

В образах своих героев он показывал не только жестокость своего времени, но и подлинную жизнь человека - труженика. В листе «Прачка» он монументально, мощным силуэтным пятном изображает женщину, несущую тяжелое белье и в то же время бережно держащую ребенка за руку. Художник использует свет для усиления эмоциональной насыщенности, помещая фигуру женщины в контражур, подчеркивая таким приемом монументальность образа.

Барбизонцы.

Иной характер носила живопись группы художников – барбизонцев.

Иhello_html_29ee910c.jpgзлюбленным местом для работы, художники выбрали деревушку Барбизон, близ Парижа. Там поселились художники Руссо и Милле, туда приезжали Дюпре, Добиньи, Тройон, Диаз. У всех художников была своя манера живописи, но их объединяла любовь к родной природе. По названию деревушки эту группу художников так и назвали: барбизонцы. Они изображали сельскую природу Франции и утвердили национальный реалистический пейзаж.

Теодор Руссо – глава барбизонцев. Его творчество отличается монументальностью. Он любил изображать устойчивость, материальность, подчеркивал осязаемость предметов.

Руссо любил изображать широкие просторы, опушки, любил яркий солнечный свет. В картине «Дубы», могучие деревья залиты полуденным солнцем.

Дюпре изображал драматизм состояния природы. Его увлекали изображение грозы, бури, пламенеющие закаты, как в картине «Вечер».

Добиньи нравились вытянутые по горизонтали просторы, нежные краски, размеренный ритм композиции, поэзию мирной жизни. («Деревня на берегу Уазы»).

Тройона увлекали пастушечьи темы. После посещения Голландии, его живопись изменилась. Он стал изображать стада домашних животных, пастухов на лошадях. Эффектно художник передавал туман раннего утра, утопающую в зелени деревеньку.

Полотна барбизонцев были в коллекции Тургенева.

Вhello_html_m5a3764b.jpg. В. Стасов в своей работе «Искусство XIX века» высоко оценил барбизонцев за то, что они не выдумывали, не «сочиняли более пейзажей, а творили с натуры, ничего не аранжировали, ничего не украшали и не подслащали, а передавали истинные формы природы, природы отечественной, французской, а вместе истинные свои собственные душевные впечатления».

Франсуа Милле (1814 – 1875г.)

Милле не входил в общество барбизонцев, хотя и работал с ними в одной деревне. Художник не только обращался к родной природе; главной темой своего творчества он выбрал изображение труда и жизни крестьян. Милле сам вышел из крестьянской семьи, знал все трудности деревенской жизни. Крестьянин - труженик становится героем его произведений. Он переехал в Барбизон, где начал вдохновенно писать крестьян, вся жизнь которых проходит в суровом труде на лоне природы.

С этого времени слагается творческий облик художника-демократа, поэта крестьянского труда. Он воспринимал труд, как выражение творческой силы, как основной закон бытия человека.

Центральной в его творчестве является картина «Сборщицы колосьев». Полотно отличается монументальностью, эпичностью, силой образного решения. Колорит картины притягивает своей теплотой и гармонией.

Милле не был революционером, но в его картинах можно «прочитать» целый роман о непосильном труде крестьян. Художник невольно придал своим полотнам социальный смысл, который улавливался современниками.

Гюстав Курбе (1819-1877г.)

Вместе с коммунарами, в числе борцов Парижской коммуны, был глава Федерации художников Гюстав Курбе. Он создал новую этику, утверждающую в живописи критический реализм.

Сhello_html_m55be0643.jpgоциальные идеи талантливо раскрыты в картине «Похороны в Орнани»,– с выразительной пластичностью фигур в контрасте светотени. Он почти графически запечатлел галерею характеров и типов провинциального городка. Ряд участников сцены похорон, носит следы мещанской ограниченности, лицемерия и бессердечия. Торжественности похорон соответствует только траурная одежда. Курбе показал не горе на лицах участников процессии, а только скорбную мину.

Передаче острой характеристике и пластичности форм Курбе уделял большое внимание. Он предпочитал писать на тонированных холстах, переходя к более светлым тонам, оживляя свет бликами. «Я делаю в моих картинах то, что солнце делает в природе», – писал художник.

Мужественное реалистическое искусство Курбе, его бунтарство, призывы обратиться к современности оказали большое влияние на формирование творчества многих прогрессивных художников Франции и стран Европы.


Вопросы:

  1. Как получилось, что искусство Франции в середине 19 века осталось «без романтических иллюзий»?

  2. Чем принципиально отличалось Домье и Гойи, и что у них общего?

  3. Что можно сказать о живописи барбизонцев?

  4. Как Милле в живописи представил крестьянский труд?

  5. Пhello_html_m32bf3499.jpgочему творчество Курбе относят к критическому реализму?

hello_html_e416031.jpghello_html_6938746f.jpg

Задание:


Определите по описанию творчества барбизонцев, какая картина принадлежит Руссо, которая Дюпре, Добиньи, Тройону


7Литература Франции середины 19 века.


Оноре де Бальзак. Роман «Шагреневая кожа».

Родоначальник реализма французской литературы. Автор серии романов, которые он объединил в одно название – «Человеческая комедия», где представил целую галерею человеческих образов, испорченных обществом: желание легких денег, природный человеческий эгоизм.

Реализм вытекает из романтизма. Как романтической литературе, (вспомним роман Гюго «Собор Парижской Богоматери») так и в литературе реалистической присутствуют те же страсти, те же чувства, но отсутствует переоценка ценностей. Жизнь изменяет личность человека и часто – далеко не в лучшую сторону.

Реализм середины 19 века – реализм с пессимистическим оттенком, раскрывающим огрубление и деградацию личности. Главным центром композиции романтических историй является любовь; а в романах реалистического направления главной сюжетной линией становятся деньги, приобретение богатства и как результат – разрушение личности. В романтической литературе герои изначально – носители определенных характеров, они движутся под действием невидимых сил, роковых совпадений и случайностей. В реалистической литературе человек – сам

себе – рок и случай; он сам пытается скорее не строить, а устраивать свою жизнь, и это его губит изнутри.

«Шагреневая кожа» – первый роман, который Бальзак включил в серию романов «Человеческой комедии», в первый том «Философских этюдов».

Эпиграф романа оригинален: автор изобразил черную полосу.

Сюжет романа так же необычен своей фантастичностью: главному герою в лавке продают шагреневую кожу, выполняющую любые желания своего хозяина. Взамен исполненного желания она сокращала его жизнь: пользуйся мною и смотри, сколько тебе отмеряно жизни.

Герой романа Рафаэль купил шагреневую кожу от безысходности: его писательская деятельность денег не приносила, он жил в нищете. С приобретением кожи начинается исполнение любых его желаний: он в шутку просит шесть миллионов франков, снимает мерку кожи, а на следующее утро получает наследство от дядюшки из Калькутте. Но все это не приносит ему полного счастья, а кожа уменьшилась в размерах. Он сказочно богат и то же время почти мертв.

Рафаэль хочет избавиться от шкуры, он бросает ее в колодец, но садовник случайно выловил ее и принес обратно. Рафаэль едет к ученым, чтобы растянуть ее, но не под прессом, ни обработкой теплом шкура не меняется, она прочнее железа.

У Рафаэля начинаются признаки чахотки, друзья отправляют его на воды лечиться. Там он ссорится с одним месье, и на дуэли Рафаэль его убивает. Шкура сжалась вновь. Он возвращается домой в Париж и умирает.

Вопросы:

  1. Назовите признаки отличия романов романтического и реалистического направлений.

  2. Какие элементы романтической литературы присутствуют в романе «Шагреневая кожа»?

  3. Какие признаки реализма присутствуют в романе?

  4. Можно ли искусственным способом растягивания шкуры возвратить себе жизнь?

  5. Чтобы вы сделали на месте героя романа?


Задание на дом: Найдите в библиотеке или в интернете биографию Бальзака, перечень романов, входящих в «Человеческую комедию».

Курьез: Однажды ночью в жилище Бальзака пробрался вор. Услышав мирное посапывание хозяина, он отмычкой пытался вскрыть ящик секретера. Вдруг громкий хохот хозяина прервал занятие вора. Оглянувшись, он увидел хохочущего Бальзака – самого хозяина дома. Вор не выдержал и спросил:

« Что вы видите в этом смешного?»

« Месье, вы ночью, впотьмах, ищите то, что я и в ясный день не могу найти».


8. Итальянское оперное искусство середины 19 века

Джузеппе Верди.

Музыкальное искусство, как литература и живопись, подвергалось изменениям общественного сознания. Музыка, как известно, тоже имеет стили и направления: божественная музыка стиля барокко композиторов Вивальди и Альбинони, классическая музыка гениального Моцарта, романтическая музыка с ее сонатными произведениями Бетховена, фортепьянными произведениями Шопена…

Джузеппе Верди принадлежит эпохе реализма, в творчестве его интересует личная человеческая драма в самобытной музыке оперного искусства.

Он – гордость и национальное достояние итальянского народа. До него итальянская опера «дремала» в сонных операх прошлого века, его творчество заставило «пробудиться», увидеть оперу бурную, смелую, понятную, запоминающуюся. Его арии были столь популярны, что распевались, на улицах городов, как народные песни.

Джузеппе Верди родился в семье крестьянского трактирщика, с раннего детства он познал тяжелый труд, который совмещал с игрой на органе в деревенской церквушке. Его учитель Байстрокки первым распознал в юном мальчике огромный талант, предложил ему уехать в Милан и поступить в консерваторию. Отец собрал последние деньги и отправил сына в большой город. В консерватории мэтры музыкального искусства прослушали деревенского мальчишку, и учтиво проводили, сославшись на отсутствие у него слуха. Впоследствии миланская консерватория будет носить имя Верди, – того самого, которого в свое время и на порог не пустили. Джузеппе после провала на экзамене остался в Милане, учился музыке частным образом.

Он много работал в жанре оперного искусства и первая опера «Оберто», принесла ему успех. Он принимал заказы. Брался за любую работу, ему нужны были деньги расплатиться с долгами.

Период творческой зрелости отмечен тремя выдающимися операми: «Риголетто», «Трубадур», «Травиата».

Опера «Риголетто» поставлена по мотивам драмы В. Гюго «Король забавляется».

Лhello_html_m9a5e1e9.jpgибретто: действие происходит в 17 веке в Мантуе. Риголетто – придворный горбун, у которого есть прекрасная дочь. Она влюблена в герцога, и тот ей отвечает взаимностью. Риголетто не верит в любовь герцога. Он знает: герцог – ветреная натура, и доказывает это своей дочери. Он просит покинуть ее этот город и обещает приехать позже. Но Джильда подслушала разговор Риголетто с наемным убийцей герцога. Девушка, чтобы защитить своего возлюбленного, переодевается в мужское платье. Убийца, перепутав героев, ошибочно наносит удар ножом дочери Риголетто, укладывает ее тело в мешок и отдает торжествующему отцу. Риголетто счастлив: наконец-то он избавил дочь от развратного герцога. Но вдруг, он слышит, как вдалеке, герцог распевает свою любимую песенку: «Сердце красавицы склонно к измене...», Риголетто открывает мешок и в ужасе видит мертвое тело своей дочери.

Когда оперная труппа готовила эту оперу, Верди не отдавал партитуру песни герцога, несмотря на требования артистов и оркестра. И только на генеральной репетиции перед представлением, он отдал партитуру песенки исполнителю партии герцога. После премьеры оперы на улицах Милана уже распевали эту песню: «Сердце красавицы склонно к измене…». А если бы он отдал эту партитуру раньше? Актеры поняли: Верди не хотел, чтобы песенка стала шлягером до премьеры.

Курьез: Проснувшись утром, Верди услышал, как шарманщик на всю улицу распевает песенку герцога, да еще и фальшивит. Это вывело композитора из себя. Он спустился вниз, стал объяснять ему, как надо играть эту мелодию, но шарманщик не обращал на него никакого внимания. Тогда композитор представился, и тот чуть не уронил шарманку. Верди что-то поправил в шарманке, и она стала играть в нужной тональности. На следующее утро Верди услышал мелодию в нужной тональности. Он выглянул в окно и увидел на шарманке табличку: «Ученик Верди».

Следующая, не менее знаменитая опера Верди – «Травиата». Либретто написано по произведению Дюма «Дама с камелиями». Верди впервые в Италии – в стране классического оперного искусства, ставит оперу на современную тему.

Оhello_html_m52c3b90d.jpgпера начинается с бала, который дает Виолетта в честь своего выздоровления. Здесь собралась вся богема. На балу она знакомится с Альфредом, и они влюбляются друг в друга.

Виолетта и Альфред – красивая пара. Виолетта богата, живет в своем особняке, Альфред тоже из богатой семьи. Они собираются пожениться, но отец Альфреда узнает, что в прошлом, Виолетта была дамой легкого поведения, ее отличительной чертой была любовь к цветам камелиям. Старик отговаривает Виолетту выходить замуж за его сына. Виолетта соглашается. Она понимает сама, что не достойна войти в семью благородных людей и этим изменила ханжеские предрассудки отца Альфреда, он по -другому посмотрел на Виолетту. Она делает все, чтобы казаться равнодушной к Альфреду, даже флиртует с другим мужчиной у него на глазах. Отец видит терзания сына, понимает благородство Виолетты и признается сыну во всем. Альфред спешит к смертельно больной невесте, но счастье ее – запоздало. Она жаждет жизни, но силы покидают ее. Виолетта умирает, Альфред в горе и отчаянии склоняется над ее бездыханным телом.

В опере сталкиваются две противоположности: высший свет и «дно» Парижа. Но Верди интересует не социальное положение героев, а их духовные качества. На поверку – в бывшей куртизанке просыпается благородство, а в аристократе – ханжество. Виолетта разрушает стереотипы высшего класса, своим поступком и заставляет себя уважать. Верди писал о «Травиате»: «Сюжет современный. Другой не взялся бы, может быть, за этот сюжет из-за приличий, из-за эпохи и из-за тысячи других глупых предрассудков... Я же занимаюсь им с величайшим удовольствием».


Задание на дом: найдите в интернете либретто оперы «Аида», сделайте сообщение, чему посвящена эта опера, скачайте интересные на ваш взгляд фрагменты оперы.







3 раздел

Реализм второй половины 19 века.

Натурализм

9.Теория происхождения видов на Земле.

Развитие промышленности, деловая атмосфера городов, массовое сознание распространялись по всей Европе. Техническая революция демонстрировала возможности человеческого разума. В этот период изобретены электричество, радио, автомобили... В 1885 году появились трамваи, разработанные бельгийскими инженерами. В Лондоне в 1863 году открывается первый метрополитен, в метро к 1890 году пущен в эксплуатацию первый электровоз.

Массовая индустриализация вызвала и массовое образование, ведь управлять машинами, работать с электричеством должны образованные люди. Подготовкой образованных специалистов занялась организация школьного дела. Для обучения приглашались учителя естественных наук – физики, математики, химии, истории, психологии… Западная Европа формирует нового человека, обогащенного научными знаниями. Свидетелем научного прогресса во Франции стал писатель Жюль Верн, романы которого можно назвать научно-популярными. В увлекательной приключенческой форме он повествовал о географии, биологии, жизни людей на других континентах. Такие романы, как «Дети капитана Гранта», «Пятнадцатилетний капитан» принесли писателю всемирную славу.

На дальнейшее развитие культуры огромное влияние оказало развитие естествознания в области биологии. Ученые - биологи подняли одну из самых волнующих тем человечества: происхождение жизни на Земле.

Теория происхождения жизни на Земле

О происхождении жизни на Земле строили свои теории еще ученые Древней Греции. Анаксимандр утверждал, что все произошли от рыбы, а потом вышли на сушу. Демокрит писал, что все животные произошли от земноводных, а те в свою очередь самозародились в илу. Аристотель дал определение природным типам (видам) животного мира.

С приходом христианской религии эта наука была забыта, потому что создателем всего сущего был провозглашен Бог.

В 18 веке шведский ученый Карл Линней классифицировал растения и животных, но добавил, что все созданное на Земле создал Бог по своему плану, то есть, животных и растения он создавал, сразу классифицируя по видам.

Естественный отбор

Ученые заметили, что каждый вид проходит естественный отбор. Примеров внутривидового естественного отбора в природе достаточно много. Так, гадюка, родив детенышей, сразу их поедает, в живых остается самый быстрый, он и продолжает потомство.

У людей тоже есть внутривидовой отбор, который записан в мифе о Гиппомене и Аталанте, где герой Гиппомен с помощью хитрости овладевает Аталантой и побеждает в спортивном состязании. Богиня Аталанта выбирает его в мужья для продолжения рода по внутривидовому признаку: он самый умный и сильный.

В русских народных сказках царевна тестирует своих потенциальных мужей: «…а разгадай три загадки…».

В России сватали невест из соседних деревень, чтобы не допустить родственных связей,- они приводят к вырождению. Невест выбирали дородных, смотрели на волосы, зубы, на устойчивые, крепкие ноги.

В христианской религии строго запрещены измены в семьях, чтобы не случилось инцеста в будущем поколении из-за беспорядочной жизни отцов.

С развитием капиталистических отношений, рыцарские бои отошли на последний план как соревнование самцов в силе и ловкости для продолжения рода. Главной проблемой становится стремление выгодно жениться или выйти замуж за богатого, то есть – за деньги. Наследственность становилась нездоровой.

Чарльз Дарвин (1809 – 1882г.г.)

Английский натуралист наглядно продемонстрировал, что все виды на Земле эволюционируют во времени от общих предков.

Дарвин – основатель теории «Происхождения видов». Основу теории составляют установленные на опыте факты изменчивости видов живых существ, их наследственности. Суть учения сводится к борьбе за существование среди организмов, которые приходят к отмиранию из-за отсутствия нужных качеств для жизнедеятельности.

Самый непримиримый спор был между религиозными и научными взглядами. Возмущение вызвал аспект эволюционной биологии, особенно происхождение человека и его родственных отношений с обезьянами. Дарвин и его соратники выдвинули теорию, что возникновение ума и моральных качеств имело естественные эволюционные причины.

Эта теория вытесняла место Бога – создателя и творца, она разрушала божественное духовное начало в человеке. Теория Дарвина приобрела значение скорее общекультурное, нежели научное. Тысячелетняя вера человечества в происхождение от Бога – отца была порушена. Человек больше не богоподобен, его отнесли к классу примат, как одного из видов обезьян.

Моральные и нравственные принципы общества начали рассыпаться. В капиталистическом обществе, где человек человеку – волк, такое безбожие послужило в некотором случае, оправданием: Бога нет, нет и Ада. Человек смертен. Бери от жизни все, что хочешь. Высоконравственную мораль можно откорректировать естественным животным эгоизмом.

Каждый человек вынужден был жить со своими интересами и бороться за выживание. Человек в обществе стал индивидуален. Здесь возникла новая опасность: таким путем можно утратить самое дорогое – культуру и историю.

Вопросы:

  1. Как думаете, внутривидовой отбор среди людей противоречит религии?

  2. Почему теория Дарвина приобрела общекультурное значение?

  3. Почему теория Дарвина «прижилась» в капиталистическом обществе?

  4. Какие изменения в культурной жизни общества вызвал промышленный переворот?


10.Литература Франции

Большое влияние на научную и художественную мысль оказал французский философ Огюст Конт. Он положил начало культы науки, проповедуя уважение к достоверному факту. Полагал, что только их конкретность представляет собой ценность. Философ выдвинул свой основной аргумент, повлиявший на дальнейшее развитие культуры – тезис о физиологическом факторе человека. Различные теории наследственности, биологизма проникли в искусство с его легкой руки.

Конт повлиял на труды другого философа – Ипполита Тэна. Тэн утверждал, что человек никогда не свободен от животных инстинктов, он – зверь, лишь покрытый тонким слоем цивилизации. Поскреби позолоту и перед вами окажется зверь доисторических времен. Время его не изменило. Он остался таким же, как и был в пещерный период своего развития.

Натурализм

Во второй половине 19 века во Франции появилось новое направление, получившее название в истории искусства, как натурализм (натура – природа). Конечно, основанием для натурализма послужили и теория Дарвина, и впоследствии философия Конта и Тэна.

Самые известные имена французских натуралистов писателей – Гюстав Флобер, Эмиль Золя, Мопассан. В живописи яркими представителем этого направления были Эдуард Мане и Дега.

Гюстав Флобер (1821 – 1880 г.г.)

Роман «Госпожа Бовари» – центральный в творчестве писателя. Сюжет прост его и банален.

Эмма Роу скучает в родном доме у отца на ферме и мечтает во чтобы то ни стало выйти замуж и покинуть эту скучную деревню. На ферму приезжает врач Шарль Бовари. Они полюбили друг друга и вскоре после, смерти жены Шарля, они поженились. У Эммы родилась дочь, к которой она не чувствует никакой любви. Дочь – помеха для ее развлечений. Эмма живет в городе, посещает салоны. Общается с молодыми людьми и в душе ее просыпается любовь к Рудольфу. Она понимает, что не любит мужа.

Творчество Флобера было отмечено литературоведами как мастера точного слова. Вот фрагмент из романа: « …Она раскаивалась в том, что прежде была такой добродетельной, - теперь это казалось ей преступлением, и последние остатки ее целомудрия падали под сокрушительными ударами. Упиваясь местью, она предвкушала торжество измены над верностью. Образ возлюбленного с такой неудержимой силой притягивал к себе, что у нее кружилась голова…»

Эмма тратит деньги на одежды и развлечения, у нее появляются долги. Она задумала бежать с Рудольфом от этих проблем в другой город.

Рудольф осуждает ее поступок и оставляет ее в трудную минуту.

Далее роман начинается уже с Леоном. Здесь у Эммы свои интересы. Она запуталась в долгах. Втайне от мужа она продала поместье. Леон – помощник нотариуса, и она хотела решить через него свои финансовые проблемы.

В конце романа, запутавшись в долгах, она, зайдя к хорошему знакомому аптекарю Ому, выпивает мышьяк.

Флобер очень скрупулезно описывает картину смерти Эммы, натурально анализируя все признаки отравления – до предсмертной агонии: «Эмму стало рвать кровью. Губы ее вытянулись в ниточку. Руки и ноги сводила судорога, по тему пошли бурые пятна, пульс напоминал дрожь туго натянутой нитки, дрожь струны, которая вот-вот порвется».

Когда Флобер описывал эти сцены, он так сильно вошел в образ, что и у него начались те же симптомы отравления.

Почему так долго и подробно он описывает сцены отравления? Может, он описал расплату Эммы за ее измены, эгоизм, отчужденность от родной дочери и семьи?

Сцены предсмертной муки у читателя вызывают отвращение. Литературные критики обрушились с нападками на писателя. Флобера призвали к судебной ответственности за оскорбление морали. Несмотря на это, роман стал манифестом литературного натурализма.



Эмиль Золя (1840 – 1902г.г.)

Золя создал свою теорию натурализма и проиллюстрировал ее в своем творчестве.

Принципы его теории:

  1. Отказ художника от оценочных категорий при изображении реальных фактов, беспристрастность и объективность в изложении фактов.

  2. Обращение литературы к запретным темам.

  3. Описание Истории человечества, как физиологический процесс.


Вот, наглядный пример влияния дарвиновской теории на культуру. Отсюда начинается изображение высокохудожественным методом пороков общества, их животных инстинктов, плохой наследственности. Но как бы Золя не старался быть беспристрастным и объективным, у него просматривается личностная позиция к своим героям, в которых видит деградацию человечества в нечеловеческом капиталистическом обществе.

Ругон – Маккары – эпопея в 20 томах. Эпопея – исторические события, охватывающие большой период времени. Толчком к созданию эпопеи послужила дарвиновская теория наследственности. Писатель задумал показать четыре поколения одной семьи. Он поставил задачи:

  1. изучить на примере одной семьи вопросы крови;

  2. изобразить всю Вторую империю от переворота до современности;

  3. показать положение различных классов и социальных групп общества – народ, буржуа, аристократию, духовенство.

Преступая в эпопеи, Золя заводит медицинскую карточку на каждого из своих литературных персонажей, прослеживая симптомы болезней от начала образования семьи до их вырождения. Писатель наделяет их наследственными болезнями, врожденными психическими расстройствами. Он прослеживает динамику развития их болезней из поколения в поколение. В последних романах эпопеи, в династии семейства ярко выражено, проявляются симптомы деградации личности – алкоголики, самоубийцы, садисты.


Ругон – Маккары – это две фамилии, идущие от двух разных родов, которые впоследствии объединились в одну семью. Родоначальница Ругонов – нервнобольная Аделаида Фук. В романе «Карьера Ругонов» действуют ее дети и внуки от первого брака с крестьянином, и от второго – с бродягой и пьяницей Маккаром.

Итак, на руках у Золя две медицинские карточки: одна принадлежит Аделаиды Фук с диагнозом психические расстройства, другая предназначена Маккару с диагнозом алкоголизм.

На протяжении всех романов эпопеи, Золя описывает тяжелую жизнь людей, оказавшихся в «западне» капиталистического общества с их прогрессирующими наследственными болезнями. Так, роман «Западня», начинается с повествования о рабочей семье Маккаров – кровельщика Купо и его жены Жевьезы. Муж и жена честно трудятся и живут в рабочем квартале. Но, случилось несчастье: Купо падает с крыши. Он уже не способен зарабатывать себе на жизнь. Работодатель отказывается выплачивать ему деньги по нетрудоспособности. Семья остается без средств к существованию. Купо от отчаяния начинает пить, ведь у него плохая наследственность от алкоголика Маккара. Вместе с ним в пьянство втягивается и Жельеза. Впоследствии в нищете они гибнут.


Ги де Мопассан (1850 – 1893)


Мопассан родился в Нормандии, в дворянской семье. После окончания лицея был направлен на франко-прусскую войну. Затем будущий писатель поступает в университет, но окончить его не удалось: умер отец, и финансовое положение семьи пришло в упадок. Он поступает на службу в морское министерство, а затем в министерство просвещения.

Огромный материал для творчества Ги получил благодаря увлечению греблей. Здесь он сталкивался с интересными людьми, которые в разговоре дарили ему много сюжетов для будущих новелл.

Мопассан был дружен с Флобером с юных лет, мать была его давней подругой. Ги давал ему читать свои первые прозаические произведения. Через Флобера он познакомился с Золя и Тургеневым.

Тургенева и Флобера Мопассан считал своими учителями. Он тяготел к русской литературе; будучи уже зрелым писателем, прочитав повесть Льва Толстого «Смерть Ивана Ильича», Мопассан скажет: «Я вижу, что вся моя деятельность была ни к чему, что все мои десятки томов ничего не стоят».

Он любил и ценил русскую литературу. Особенно дорожил дружбой с Тургеневым. С Иваном Сергеевичем его познакомил Флобер.

Каждое воскресенье Флобер принимал у себя друзей. Здесь Мопассан встретился с суровым «Господином Тэном, всегда озабоченным Золя и с русским гигантом Тургеневым. Московитянин, как называл его Флобер, входил в салон с непринужденностью, вызывающей зависть у гребца из Аржантея. «Великан с серебряной шевелюрой, как из волшебной сказки…».

Исследователи указывают на благотворность воздействия Тургенева на Мопассана. Особенно в том, что «Тургенев показал Мопассану всласть духовного, облагораживающего начала в человеке».

Тургеневское мастерство раскрыло перед ним высоту нравственных идеалов, сострадание к человеку, возвышенную и благородную любовь, поэтичность и лиризм.

Мопассан был неизвестным писателем, но стал знаменитым сразу, на следующий день после публикации новеллы «Пышка».

Писатель не поддерживает натуралистической теории Золя, предпочитает изображать реальные факты из жизни. Он мастер фабулы. Его новеллы быстро и надолго запоминаются, а вместе с ними – и нравственная основа, на которой держится сюжет.

В новелле «Ожерелье» неожиданная концовка, станет хрестоматийным примерным эталоном для последующих рассказов этого типа.

В новелле писатель повествует о молодой семье небогатого чиновника. Молодожены Жорж и Матильда Луазье приглашены на вечер. Подруга Матильды предлагает ей свое бриллиантовое ожерелье. Дома супруги обнаруживают, что ожерелье потеряно. Они покупают в лавке такое же бриллиантовое ожерелье, отдают подруге и десять лет выплачивают лавочнику долг за бесценную покупку. Супруги продают дом, терпят нищету. Когда долг был выплачен, Матильда случайно встречает подругу, госпожу Форестье и признается, что ожерелье было утеряно, но куплено новое взамен утерянного. Матильда рассказывает подруге, как десять лет они с мужем терпели нужду, чтобы выплатить лавочнику долг.

«Госпожа Форестье в волнении схватила ее за руки.

– Бедная моя Матильда! Ведь мои бриллианты были фальшивые! Они стоили самое большее пятьдесят франков».

Мопассан написал 300 новелл и все они, как и его романы, имеют мастерски закрученный сюжет. Сборник рассказов «Заведение Телье», он посвятил Тургеневу.




Вопросы:

  1. Чем отличается литература критического реализма от натурализма?

  2. Назовите двух «главных героев» натуралистической литературы

  3. Какая наука повлияла на культуру во второй половине 19 века?

  4. Назовите основные признаки натурализма во французской литературе.

  5. Какие нравственные качества героев показал Мопассан в новелле «Ожерелье»?


Мудрые мысли:

Флобера спросили, каким женщинам он отдает предпочтение – умным или глупым? Он ответил:

«hello_html_310d62bc.jpgТем, которые отдают себе отчет в своей глупости и тем, которые не подозревают о своем уме».


11.Французская архитектура и живопись

Архитектура

Развитие капиталистических отношений сопровождалось увеличением урбанизации городов. Это вызвало необходимость в жилищном строительстве. Увеличивается строительство зданий социального значения: возводятся респектабельные знания, делающие хороший денежный оборот – театры, банки, доходные дома, электрические станции. Стиль с ордерной системой оказался уже не востребован, но и нового ничего не предлагалось. Поэтому, строители использовали эклектику, – соединение разных стилей в одном архитектурном сооружении. Характерным было то, что украшался только фасад здания. Эклектика не давала целостного восприятия архитектуры, как готический, романский или классический стили. Наиболее удачное сооружение в эклектичном стиле – гранд – пера в Париже, архитектора Гарнье. Архитектура в конце 19 века переживала не самые лучшие времена.


Живопись

В последней трети 19 века во Франции обостряются противоречия между буржуазией и демократически настроенным молодым поколением. В культуре развивается реалистическое направление, оно становится достойным противовесом буржуазному мещанству.

Салонное искусство в живописи прославляло внешнюю красивость, светскую утонченность, любовь, игривые сценки, аллегорию.

Демократическое направление в искусстве, напротив, ломает все каноны буржуазного искусства и предлагает свою эстетику, где главными героями становятся крестьяне, рабочие, уличные гуляки. Живописный мазок становится смелым, ломаются представления о красоте, композиция отбрасывает все рамки классический канонов.

Выставочные работы демократически настроенных художников не сразу были поняты буржуазной публикой. Картины молодого поколения художников не были поняты буржуа. Поэтому молодые художники создали свой «Салон отверженных». Эдуард Мане был в числе активных участников этого Салона.

Эдуард Мане (1832 – 1883г.г.)

Мане – один из самых выдающихся французских художников 19 века, его искусство связано с переосмыслением традиций реалистической сюжетной картины. Он говорил: «Наш долг – извлечь из нашей эпохи всё, что она может предложить, не забывая о том, что было открыто и найдено до нас».

Бhello_html_6f4a534d.jpgольшой скандал сопутствовал его картине «Олимпия». Композиция заимствована из картины Рембрандта «Даная», где великий голландский художник 17 века изобразил пышную красавицу. В «Олимпии» Мане пишет тот же сюжет, но женский образ к корне меняется: перед нами – хрупкая угловатая молоденькая девушка без пышных классических форм. Мане нарушил классические каноны, за что был подвержен жестокой критике. Скандал разразился настолько серьезный, что произошло обратное: от посетителей Салона не было отбоя. Картину пытались порезать, в нее тыкали тростью, дико осмеивали. Ее пришлось прикрепить повыше к потолку, чтобы посетители не нанесли ей вреда. В настоящее время «Олимпия» находится в Лувре.

Мhello_html_m5c766362.jpgане обращается к созданию произведений на темы современной истории Франции. Он пишет картину «Расстрел императора Максимилиана», запечатлевшую финал военной авантюры Наполеона III. Композиция заимствована у Гойи «Расстрел повстанцев…».

В дальнейшем главным в творчестве Мане становятся сцены из бытовой жизни. Появляется пленэрная живопись, которую он развивает и совершенствует. Картина «В лодке» насыщена рефлексами, динамикой, дыханием влажной атмосферы. В то же время автор изображает четкие силуэты двух людей, их психологические образы. Здесь его героев можно сравнить с героями Золя.

Пhello_html_m685e122f.jpgреобладание черт натурализма и живописи и литературе привело к тому, что в романе Золя «Нана» на первом месте, по словам Салтыкова – Щедрина, оказался женский торс. Картина Мане «Нана» стала впоследствии классической иллюстрацией к одноименному роману Золя . Мане предложил эту картину на выставку в салон, она сразу же была отвергнута. Возмущение вызвал факт, что центром композиции была дама в нижнем белье, тогда, как благородный господин отрезан краем рамы.

Мане любил море, изображал его натуралистически, размашисто, вплетая в сюжет не красивые парусные корабли, а баржи и рыбацкие лодки с рыбаками в их рабочей одежде. «Грузовщики баржи», «Марина».

Художник испытывает лирические чувства к реке Сене. Река освещается ярким солнцем, берег предоставлен отдыхающим дамам с детьми или просто отдыхающим. «Сена у Аржантейля», «Аржантейль».

Последняя работа Мане «Бар в Фоли-Бержер». Здесь он виртуозно применяет эффект зеркала, как контраст двух настроений. Грустная девушка за стойкой бара, за ее спиной отражается веселящийся в баре народ. В картине она их не видит, но на самом деле они у нее впереди, впрочем, и впереди себя девушка никого не замечает.

Мане занимал видное место в художественной жизни своего времени, привлекая одаренную, ищущую молодежь, сгруппировавшуюся вокруг него.

Эдгар Дега (1834 – 1917г.г.)

Хhello_html_158fb293.jpgудожник большого оригинального таланта, горячий поклонник отточенного рисунка, сам превосходный рисовальщик. Его любимая тема – изображение труда балерин, музыкантов, прачек.

Дега не остается в стороне от социальных проблем. В картине «Гладильщицы белья» женщины выглядят отупевшими от усталости и почти механически выполняют работу. Композиция динамична по диагонали и сама напоминает гладильную доску. Женщины изображены в старой, давно облинявшей одежде на фоне серой стены.

Вhello_html_m71ee8ff7.jpg картинах Дега нет позирующих персонажей. Он изображает людей в непринужденных позах за работой. Его увлекала живая сущность мира через движение человека. Самая знаменитая работа Дега «Голубые танцовщицы». Картон, пастель. Оригинальный ракурс, отточенный рисунок, круговое движение композиции.

Под влиянием нового изобретения века – кинематографа в конце 19 века художники тяготеют к изображению кадровой или фрагментарной композиции без обозначения главного центра. Если посмотреть на работы Дега, то в них ощущается стихийность, герои и героини картин как бы еще не «добежали» до центра композиции и нужен еще один кадр.




Вопросы:

1. Почему архитектура Франции не продолжила традиции классицизма?

2. Дайте определение натурализма в живописи

3. Почему натурализм ярко выразился во Франции?

4. Объясните, как образовался «Салон отверженных»?

5. Найдите точки соприкосновения реализма и натурализма.



12.Оперное искусство


Жорж Бизе (1838 – 1875г.г.)

Французский композитор. Бизе придерживался романтизма в своем творчестве. Он писал симфонические, камерные произведения, фортепьянные и вокальные пьесы, песни. В его творчество вошли две оперы: «Искатели жемчуга» и «Кармен».

В 1873 году. Бизе приступает к написанию оперы «Кармен». Либретто написано по мотивам новеллы Проспера Мериме «Кармен». В опере нет возвышенных, одухотворенных героев в духе романтизма, здесь царят обман, дезертирство, контробандизм, измена, убийство. hello_html_m28e8cb9b.jpg

В Севилье, рядом сигаретной фабрикой, остановился драгунский эскадрон. Солдаты любуются красивыми девушками — работницами фабрики.. Но вот появляется та из них, которую ждут с особым нетерпением — жгучая цыганка Кармен. Она поет хабанеру «Меня не любишь, так что ж, зато тебя люблю я…». (хабанера – кубинский танец). Хозе, несмотря на то, что у него уже есть невеста, с которой они только что расстались, безумно влюбляется в Кармен. Казалось, что ветка акации, брошенная Кармен в лицо Хозе, подействовала магически.

Со стороны фабрики доносится шум. Среди работниц возникла ссора с поножовщиной, одна из них ранила другую. Виновницей оказалась Кармен. Капитан Суньига приказывает Хозе стеречь Кармен, а сам отправляется за ордером на её арест. Однако за это время Кармен удаётся, используя всё своё обаяние, обольстить Хозе, и он помогает ей бежать из-под стражи. Суньига приносит ордер на арест Кармен, ее уже нет. Хозе разжаловали в солдаты и посадили в тюрьму. Через два месяца он выходит на свободу и жаждет увидеть Кармен. Он находит ее у контрабандистов. Звучит труба, ему нужно идти в казарму, но он не может от нее уйти и становится дезертиром. Здесь он узнает о новом воздыхателе Кармен – Эскамильо. Они выходят драться на ножах. Появляется бывшая невеста Хозе Микаэлла и просит его вернуться в деревню, потому что его мать умирает. Уходя, Хозе обещает прийти на бой быков в Сивилью, на который всех приглашает Эскамильо. В Сивильи между Хозе и Кармен, происходит бурное выяснение отношений, девушка сообщает, что любит уже другого, она поет: «У любви, как у пташки крылья…» Хозе ударом ножа убивает ее.

Бизе работал над оперой два года. В 1875 году состоялась премьера, которая закончилась полным провалом. Парижская буржуазная критика назвала оперу «бессмысленной», любовь цыганки и контрабандиста признана «безнравственной», гениальная музыка «безобразной». Композитора потрясла неудача «Кармен», через три месяца он умер.

Прошли годы. Парадоксальной нелепостью воспринимается история с парижской премьерой «Кармен». Сбылись слова Чайковского: «Я убежден, что лет через десять, «Кармен» будет самой популярной оперой в мире».


Вопросы:

  1. Почему оперу Бизе относят к натуралистическому направлению?

  2. Какие арии из оперы вам давно знакомы?

  3. Почему хабанера легко запоминается слушателями?

  4. Почему такая красивая, запоминающаяся опера потерпела провал на своей премьере?

  5. На чем основывался Чайковский, когда пророчил, что «Кармен» будет самой популярной оперой в мире?

13.Английская литература. Конец 19 века

Англия вступила в стадию империализма. Писатели были отрицательно настроены к старой литературной школе. и пытались воскресить романтизм. Это течение назвали неоромантизм, то есть, новый романтизм. Приверженцами нового его были Роберт Льюис Стивенсон, Оскар Уальд, Конан Дойл. Эту эпоху принято называть «Викторианской эпохой». Кризис буржуазной культуры и развитие империализма порождают в Англии новые течения – натурализм и декаданс.

Высокоразвитый капитализм влиял на философию и мораль того времени. Капитализм развивал в обществе приспособленчество. Гибель слабых – главный закон природы, – так учит дарвинизм.

Лозунг дарвинистов: функции мозга – привилегированным классам получает развитие у немецкого философа Ницше с утверждением «права сильного». Под это влияние попадает английский писатель Редьярд Киплинг, Джек Лондон в США.

Роберт Льюис Стивенсон (1850 1894)

Представитель неоромантизма. Его увлекает тема путешествий и приключений. Свой самый известный роман «Остров сокровищ» он посвятил пасынку – подростку, мечтавшему прочитать роман о приключениях. Несмотря на то, что роман предназначался подросткам, им зачитывались и взрослые. Роман привлекает острой фабулой, обилием приключений.

Для творчества Стивенсона характерен образ юноши смелого, чуждого корысти и наживы, вступающего в борьбу с дурными людьми.

Редьярд Киплинг (1865 – 1936г.г.)

Родился в Бомбее. Отец – профессор искусств, художник. Имя Редьярд он получил от названия озера в Англии, где познакомились его родители. В 6 лет будущего писателя отправляют в Англию, он получает образование, в 16 лет возвращается в Индию к отцу, где начинает карьеру журналиста, пробует писать стихи и прозу. Киплинг – сын колонизатора и это повлияло на шовинистические настроения в его творчестве. Он пробует писать романы, но они примитивны и не приносят ему известность.

В 1895 году Киплинг приступает к «книге джунглей», куда вошли его сказки для детей. На основе индийских легенд о потерявшихся в джунглях детях и их воспитании животными он пишет книгу «Маугли», которая принесет ему всемирную известность.

Киплинг открывает в литературе анималистический жанр, где через образы животных показывает мир людей, такой же жестокий в борьбе за выживание.

Маугли – высший авторитет джунглей, он одинок от осознания своей исключительности, он уходит к людям и из экзотического героя превращается в законопослушного индийца.

В романе прослеживается два мотива: защита слабого и покорение природы, подчинение животного мира человеку на основании превосходства его разума.

Наряду с элементами романтизма – сделать взаимоотношения зверей гуманными, прослеживаются и шовинистические настроения.

Сильным животным джунглей он говорит: «мы одной крови; вы и я» – принадлежность одной организации. Не насилие, а мудрость пользуется уважением в джунглях.

Акелла управляет волчьей стаей – утверждение дисциплины и примитивного гражданского кодекса.

Война с рыжими псами – война с низшей расой.

За «Книгу джунглей» Киплинг удостоился Нобелевской премии как за первый анималистический жанр в литературе. Киплинг – первый из английских писателей, который удостоился такой высокой награды.

Артур Конан Дойль

Автор 70 книг. Конан Дойль по профессии был врачом, доктором медицины. Но, кроме того, он был спортсменом и путешественником, он плавал в арктических и жарких морях. Как врач он был участником англо-бургской войны, как спортсмен – участвовал в автопробегах. Он объездил всю Европу и Африку, в старости читал лекции в Австралии.

Первая научно-фантастическая повесть «Затерянный мир» была написана в приключенческом жанре и повествует о путешественниках, заблудившихся в джунглях и попавших в доисторический мир.

Конан Дойль прославился на весь мир повестями в детективном жанре о Шерлоке Холмсе.

Шерлок Холмс появился впервые в повести «Этюд в багровых тонах» и сразу завоевал интерес и симпатии читателей. Далее последовали «Знак четырех». Первые рассказы о Шерлоке Холмсе овеяны романтизмом и связаны с экзотическими странами, откуда преступники привозят экзотических змей и ядовитые корни.

В детективах «Собака Баскервилей» и «Обряд дома Месгрейвов» чувствуется влияние романтизма. Детективные истории переносятся в старинный замок.

В 1893 году Конан Дойль пишет «Последнее дело Шерлока Холмса», где Холмс погибает. Это вызвало негодование читателей. Они устраивали буквально митинги под его окнами, писателю пришлось воскрешать своего героя в рассказе «Пустой дом».

Конан Дойль создал лучшие романы – детективы. Шерлок Холмс покоряет читателей аналитическим умом, гуманизмом и бескорыстием. Он защитник интересов не буржуа, а справедливости, но никогда не рассуждает об этом. Сам Конан Дойль, не будучи сыщиком, раскрыл несколько преступлений и помог невинным людям.

Постоянный спутник Холмса – его друг, доктор Ватсон (Уотсон). Именно он рассказывает о деятельности Холмса. Этот образ в значительной мере автобиографичен: Конан Дойль придал Ватсону свою внешность, профессию, некоторые черты биографии. Но и в образе Шерлока Холмса сильно видны черты биографии самого писателя. Прототипом Холмса был профессор Эдибургского университета Джозеф Белл. Он славился тем, что умел по малейшим деталям угадывать характер человека.

Курьез: Конан Дойль, чье имя было известно в самых широких кругах, решил сыграть забавную шутку. Он разослал 12-ти английским банкирам, имевшим безупречную репутацию, письма следующего содержания: «Всё обнаружено, спасайтесь немедленно!» В течение 24-ти четырех часов адресаты, «добропорядочные джентльмены», покинули Англию.



Вопросы:

1. Опишите общее настроение писателей Англии в период империализма. На основании чего появилось навое направление неоромантизм?

2. Какие символы скрываются под образом Маугли, Акеллы, Рыжих псов?

3. Почему Роберт Стивенсон и Конан Дойл неоромантики? Что их объединяет?

4. Почему детективы Конан Дойла изобилуют экзотикой?

5. Приведите примеры детективов о Холмсе, где присутствуют отголоски готического романа.


4 раздел

Культура США


14. Архитектура и живопись

Представьте себе, что вы высадились на необитаемый остров, а вместе с вами люди других наций. Нужно время, чтобы вы поняли друг друга и стали единой нацией с общим языком. То же самое происходило и с формированием американского языка и общего государства. Северная Америка была английской колонией, и поэтому американский язык формировался на основе английского. К концу 18 века, 1776 году, американский народ завоевал независимость и образовал государство – Соединенные Штаты Америки.

Архитектура

Пhello_html_3a27f29.jpgоглощаемая техническими и конструктивными задачами, архитектура идет по следам европейских архитектурных стилей минувших веков. В Северной Америке долго удерживалась мода на стилизацию под средневековую романскую и архитектуру Ренессанса. Это увлечение сменилось подражанием классической ордерной системе.


Осознание себя как нации, как отдельного государства дало американцам толчок к развитию своей культуры. В области архитектуры и искусства все же оставалось огромным влияние европейской культуры. Города строятся по европейскому образцу с четким членением кварталов на стрит и авеню, то есть на улицы и переулки. Архитектура базировалась на классицизме, характерном в конце 18 и начале 19 веков. К этому периоду строительства относятся Капитолий в Ричмоне, Белый дом в Вашингтоне.

Пhello_html_m2e368758.jpgериод первой половины 19 века характерен стремительным развитием капиталистических отношений. В градостроительстве и городской архитектуре присутствовало тяготение к показным эффектам и эклектизму. В основном Америка была фермерской страной с одноэтажными ранчо, но развитие промышленности, приток в города рабочих и служащих, высокие цены на землю послужили причиной пересмотра архитектуры городов. Для удобства перемещения в Нью-Йорке строится грандиозный висячий Бруклинский мост через пролив Ист-Ривер. Он соединяет Бруклин с Манхеттеном. В конце 19 века в Чикаго с появлением нового строительного материала – железобетона и каркасных конструкций строится первый небоскреб. Опытом строительства небоскребов в Чикаго воспользовались архитекторы Нью-Йорк. Этот тип застройки привел к созданию специфической американской архитектуры.

Живопись.

Маунт

В американской живописи утверждается салонно-академическое направление, которое должно было свидетельствовать о расцвете класса буржуазии. В эти годы широко распространяется пейзажная живопись и, прежде всего, идеализированный пейзаж, так называемой Гудзонской школы. Название дано от реки Гудзон. В школу входили художники, не имеющие академического образования. В противовес идеалистическому направлению складывается лирическое направление пейзажа, передающее национальное своеобразие американской природы. Характерные лирические пейзажи художника гудзонской школы - Маунта «Ловля угрей в Сетокере»

Уинслоу Хомер (1836 – 1910г.г.)

В оппозиции к господствующим буржуазным вкусам стояло реалистическое искусство американского художника и графика Уинслоу Хомера. Свое творчество он начинал как график в период гражданской войны 1861 – 1865 годов. В картинах «Пленные с фронта» правдиво передано приподнятое настроение народа, его воодушевление и гордое чувство победы северян, выступавших за идеи прогресса и гуманности. При яркой характерности отдельных персонажей художник добивается цельности и монументальности общего решения композиции.
Одна из известных картина Уинслоу Хомера «Порыв ветра». В накренившейся под порывом ветра парусной лодке рыбак и трое мальчуганов, пересев на один борт, стараются восстановить равновесие. Написанная в тот же год, что и роман Марка Твена "Гекльберри Финн", эта картина передает свойственное детству чувство счастья, аhello_html_52e56f73.jpgтмосферу свежего летнего дня. Подобное настроение типично для произведений Хомера середины XIX века. Творчество этого художника недаром считается самым ярким воплощением жизни сельской Америки. Надпись на лодке гласит «Глостер». Этот маленький городок в штате Массачусетс на побережье Новой Англии был очень популярен среди художников, да и сам Хомер на протяжении 1870-х годов неоднократно бывал там летом. Уинслоу Хомер считается ведущим представителем американского реалистического стиля.
Искусство Хомера достигает вершины творчества, изображая мужественных людей среди дикой северной природы. Он нашел новых героев — отважных людей, жhello_html_m1fd90c4f.jpgивущих в постоянной борьбе за существование в картинах «Гольфстрим», «Восьмая склянка», «Сигнал тумана». Вера в человека труда, романтизация и героизация его образа, характерны для искусства живописца Уинслоу Хомера.

Хомер – основоположник американской реалистической живописи. Он принадлежал к первому поколению американских художников, создавших свою национальную школу живописи..


Уистлер Джеймс (1834—1903)

hello_html_m20365978.jpghello_html_4cc8002c.jpgАмериканский художник, выдающийся живописец, мастер парадного портрета, график. Он родился в штате Массачусетс, но детство и отрочество его прошли в России, в Петербурге, куда его отец, инженер, был приглашен на строительство железной дороги. Есть данные, что юный Уистлер посещал классы Петербургской Академии художеств. После смерти отца Уистлер отправился в Америку. В 1855 году Уистлер навсегда уехал из своей страны,– сначала в Париж, затем в Лондон. Его расхождение с салонным искусством проявилось во Франции, где он выставил поэтическую, изысканную по колориту «Девушку в белом». В Лондоне его искусство так же подвергалось резким нападкам официальной критики
Картина Уистлера «Симфония в белом № 2. Девушка в белом» наполнена тайной и сдержанной страстью. Портрет возлюбленной Уистлера, прекрасной Джоанны, представляет собой этюд в гармоничных оттенках белого цвета. Асимметричная композиция. Фигура сдвинута в сторону от центра и срезана рамой. Прямой свет, превращает тональный колорит в узор плоских цветовых пятен – все это говорит об интересе художника к японской живописи. Экзотическое восточное влияние заметно даже в деталях: веер в руках девушки, фарфоровая ваза на камине и веточка цветущей вишни – прямые цитаты из искусства Японии, открытого европейскими художниками в 1860-е годы.

В портретной живописи Уистлер часто использовал прием размещения силуэта фигуры на почти пустом фоне. В стремлении противопоставить свое творчество живописи викторианской Англии с ее литературными сюжетами он подчеркивал чисто эстетическое начало. Свои произведения он называл ноктюрнами и симфониями. Проникнутые глубоким уважением к человеку, к его нравственной и интеллектуальной жизни, произведения Уистлера отличаются продуманной простотой, ясностью художественной формы, чудесной колористической гармонией. Необычайно композиционное построение портрета на холсте горизонтального формата. Строгость композиции, отбора деталей и, главное, острота характеристики модели сообщают особую демократичность и достоверность правдивому образу немолодой американской женщины
Реакционная обстановка художественной жизни Англии 1870-х годов была глубоко чужда Уистлеру, вызывая в нем противодействие, которое со временем приобрело характер демонстративного эстетства. Художественное дарование Уистлера ослабевало по мере того, как росла его слава острослова и эксцентричного светского льва. На позднем периоде творчества художника негативно сказались разрыв с родиной, а также отсутствие крепких связей с английской действительностью. И все же отдельные произведения Уистлера, и прежде всего его пейзажи и графические работы, полны поэтического чувства.
Развитие американского искусства, в первую очередь живописи, совершилось стремительно и концентрированно на небольшом отрезке времени. Этому способствовал тот факт, что новая американская нация переплавляла культуру и искусство разных народов, и из этого сплава сформировала свою национальную художественную школу. Все самое лучшее из того, что дало американское искусство, возникло на пересечении профессионального и непрофессионального творчества. Творчество любителей – художников: фермеров, торговцев, лодочников, определило особенности американского искусства. Оно проявляется в простоте жанров, незамысловатости композиционных приемов и, вместе с тем, живопись отображает мужество, спокойствие, сильную жизненную энергию.

Вопросы:

  1. Почему американская архитектура повторяет европейскую?

  2. Что заставило американских архитекторов строить небоскребы?

  3. Назовите первые города, застроенные небоскребами, почему именно в них возникла такая архитектура?

  4. Как формировалась американская живопись?


  1. Литература США


Литературу северной Америки можно разделить на три периода.


1 период – религиозный. Литература колониальной эпохи 18 века имела религиозный характер, господство пуританских настроений, богословских проповедей. Религия давала почву для смирения, не поднимала вопросов социального и правового характера.

2 период– публицистический. С обретением независимости, в американскую литературу проникают мотивы публицистической литературы. Этот период связан с революционными освободительными войнами первой половины 19 века.

3 период – национальный. Развитие и формирование своей национальной прозаической литературы.

Этот период характерен приключенческими романами об индейцах, о жизни и быте «краснокожих» американцев, о трудностях первопроходцев и взаимоотношениях коренных жителей с переселенцами. Это всему миру известные романы Фенимора Купера и Майн Рида, которыми зачитываются школьники и взрослые во всем мире.

Среди писателей второй половины 19 века появляется выдающийся писатель Марк Твен с его бессмертными романами «Приключения Тома Сойера», «Приключения Гекльберри Финна», фантастическим произведением «Янки из Коннектикута при дворе короля Артура». Марк Твен на страницах своих романов вносит в американскую литературу тонкий английский юмор.

Марк Твен (Семюэл Клеменс) (1835—1910). 

Выдающийся американский писатель, журналист и общественный деятель. Его творчество охватывает множество жанров — реализм, романтизм, юмор, сатира, философская фантастика, публицистика.


Самым большим вкладом Твена в американскую и мировую литературу считается роман «Приключения Гекльберри Финна». Также очень популярны «Приключения Тома Сойера», «Принц и нищий», «Янки из Коннектикута при дворе короля Артура»и сборник автобиографических рассказов «Жизнь на Миссисипи». Марк Твен начинал свою карьеру с непритязательных юмористических куплетов, а заканчивал полными тонкой иронии очерками человеческих нравов, сатирическими памфлетами на социально-политическую тематику.

Широкую известность получил его рассказ на фольклорный сюжет «Знаменитая скачущая лягушка из Калавераса».

Писатель был прекрасным оратором. Получив признание и известность, Марк Твен много времени уделял поиску молодых литературных талантов и помогал им пробиться, используя своё влияние на приобретённую им издательскую компанию.

Твен увлекался наукой и научными проблемами. Он был очень дружен с Николой Тесла, они много времени проводили вместе в лаборатории Теслы. В своём произведение «Янки из Коннектикута при дворе короля Артура» Твен ввёл путешествие во времени, в результате которого многие современные подробности, приводимые в романе, свидетельствуют о хорошем знакомстве Твена с достижениями современной ему науки.

«Приключения Гекльберри Финна»

Гекльберри Финн, или Гек сын бездомного пьяницы. Он убегает от своего отца, растет беспризорником и оборванцем, ночует в пустой бочке из-под сахара, курит трубку, не ходит в школу, бездельничает, и такая жизнь ему нравится. Детям не разрешают дружить с Геком, но Том Сойер нарушает запрет. После многих приключений Том и Гек оказываются обладателями клада. Неожиданное богатство переворачивает жизнь Гека — его берёт на воспитание вдова Дуглас. Устав от воспитательных мер мачехи, Гек сбегает. Вместе с беглым негром Джимом маленький Гек сплавляются на плоту по реке Миссисипи. К ним присоединяются проходимцы Герцог и Король, которые в итоге продают Джима в рабство. Гек и присоединившийся к нему Том Сойер организуют освобождение узника. Но, если Гек всерьёз освобождает Джима из заточения, то Том делает это просто для интереса — он знает, что хозяйка Джима уже дала ему свободу.

Роман «Приключения «Гекльберри Финна» писатели-реалисты восприняли как первое высокохудожественное реалистическое произведение в американской литературе. Гек лишен романтики, у него грубый язык, но у него чистая душа. Марк Твен формирует национальный американский язык в литературе с присущим ему тонким английским юмором, грубой разговорной речью, народным фольклором.

Излюбленная Твеном форма повествования от первого лица, своеобразная "маска простака", которую частенько надевает герой-повествователь; в склонности к гиперболизации угадываются черты устного народного творчества.

В основе индивидуального творческого метода Твена лежит главный принцип американского юмора — комическое обыгрывание нелепых, а порой и трагических ситуаций. Американский фольклор определил и сам дух произведений Твена — гуманизм, уважение к человеку труда, к его разуму и здравому смыслу, всепобеждающий оптимизм.

«Это наша лучшая книга. Вся американская литература вышла из неё» – говорил Хемингуэй.



В середине 19 века развивается и роман реалистического направления. Правдоподобная история звучит в романе Бичера Стоу «Хижина дяди Тома», писатель Джек Лондон воспевает американскую природу, борьбу за выживание смелых первопроходцев Канады и Аляски.


Джек Лондон (1876 – 1816)

Джек Лондон рано начал самостоятельную трудовую жизнь, полную лишений. Школьником продавал утренние и вечерние газеты, по выходным подрабатывал в кегельбане, расставляя кегли, а также уборщиком пивных павильонов в парке. По окончании начальной школы, в возрасте четырнадцати лет поступил на консервную фабрику рабочим. Работа была очень тяжёлой, и он ушёл с фабрики. Заняв деньги, Джек купил подержанную шхуну и стал «устричным пиратом» нелегально ловил устриц.

В 1893 году нанялся матросом на промысловую шхуну «Софи Сазерленд», отправляющуюся на ловлю котиков к берегам Японии и в Берингово море. Первое плавание дало Лондону много ярких впечатлений, которые легли в основу его морских рассказов и романов «Морской волк», «Мартин Иден».

Одна из литературных газет объявила конкурс на лучший очерк.

Первый очерк Лондона «Тайфун у берегов Японии» был опубликован в 1893 года и послужил началом его литературной карьеры. За очерк он получил первую премию от литературной газеты.

Джека будто испытывает судьба. Он попал в «рабочую армию Келли», которая состояла из безработных.

В 1894 году принимал участие в походе безработных на Вашингтон, участвовал в беспорядках, сталкивался с полицией. На крышах вагонов, он уезжает в Канаду, там он был арестован за бродяжничество, месяц просидел в тюрьме. Во время скитаний по дорогам с армией бродяг, Лондон сделал для себя вывод, что физический труд, а тем более, бродяжничество, не могут обеспечить человеку достойного существования. Он верит в ценность интеллектуального труда. В это время у него возникает убеждённость, что он должен стать писателем.

Выйдя из тюрьмы, начинает самостоятельно учиться в школе, поступает в университет, но на обучение денег нет. Оставив обучение во времена «Золотой лихорадки», отправляется на Аляску. Разбогатеть в поисках золота не удалось. Он заболел цингой и возвратился в Америку.

На континенте Джек Лондон усиленно занимается самообразованием, много читает. На его творчество сильное влияние оказали писатели Стивенсон и Киплинг.

«Белый клык». Несмотря на то, что главный герой – волк, роман был во многом автобиографичным, написано от первого лица, от «лица» волка. Идея сделать главным героем волка заимствована у Киплинга. Белый клык – так звали волка, которого волчонком приручил человек, забрав его из естественной, природной среды. Он – свободолюбивое, сильное животное, но его против воли заставляют унижаться, заискивать перед хозяином, зарабатывая на кусок хлеба. За свою жизнь Белый клык несколько раз попадает к разным хозяевам и каждый из них хочет извлечь пользу: запрячь в собачью упряжку, устроить бои между волком и собаками… Израненного его подбирает хороший человек, который полюбил его. Волк готов отдать жизнь за человека, от которого он получает любовь и ласку. У него начинается новая, спокойная и достойная жизнь.


Роман «Мартин Иден» также автобиографичен, во многом сливается с биографией писателя. Называя имя литературного героя Мартена Идена, мы невольно подразумеваем имя Джека Лондона. На протяжении романа он пытается дистанцироваться от описания своей биографии и вводит общественно- социальные проблемы.

Мартин – молодой человек из народа, рвущийся к знанию, но скован цепями рабского труда и нищенским существованием. Красной нитью через весь роман проходит стремление к интеллектуальной жизни, к жизни достойной человека.

Жизненный путь Идена – цепь горьких разочарований, приведших в конце романа к самоубийству: путешествуя на корабле в окружении высшего общества, он неожиданно бросается за борт.

Герой романа, с большим трудом выйдя из нищеты, не смог стать и буржуа, потому что узнал их эгоизм, торгашество, расчет, нравственную пустоту. Его герой оказался меж двух социальный слоев: рабочими и буржуа.

Даже его возлюбленная девушка Руфь из высшего общества не понимала его и оказалась неспособной стать выше предрассудков своей среды.

«Мартин Иден» – роман о человеческой судьбе, о личности, стремящейся к достойной жизни. Одновременно это роман о возможностях человеческой натуры: Мартин Иден собственным трудом избавляется от нищеты и добивается достойного положения в обществе. Впрочем, и в высшем обществе героя романа настигла такая же нищета, только духовная.


Вопросы:

  1. Почему до войны за независимость американская литература, в основном, была религиозного характера?

  2. Какие политические события дали толчок к появлению жанра приключений в американской литературе?

  3. Есть ли точки соприкосновения в образах Маугли, Акеллы, рыжих псов с Белым Клыком? Что считаете принципиально разным?

  4. Какие качества характера помогли Джеку Лондону из уличного бродяги стать самодостаточным человеком? Возможна ли такая биография в наши дни?

  5. В чем разочаровался Мартин Иден?



16. Контроль знаний


1. Процесс развития реализма в английской литературе.

2. Что такое чартизм? Почему он характерен для английской литературы?

3. Чем объяснить зарождение натурализма в литературе Запада?

4. Почему архитектура Западной Европы в 19 веке терпит упадок?

5. Причины появления фрагментарной композиции в живописи Франции в конце 19 века.

6. Покажите отличия между романтизмом и неоромантизмом.

7. Почему Стивенсон и Конан Дойл – неоромантики? В чем выражался неоромантизм Конан Дойла?

8. По какой причине в конце 19 века строятся небоскребы в США?


  1. раздел

Культура России второй половины 19 века

Общая характеристика культура России 2-й половины 19 века.

В 50-е годы 19 века в русской культуре намечается раскол, который изменил в корне дальнейший путь развития русской культуры. Причины раскола – позорное для великой страны самодержавие, незавершенность реформ. Русская интеллигенция разделилась на три лагеря: консерваторы, которые поддерживали существующее положение в стране, либералы и демократы.

На основе самого большого, демократического движения развивается новая литература, живопись, музыка.

В литературе демократами были Некрасов, Чернышевский, Добролюбов.

В музыкальной культуре – группа композиторов «Могучая кучка»

В живописи – объединение художников «Передвижников»

Всех демократов объединяло реалистическое направление в творчестве, демонстрация протеста против существующего строя.


17. Передвижники

Русское искусство середины 19 века отличает настойчивые поиски положительных начал в жизни. Критические тенденции не устраняются, но иначе и глубже осмысляются.

В 1869 году образовалось товарищество передвижных художественных выставок. Сокращенно ТПХВ. Просуществовало общество до 1923 года. Вдохновителем и организатором этого демократического движения был художник Крамской. Свое социальное выражение организация получила в широком движении «хождение в народ» или народничество.

Группа художников передвижников отвергает «мертвое» академическое «искусство ради искусства» и разрабатывает свои темы, отвечающие духу времени. Меняется общественный статус искусства, демократическая живопись прочно завоевывает общественную трибуну.

Большой вклад в развитие выставок сделал Третьяков – меценат и основатель Третьяковской галереи. В 70-е годы он собирает произведения реалистического искусства, становится спонсором и организатором передвижных выставок. Художники разъезжают по городам России и устраивают выставки. Столичная интеллигенция, воспитанная на салонно-академической живописи, не принимала творчества передвижников. Передвижные выставки являлись своеобразной формой опроса общественного мнения по поводу нового искусства. Так решалась просветительская программа реалистической живописи.

Перов (1834 – 1882г.г.)

«hello_html_54f50de3.jpgПеров – это Гоголь и Островский, Достоевский и Тургенев в русской живописи, соединенные вместе» - так писал о нем биограф Собко.

Василий Григорьевич Перов родился в Тобольске. Он внебрачный сын дворянина барона Криденера. «Перов» - это прозвище, которое ему дал дьячок, обучавший его каллиграфии. Талантливый юноша поступает в московское училище живописи и ваяния.

Вслед за творчеством Федотова в художественной среде быстро растет число художников – бытописцев. Перов глубже разрабатывает бытовой жанр, наполняет его драматизмом, изображая все грани общественной жизни России.

Бытовой жанр у Перова, кроме повествовательной формы, обретает новую аналитическую и социальную идею. Бытовая картина, предметом которой являются конкретные отношения между людьми, постепенно превращаются в ведущий жанр передвижников.

Дипломная работа Перова «Сельский крестный ход на Пасхе» была отвергнута за непристойное изображение духовенства. Обличительную тему духовенства он продолжил в картине «Проповедь на селе». Академия присудила этой дипломной работе золотую медаль, не разглядев в ней фальшь и лицемерие прихожан. Эту тему художник продолжает в следующей картине – «Чаепитие в Мытищах».

Нhello_html_m2f456d65.jpgекрасовское народничество отражено в картинах «Проводы покойника», «Тройка», где он показывает безотрадную жизнь крестьян и крестьянских детей. В картине «Тройка» художник писал детей с натуры. Центральная фигура - мальчик Вася. Вскоре после написания картины мальчик умер. Его матери, не имеющей денег, разрешили посетить Третьяковскую галерею и посмотреть на своего сыночка. На виду у всей публики она упала на колени перед картиной «Тройка» и горько плакала, вспоминая своего Васеньку.

Перов владел исключительным рисунком и композиционным чутьем. Его картина «Охотники на привале», где он точно показал три типа темперамента, стала самой популярной, культовой картиной того времени.

Вершина творчества Перова – портрет Ф.М. Достоевского. Перов серьезно подошел к портрету, он хотел добиться не только внешнего сходства, но и показать через портрет писателя – мыслителя, дать его психологический образ. Художник сделал много эскизов с натуры, но сути великого писателя они не передавали. Однажды Федор Михайлович пришел на сеанс позирования в мастерскую Перова, который задержался. Писатель сел его ожидать, в это время пришел Перов, и в зеркале, в прихожей увидел отражение сидящего Достоевского. Это было то, что так долго искал художник. Размышляющий писатель ,он сцепленными пальцами рук обхватил, кажется, свои мысли, свою загадочную душу, куда войти простым смертным не дано.

Крамской (1837 – 1887г.г.)

Крамской был организатором передвижников. Работал в жанре портрета.

Его герои – представители передовой русской интеллигенции, «властители дум». Он писал портреты Салтыкова – Щедрина, Некрасова, Льва Толстого, Третьякова… В портретах воплощается, скорее, не индивидуальное своеобразие, а определенная гражданская позиция.

«Честный человек всегда вертикален», утверждал художник. В портретах Крамского эта вертикальная ось, или «линия честности», подчиняет себе модели с властной серьезностью. В портрете Л.Н. Толстого эта вертикаль чувствуется. Великий русский писатель изображен не в сюртуке, а в свободной рубахе, – некий род естественного одеяния, «одежды вообще». Глубокое и просветленное спокойствие, испытывающий взгляд.

Нhello_html_m11985441.jpghello_html_m4ecf0ff9.jpgе чужда была для Крамского женская красота. Его «Неизвестная» стала культовым портретом того времени. Это – русская Нефертити 19 века.

Ранним утром художники – артельщики привели Крамскому в аудиторию красивую женщину. Художники, том числе и Репин, стали к мольбертам, чтобы сделать несколько эскизов портрета красавицы. Она согласилась позировать и через некоторое время покинула аудиторию, так и не назвав своего имени. Крамской изобразил ее в карете на фоне заснеженного Петербурга.

Особую роль в философских взглядах Достоевского занимает проблема человека. Достоевским было выделено два варианта жизненного пути, по которому может идти человек: путь человекобога и путь богочеловека.

Философская работа Крамского «Христос в пустыне» по своему психологическому строю напоминает портрет Достоевского, Перова. Крамской показал внутреннее одиночество, искушение мыслью, выбор на распутье оттягивающего решение. Крамской воссоединил две родственных по духу производных: человека и Бога. Человек- Христос, озабоченный судьбой человечества, – он одинок не в пустыне, а как в пустыне.

Форма евангельского сюжета не означает и не исключает религиозности. Здесь вечное и актуальное жизненное содержание, возведенное в ранг общечеловеческой драмы.

Н.Н.Ге. Евангельская тема

Тему Христа продолжает художник Николай Ге. Его Христос реалистичен, он, прежде всего, человек, помещенный в реальную действительность. Он – олицетворение совести народа. Тема Христа у Крамского и Ге – это кардинально новое прочтение Евангелия, чего не было ни в Западной Европе, ни в России. В Европе изображали библейские сюжеты, как театральное действие (Джотто, Леонардо да Винчи). Если у Джотто – Христос олицетворение стойкости перед ударом судьбы, то у Ге – Христос – человек, страдающий от ударов судьбы. Христос не театрален, а реалистичен. Библейский сюжет становится основой нравственно-философских рассуждений о жизни.

У Ге Христос – носитель толстовских идей. Художник поддерживал философию Толстого, изображая Христа не противоборствующим судьбе, а человека, страдающего от насилия. «Непротивление злу насилием приводит человечество к замене закона насилия законом любви», – проповедовал Лев Николаевич Толстой.

Кhello_html_6484c935.jpgартина «Что есть истина», написанная на библейский сюжет, раскрывает сюжет – допрос Христа Понтием Пилатом. Ге не показывает лицо Пилата, но мы чувствуем, что он холёный, наверняка гладко выбрит и полон чувства достоинства. Он находится на свету, его тело купается в лучах утреннего солнца, он излучает счастливую жизнь.

Михаил Булгаков в романе «Мастер и Маргарита» будто списал с картины Ге образ Пилата: «В белом плаще с кровавым подбоем, шаркающей походкой, ранним утром четырнадцатого числа весеннего месяца нисана в крытую колоннаду между двумя крыльями дворца Ирода Великого, вышел прокуратор Иудеи Понтий Палат.

…Человек со связанными руками несколько подался вперед и начал говорить:

– Добрый человек, поверь мне…».

Худая фигурка Христа сдвинута в тень, на дальний план, он в рваной одежде, ссутулившись, покорно отвечает на вопрос Пилата: «Что есть истина?». Христос унижен, он не сопротивляется перед внешне превосходящим его Пилатом. В этой библейской сцене проявляется толстовское «непротивление злу насилием». Ге показывает, что есть истина: в противопоставлении богатства и бедности; в правах одних и бесправии других; место под солнцем одних и место в тени других. Истина здесь, перед тобой.

Композиционный прием по диагонали Ге трактует как диалог. Первая картина диагонального композиционного решения была на историческую тему. Это картина «Петр I допрашивает своего сына Алексея». Диагональная композиция – излюбленный сюжетный прием художника. В такой композиционной манере выполнены и картины «Что есть истина», «Тайная вечеря», «Христос и Никодим»…

В «Тайной вечере» художник использует не каноническую композицию, а в контрастном световом диалоге, Христос однозначно указывает, кто его предал.

Пhello_html_m7663e507.jpghello_html_m4f8aed60.jpgо-своему Ге трактует и сам образ Христа. В картине «Голгофа» он изображает Христа, в ужасе обхватившего свое лицо. Это и ужас человека перед насильственной смертью, ибо только глупый человек не боится смерти; и ужас от осознания бесполезности своего учения. Христа не поняли и не приняли. В предсмертных муках он ищет ответ, ради кого он идет на Голгофу? Ради чего жил?

В картине «Распятие» изображен неприкрытый ужас Христа. Он рвется к людям с искаженным от боли лицом, пытаясь сказать что-то важное, донести свои последние слова, в надежде, что люди его поймут, и он уйдет из жизни достойно, но кроме вора, висящего рядом с ним на кресте, его никто не слышит.

Распятие у Ге – смерть измученного человека, распятие в иконе – красивый и безмятежный образ: Христос не испытывает человеческих эмоций, он отрешен от человеческих страданий. Но разве в жизни мог Христос не чувствовать физической и душевной боли?– ведь он пришел в мир, как человек…


Батальный жанр

В. Верещагин (1842 – 1904)

Просветительская деятельность русского искусства второй половины 19 века ярко отразилась в творчестве Василия Верещагина – знаменитого художника – баталиста.

Василий Верещагин окончил морской кадетский корпус, был военным, но вскоре подал в отставку и поступил в Петербургскую Академию художеств.

Пhello_html_m4efc2531.jpghello_html_63f703d.jpgо окончании академии, в 1867 году, с радостью принял приглашение Туркестанского генерал-губернатора К. П. Кауфмана состоять при нём художником. Приехав в Самарканд после взятия его русскими войсками в мае 1868 года, Верещагин получил боевое крещение, выдержав с горстью русских солдат тяжелую осаду города. За проявленный героизм Верещагин удостоился Ордена Святого Георгия 4-го класса, который он с гордостью носил, хотя вообще отрицал, всякие награды и отказался впоследствии от чина и звания профессора Академии художеств.

Вhello_html_646c6ca4.jpgерещагин много путешествовал по миру – от Китая до Америки, делал зарисовки. Он показывал красивые пейзажи далеких стран, бесчеловечность отживших обычаев, религиозный фанатизм, дикость и варварство колонизаторов, и конечно, ужасы войны. Наблюдая жизнь простых людей в Самарканде, путешествуя по Индии, он создает серию картин, где показал колорит восточных стран, их обычаи, архитектуру. Среди этой серии жемчужиной выглядит картина «Мавзолей Тадж-Махал в Агре». В противоположность этой необычайно красивой архитектуре он выставляет картину «Апофеоз войны», где изображает пирамиду черепов под раскаленным солнцем пустыни. Это – аллегория войны, расшифрованная текстом на раме картины: «Посвящается всем великим завоевателям, прошедшим, настоящим и будущим».

Следующая «Балканская серия» связана с началом русско-турецкой компании в 1877году. Верещагин стал не только очевидцем, но и участником битвы на Балканах под командованием генерала Скобелева. Художник показал не красивую победу, а трагедию этой войны. Картина «Шипка-Шейново. Скобелев под Шипкой», оскорбила русского императора. Здесь Верещагин показал победоносную армию Скобелева на последнем плане, на первом – трупы солдат. Это главная цена победы.

Когда началась русско-японская война, Верещагин поехал на фронт. Он погиб 31 марта 1904 года вместе с адмиралом С. О. Макаровым при взрыве на мине броненосца «Петропавловск» на внешнем рейде Порт-Артура.

Василий Верещагин был не только выдающимся художником и гражданином, но и личностью. Он не писал картины на заказ, не «ломал шапку» перед вышестоящими чиновниками, в нем не было гордыни и звездности, он остался в истории как честный, смелый человек, который первым отважился показать все ужасы войны.

Верещагин - художник легендарной судьбы и славы. Для современников – и на родине, и в Европе – он не только выдающийся живописец, но и отчаянный боец, порывающий с общепринятыми устоями в жизни и творчестве. Выдающийся талант и натура, быть может, как натура, он был значительнее и грандиознее, чем как талант.

"Верещагин не просто только художник, а нечто большее", – отозвался о нем Крамской после первого знакомства с его живописью и спустя несколько лет вновь заметил: "Несмотря на интерес его картинных собраний, сам автор во сто раз интереснее и поучительнее".




Вопросы:

  1. На фоне каких политических событий появилось общество передвижников?

  2. По каким признакам можно считать Перова последователем Федотова?

  3. Чем замечателен портрет Достоевского кисти Перова?

  4. Как трактует образ Христа Крамской?

  5. Что нового для мировой культуры открывает Ге в образе Христа?

  6. В чем заключалось новаторство В. Верещагина?


18. Пейзажная живопись


Перед тем, как перейти к художникам – пейзажистам, интересным будет познакомиться с творчеством гениального мариниста Ивана Айвазовского.

Иhello_html_f80df0d.jpgван Айвазовский Ованес Айвазян (1817 – 1900г.г.).

Армянин по происхождению. Закончил Петербургскую Академию художеств с золотой медалью. Он был известен всему миру своими неподражаемыми морскими пейзажами. Его пейзажи приобретали турецкий султан и римский Папа, его выставки в Европе и России становились сенсацией.

Он был профессором петербургской Академии, а так же состоял в академиях Рима, Парижа, Флоренции, Амстердама, Штутгарта. Английский художник Уильям Тернер настолько был восхищен морскими пейзажами Айвазовского, что посвятил ему стихотворение. В стихотворении он пишет, что живопись принял за действительность, настолько натурально умел художник передавать морские волны, бhello_html_33d6820.jpgрызги воды, состояние природы. Каждая из его работ – это шедевр. Некоторые из них: «Девятый вал», «Черное море», «Радуга»… Картина «Прощание Пушкина с морем» написана совместно с Репиным. Пушкин будто читает здесь свое стихотворение:

Погасло дневное светило;

На море синее вечерний пал туман.

Шуми, шуми, послушное ветрило,

Волнуйся подо мной, угрюмый океан…

Айвазовский зарекомендовал и прославил русскую школу живописи во всем мире с наилучшей стороны.


Пhello_html_702b4f40.jpgейзажная живопись в картинах художников – передвижников


В пейзажной живописи передвижников образ родной природы столь же значимый, как портрет, бытописание и другие жанры. Пейзажисты ставили задачу создания пейзажа – картины, эмоционального и глубоко содержательного показа национальной природы. У разных художников пейзаж проявлялся через лирику, через обобщение образа природы.

А.К. Саврасов (1830 – 1897г.г.)

Саврасов – создатель эмоционального настроения в пейзаже.

«Грачи прилетели» - самая известная картина художника. Пейзаж написан в одном из сел под Коломной. В этом простеньком пейзаже художник сумел передать пробуждение природы и уходящей зимы, влагу вешнего воздуха, гомон птиц. Все это – переданное нам ощущение природы средством живописи. Важная тема – что там изображено: корявые березы, гнезда грачей, мокрый грязный снег, полуразвалившиеся сараи, невзрачный кремль и церквушка. Придуманный пейзаж написать красиво проще, чем подать красиво реалистический, не всегда красивенький пейзаж. Некрасивое подать в живописи красиво – это новое слово в развитии пейзажной живописи, это – уже реалистическое искусство. В пейзаже «Грачи прилетели» воплотилось то, к чему еще в начале 19 века пытался прийти европейский родоначальник реалистического пейзажа - Констейбл. Картина «Грачи прилетели» становится символом реалистического пейзажа.

Саврасов к картине «Пролесок» говорил: «Мне не нужно ни богатой природы, ни великолепной композиции, дайте мне хоть грязную лужу, да чтоб в ней правда была, а поэзия во всем может быть, – это дело художника».

И.И. Шишкин (1832 – 1898г.г.)

Богатырь русской пейзажной живописи.

Великолепный рисовальщик, он умел с фотографической точностью изображать деревья, цветы, облака, все, что попадает в поле зрения пейзажиста.

Дhello_html_47622bfe.jpgля Шишкина характерны простота, типичные национальные мотивы, панорамность пейзажа. В своем искусстве руководствовался тем убеждением, что природа прекрасна сама по себе, задача художника – как можно точнее передать ее обаяние. По высказыванию Крамского о Шишкине, это «…верстовой столб в развитии русского пейзажа, это человек – школа…».

Русская академическая школа того периода была одной из передовых. Об этом свидетельствует факт: когда Шишкин отправился в Европу, в Швейцарии, в Тевтонском лесу рисовал пейзажи, его рисунки пером привлекли внимание ценителей искусства. Художник вспоминал: «Где и куда не пойдешь, - везде показывают – пошел вот этот, русский, даже в магазинах спрашивают, не вы ли тот русский Шишкин, который так великолепно рисует?».

Шишкин создал монументальные полотна, прославляющие могучее плодородие родной земли. Его работы, такие, как «Рожь», «Утро в сосновом бору» стали хрестоматийными.

А.И. Куинджи (1842 – 1910г.г.)

Мастер передачи различных состояний природы.

Вhello_html_4f69445a.jpg пейзажах художника поражает богатство красок. Он обладал необычайной чувственностью зрения к оттенкам, к тончайшим различиям тонов. Куинджи до иллюзии точно передавал различные состояния природы: солнечный день, вечер, ночь. Его картина «Лунная ночь на Днепре», которая находится в Государственном Русском музее, огорожена, чтобы посетители не заглядывали за картину с целью обнаружить искусственную подсветку. «Иллюзия света была его богом, и не было художника, равного в достижении этого чуда в живописи»,– писал Репин.

«Березовая роща», «Вечер на Украине», «Ночное» производили на зрителей неизгладимое впечатление. Его живопись стала популярна. Этим пользовались авантюристы, желающие легко разбогатеть. Они заказывали копии пейзажей Куинджи и продавали их на аукционе за большие деньги, утверждая, что это работы мастера. А когда поползли слухи, что Куинджи торгует своими картинами на аукционе, он сам туда пришел, и вся правда открылась.

Уhello_html_m1e6d8fb9.jpgченик Куинджи, художник Николай Рерих называл его гуру, то есть, духовный учитель, наставник. Действительно, Куинджи обладал необычайной мудростью и добротой. Его любили даже птицы, которые садились ему на плечи и руки, он лечил раненых птиц и его еще называли птичьим доктором. Если появится в Петербурге раненая птица, она знает своего доктора, полетит к окну Куинджи, и он ее обязательно спасет.

Он любил заниматься благотворительностью. Много денег жертвовал на развитие художественного образования в России, но делал это так, чтобы никто не знал, от кого пришли деньги.

Куинджи оказал большое духовное и образовательное влияние на своих учеников. Его мастерству, его доброте и мудрости подражали студенты. Считалось большой удачей учиться в мастерской выдающегося художника.


В.Д. Поленов (1844 – 1927г.г.)

Поленов был не только пейзажистом, но и мастером жанровых сцен.

Оhello_html_4ec59737.jpgт пейзажей Поленова веет усадебным уединением, уютом тихой загородной жизни. «Заросший пруд», «Бабушкин сад»,– они будто вышли из литературных произведений Тургенева.

Поленов был талантливым жанристом. Одна из популярных его картин на библейскую тему «Христос и грешница». Многофигурная композиция раскрывает сюжет из Библии о том, как люди забивали камнями женщину. В библейские времена на Востоке такое наказание было общепринятым: жену за измену мужу горожане забивали камнями. Но, на этот «суд» пришел Христос и сказал горожанам: «Кто не грешен брось в нее камень». Никто не посмел. Так была спасена женщина, впоследствии сподвижница Христа, раскаявшаяся в своих грехах Магдалина.

hello_html_m24d0c7d0.jpg Самая известная его работа – «Московский дворик». Написал он ее играючи, по вдохновению. На выставке передвижников решил показать эту картину, не рассчитывая на успех. Но «Московский дворик» произвел на его соратников огромное впечатление и стал визитной карточкой его творчества. Что же особенного в этой картине? Художники, писавшие пейзажи до него, изображали южное и контрастное итальянское солнечное освещение и вдруг – появляется солнце средней полосы России: нежное, с северным серебристым оттенком. Такое солнце нельзя увидеть ни в Италии, ни в Германии. Так, интуитивно, Поленов открыл русское солнечное освещение.


И.И. Левитан (1860 – 1900г.г.)

Левитан поэтично и проникновенно передавал многообразие и красоту русской природы. Он создавал образы огромного художественного обобщения. В его работах природа – вечно живая, созвучная человеческому чувству, пейзажи – то полны страстей, то глубокой скорби, то всепобеждающей силы жизни.

Лhello_html_m498b6488.jpghello_html_1caf35c3.jpgевитан был другом Чехова. Личная жизнь Левитана питала чеховское воображение. Левитан путешествовал по Европе, во Франции он познакомился с живописью барбизонцев. Поэтические сельские пейзажи французских мастеров оказали влияние на творчество Левитана.

Визитная карточка Левитана – пейзаж «Золотая осень».

Гhello_html_4b80d8d3.jpgлубокие философские раздумья о смысле жизни и величии природы выражены в картине «Над вечным покоем». Овеянная гражданской скорбью «Владимирка» – дорога, по которой вели каторжан в Сибирь: хмурое небо, выжженная солнцем трава, придорожный крест – все в этой картине созвучно тем скорбным песням, которые сложил о владимирской дороге народ.

Последняя картина художника «Озеро» задумана как обобщенный образ родины.

Художник через пейзаж умел мастерски передавать поэзию и лиризм русской природы.


Вопросы:

  1. Какие задачи ставили перед собой художники – пейзажисты?

  2. Назовите характерные черты каждого из пейзажистов - передвижников.

  3. Какие картины вам знакомы с детства?

  4. Кто из художников вам понравился, объясните, чем.


Задание на дом: подготовьте сообщение об одном из художников-пейзажистов, включая его биографию и творческий путь.


19. Жанровая живопись

Большинство художников 19 века работали в области жанровой композиции. Одной из главных тем художников – передвижников была крестьянская тема, так как крестьянский вопрос оставался в России наиболее острым. В этом жанре работали Савицкий, Маковский, Максимов, Мясоедов, Корзухин.

К.А.Савицкий (1844 – 1905г.г.)

Гhello_html_mc198dd9.jpgлубоко прочувствованное изображение народной жизни можно видеть в картинах Савицкого. Его первая большая картина «Ремонтные работы на железной дороге» созвучна стихотворению Некрасова «Железная дорога». Картина производит впечатление сутолоки и хаоса. Первыми рабочими на железной дороге были крестьяне, они не понимали сути того, что они делают, поэтому автор передает ощущение неорганизованности в работе. Художник первым обращается к теме рабочего. В пейзаже его не заботила воздушная перспектива, состояние природы, потому что цель картины – показать дешевый труд крепостных крестьян, которые с утра до поздней ночи трудились на обогащение барина. Проложить железную дорогу по барской земле дорогого стоило для землевладельца. Железная дорога, по выражению Некрасова, лежала на крестьянских костях.

По окончании петербургской академии, Савицкий отправляется во Францию, где пробует работать на пленере. Оттуда привозит работы, наполненные воздухом, морской свежестью, например, «Море в Нормандии».

Вhello_html_34128434.jpg своей следующей большой картине «Встреча иконы», художник уже использует наработки французского пленера. В картине ощущается определенное состояние дня, воздушная перспектива. В многолюдной сцене художник показывает драму народной жизни. Умело выстраивая композицию, он передает нарастающее из глубины движение людской толпы, раскрывает образы крестьян: кто-то неистово молится, кто-то взирает на икону равнодушно, кто-то молчит… Художник вводит в многофигурную композицию психологические портреты. Это уже не масса народа, а сообщество индивидуальностей. Неяркие краски серенького летнего дня, рефлексы неба на лицах и разноцветных одеждах объединены единством колористического решения.

В многофигурной картине «На войну» художник отказывается от световоздушного решения, он работает яркими мазками, напоминающими русский лубок.


Творчество Репина и Сурикова знаменуют расцвет искусства второй половины 19 века. Художники создавали образы такой силы, что они имели ценность для всего человечества.

И.Е. Репин (1844 – 1930г.г.)

Богатырь русской живописи. Обладал гибкостью изобразительного языка,– от классического до современного. Творчество Репина – зрелый итог русской реалистической школы.

Тhello_html_6649e382.jpgворчество Ильи Ефимовича – пример исключительной талантливости, чуткой отзывчивости к явлениям и событиям своего времени. Нужно было обладать огромным трудолюбием, чтобы исполнить тысячи рисунков, написать большое количество произведений, столь не похожих друг на друга.

Жанровая живопись

Под влиянием Крамского Репин начал работу над своей картиной “Бурлаки”. Сюжет возник во время прогулки под Петербургом летом 1868 года. Внимание Репина привлекли две группы: одна из них — пестрый “цветник” барышень и кавалеров, а другая — оборванные бурлаки, которые тянули баржу по Неве. Эта тема овладела молодым художником. За настоящими бурлаками Репин отправился с молодым художником, талантливым пейзажистом Фёдором Васильевым на Волгу, где выполнил множество портретных зарисовок бурлаков. В конце лета 1870 года он привез свои волжские этюды в Петербург. После трех лет работы появилась картина “Бурлаки на Волге” (1873), впервые прославившая имя Репина.

Картина построена так, что бурлаки, двигаясь из глубины на зрителя, не заслоняют друг друга. Это сделано мастерски. Перед нами — вереница персонажей, каждый из которых — самостоятельная портретная индивидуальность. Репину удалось соединить условность картинной формы с удивительной натурной убедительностью. Художник разбивает ватагу бурлаков на отдельные группы, сопоставляя различные характеры, темпераменты, человеческие типы.

«Бурлаки на Волге» – одна из первых его работ. Здесь он создает вереницу образов и характеров русского народа. Вытянутость картины по горизонтали напоминает классический фриз, ритм идущих бурлаков напоминает ритм эпического повествования.

В 1883 году был закончен “Крестный ход в Курской губернии”. Современники видели в этой картине один из лучших образов пореформенной России. Сам Третьяков купил картину для своей галереи.

В композиции присутствует жизненная достоверность. Под палящим солнцем в пыли движется толпа. Перед нами проходит вся Россия с ее бесправным народом, чванистыми барынями, мещанками, озверелыми урядниками, священниками. Симпатии художника на стороне народа, среди них ярко выделен образ горбуна. Он, пожалуй, единственный с открытой душой, он искренне верит в чудо: Бог избавит его от уродства.

Тонкими нюансами цветовых пятен художник добивается передачи движения толпы

Вhello_html_m2e8b63dc.jpg полотнах Репина на крестьянскую тему отражена широта художественных интересов автора. Вынашивая замысел эпического, многофигурного “Крестного хода”, художник мог одновременно увлекаться и решением более частных задач, он изучает психологический образ крестьянина. Так возникают, например, его известные портретные работы “Мужик с дурным глазом” и “Мужичок из робких”, где художник исследует социально определенные образы-типы, много дающие для понимания сложности народного характера.

Иhello_html_m419e870f.jpgнтерес Репина к русскому освободительному движению и его участникам, интерес, который он разделял и с писателями и с некоторыми своими коллегами-передвижниками, говорил, прежде всего, о жизненной активности его творческой позиции, о его социальной чуткости. Начав с беглых этюдных набросков, художник последовательно углублял эту тему, поворачивая ее разными жизненными гранями, выявлял в ней различные психологические аспекты. Даже один и тот же сюжет, “Арест пропагандиста” в нескольких графических эскизах и живописных вариантах обретал каждый раз особый человеческий смысл, свою интонацию. Картину «Арест пропагандиста» долго не разрешались выставлять, а когда выставили, – дело дошло до царя…

Самым значительным произведением на революционную тематику стало полотно “Не ждали”. Художник изобразил революционера, возвратившегося в родной дом из ссылки. Его неловкая поза, ожидание, застывшее в глазах, свидетельствуют о неуверенности, даже страхе: узнает ли его семья, примут ли отца, отсутствующего много лет, его дети? Репину удалось мастерски передать всю сложную гамму чувств, отраженных на лицах революционера и членов его семьи. Испуганно смотрит на незнакомого мужчину девочка (когда его забрали, она была слишком мала и потому забыла своего отца), изумлением полны глаза жены, сидящей у рояля. А на лице мальчика — радостная улыбка, говорящая о том, что ребенок догадался, кто стоит перед ним.

Портретная живопись.

Пhello_html_m98c22cb.jpgоселившись в Москве, Репин посещает Новодевичий монастырь и знакомится с портретом царевны Софьи, старшей сестры Петра I, жившей тут в заточении. Позже Репин напишет картину: “Царевна Софья в Новодевичьем монастыре”. На этом полотне, по словам Крамского, Софья походит на запертую в железной клетке тигрицу.

В портретах, в отличие от Крамского, Репин ищет свой колорит, свою психологию, характер, даже некую сценическую интригу, как режиссер.

Активно-наступательный «композиционный жест», лавинообразующий поток занозистых шершавых мазков, прищур глаз, нетерпимость к инакомыслию, – это портрет Стасова.

Кресло. Темный силуэт. Атмосфера тишины и сдержанности; взгляд, выпытывающий у зрителя ответ на вопрос, словно возникающий из чтения книги. В портрете Лев Николаевич Толстой не глашатай истины, а мучимый сомнениями искатель её.

hello_html_695ae185.jpgАктриса Стрепетова изображается не крашеной красавицей, а простоволосой женщиной. Задача Репина состояла в том, чтобы показать красоту ее души, а не внешности.

В эти же годы по заказу Третьякова Репин написал портреты Аксакова, Писемского, Мусоргского, Рубинштейна, Пирогова.

Герои репинских портретов почти всегда как-то реагируют на присутствие зрителя: противопоставляются, вскидывают голову, бросают пронзительные, недоверчивые или лукавые взгляды, кокетничают…

Портретная характеристика у Репина – тип реакции людей на присутствие наблюдателя, ситуация позирования с собственным темпераментом и психикой. Человек превращен в актера своего собственного характера.

Исторический жанр

hello_html_ma809af5.jpgВысочайшего творческого подъема Репин достиг в картине “Иван Грозный и сын его Иван” (1885). На ней изображен царь после того, как он нанес смертельную рану сыну, в ту минуту, когда к нему приходит осознание чудовищности совершенного им преступления. В образе Ивана грозного соединились два чувства: отцовское и государственное,– он потерял сына, а Россия – будущего царя. Царская династия оборвалась.

Выделяется своей колоритностью полотно “Запорожцы пишут письмо турецкому султану”. В 1878 году, будучи в гостях в Абрамцеве, Репин услышал рассказ украинского историка о том, как турецкий султан писал к запорожским казакам и требовал от них покорности. Запорожцы не заставили себя долго ждать, они пишут ответное письмо турецкому султану. Текст запорожцев был смел, дерзок, полон издёвок над султаном. Репин пришел в восторг от этого послания и сразу сделал карандашный эскиз. Вдохновившись сюжетом о казаках, он отправляется в Запорожье, где изучает их одежду, быт, оружие… Встречается с потомками тех казаков, которые писали письмо, делает массу эскизов и зарисовок образов. Первая композиция не давала ему покоя: стол углом к зрителю, за ним сидит писарь, вокруг него – казаки. Тогда он добавляет на передний план еще одну фигуру, которая образовала законченный овал центра композиции. То, что писали казаки, трудно перевести на литературный язык, а значит, никому не надо видеть, что они пишут. Овальной композицией Репин сделал замкнутое пространство, где «творят» грамоту только казаки. Над картиной художник работал десять лет, она была закончена только в 1891 году.

Основополагающие художественные позиции Репина формировались в шестидесятые годы. Позже он писал о себе: “Я человек 60-х годов… я стремлюсь олицетворить мои идеи в правде, окружающая жизнь меня слишком волнует”. Никто из русских художников, кроме Карла Брюллова, не пользовался такой прижизненной славой, как Илья Репин. Современники восхищались его до иллюзий “живыми” портретами и многофигурными жанровыми композициями, артистичной манерой письма, а в социальном плане — умением обозначить самые злободневные проблемы русской жизни.


В.И.Суриков (1848 – 1916г.г.)

Сhello_html_m5c036e88.jpgуриков – величайший исторический живописец 19 века. Языком высоких художественных образов он рассказывал о подлинном герое истории – народе.

Род Суриковых ведет свое начало от донских казаков. Еще в 16 веке его дед бежал в Сибирь с Дона, с Ермаком. Василий родился уже в Красноярске. Он жил в Петербурге и в Москве, но дух казачьего бунтарства, ощущение казачьей воли будут ярко читаться в полотнах художника.

Сhello_html_m4141362b.jpgуриков окончил Петербургскую академию художеств с золотой медалью и в 1878 году переехал в Москву. Величавость старой русской архитектуры Кремля вдохновила художника на создание исторического полотна «Утро стрелецкой казни». Казнь стрельцов происходила в 1698 году. С великим художественным тактом Суриков изобразил не самую казнь, а минуты, ей предшествующие: «Все была у меня мысль, чтобы зрителя не потревожить». События происходят ранним утром на Красной площади. Около Лобного места, у храма Василия Блаженного видны телеги, на них в белых рубахах стоят смертники - стрельцы с зажженными свечами. Рядом – матери, жены, дети. Горе изображено со всей правдивостью. У стен Кремля на коне восседает молодой Петр, полный сознания своей правоты. Суть картины заложена в образах стрельцов – мужественных, полных несокрушимой душевной силы.

В его картинах главные и второстепенные образы писались с натуры. Суриков никогда не начинал многофигурные полотна, не обратившись к портретному этюду. Образы для своих исторических героев он искал среди друзей или на улице. В поисках портрета он выходил в город подолгу гулял по улицам, обращая внимание на прохожих, и если находил человека с лицом, которое он искал, приглашал к себе в мастерскую. Так, для следующей своей исторической картины «Боярыня Морозова», художник долго не мог найти натуры для главной героини. Однажды, посещая Рогожское кладбище, он увидел монашку с выразительными чертами лица. Ее внешность и послужила образом боярыни Морозовой. Для образа юродивого, Суриков нашел нищего, торговавшего на базаре огурцами. В толпе мы можем увидеть и портрет самого художника.

Сюжет картины взят из русской истории 17века и рассказывает о периоде раскола русской церкви. Историческая личность– боярыня Морозова не подчинилась церковным нововведениям Никона, занималась пропагандой старой церкви, за что была сослана в Сибирь.

Ключ к образу боярыни дала художнику увиденная им ворона, которая билась о снег черным крылом. На картине Суриков подчеркивает этот образ взмахом вверх руки боярыни со сложенным двоеперстием – знаком старообрядческой церкви.

Художник сделал много этюдов к картине, но изображение повозки, на которой увозили боярыню, ему не удавалось: она стояла на месте. Тогда художник рядом с повозкой дописал бегущего вслед мальчика, и повозка «поехала».

В своих картинах Суриков ставил задачи не только композиционные, но и цветовые. Он один из первых русских художников использовал наработки в передаче световоздушной среды. Снег в «Боярыне Морозовой» написан светлыми мазками, как это делали французские импрессионисты.

Художник написал картину «Переход Суворова через Альпы», где показал солдатскую удаль, смелость и находчивость, он – создатель образов Разина и Ермака в картинах «Степан Разин» и «Покорение Сибири Ермаком».

Суриков стал одним из лучших мастеров русской исторической картины. Ему удалось соединить реализм XIX века с ярким живописным новаторством в области световоздушной среды. Влияние Сурикова на развитие русской школы живописи было значительным, его творчество стало мостиком от традиционного искусства к новому, более авангардному.

Вопросы:

  1. Объясните, каким образом художники – передвижники боролись с несовершенством российских законов?

  2. Назовите основные работы Савицкого, Репина, Сурикова. Почему они считаются основными в их творчестве?

  3. Репина называют богатырем русской живописи. Почему?

  4. Расскажите историю создания картины Репина «Запорожские казаки пишут письмо турецкому султану».

  5. История создания картины Сурикова «Боярыня Морозова».


20. Архитектура России второй половины 19 века.


Вторая половина19 века в России и Европе ознаменована ростом капиталистических отношений. С одной стороны капитализм предполагает деловитость, приток в города рабочих, деловых людей которые нуждаются в жилье. С другой стороны, в связи с ростом научно-технического прогресса, появляется необходимость в строительстве зданий общественного назначения: вокзалов, доходных домов, банков, научных учреждений, библиотек. Градостроительство принимает более быстрый темп. В архитектурные конструкции внедряются новые технологии, такие, как бетон, чугун, железобетон, которые облегчают технологию строительства зданий.

В градостроительстве появляются дома, объединяющие целый квартал, внутри которых образуется так называемый «колодец». Архитектура подчиняется в первую очередь функциональному назначению здания, поэтому, украшался только фасад.

Вhello_html_m270f1af6.jpgторая половина 19 века в архитектуре была временем господства эклектики. Эклектика – смешение «исторических» архитектурных стилей. Строили в определенном вкусе – ренессансном, готическом, мавританском, древнерусском. Как правило, это выливалось в имитацию того или иного архитектурного стиля.

Московская архитектура

Москва – древнерусский город, поэтому, если говорить об эклектике, то ей созвучны древнерусские архитектурные мотивы.

Одной из разновидностей эклектики в русской архитектуре был псевдорусский стиль, обязанный своим возникновением, знакомством с народным декоративным искусством, крестьянкой деревянной резьбой. Узорчатые шатры и башни в городском строительстве доходили до «передразнивания» древнерусской архитектуры.

Эhello_html_m41b3c742.jpgклектика 19 века была в основном краснокирпичной. Яркий пример эклектики – здание исторического музея в Москве, архитекторы Семенов и Шервуд, Церковь Воскресения «на крови» в Петербурге, по проекту Парланда.

Кроме исторического музея, на территории Москвы строятся торговые ряды в псевдорусском стиле, разработанные архитектором Померанцевым. Башенками на фасаде, это здание объединяется в один стиль с историческим музеем, но в отличие от него, не перегружен декоративными формами. В перекрытиях торговых рядов, были применены новые конструкции, разработанные инженером Шуховым, так называемая сетчатая оболочка – перекрытие.

Оhello_html_345536fe.jpgсобое влияние на московскую эклектическую архитектуру повлиял художник Виктор Васнецов, по проекту которого был построен фасад Третьяковской галереи. Васнецов интерпретировал архитектурные формы Новгорода, Пскова, раннемосковские формы. Крупнейшим архитектором, опирающимся на архитекторский опыт Васнецова, был А.В.Щусев (1873 – 1949г.г.).

Сильное воздействие на творчество Щусева оказала новгородская и псковская архитектура. Архитектура этих русских городов характерна монументальностью, стилизацией форм, идеальной пропорцией. Одним из выдающихся архитектурных памятников Щусева, стал Казанский вокзал в Москве. В стиле эклектики был построен дачный дом в Абрамцево, напоминающий игрушечный русский теремок.


Р.И. Клейн (1858 – 1924г.г.) .

Важнейший представитель эклектизма в архитектуре.

Клейн обращается к другой Москве, Москве, которая возродилась из пепла Отечественной войны 1812 года. После пожара, город нуждался в новых застройках. Не трудно догадаться, что Москве – победительнице в войне, нужна и героическая архитектура.. Для отображения героики подходит классический стиль и ампир Москва застраивается архитектурой классического образца. Строится Манеж, перестраивается московский университет, заново планируется Театральная площадь с Петровским театром. Все чаще на улицах русского города становятся заметны строгие колоннады, арки, греческие фронтоны. Растет архитектура и усадебная, облик которой созвучен с классицизмом. Но, все - таки, Москва в целом, оставалась лицом русского города.

Кhello_html_m3fc7c2c4.jpgлейн уловил образ классической Москвы и органически соединил его с образом древнерусского города. Архитектор принимает активное участие в достраивании Пушкинского музея в Москве в классическом стиле. Затем разрабатывает бородинский мост в неоклассическом стиле.

Клейн делает большой прорыв в применении новых технологий в городском строительстве.

Архитектура Санкт – Петербурга

Петербург по своей архитектурной сути – европейский город, даже эклектичная церковь Воскресения «на крови» в этом городе не встраивается в общий архитектурный облик. Здесь ведущим стилем, становится псевдоклассицизм и псевдоренессанс.

Пhello_html_m2c88622a.jpgовышенный интерес к архитектуре эпохи Возрождения или ренессанса пришелся на первую треть 19 века. В этом стиле был построен Новый Эрмитаж по проекту Кленце. На фоне жесткого по форме и сухого рисунку фасада здания, выделяется большой красивый портик, антаблемент которого поддерживают атланты из серого мрамора, скульптора Теребенева.

К.А. Тон (1794 – 1881г.г.)

Мhello_html_m73f8c9cc.jpgосковский вокзал в Петербурге, и Петербургский (Ленинградский) вокзал в Москве, построенные по проекту выдающегося архитектора Тона. Два вокзала имеют русско-византийские мотивы. Архитектор подчеркивает их строгость и монументальность, объединяет единством стиля. Большие пролеты первого этажа, высокие колонны, с едва обозначающими русский московский стиль, удачно вплетаются в европейский стиль Петербурга.

Тон был учеником Воронихина и в начале своей деятельности в качестве архитектора, в духе классицизма построил пристань со сфинксами перед зданием Академии художеств. Сфинксы были привезены из Египта.

С 1839 года, Тон строит в Москве Большой Кремлевский дворец, в убранстве которого совмещает московскую и петербургскую архитектурную традицию: совмещает древнерусский и классический стиль.

Скульптура второй половины 19 века

Положение скульптуры в этот период времени оказалось кризисным. То, что скульпторы хотели изваять и выставить на улицы городов, не находило отклика у городских властей, стоящих на позициях существующей монархии. Им нужен был исторический жанр, прославляющий монарших особ. Так, появляются скульптурные композиции на историческую тему: «Тысячелетие России», «Памятник Екатерине II», перегруженные дробными элементами на постаменте.

Оhello_html_75d9e66b.jpgдним из ярких представителей скульптуры был М. П. Клодт, украсивший конными статуями Аничков мост в Санкт-Петербурге. Он создает скульптуру баснописца Крылова, которую устанавливают в Летнем саду. Крылов изображен сидящим на лавочке, здесь нет монументальности, его образ притягивает своей природной добротой и человечностью. В противоположность Клодт выполняет помпезную и торжественную скульптуру Николая I.

Бhello_html_m7d8f9113.jpgытовой жанр, идущий от сентиментализма, находит свое отражение в станковой скульптуре второй половины 19 века. Появляются скульптуры, «Сеятель» Крейтана, «Крестьянин в беде», Чижова. Эти скульптуры созвучны темам передвижников. Много скульптур, изображающих играющих подростков: «Мальчик, играющий в свайку», «Мальчик, удящий рыбу». Крыльцо Александровского дворца в Петербурге украшены скульптурами играющих парней.

Еhello_html_2d9bafc0.jpgдва ли не единственным образцом удачного монумента второй половины 19 века, является памятник А.С. Пушкина в Москве. Скульптор А.М. Опекушин. Он сумел избежать ложной величавости и торжественной патетики официальной монументальности. Скульптор наделил поэта человеческими чертами, показал его в момент одинокого раздумья.

Зhello_html_4e45c868.jpgависимость скульптуры от современной ей живописи, выразилась в непомерном развитии жанровой повествовательности. Значительной фигурой в этом направлении был М.М. Антокольский. Он компенсирует отсутствие монументальных средств выражения, изображением «монументальных личностей». «Иван Грозный», «Петр I», «Смерть Сократа», «Христос перед судом народа», «Ермак»… таковы главные герои скульптора.

Историческая заслуга Антокольского в том, что он противостоял наступлению бытовизма, сохранив за скульптурой право, говорить на своем языке.


Вопросы:

  1. Назовите причины возникновения нового архитектурного стиля.

  2. Что такое эклектика? Модернизм в архитектуре?

  3. Какой неостиль преобладает в архитектуре Москвы? Объясните, почему?

  4. Какой неостиль преобладает в Санкт – Петербурге? Объясните, почему?

  5. Что важно знать архитектору, прежде чем начать проектирование здания в том или ином городе?

  6. Почему скульптура в России во второй половине 19 века терпела «не лучшие времена»?

  7. Какие характеристики вы могли бы добавить к памятнику Пушкину, автора Опекушина?

  8. Что можно сказать об Иване Грозном в скульптурной версии Антокольского?


21–22. Могучая кучка


«Могучая кучка» – это сообщество пяти русских композиторов: М.А. Балакирева, М.П. Мусоргского, Н.А. Римского – Корсакова, А.П. Бородина, Ц.А. Кюи. Вдохновителем «могучей кучки» был музыкальный критик В.В. Стасов.

Общество просуществовало с 50-х до 70 –х годов 19 века. Деятельность «могучей кучки» можно назвать эпохой в развитии мирового музыкального искусства.

Композиторы ставили задачи обращение к русской теме в оперном и музыкальном искусстве, к русской народной музыке, использование элементов фольклорного звучания в классической музыке. Их творчество было тесно связано с народом. Они собирали народные песни, делали обработку. Так, в 60 годы вышел сборник сорока народных песен. Участники «могучей кучки» образовали бесплатную музыкальную школу с целью просвещения в области музыкальной культуры и поисков молодых талантов. В своих оперных произведениях на историческую или сказочную тему, композиторы искали звучание нового народного героя.

Модест Петрович Мусоргский (1839 – 1881г.г.)

Родился в дворянской семье, получил хорошее домашнее образование. Знал французский, немецкий язык, понимал греческий и латынь. В начале своего жизненного пути он выбрал военную карьеру. Был офицером Преображенского полка, затем служил в министерстве государственных имуществ. В эту пору он сближается с музыкантами, его другом и наставником становится Балакирев. Мусоргский много занимается игрой на фортепьяно, поет. У него по свидетельству современников был приятный баритон. Обладая природными музыкальными способностями, он начинает сочинять небольшие пьесы.

Позже, заявив о себе, как о композиторе, он приступает к опере «Борис Годунов» по произведению А.С. Пушкина. Опера состоялась в Мариинском театре, за 10 лет она ставилась 15 раз. В «Борисе Годунове» Мусоргский приходит к созданию нового оперного жанра – народной музыкальной драмы. Народ в опере – главное действующее лицо, поэтому, композитор вводит много хоровых сцен.

Композитор раскрывает в опере смутное время после царствования Ивана Грозного.

Нечестиво начал свое царствование Борис Годунов – в стране голод, мор, разорены житницы. В соборе Василия Блаженного проклинают самозванца Гришку Отрепьева. Народ колеблется: врут ли, что Гришка – царевич Дмитрий? Многие надеются, что с царевичем будет легче. В толпе появляется юродивый:

«Месяц едет

Котенок плачет

Юродивый вставай

Богу помолися…»

Народ слушает и пытается угадать в «котенке» Дмитрия, ведь юродивый, все равно, что пророк. Таких людей на Руси называли блаженными, они могли говорить правду в глаза даже царям. Их не наказывали, считалось, что их слово – глас Божий.

Юродивый похваляется: «А у меня копеечка есть». Эта фраза звучит у Мусоргского, как доверительный вопрос: А что будет?

Отняли у юродивого мальчишки копеечку. Обидели. Над площадью разносится тоскливый плач юродивого на фоне общего плача народа.

В оркестре вырастает новая музыкальная тема царя Бориса. В ней одиночество, красота, благородство. Но и в благородстве царя слышны нотки жалобы и одиночества. И царь, и юродивый – оба они никому не нужны, никем не поняты. hello_html_4aad231.jpg

На паперти собора стоит Борис Годунов. Оборванная голодная толпа подалась навстречу: «хлеба, …хлеба…», – кричит хор. Наконец, наступает тишина. Напряженное ожидание. Юродивый обращается к Годунову: «Борис, Борис, мальчишки отняли копеечку. Вели их зарезать, как ты зарезал …(вкрадчиво)… маленького царевича!»

Мастерски передал Мусоргский речь юродивого, нашел страшные, пугающие интонации этой речи. Слова юродивого приводят Бориса Годунова в почти физический ужас. Сдержался царь. Поборол свой страх. Он дает копеечку юродивому и произносит спокойно: «Молись за меня, блаженный», но музыка звучит напряженно.

Юродивый отвечает: «Нельзя, Борис,… молиться за царя… Ирода…Богородица не велит».

Сцена под Кромами. Хор поет «Величальную» Борису, где чувствуется жестокая издевка над царем, и далее с посвистом, дикое, яростное «Расходилась, разгулялась удаль молодецкая». Слышится безудержный гнев взбунтовавшегося народа.

Взъярилась песня и оборвалась. Настороженно жутко звучат голоса в хоре: «Рыщут бродяги, слуги Борисовы…» и снова толпа: «Смерть, смерть Борису».

Торжественно въезжает в Кромы Димитрий – самозванец. Тяжело гудит колокол. Народ уходит вслед за ним.

Зарево пожарища высвечивает фигурку одинокого юродивого:

«Лейтесь, лейтесь, слезы горькие

Плач русский люд, голодный люд».

Мусоргский на этом заканчивает оперу.

В поэме А.С. Пушкина, когда сообщают, что умер Борис, да здравствует Димитрий, народ, доведенный до отчаяния, безмолвствует.



Картинки с выставки

«Картинки с выставки» – уникальный сборник фортепьянных пьес. Посвящены они другу Мусоргского, архитектору Гартману, который показал на выставке русский стиль в архитектуре. Композитор посетил эту выставку и под ее впечатлением приступил к написанию пьес. «Прогулка», «Гном», «Старый замок», Тюильрийский сад». «Балет невылупившихся птенцов», основанием послужили эскизы Гартмана к балету «Трильби». Зарисовки польских евреев, послужили созданию пьесы « Два еврея: богатый и бедный».

Заканчиваются «Картинки с выставки» пьесой «Прогулка», которая в принципе, продолжает мотив первой пьесы «Прогулка».

Такая подача пьес в дальнейшем оказала влияние на Чайковского, который предложил слушателям знаменитые «Времена года».

За свою творческую деятельность, Мусоргский написал

Оперы: «Борис Годунов», «Хованщина», «Женидьба», «Сорочинская ярмарка»

Симфоническую картину «Ночь на лысой горе»

Фортепьянные пьесы «Картинки с выставки», а так же вокальные циклы, песни, романсы.

А.П.Бородин (1833 – 1887г.г.)

Александр Прокопьевич Бородин по профессии – химик и медик. Увлечение музыкой стало второй его профессией. Талантливый человек талантлив во всем. Он профессор и академик медико-хирургической академии, написал более 40 книг по химии, сделал немало открытий в области химии.

Еще во время учебы в медико-хирургической академии, Бородин пишет романсы, что вызвало недовольство со стороны его преподавателей, поэтому писал музыку тайно. Во время своей стажировке за границей, он отказывается от музыки. По приезде в Россию, знакомится с товарищами «Могучей кучки» и становится ее участником.

«Алхимик» Бородин, чтобы не писать медленно тушью свои партитуры, писал карандашом, а чтобы закрепить, опускал листы в жидкий желатин, его партитура сушилась на бельевых веревках. Композиторы говорили Бородину: «Зачем тебе эта химия? Ведь ты гениальный композитор!» химик Менделеев вздыхал: « Такой талантливый, большой ученый, столько времени тратит на какую-то музыку».

Бородин спокойный, добрый, окружен людьми. Страницы его писем пестрят именами знаменитых и не знаменитых людей. Как врач, он всегда придет людям на помощь.

Бhello_html_m66da2df0.jpgородин – композитор пробует себя в опере, берется за сложную тему – оперу «Князь Игорь». Оперу пишет 18 лет, так ее и не дописав. После смерти Бородина, оперу заканчивает Римский-Корсаков.

Оперу «Князь Игорь» предложил написать музыкальный критик Стасов, сам же и принял участие в составлении либретто по эпической поэме «Слово и полку игореве». Приступая к либретто, Бородин ездил в Путивль, место, где развивались исторические действия поэмы. Он знакомился с древней архитектурой, интересовался бытом. Его интересовала одежда, культура, исторические документы, песни дохристианской Руси. Собрав нужный для работы материал, он приступил к работе.

Опера рассказывает о неудачном походе князя Игоря на Половцев.

В опере композитор отталкивается от народной песни, но она становится ближе к былинному эпосу. Подобно операм Глинки и Мусоргского, в опере присутствует хоровое пение. В «Князе Игоре» много сольных арий и хоровых исполнений, которые стали популярными. Например, ариозо (певучий речитатив) Плач Ярославны, хоровое исполнение песен «Солнцу красному слава», «Улетай на крыльях ветра», Половецкий марш.

Опера раскрывает образы сильных духом людей – наших предков, их умение жить в согласии с совестью, долгом. Картины событий далекой Руси показывают мужественных людей со страстной любовью к своей Родине, готовностью ее защитить даже в неравном бою. Эпос в литературном понимании – повествование о героическом прошлом. Композитор первый положил жанр эпоса на музыку.

Бородин стал основоположником эпического симфонизма.

Опера эпического характера представляет чередование отдельных законченных партий, где много действующих лиц, хоров, которые драматизируют действие. Хор в прологе и эпилоге оперы придают ей монументальность и эпический размах.


Вопросы:

  1. Расскажите историю создания «Могучей кучки», какие задачи ставили перед собой ее участники?

  2. Какие задачи ставил Мусоргский, создавая оперу «Борис Годунов»?

  3. Какие задачи ставил Бородин, создавая оперу «Князь Игорь»?

  4. Что значит народная опера?

  5. Что такое эпическая опера?



23. П.И. Чайковский (1840 – 1893г.г.)


Один из величайших композиторов в истории музыки.

Родился в Вятке, в семье инженера Ильи Петровича. Фамилия Чайковский происходит от дедовской фамилии Чайка. Чайками называли казачьи лодки на Украине. С Украины и вышли предки будущего композитора. Петр Ильич рос в многодетной семье: детей было 11 человек, Петр был десятым ребенком.

С ранних лет родители приучили его к музыке, которую он полюбил всей душой.

От части, из-за тяги мальчика к музыке, Чайковские переезжают в Петербург, чтобы дать ему хорошее образование и найти хорошего учителя музыки.

По образованию он становится правоведом, получает чин титулярного советника. Второе образование – музыкальное. Он закончил Петербургскую консерваторию, где был учеником А. Рубинштейна.

Сближается с «Могучей кучкой», но не входит в их состав. Национальная ограниченность была чужда Чайковскому. Он считал, что ценность любой национальной культуры возрастает по мере ее доступности всем народам. И действительно, его музыка стала подлинно интернациональной, завоевав мировое признание.

Музыка Чайковского охватывает широкий спектр жанров: романсы, концерты, симфонии и симфонические циклы, оперное искусство, балет.

К симфонической музыке композитор обращается в течение всей творческой жизни. Его симфонии – это своего рода выражение своих чувств и эмоций, любование природой. Его симфония № 1, посвящена острову Валаам, где побывал композитор, любуясь северной природой, молочно-оранжевым закатом на древней Ладоге. Природе посвящен и симфонический цикл «Времена года», где по первым аккордам можно определить осень или зиму. Секрет притягательности симфонической музыки Чайковского в том, что она лирична. Образ борьбы силы красоты и силы ненависти проходят основной темой через все его симфонические произведения.

Концерт № 1, Чайковский задумал для балалайки с оркестром, но традиционно, произведение исполняется для фортепьяно с оркестром. Это самый известный и до сих пор популярный концерт. Он завораживает слушателей с самого начала, с первых звуков духовых инструментов, и не отпускает до конца. Этот концерт слушает сама душа человека, если можно выразиться: «концерт для души с оркестром». Мелодия достает из глубин человеческой души чувства, которые доселе тихо и умиротворенно дремали, и вдруг проснулись, и человек ощутил в себе мощный эмоциональный порыв.

В то же время его мелодия субъективно личная, что позволяет говорить о нем, как о субъективном композиторе. Его мелодия как бы пропущена через его психологический анализ, его душевные переживания, и только потом он делится этим со своим слушателем. Чайковский – один из немногих в мире композиторов – мелодистов.

Психологическая драма, несомая его симфоническими произведениями, нашла свое отражение в жанре вальса и марша.

Его оперное искусство имеет большое количество оперных разновидностей.

«Евгений Онегин» - лирико-психологическая опера;

«Воевода» - народно-бытовая опера;

«Опричник» - историческая опера;

«Кузнец Вакула» - лирико-комическая, фантастическая опера;

«Пиковая дама» - трагическая опера.

«Евгений Онегин» и «Пиковая дама» - по произведениям Пушкина – вершины оперного творчества Чайковского.

Либретто «Пиковой дамы» написано Чайковским по одноименной поэме Пушкина, однако, он изменяет первоисточник: Лиза, бедная у Пушкина, становится внучкой графини. Расчетливый пушкинский Герман превращается в пылкого воздыхателя, хотя, деньги не на последнем плане, он оттолкнет любовь в угоду дешевой наживе.

Лиза и Герман любят друг друга. Герман обещает жениться на богатой избраннице. Он хочет быстро разбогатеть, но как? От своих друзей он узнает, что есть одна старая графиня, которая знает секрет беспроигрышный трех карт. Оказывается, его возлюбленная Лиза – внучка графини. Это судьба – думает Герман. Угрожая графине пистолетом, Герман пытается выведать три беспроигрышные карты, но она умирает, забрав в могилу свой секрет. Старуха явилась Герману во сне и назвала три карты: «тройка, семерка, туз» Он спешит в игорный дом, отталкивая от себя Лизу, там он выигрывает одну партию, ставит весь выигрыш на вторую партию и проигрывает все. Последняя карта его подвела: открылась пиковая дама. Жизнь для Германа заканчивается в сумасшедшем доме.

В этой опере звучат такие известные арии, как ария Лизы «Уж полночь близится…»; арии Германа «Прости, небесное созданье…»; «Что наша жизнь? Игра!».


Вопросы:

1. Почему Чайковский не состоял в «Могучей кучке»?

2. В каких музыкальных жанрах работает Чайковский?

3. Какая главная черта в музыке Чайковского?

4. Какие разновидности оперного искусства можно выделить в творчестве Чайковского?

5. Какие симфонические произведения Чайковского вам нравятся?

6. Арии из каких опер Чайковского вам давно знакомы?


24. История танца и балет в творчестве Чайковского


История танца

Своими корнями танец уходит в далекую древность, это один из первых видов искусства, зародившийся еще в первобытном обществе. Танцами под барабан отгоняли злых духов, входили в измененное состояние, чтобы общаться с богами. Люди верили в танцевальную магию. Так зародились разные жанры танцев: обрядовые, военные, бытовые, свадебные, охотничьи… В каждой отдельной языковой среде были свои танцы, впоследствии, когда люди разделились на народы, танцы стали называть народными, то есть, характерными для данного народа. Например, украинский гопак и грузинская лезгинка – это древнейшие танцы воинов, где мужчины показывают свое умение ловко двигаться в бою, показывают свою силу, сноровку, а так же элементы тренировки или разминки перед боем. Элементы военного действия остались и в русском танце.

Отдельно нужно сказать об обрядовых танцах земледельцев, которые проецировались природу. У славян танцы были связанны с земледелием. На весеннее равноденствие в конце марта, девушки водили хоровод по солнцу, слева направо – это обряд привлечения солнца, исполнялся и ручеёк. Сейчас ручеёк стал игрой. С началом посевной, в танец обязательно добавлялся обрядовый элемент «змейка», потому что по выползанию весной змеев из земли, смотрели, готова ли земля к посеву. Летом, чтобы капуста хорошо крутилась, выполняли обрядовый танец скручивание, этот элемент еще называют «улитка». Если внимательно посмотреть на танцы ансамбля «Березка», то можно увидеть солярные знаки хоровод и крест, ручеёк, улитку, змейку, четыре фазы луны – деление хоровода на четыре круга и т.д. С течением времени появляется городская кадриль, танец моряков и другие.

В Европе в эпоху Возрождения появляется светский танец, где люди выражают свои эмоции, показывают себя, это своего рода, презентация, демонстрация приличных манер. На пирах исполнялись парные танцы, которые уже корректировались специальными учителями танцев. Так, постепенно, танец разделился на народный и светский. Особенно, светские танцы получили развитие во Франции. При короле закатывались балы, от итальянского слова baletto (танец), где главный акцент ставился не на застольном пире, а на танце, на поиске своей пары. Так стал развиваться бальный танец, от него новый жанр – балет. Уже в начале 17 века, во Франции образовался придворный балет. В 18 веке театральный деятель Жан-Батист Люли в парижской Опере определяет балет, как отдельный жанр. В течение столетия, новый танцевальный жанр балет распространился по всей Европе и попал в Россию.

В отличие от бального танца, балет должен выражать какое-то повествовательное действие, сложные эмоциональные взаимоотношения партнеров, поэтому к балету сочинялись либретто, как для оперы. Отдельно, на светских балах, развивается бальный танец, его расцвет приходится на эпоху Романтизма. Появляются «полька», «мазурка», благодаря польскому композитору Шопену, который облагородил польские народные танцы и прославил искусство своей родины далеко за ее пределами.

В 19 веке в России балет имел большую популярность и уже тогда были свои прима-балерины. Об одной из них – Истоминой, упоминает Пушкин в поэме «Евгений Онегин».

Во второй половине 19 века, русский балет становится популярным жанром искусства. В России балет исполнялся по европейским либретто.

Балет в музыке Чайковского

Чайковский – новатор во всех музыкальных жанрах, но в области балета – он реформатор. В европейском балете музыка подчинялась танцу, то есть, при театре был композитор, который корректировал мелодию так, как это удобно было балетмейстеру. Когда Чайковский написал партитуру к балету «Лебединое озеро», он отправился в Вену, где посмотрел балет «Севилья». Он восхищался музыкой и танцем, писал на родину, что он, именно слышал балет и если бы он присутствовал на этом представлении раньше, то не написал бы «Озеро лебедей». Чайковский явно недооценил себя. Но свои наблюдения в европейском балете ему пригодились. Он пошел дальше. В балетной музыке композитор насытил балетные партитуры симфоническим развитием музыкальных образов, способностью выражать разные эмоциональные состояния. Впоследствии он писал: «Балет – это симфония».

Чайковский написал музыку к трем сказочным балетам: «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик».

Лhello_html_m388d1d7.jpgибретто к первому балету «Лебединое озеро», составлено Бегичевым.

Сюжет построен на основе немецкой легенды о красавице принцессе Одетте, которую злой волшебник превратил в лебедя.

Лунная ночь. Принц Зигфрид с другом, пришли поохоться на берег озера. Они увидели лебедей. Впереди всех плыла белая лебедь с короной на голове. Увидев охотников, лебеди быстро скрылись и появились перед ними в обличии прекрасных девушек. Самая красивая, с короной на голове, оказалась принцесса. Девушки сказали, что злой волшебник заколдовал их и теперь они днем – лебеди, а ночью принимают свой облик. Одета говорит, что волшебные чары спадут, если ей поклянется в любви тот юноша, который до этого никому не клялся. Одетта и Зигфрид полюбили друг друга.

Бал в замке. Мать Зигфрида пригласила на бал многих красивых девушек, чтобы принц выбрал себе невесту, но он не обращает на них внимания. В зале появляется злой волшебник Ротбард в образе рыцаря. С ним – его дочь Одиллия. Она так похожа на Одетту, что принц принимает ее за свою возлюбленную. Выбор сделан. Но как только он произносит клятву любви, видит, что в окно бьется лебедь. Зигфрид понял: это обман. Он убегает на берег озера, просит у Одетты прощения, но уже ничего не отвратит ее судьбы: она должна погибнуть. Зигфрид не может расстаться с девушкой и бросается вместе с ней в пучину волн.

С появлением «Лебединого озера», «Спящей красавицы», «Щелкунчика», сформировалось новое явление – балетный театр Чайковского. Балеты Чайковского составляют основу музыкальных театров мира.


Вопросы:

1. Почему танец был неотъемлемой частью жизни древних людей?

2. Какие танцевальные элементы в русском танце являются обрядовыми?

3. Когда произошло разделение танца на народный и светский?

4. Как образовался балетный жанр?

5. В чем заслуга Чайковского, относительно балета?


25. Золотой век русской литературы.

«Маленький человек» и великая русская литература.


Во второй половине 19 века русская литература переживает невероятный взлет. На арену мировой литературы, вступает великая русская литература. В авангарде становятся русские писатели - Некрасов и Тургенев, Толстой и Достоевский, Салтыков – Щедрин и Островский.

Великая русская литература появилась не сразу. Она возникала постепенно, подогревая себя борьбой против крепостничества. Крепостничество – позор нации, позор просвещенной дворянской России, позор великой Русской империи.

Романтизм и сентиментализм начала 19 века, не давал реалистической картинки событий, а всего лишь, обобщенный образ героев. Вспомним сентиментальный роман Карамзина «Бедную Лизу», овеянную романтикой поэзию Жуковского, где литература была еще во многом условной.


Золотой век развития реалистической литературы в России основывается на трех великих писателях: Пушкин, Лермонтов и Гоголь. У каждого из этих писателей, было свое мировоззрение.

У Пушкина-реалиста мировоззрение строится на Законе и справедливости, просвещении и нравственных идеалах; у Лермонтова – резкая борьба с мироустройством, с законами общества, нетерпимость ко лжи и лицемерию; у Гоголя – большинство героев видят мир, далеким от всяких представлений о законе, где изуродованы понятия о морали и нравственности.

Добродушные, но бесправные типажи Пушкина из «Повестей покойного Белкина»;

противопоставляющая себя обществу мятежная душа Печорина из «Героев нашего времени» Лермонтова; лишенный обществом человеческого достоинства Акакий Акакиевич из «Петербургских повестей» Гоголя, – Все эти типажи станут основой для развития реалистической литературы русских писателей второй половины 19 века.

«Натуральная школа»

«Петербургские повести» Гоголя дали старт к развитию реалистической «натуральной школы». «Мы все вышли из Гоголевской «Шинели» - сказал Достоевский. Образ «маленького человека» Акакия Акакиевича, данный Гоголем и станционный смотритель Пушкина, отразятся в некрасовской поэме «Кому на Руси жить хорошо?».

В романах Достоевского «маленький человек» настолько углубиться в суть своего существования, что превратится в философа. Его «маленький человек», обрисованный в раннем романе «Униженные и оскорбленные», будет присутствовать в дальнейших его романах. На основе «маленького человека» возникнет новый образ – человек философ, которого Достоевский раскроет до психологических и натуралистических подробностей в романах «Преступление и наказание», «Идиот».

К «натуральной школе» относятся писатели Тургенев и Гончаров.

И.С. Тургенев

Лермонтовский Печорин перекликается с Базаровым в романе Тургенева «Отцы и дети». Базаров, как и Печорин это «лишние люди», белые вороны в черной стае. На общество 40-х годов большое впечатление произвели открытия в области естественных наук. Физиками был открыт закон сохранения энергии, в области биологии – клеточное строение организмов. Носителем первых научных открытий в романе «Отцы и дети» становится Евгений Базаров. Книга Фохта «Сила и материя», которая фигурировала в романе, становится оправдательным символом мировосприятия Базарова. В книге изложены некоторые мысли на темы биологического характера: мозг выделяет мысль, как печень – желчь. Таким образом, само мышление трактовалось уже не как божественное провидение, а как физиологическая особенность человека.

Базаров – представитель молодого поколения, не принимающий все старое, патриархальное, романтическое. Он цинично подходит к человеческим чувствам, рассматривая их как часть биологии. В разговоре с Аркадием, он говорит, что загадочного взгляда не существует, « это все романтизм, чепуха, гниль, художество». Потом добавит: «пойдем лучше смотреть жука». Жук – это биологическая категория, господствующая в базаровском восприятии мира. О красавице Одинцовой он говорит тоже, как о жуке: «Богатое тело. Хоть сейчас в анатомический театр». Базаров проводит эксперименты на живой природе, а его смерть – биологический эксперимент природы над человеком.

В сонной, крепостнической России с ее мелкособственническими потребностями Базаров оказался человеком, «упавшим с неба». Конечно, многим он казался революционером и нигилистом.

Курьез:

Н.Г. Чернышевский и Н. Добролюбов в своих оценках о нашумевшем романе, высказали мысль о том, что Тургенев – нигилист и свои нигилистические позиции он изложил в образе Базарова. Тургенев был возмущен и резко высказался по этому поводу:

«Вы, Николай Гаврилович, просто змея, а Добролюбов – очковая».

Гончаров

Гончанов в романе «Обломов» показывает нестандартного главного героя. Илья Ильич Обломов - помещик, у него хорошее образование, но он бездеятелен. Он доволен тем, что у него есть, – он богат как запредельная мечта Башмачкина. Обломов, если можно так выразиться, «большой человек», выросший из «маленького человека». Илья Ильич является в роман уже человеком сложившимся, совершенным, оттого и неподвижным. Он уже состоялся тем, что родился. Обломов – это мраморная статуя, которая в неподвижном состоянии хороша; но стоит ей шевельнуться, как все движения становятся неуклюжими. Обломов – неподвижный центр сюжета, вокруг которого вращаются остальные персонажи романа: светский человек Волков, карьерист, Судьбинский, литератор Пенкин. В противоположность Обломову дан Штольц: быстрый на подъем, активный, тормошащий беспробудный сон Ильи Ильича. У него много благородных планов, он родился, чтобы что-то делать. Обломов родился просто так. Он самодостаточен, ему достаточно будет и имущества Башмачкина – укрыться шинелью и выспаться. Ему чужды человеческие страсти, он далек от создания семьи, хотя был влюблен. Обломов откровенно честен по отношению к своей жизни, не стесняется своих слабостей, не исправляет их; он такой, какой есть и этим, как не странно, импонирует окружающим в большей степени, чем Штольц. Почему? Обломов – естественный человек, Штольц – робот. Он отталкивает своей немецкой дотошностью и экспрессией. Если говорить на языке математики, то Обломов – это дважды два – четыре, Штольц – дважды два – три.

Мечта маленького человека стать большим полностью сбылась в Обломове, а дальше, что?


Сатирический гротесковый реализм

Салтыков-Щедрин


Представителем сатирического гротескового направления в русской литературе, является писатель Салтыков - Щедрин.

Гротеск – преувеличение. Соединение в типажах и сюжетах того, чего в жизни не бывает. Салтыков - Щедрин развивает не только тему «маленького человека», а тему «маленьких людей» вообще, используя идею абсурда Гоголевского «Носа».

Салтыков - Щедрин умел писать смешно. Юмор хорош на стыке двух несовместимых элементов – это порождает смехотворные эффекты. У писателя они построены на игре условного мира и настоящего.

В сказках Щедрин приходит к дарвинизму: несправедливость мира – следствие элементарной борьбы за существование, которую не в силах отменить цивилизация. Об этом решительно заявляет умный ёрш – циник добродушному карасю – идеалисту: «Разве потому едят, что казнить хотят? Едят потому, что есть хочется».

Щедрин дает понять, что человеческая цивилизация строится на животных отношениях «хищник – жертва». Мир изначально поделен на волков и зайцев. На генералов и мужиков. Первые обречены на власть и жестокость, вторые на нищету и смирение. Поэтому, «человеческие» герои его сказок неотделимы от животных. Хищники индивидуальны, штучны, жертвы – все на одно лицо. В «Диком помещике» про них сказано: «Летел рой мужиков».

«История одного города» - сатира, замешанная на философии, исследовательский объект – история.

Древняя история глуповцев представляет вывернутый на изнанку мир. Он существует по абсурдным законам, в которых пословицы и поговорки воспринимаются прямолинейно, как в «Пословицах» у Брейгеля. Жители города используют пословицы и поговорки, как прямое руководство к действию: «Волгу толокном замесили, потом теленка в баню тащили, потом в кошеле кашу варили».

Чтобы вернуть жизни смысл, глуповцы вносят в социальный хаос идею порядка – устраивают цивилизацию. Если доисторические глуповцы жили в царстве перевернутой логики, то цивилизация принесла им логику извращенную. Нет исторического основания для роста нормальных цивилизованных отношений.

Любое управление – есть безнадежная война между властью и естеством. О порочности и недалекости начальников, на страницах «Истории…», Щедрин высказывается: «Впоследствии оказалось, что цивилизацию эту, приняв в нетрезвом состоянии за бунт, уничтожил бывший градоначальник Урус – Кугуш – Кильдибаев».

В «Истории одного города» Щедрин описывает великое множество градоначальников, один из которых, Прыщ, при котором наступает сказочное изобилие. Разыгрался аппетит жителей города, а так, как у Прыща была голова, фарширована кашей в прямом смысле, то и его съели.

Салтыков – Щедрин ищет компромисс между историей и естеством человека, и не находит. «Тут встретились лицом к лицу два бреда», - комментирует автор. Один бред – история, другой – естество. Обе стихии равно бессмысленны, неуправляемы, бездушны.

Салтыков – Щедрин – явление в русской литературе уникальное. В нем одном причудливо соединились русский фольклор и дарвиновская теория, утопические просветительские идеи Свифта и народный смех Рабле, абсурд «Поговорок» Брейгеля и трагизм живописи Перова.


Философско-религиозное направление в литературе


К этому направлению относятся многие писатели 70-80 годов 19 века, но самыми выдающимися являются Ф.М. Достоевский и Л.Н. Толстой.

Ф.М.Достоевский

Во второй половине 19-го века Достоевский занял место «нового Гоголя». Как и Гоголь, он прошел мимо «лишнего человека», запечатленного в образах Онегина, Печорина и тургеневских героев. «Лишний человек» отразиться в его позднем творчестве, но в обновленном плане, как тема русского «скитальчества».

От Гоголя у Достоевского общие ощущения пророческой роли писателя в России, которая не только изображает жизнь, но и учит, как жить.

В романах Достоевского все работает на образ главного героя – от интерьера до бытовой утвари. Бытовые мелочи он отбирал по соображениям художественной целостности, которые давали характеристику их хозяину, отсюда вытекало другое свойство Достоевского: его «анализ», умение уйти глубоко в психологию героев. Третья особенность – изображение не только бедствий «маленького человека», но и борьбы в нем противоречивых начал. Если «маленький человек» у Пушкина был покорен судьбе, то он же у Гоголя делает попытку сопротивляться своему положению, пусть даже фанатическую и бессмысленную. Достоевский показал к «маленькому человеку» не только жалость, но и противоречивые начала добра и зла. Человек многогранен, он соткан из противоречий, он в постоянной борьбе с самим собой.

В начале романа «Преступление и наказание», Достоевский «ведет» Раскольникова на преступление – убийство человека. До преступления, его герой думал только о материальном обогащении. После совершенного убийства, он начинает раскаиваться, обретая душу. Писатель помещает героя в своеобразный Страшный суд, через который тот должен пройти. Не материальные блага, а душа, ее анализ, осознание значимости совести, как Бога-судьи внутри себя – вот главное, что приближает человека к Богу, делает его чище.

Тень Страшного суда полностью изменяет реальность в романе Достоевского. Каждая мысль, каждый поступок нашей земной жизни отражается в другой, вечной жизни. Достоевский уничтожает границу между верхом и низом, Богом и человеком. Мир един, он сиюминутный и вечный.

Раскольников читает газету в трактире: «Излер – Излер – Ацтеки – Излер – Бартола». Бессмысленность текста – это образ разъятой Вселенной. Раскольников мечется в попытках сложить мир, вернуть ему смысл, вставить в слова пропущенные буквы, но обрести смысл можно только в мире, открывшем истину. Раскольников решается идти в полицию. «Я не знаю, для чего я иду предавать себя?» Собирается воедино газетная статья. Он решил предать себя закону, потому что, ничего так не страшно, как его Страшный суд.

Зигмунт Фрейд – великий психоаналитик, многое черпал у Достоевского. По поводу романа «Преступления и наказания» он писал: «Симпатия Достоевского к преступнику безгранична. Преступник – почти Спаситель, взваливший на себя вину, которую в другом случае несли бы другие. Убивать больше не надо, после того, как он убил…»

Достоевский не верил в возможность общества, построенного на Законе. Закон – это суд, а суд несовершенен, потому что он судит внешние поступки, а не душу.

Ситуация суда, так остро введенная Достоевским в литературу, стала центральной для многих зарубежных и отечественных писателей 20 века – Кафка, Гессе, Камю, Булгаков…

Л.Н. Толстой

Толстой поражал современников необычайностью, парадоксальностью суждений. Он выступал как писатель и мыслитель, стремящийся обновить русскую демократическую литературу, развивал опыт реалистической литературы. В своей ранней трилогии «Детство», «Отрочество», «Юность», он пытается воссоздать диалектику души, отражать чувства, нравственность.

Герой Толстого берет свое начало у Пушкинского «маленького человека», но берет от него только знак плюс. Хороший человек со знаком плюс – это еще не идеальный человек. Герой Толстого – человек образованный и черпает свое смирение, добродушие и религиозность исходя из просвещения.

Романы Толстого многолюдны. В «Войне и мире» боле 600 героев, из них – 200 исторических лиц, каждого он наделяет своей биографией и характером. Здесь он пускается на эксперименты в поисках идеального человека. Идеальным человеком Толстой сделал Андрея Болконского. Первая стадия развития князя Андрея: жажда занять достойное место там, где должен находиться каждый мужчина – это армия, дабы защищать свое Отечество. В войне с армией Наполеона, он желает воинской славы, и под Аустерлицем получает ее сполна. Он геройски увлекает за собой солдат, падает со знаменем и раненный слышит похвалу из уст самого Наполеона: «Вот прекрасная смерть». У тяжело раненного Андрея происходит нравственный переворот: вечное небо с плывущими облаками и уходящий от него Наполеон, который показался ему никчемным честолюбцем.

Болконский пробует себя в политике, но не видит личностной удовлетворенности на этом поприще. Он вспоминает своих крестьян, для которых хочет быть «отцом», но не находит с ними общего языка. Умирает его жена, оставляя ему сына Николеньку. Наконец, Болконский встречает Наташу Ростову, и жизнь опять возвращается к нему, но отложив свадьбу, он отравляется на войну: враг вторгся на его Родину. На Бородинском поле у него уже не честолюбивые настроения, а патриотические – послужить России. Здесь Андрея настигла смерть.

В сценах смерти Андрея Болконского, Толстой выступает, как величайший психолог, его анализ достигает таких глубин, которых еще не знала мировая литература.

Почему Толстой прощается с князем в своем романе? Потому что он показал идеального человека – мужчину, защитника своего отечества. Идеальный человек, мужчина, защитник по представлению наших предков, должен умереть молодым в бою.

«Вона и мир» - монументальная фреска, на которой, дай Бог различить композицию, уловить течения сюжета, не потеряться в нюансах и отступлениях.

Роман до сих пор стоит на недосягаемом высоком постаменте в мировой литературе по своим масштабам, грандиозным историческим событиям, философским и религиозным исканиям, образам героев.


Вопросы:

  1. Откуда пришел в русскую литературу «маленький человек»?

  2. Назовите характерные признаки «маленького человека» и «лишнего человека».

  3. Почему в русской литературе большее развитие получил типаж «маленького человека»?

  4. Назовите представителей «натуральной школы», объясните, что такое «натуральная школа»?

  5. Объясните, что такое «Сатирический гротесковый жанр»?

  6. Назовите представителей «философско-религиозного реализма»

  7. Значение творчества Толстого и Достоевского в мировой литературе.


26. Русское искусство конца 19 – начала 20 века


Эпоха конца 19 – начала 20 века в России во всех сферах социальной и духовной деятельности была переломной. Россия шла к революции. В условиях поляризации общества, пересматриваются вопросы о месте искусства в новой жизни, о способности ее стать достоянием своего отечества. Передвижничество себя исчерпало и стало рассматриваться, как пройденный исторический этап. Развитие реалистического искусства в эти годы шло часто вне рамок Товарищества. В произведениях Серова, Архипова, Малявина и других художников уже наблюдалось новое искусство. В 1989 году в Петербурге образовалось общество художников «Мир Искусства», а позже, в 1903 году – «Союз русских художников» в Москве.

Художники «Мира искусства», как и «Союза русских художников» отошли от строгого академизма, их привлекало новаторство сюжетных тем, колористических приемов.

М.В. Нестеров (1862 – 1942)

Уhello_html_m2c7bca7d.jpghello_html_67b95149.jpgченик Перова. Нестеров входит историю русского искусства со своей темой – монашеская Русь. В отличие от повествовательности картин передвижников, для Нестерова характерна тихая созерцательность, единение человека и природы, удаление от ига цивилизации. Одна из известных его картин – «Видение отроку Варфоломею». Художник раскрывает эпизод из жизни Сергия Радонежского, в миру Варфоломея. Привидевшийся мальчику монах держит в руках макет Троице-Сергиевской лавры. То, что хочет поведать художник, - это переворот в мироощущении личности, предчувствие новых перемен.

Его творчество наполнено любовью к истории русского народа, к его культуре и фольклору. Его картина «За Волгой» кажется эпически-монументальным произведением, картина «За приворотным зельем» определяет интерес к русскому фольклору. Интересна задумка в картине «Философы»: религиозный и светский философы объединены одной мыслью о будущем России. Картина написана 1917 году, в год революции.

Интересна портретная галерея художника. Самый лиричный и поэтичный из них – Портрет дочери художника О.М.Нестеровой.

Очень точную характеристику дает художник русскому ученому – физиологу – Павлову. Ученый изображен в характерной для него манере поведения за рабочим столом. Школа перовского психологического портрета чувствуется и в портретах хирурга Юдина, в портрете выдающегося скульптора – Веры Мухиной.

Б.М. Кустодиев (1878 – 1927)

Художника интересует тема ярмарочного праздника, он изучает русский лубок, парсуну. Основной его жанр – портрет. Еще, будучи студентом, он помогает Репину в многофигурной композиции «Торжественное заседание государственной думы», где проявляет задатки портретиста. Его портреты раскрывают психологию человека в традициях Перова. В своих картинах Кустодиев показывает Москву купеческую с ее пестро разодетыми купчихами – дамами далеко не утонченными и изящными, но в них присутствует идеал русской красавицы. Красавица в картинах Кустодиева – это пышная женщина, тело цвета кровь с молоком. Именно таких красавиц брали замуж, она и «коня на скаку остановит…».

hello_html_244bb80f.jpghello_html_f4203ad.jpg«Купчиха за чаем», «Ярмарка в Саратове», где царство чистых цветов напоминают русский лубок.

Потрет Федора Шаляпина на фоне русского города, одновременно лубок и парсуна, психологический портрет и символ, раскрывающий мощь гения. Художник показывает Шаляпина, как певца, объединяющего всю Россию.


А.П. Рябушкин (1861 – 1904)

Хhello_html_394f259b.jpgудожник - жанрист, исторический живописец, тонкий поэт национальной старины, интерпретатор художественного стиля Древней Руси. Рябушкин чувствует приближение революционных перемен в России, и вместе с тем исчезновение культуры самобытной страны. Он обращается к изучению «уходящей» Руси. Его интересуют история и быт, фольклор и художественные традиции лубка. В картине «Свадебный поезд в Москве 17 века» он использует яркую плоскостную технику лубка, изображает барышень в боярских костюмах того исторического периода, показывает Москву с весенними лужами среди дороги.

Вhello_html_m74abc172.jpg картине «Семья купца в 17 веке», художник подражает приемам мастеров парсунного портрета. Отсюда – статичность, фронтальность фигур, декоративность колорита.



Ф. А. Малявин (1869 – 1940)

Фhello_html_m62c047f1.jpgедор Малявин родился в многодетной крестьянской семье. Юношей он отправился в афонский монастырь, был послушником, работал в иконописной мастерской. Работы мальчика были замечены скульптором Беклемешивым. Юного послушника пригласили на живописное отделение Петербургской академии. На занятия он ходил в рясе. Общие дисциплины давались ему плохо, его оставляли в академии из-за его способностей в области живописи.

По окончании академии, профессура не сомневалась: «монашек» обязательно возьмет для дипломной работы библейскую тему. Но, ошиблись. Федор Малявин оказался первым выпускником, отказавшимся от библейской темы, и представил на суд профессуры танцующих крестьянских баб. Малявин был новатором и в работе с натуры. Натурщиков, обычно сажали на стул, фиксировали ракурс и рисовали. Малявин ломает и эту традицию: в его мастерской гуляют и танцуют девушки в русских сарафанах. Так ему удавалось передавать движение танца в картинах «Вихрь», «Смех», «Поющие бабы», «Две бабы».

Мhello_html_m47bf349.jpgалявин по - другому посмотрел на крестьянскую тему. Он отказался от изображения тяжелой крестьянской доли, а напротив, изображал веселый нрав русской деревни.

А.Е. Архипов (1862 – 1930)

Аhello_html_45dd3c7.jpgрхипов продолжает крестьянскую тему, он создает обобщенный эмоциональный художественный образ. Картина «Прачки» имеет не только повествовательную составляющую, но и живописную. У Архипова есть дар точного попадания в цвет. Глядя на его картины, в первую очередь, получаешь удовольствие от изысканной передачи солнечного света, цветовой лепки точного рисунка.

В.А. Серов (1865 – 1911)

Ученик Репина, наследник лучших традиций русской реалистической школы. Заявил о себе, как о художнике самой молодой картиной в Третьяковской геллере - «Девочка с персиками». Девочке – вере Мамонтовой здесь 16 лет, а художнику чуть больше 20 лет. Это произведение стало поворотным для всего русского искусства. Картина «Девочка с персиками» обозначила поворот от критического реализма передвижничества к реализму поэтическому. В ней нет морали и повествования, но есть созерцание и наслаждение жизнью. Здесь много солнца, солнечных рефлексов, радости жизни и нет места мраку и серым оттенкам.

Сhello_html_27cc1386.jpgеров создал целую серию портретов выдающихся деятелей культуры. В портретах Шаляпина и Ермоловой, Серов использовал эффект низкой перспективы: когда художник изображает портрет, как бы снизу и образ получается величавым и монументальным.

В картине «Девушка, освещенная солнцем», Серов прокладывает начало новому, жизнеутверждающему реализму. Белая блуза девушки будто соткана из рефлексов, солнечного света и падающей от дерева тени. Солнечный свет играет на лице и волосах девушки. Картины Серова написаны не по тоновому принципу а по цветовому. Это было новое слово в русской живописи.



К.А. Коровин

Выдающийся русский живописец рубежа 19-20 столетий. Его называют Моцартом в живописи. Он использовал в живописи в полной мере закон дополнительных цветов: допустим, сем ярче и теплее солнце, тем четче и холоднее будет тень. Но, чтобы показать теплое солнце и холодную тень в окружающем разноцветном мире, надо обладать большим талантом.

hello_html_1a43131.jpgЕго живописная картина «Пристань в Гурзуфе» будто сложена из мозаики. Каждый мазок на своем месте и работает на создание впечатления солнечного освещения, материальности предметов. Всматриваясь в картину, мы ясно осознаём, из какого материала сделан стол: это белая гладкая поверхность, частично освещенная солнцем, на которой стоят бутылки, а если присмотреться, то белого мы не увидим. Мы увидим теплый, написанный через желтые оттенки падающий солнечный свет и холодный и тень, написанную через голубые оттенки. На заднем плане, если отойти подальше от картины, виден ярко освещенный горный пейзаж, но если присмотреться вблизи, то видны, непонятные разноцветные мазки.

Пhello_html_m59c4310f.jpgосмотрим еще на одну работу Коровина: Натюрморт «Рыбы, вино и фрукты». Перед нами – набор цветовой гаммы, из которой мы в своем воображении рисуем рыбу, бутыль вина, фрукты. Художник своим творчество показывает, что видимый мир – это не рисунок, а живопись, что цвет формирует предмет. Действительно, оглянитесь вокруг: мы нигде не увидим между предметами четкого карандашного рисунка, мы видим, как один цвет подается на фоне другого цвета. Глядя на работы Коровина, невольно вспоминаешь случай с Моцартом, которому говорили: « В Вашей музыке слишком много нот!», на что гений ответил приблизительно так: «Не много и не мало, а именно столько, сколько надо». И в «живописной музыке» Коровина, мы тоже видим много, казалось бы, лишних мазков, но их именно столько, сколько надо.

Вопросы:

  1. Почему Товарищество передвижных выставок претерпевает распад?

  2. Какие новые общества образовались в кругах художников?

  3. Назовите художников, которые обращались к крестьянской теме. Есть ли разница в подходе к крестьянской теме в сравнении с передвижниками?

  4. В чем заслуга живописи Серова и Коровина?

  5. Какое влияние оказало творчество Перова на портретную живопись Серова и Кустодиева?



  1. Контроль знаний.


Вопросы

1. Как образовалось Товарищество Передвижников?

2. Что такое психологический портрет?

3. Новаторство Саврасова, Поленова, Куинджи в области пейзажа

5. Сопоставить художников и их картины:

1. Перов а. «Крестный ход в Курской губернии»

2. Ге б. «Сельский крестный ход на Пасхе»

3. Репин в. «Христос в пустыне»

4. Крамской г. «Что есть истина?»

6. Как трактовали образ Христа передвижники?

7. Сопоставить жанровые композиции и их авторов:

1. Суриков а. «Бурлаки на Волге»

2. Репин б. «Ремонтные работы на железной дороге»

3. Саврасов в. «Чаепитие в Мытищах»

4. Перов г. «Боярыня Морозова»

8. Какие задачи ставили перед собой передвижники в жанровых картинах?

9. Назовите имена «маленького человека» и «лишнего человека» в русской литературе.

10. Какие задачи ставили перед собой участники «Могучей кучки»?

11. Сопоставьте оперы и их авторов:

1. Мусоргский а. «Золотой петушок»

2. Бородин б. «Борис Годунов»

3. Римский-Корсаков в. «Князь Игорь»

6 раздел

Искусство рубежа 19 – 20 годов


28. Итальянская опера


В конце 19 века в итальянской опере появляется новое направление – веризм

Творческое кредо веризма – жизненная правда, тематику которой музыканты брали из обыденной жизни. Героями итальянской оперы становятся не выдающиеся личности, а обыкновенные люди. Особая роль среди веристов отведена творчеству Бизе и Верди, от которых они восприняли подчеркнутую эмоциональность музыки и остроту драматических ситуаций. Иногда трактовка сюжетов нередко приводила оперу к мелодраме, иногда композиторы попадали в другую крайность: в воспроизведениях жизни «без прикрас» часто подменяли реалистическое воспроизведение действительности «фотографированием» ее. Все эти отклонения от веризма приводили к измельчению характеров, к поверхностной иллюстративности, к натурализму.

Джакомо Пуччини (1858 – 1924).

Пуччини – наиболее талантливый и многогранный среди веристов - композиторов, хотя выходит далеко за его рамки. Веризм Пуччини проявляется в его отношении к оперному сюжету. В обыденной жизни композитор находит материал для глубоко волнующей драмы. Музыкальная речь его всегда эмоционально правдива. По богатству и свежести драматического сюжета композитор выделяется из своих соратников – веристов. По своей органической ясности мелодии, по силе и яркости драматического дарования он – прямой наследник Верди и подлинно итальянский художник.

Музыкальное кредо Пуччини наиболее ярко выразилось в операх «Богема», «Тоска», «Чио-Чио-сан» («Мадам Баттерфляй»). Каждое из этих произведений – образец музыкального веризма. Сюжетной фантастике, бытовавшей в итальянской опере, композитор противопоставляет реальную жизнь, а гипертрофированным чувствам легендарных героев – мысли и чувства, радости и печали простых смертных. Сочувствуя своим сценическим избранникам, он создает произведения большой внутренней силы, тонкого психологизма и художественной правдивости.

Пhello_html_1c4e79cb.jpgуччини – композитор изысканного гармонического вкуса, обаятельный мелодист, мастер инструментовки. Он умело использует в своих партитурах новейшие достижения современного ему европейского симфонизма.

Либретто «Мадам Баттерфляй» («Что-Чио-сан»)

Действие происходит в Японии, городе Нагасаки в конце 19 века.

Маклер Горо показывает лейтенанту американской армии Пинкертону дом, в котором он собирается поселиться со своей будущей женой Баттерфляй. Пинкертон ждет свою возлюбленную с нетерпением. Горо успокаивает жениха. С высоты холма лейтенант видит идущую к нему мадам со свитой и родственниками. За бутылкой виски развязывает язык Пинкертона. Он говорит, что по американским законам у него всегда есть право на развод. Его философия жестока для патриархальной Японии: брать от жизни все, что можно, не считаясь с интересами ближних ему людей. Но Пинкертон не хочет отказываться от Баттерфляй, он очень увлечен ею. Это не мешает ему тут же произнести тост за счастливый день, когда он сможет вернуться на родину и жениться на американке.

Появляется невеста – мадам Баттерфляй. После праздничного свадебного ужина Пинкертон и Баттерфляй остаются одни. Девушка влюблена в своего мужа и готова принять ради него христианскую веру. Лейтенант снисходительно выслушивает ее взволнованную речь. Родственники Баттерфляй узнают о ее вероотступничестве, и на нее сыплются проклятья со стороны дяди.

Минуло три года, как Пинкертон уплыл в море. Покинутая жена с нетерпением ждет своего мужа, она мечтает показать ему их маленького сына. Горо начинает сватать принца Ямадорна мадам Баттерфляй. Она указывает ему на дверь. Этот случай заставляет ее задуматься об измене мужа. Но нет, она полна оптимизма и гонит мысли об измене. Раздается пушечный выстрел в порту. В гавани встает на якорь пароход под американским флагом. Встреча с мужем обязательно состоится. К приезду Пинкертона она приказывает своей служанки усыпать дом цветами. Всю ночь она стоит у порога, дожидаясь своего супруга, утром она отошла в другую комнату, и на пороге показался Пинкертон. В дверях появляется Чио-Чио-сан. По заплаканным глазам служанки она понимает, что лейтенант ей изменил. Она видит его жену Кэт, которая готова взять ее ребенка на воспитание. В отчаянии она молится Будде, потому что американский бог не принес ей счастья. Она завязывает глаза сыну, дает ему в руки американский флаг и, скрывшись за ширмой, убивает себя кинжалом. Оружие падает на пол, она успевает выйти и обнять ребенка. Заходит Пинкертон, она слабым жестом указывает на сына и умирает.

Оперы Пуччини наряду с операми Верди являются самыми востребованными на современной мировой сцене. Пуччини оказал влияние на ряд известных композиторов, таких, как Имре Кальман, Исаак Дунаевский. Отчасти повлиял на творчество Дмитрия Шостаковича.

Вопросы:

  1. Что такое веризм?

  2. Какие слабые стороны были у веристов?

  3. Пуччини – образец веризма. Почему?

Задание: Найдите в интернете либретто известных опер Пуччини, приготовьте о них сообщение.


  1. Водевиль, оперетта, мюзикл


Водевиль

В Нормандии в 16 веке в долине реки Вир народ любил распевать короткие сатирические песенки. В 17 веке в Париже развивается этот, заимствованный из Нормандии, жанр, и назвали его от словосочетания «вода реки Вир»- вода Вир – Водевиль. Это строфические песни преимущественно любовного содержания. К 17 веку возникают городские простонародные песни сатирического содержания, исполнявшиеся с несложным инструментальным сопровождением или без него. Во Франции появились небольшие театральные пьески, где вводились по ходу действия веселые народные песенки.

В дальнейшем, в 18 – 19 веках, в Европе водевиль превратился в жанр лёгкой комедийной пьесы с анекдотическим сюжетом, где диалог и драматическое действие построено на занимательной интриге. В водевиле сюжет сочетается с песенками-куплетами, романсами и танцами. Этот жанр получил большую популярность, поэтому за либретто и музыку брались уже профессионалы: поэты, писатели, музыканта, актеры.

В России прототипом водевиля была небольшая комическая опера, появившаяся в конце 17 века. В репертуаре русского театра она просуществовала до начала 19 века. К этому жанру можно отнести, к примеру,  «Несчастье от кареты» Княжнина или «Кофейница» Крылова и др.

Особый успех имела опера А. О. Аблесимова  «Мельник — колдун, обманщик и сват», поставленная в 18 веке. Как писали тогда газеты, что эта пьеса понравилась не только в России, а тепло была встречена иностранцами.

Комедия-водевиль имеет черты сатиры, но обладает более усложнённой интригой. В ней меньше вокальных номеров, и отсутствуют увертюра. В финале звучит хор, танец или сольный куплет одного из участников, часто нравоучительного содержания.

Примером современного водевиля может служить кинофильм «Соломенная шляпка», где в главной роли снялся Андрей Миронов.




Оперетта


Оперетта в переводе с итальянского языка – маленькая опера. Это театральное представление, в котором отдельные музыкальные номера чередуются с диалогами без музыки. Оперетты пишутся на комический сюжет, музыкальные номера в них короче оперных, в целом музыка оперетты носит лёгкий, популярный характер, однако, наследует напрямую традиции академической музыки.

Своими истоками оперетта восходит к искусству шпильманов и жонглеров средних веков. Это балаганное искусство высмеивало власть имущих, обличало пороки церкви и аристократов. Универсальность актеров, совмещавших в одном лице певца, танцора и акробата, унаследует и оперетта.

В эпоху Возрождения искусство странствующих актеров получило развитие в итальянской «комедии масок», а в18 веке появились жанры комической комедии и водевиля, ставшие прародителями оперетты.

Большой вклад в развитие народной комической оперетты внес немецкий зигншпиль. В зигншпиле , немецкой комической опере, пение перемежалось с комическими диалогами. Главными героями здесь были люди из народа, которые всегда выгодно отличались от порочных аристократов.

Оперетта или, как ее называют сегодня, музыкальная комедия родилась во Франции на бульварах Парижа. Здесь в 1855 году композитор Жак Оффенбах открыл собственный театр «Буфф – Паризьен». Оффенбах стал создателем жанра оперетты. Первая оперетта называлась «Двое слепых». Это прикрытая аллегориями пародия на продажность государственных мужей правления Наполеона III.

Оперетты Оффенбаха, остроумные и жизнерадостные, наполненные красочной музыкой, то лиричной, то каскадной, были чрезвычайно популярны во всей Европе. В оперную классику вошла и «лебединая песня» Оффенбаха — «Сказки Гофмана».


Жанр оперетты подхватили многие композиторы Европы. Самые выдающиеся из них – Иоганн Штраус, Имре Кальман, Франц Легар.

Иоганн Штраус (1825 – 1899)

Австрийский композитор, скрипач, дирижер, глава венской школы оперетты.

Главным выразительным средством в опереттах Штрауса становится вальс, обогащенный лиризмом и поэтикой с легко запоминающейся мелодией.

Штраусу принадлежат оперетты «Летучая мышь», «Цыганский барон».

Сюжет оперетты «Летучая мышь» построен на карнавальной шутке, остроумно закрученном сюжете. Каждая сцена насыщена новыми, неповторимыми, красивыми мелодиями. Не случайно Штраус вошел в историю музыкального театра как создатель вальсовой «поющей» оперетты. По мнению музыковедов, весь сюжет «Летучей мыши» настолько насыщен мелодическим богатством, что этого хватило бы на несколько оперетт.

Вальсы и песни его оперетт быстро запоминаются, исполняются народом как отдельные самостоятельные песенные и вальсовые жанры.

Новизна, ощущение молодости, демократизм его живой музыки, обеспечили композитору огромный успех. Штрауса стали называть королем вальса, он превратил Вену в поющий и танцующий город и стал самым популярным композитором не только у себя на родине, но и во всем мире.

Сюжет «Цыганского барона» резко отличается от других оперетт Штрауса. Здесь стихия карнавальной шутки уступила место лирической драме. На первое место выдвинута тема человеческой независимости, человеческого достоинства и, конечно, побеждающей любви. В оперетте противопоставляются свободолюбивые цыгане и государственные чиновники. Победа же любви главного героя Шандора и цыганки Саффи олицетворяет «победу честности и чистоты над обывательским самодовольством».

Дhello_html_m1b8a9a6e.jpgействие в оперетте происходит в Венгрии. Чтобы воссоздать в оперетте цыгано-венгерский колорит, Штраус изучил венгерский и цыганский фольклор, но, кроме народных мотивов, композитор включает патриотическую песню времен освободительных войн в Венгрии.

От «Цыганского барона» тянутся нити преемственности к творениям венгерского композитора Имре Кальману.

Имре Кальман (1882 – 1953)

Композитора Имре Кальмана знают во всем мире по его опереттам «Сильва», «Баядера», «Принцесса цирка» («Мистер икс»).

Решающую роль в опереттах Кальмана сыграл многонациональный фольклор самой Вены.

От «Цыганского барона» к опереттам Кальмана прослеживаются приемы построения либретто. Персонажи его оперетт делятся на три амплуа: первая пара – главные герои. С ними связана основная любовная драма. Вторая пара действующих лиц – каскадные персонажи, наделенные более простыми поверхностными чувствами, но с большой долей жизнерадостности, они должны уметь танцевать. Третья пара персонажей – пожилая пара, они контрастируют друг с другом, это комические персонажи.

Классическим примером сюжетной триады может служить оперетта «Сильва»

«Сильва» – оперетта о социальном неравенстве. Сильва – певица кабаре. Эдвин и Бони – молодые люди из богатых семей. Из порядочной семьи девушка Стасси. В отличие от традиционных любовных треугольников в оперетте любовный четырехугольник, в котором меняются пары.

Сильва Вареску — талантливая певица, становится звездой столичного кабаре. Сильва любит молодого аристократа Эдвина, но их брак невозможен из-за социального неравенства. К тому же выясняется, что Эдвин помолвлен с другой. Сильва уезжает с графом Бони.

На помолвке Эдвина и Стасси внезапно появляется граф Бони с Сильвой, которую представляет всем как свою жену. Бони, влюбившийся в невесту Эдвина, охотно даёт «развод» Сильве. Старый князь, отец Эдвина, поражён отказом сына от помолвки со Стасси, которая успела влюбиться в Бони. Но Сильва показывает брачный контракт, который Эдвин подписал с ней до отъезда. Выясняется, что Сильва — не графиня Бони, а всего лишь певица. Сильва разрывает контракт и уезжает.

Бони старается утешить Сильву, а она подумывает о возвращении на сцену. Приезжает Эдвин, который любит Сильву и не откажется от женитьбы на ней. Вслед появляется старый князь. Оказывается, что его жена и мать Эдвина в юности тоже была шансонеткой, певичкой в варьете. Князь вынужден покориться обстоятельствам. Он вспоминает свою молодость, как весело он проводил время со своей будущей женой, как его родители все же согласились на брак, и как он счастлив до сих пор.

Эдвин на коленях просит прощения у Сильвы. Вся история заканчивается счастливо.

Примером оперетты в отечественном кинематографе являются «Свадьба в Малиновке», «Трембита».


Мюзикл


Предшественниками мюзикла были множество легких жанров, где смешались шоу варьете, французский балет и драматические интермедии – небольшие вставные сценки для связки внутри музыкального произведения. В сентябре 1866 года на сцене Нью-Йорка прошла постановка «Black Crook», где сплетались романтический балет, мелодрама и другие жанры. Именно она считается исходной точкой нового жанра. Английский продюсер Джордж Эдвардс назвал музыкальной комедией один из своих хитов «Хористка». Музыкальная комедия подразумевала легкое развлекательное представление, где важным становится не сюжет, а скорее популярные вокальные номера в исполнении кумиров публики. Постановки Эдвардса снискали ошеломительный успех в Нью-Йорке.

Мюзикл — один из наиболее коммерческих жанров театра. Это обусловлено его зрелищностью, разнообразием тем для постановки, неограниченностью в выборе средств выражения для актеров.


Большое распространение мюзикл, как жанр, получил в Америке. Его взлет пришелся на 20-30 годы 20 века. С приходом новых американских композиторов Джерома Керна, Джорджа Гершвина и других мюзикл приобретает истинную американскую окраску. Усложнилось либретто, в ритмах стало заметно влияние джаза, в песнях появились типичные американские обороты. Многие песни из мюзиклов стали музыкальной классикой.

Вопросы:

  1. Что объединяет водевиль, оперетту и мюзикл?

  2. Найдите разницу между этими музыкальными жанрами.

  3. Как по сюжетной композиции делятся герои оперетт Кальмана?

  4. Почему музыка Штрауса была и остается популярной?


Импрессионизм

30. Живопись Франции конца 19 века.

Французская живопись конца 19 века стала известна всему миру, благодаря величайшему открытию в области цвета – импрессионизму.

Импрессионизм (впечатление). Впервые название «импрессионизм» было применено к работам художников, противопоставивших себя парижскому салону. В 1874 году состоялась выставка «независимых» художников, что было открытым бунтом против условных штампов оторванного от жизни официального искусства. Одна из картин «Впечатление. Восход солнца» художника Клода Моне дало название новому художественному течению. Французское слово «impression» означает «впечатление». Отсюда – импрессионизм. В группу импрессионистов входили Писсарро, Сислей, Ренуар. Близки к группе были Дега и Эдуард Мане. Художники работали принципиально на пленере. Они улавливали изменения предметов под влиянием солнечного света с учетом воздушной перспективы. Художники сделали ряд открытий в этой области: они нашли тень цветной, отказавшись от серой палитры, как это делали художники- академисты; классический тональный подход к моделировке предмета заменили на цветовой. Воздушную перспективу показывали не тремя цветами – коричневый, зеленый, голубой, как это делали академисты, а «растворяли» в воздухе предметы с присущими им цветовыми оттенками. Импрессионисты отбросили тоновое понятие темный – светлый заменив его живописным: теплый – холодный.

Клод Моне. (1840 – 1926)

С наибольшей последовательностью принципы импрессионизма были разработаны в творчестве Клода Моне. Его пленэрные открытия несли обновление всей системе живописи. В творчестве его увлекало наблюдение за вечно обновляющейся природой, пронизанной воздухом и светом. Особое внимание художник уделяет изображению меняющегося пространства и воздушной среды. В городском пейзаже «Бульвар Кhello_html_57d9de77.jpgапуцинок в Париже», где он использует фрагментарность и неожиданный срез композиции, заметны искания художника в разработке импрессионистической живописи. Постепенно он тhello_html_6b67a596.jpgак увлекается передачей световоздушной среды, что не пейзаж, а воздух становится центром и целью композиции. Так, в картине «Руанский собор» он так увлекается состояние природы, что воздух становится героем картины, вытесняя предметы. Постепенная утрата интереса к изображению предмета, приводит впоследствии художника к показу мерцания красочных и цветовых пятен.

Писсарро и Сислей.

Пейзажи Писсарро отличались композиционной законченностью, сдержанностью цвета. У Сислея пейзажи гармоничнее, лирически нежны.

Огюст Ренуар (1841 – 1919)

Ренуар – один из самых видных представителей импрессионизма, искусство которого отличается живым интересом к человеку. Значительное место в его творчестве отводится портрету и жанровым композициям, в которых раскрывает образы горожан. В его картинах всё объединяет воздушная среда с характерной для художника созерцательностью. Ренуар не ставит задачи глубокого психологического портрета. Его героини и герои в картине «Бал в Мулен де ла Галет» беззаботны и веселы. Они увлеченно танцуют. Мы видим их живую непосредственность, обаяние, жизнерадостность.

Рhello_html_10cb1af9.jpgенуар любит изображать Париж, уличные кафе, суету города, но самая излюбленная тема – портреты французских женщин.

Оhello_html_2268afcb.jpgдна из известных его работ – портрет Жанны Самари. Обычно художники изображают портрет с помощью светотеневой лепки объема, направленного освещения. В портрете Жанны Самари художник изобразил объем цветом без теневой лепки. Для этого он использовал мелкие мазки разных еле отличимых оттенков – теплых и холодных. Когда смотришь на портрет вблизи, замечаешь только разноцветные мазки, но стоит отойти, как замечаешь портрет красивой женщины. Мазки разных цветовых оттенков при отходе от картины зрительно «сливаются», и получается чистый прозрачный цвет. Поэтому импрессионистические картины важно рассматривать на расстоянии. .


Скульптура


Огюст Роден (1840-1917)

С живописью импрессионистов соприкасалось творчество самого выдающегося скульптора 19 века – Огюста Родена. Он пролагал новые пути в пластике, ломая мертвые схемы официального искусства.

Скульптор в начале своей творческой деятельности раскрывает реалистическое восприятие жизни. Его скульптура «Человек со сломанным носом» показывает силу образа человека, непокоренного судьбой.

Значимой его работой была многофигурная композиция «Врата ада» по сюжету Данте «Божественная комедия», где он продемонстрировал свое безграничное воображение. Фигуры его «Ада» то появляются, то скрываются в общей мученической магме грешников.

Скульптуры Родена все одинаково выдающиеся. Его «Мыслитель», «Адам», «Ева», «рука Бога» составили основную тематику творчества и донесли до нас поразительную мощь дарования художника.

hello_html_m6eabadb9.jpg«Мыслитель» олицетворяет концентрированную силу мысли, глубину страсти, выраженную во всей его позе, напряжении мышц, в глубоких морщинах, избороздивших его лицо.

В скульптуре «Сон» Роден изображает отполированное, почти гладкое лицо прекрасной девушки, и у зрителя создается впечатление сна. Во сне человек отдыхает, «обезличивается». Этот прием можно назвать импрессионистическим.

В скульптурном памятнике Бальзаку внешнего сходства он добивается, изображая его, как глыбу, подчеркивая масштаб личности. Искусственная подсветка снизу усиливает его образ.


Постимпрессионизм.

Пейзаж «Руанский собор», написанный Клодом Моне, показал конечную возможность воздушной перспективы и, соответственно, импрессионизма. Импрессионизм иссяк. Он больше не интересовал художников. Наработки импрессионистов остались в мировой культуре, как школа, открывшая цвет в живописи. В конце 19 века состоялась последняя выставка импрессионистов. Художники стали искать методы изображения не сиюминутного состояния природы, а символы вечности окружающего мира. Появляется новое течение – постимпрессионизм, то есть искусство после импрессионизма.

Сезанн (1839-1906)

Пhello_html_7df0f795.jpgоль Сезанн – яркий представитель постимпрессионизма. Это течение по своему звучанию – полная противоположность импрессионизму. Постимпрессионисты стремились показать природу самого предмета, а не то, как цвет предмета меняется от солнечного освещения.

Характерные черты творчества Сезанна – в стремлении выявить «неизменные» законы мироздания, найти природный цвет предмета, его конструкцию. Мир, создаваемый Сезанном, это нечто прочное и вечное.

В натюрмортах он уделял большое внимание пластике предметов, игнорируя световую стихию пространства. Предметный мир раскрывался им лишь только с точки зрения формы, объема, структуры живописной поверхности. В натюрморте «Персики и груши», он изобразил, кажется, все физические данные о предметах: форму, цвет, массу. Его натюрморты и пейзажи отличается четким построением композиции, крепким рисунком, «осязаемостью» предметов.

Сезанн увлекся изучением форм предметов до разложения их на геометрические составляющие. В будущем кубисты использовали выхваченные из контекста отдельные высказывания Сезанна, например, «следует передавать натуру через цилиндр, шар, конус».

Поль Гоген (1848-1903)

Гhello_html_7e1fe2b0.jpgоген испытывал страсть к путешествиям. Его мать– уроженка Перу. Детство Поля прошло на родине матери, затем семья Гогена переехала во Францию. Поль путешествует на корабле в качестве лоцмана. Он побывал, практически, во всех северных и южных морях. Его привлекают экзотические страны, его родина Перу, Индия, Индонезия. Позже он получает наследство от дедушки, становится биржевым брокером. Параллельно Гоген занимается живописью как любитель, участвует в выставках импрессионистов. Стремление уйти от буржуазной действительности с ее конфликтами, серостью, борьбой за существование, мечты о единении человека и природы привели его на острова Полинезии. Остается жить на Таити. Гоген нашел здесь мир, насыщенный фантастикой, красочным вhello_html_18166d69.jpgеликолепием. Живописными средствами художник раскрывает поэзию, неведомую европейцами природы. Напоенная солнцем тропическая природа: розовые пески, коралловые рифы и лазурное море, бронзовые тела женщин – дикарок и фантастические птицы, животные, цветы – в его картинах полны торжественного покоя. Одна из таких картин – «Пейзаж с павлином».

В сравнении с суетливым Парижем на Таити время, кажется, остановилось. Эта остановка времени заметна в его жанровых картинах.

Декоративно – живописные достоинства полотен Гогена достигнуты ценой отвлечения от реальных конфликтов жизни. Его картины звучат, как гимн первобытной природе. Художник часто изображает местных женщин на лоне фантастической природы острова. Массивные фигуры таитянок полны достоинства, наделены своеобразной грацией, пластичны и спокойны, как в картине «Женщина, держащая плод»

В своем творчестве он прибегал к повышенной интенсивности декоративного колорита, порождающего ощущение загадочности экзотического мира. Но порой его живопись была проникнута тревогой о смысле возникновения жизни, о тайнах бытия, о судьбе человечества. С упреком и мудростью смотрит на зрителя каменный бог в картине «Идол».

Умер Гоген от проказы. При жизни он не был известен, как художник, и только после смерти выставка в Париже его более двухсот полотен принесли ему славу.

О его необыкновенной жизни писатель Сомерсет Моэм написал роман «Луна и грош».

Мудрое высказывание: «Мир – это Европа. Европа – это Париж. Париж – это Монмартр», - сказал Гоген и уехал в Полинезию.

Винцент Ван Гог (1853-1890)

Художник остропсихологического дарования, искреннего драматизма. Его творчество отличает стремление вернуть искусству нравственные и социальные проблемы. Драматический конфликт между «маленьким человеком» и социальной средой – одна из составляющих его творчества.

Тhello_html_m15cf954b.jpgематика первых картин на социальную тему определяла его будущая профессия пастора, которую он так и не получил. Будучи миссионером, он проповедовал в среде шахтеров, там увидел изможденных непосильным трудом людей и себя – чистенького, не перегруженного работой миссионера. Обостренное чувство совести заставило его оставить профессию пасторства, впрочем, шахтером он не стал, но в живописи тема неравенства наложила большой отпечаток.

В картине «Едоки картофеля» Ван Гог изобразил изуродованных работой крестьян, их искривленные от работы руки, потемневшие от солнца лица, их темную лачугу с грубой самодельной мебелью. Восхищают своей эмоциональностью, любовью к человеку труда, картины «Жнец», «Красные виноградники в Арле». Обычно, солнечный диск не принято изображать, но Ван Гог пишет ослепительно белое пятно, от которого исходят золотые лучи. Они освещают весь ландшафт, насыщая его яркими красками заката.

С особой силой раскрывается трагедия человеческой души в картине «Ночное кафе в Арле». Здесь царит атмосфера бездомности и одиночества. Художник точно вселяет в предметный мир мятущийся дух. Стремительно сокращаются перспективные линии стола, жесткие угловатые столы и стулья. Повышенная интенсивность желтого и зеленого цветов, мрачная тень подчеркивают драматизм картины.

hello_html_6b5f5073.jpghello_html_m22eaa2d2.jpgЖивописный почерк Ван Гога неподражаем. Он пишет мелкими мазками, которые могут быть прямыми или закручиваться, как в пейзаже «Звездная ночь».

Природа у Ван Гога полна движения и драматизма, она одухотворена.

Самая известная картина художника – «Подсолнухи». В натюрморте ему удалось перенести эмоциональное состояние человека на цветы. Каждый цветок имеет, кажется, свою душу, свой характер, свою историю.

К 37 годам у него стали наблюдаться психические расстройства и закончил свои дни в больнице для душевнобольных.

Графика

В условиях жизни больших капиталистических городов развитие массовой печати, дух конкуренции, реклама определяет активную роль графики в изобразительном искусстве начала 20 века. Графика быстро реагировала на актуальные события во всех областях жизни в виде иллюстраций, карикатуры, рекламы, афиши, плаката.

Тулуз Лотрек (1864-1901)

Вhello_html_m1f063777.jpghello_html_43438468.jpg детстве родители маленького Тулуза посадили на лошадь с целью обучения. Но он не удержался, упал и получил травму, которая изуродовала его тело на всю жизнь. Ноги мальчика перестали расти, а тело росло. Тулуз получил хорошее образование, в том числе и художественное. Несмотря на свой физический дефект, он был окружен друзьями, его любили девушки-танцовщицы, работающие в кафе «Мулен-Руж», которое содержала семья Лотреков.

Становление искусства афиши и плаката, создание их классического типа связано с именем Тулуза Лотрека, продолжателем традиций Дега. По вечерам актеры и актрисы танцевали перед публикой, которая отдыхала в кафе, удобно усевшись за столики. Чтобы привлечь посетителей в свое кафе, Лотрек прибегает к рекламе.

Лотрек делает ряд афиш, где использует неожиданный ракурс гротескного силуэта. Его афиши экспрессивны, они помогают зрителю уловить смысл изображаемого по выхваченному фрагменту из концерта. Танцующих актеров и актрис он писал с натуры, благодаря чему, они стали узнаваемы на улице, как звезды эстрады. Конечно, всем хотелось прийти в «Мулен-Руж» и посмотреть на выступления уже известных по афишам актеров.

Лаконичны литографии «Диван Жапоне», «Ждейн Авриль в Жарден де пари», «Ла Гулю и Валентин», «Голова Ла Гулю».

Лотрек изображал своих актеров в гротескно карикатурном стиле, в интересном танцевальном ракурсе; он строит композиции на острых неожиданных сопоставлениях, художник изображает часть интерьера и делает зрителя соучастником событий.

Вопросы:

  1. Что такое импрессионизм? Какое открытие сделали импрессионисты в живописи?

  2. Что такое постимпрессионизм? Чем он отличается от импрессионизма?

  3. Какие картины вам понравились? Что вы можете рассказать об этих картинах?

  4. Что сближает в творчестве Дега и Лотрека?

  5. Вклад Лотрека в развитие рекламной афиши.


31. Импрессионизм в музыке

Художники - импрессионисты обогатили технику изображения живой природы во всей её чувственной прелести. Их живопись не могла не взволновать композиторов. Импрессионизм в музыке возник в 80 - 90-х гг. Своё классическое выражение он нашёл в творчестве Клода Дебюсси и Мориса Равеля. Главное в музыке композиторов-импрессионистов – передача настроений, приобретающих значение символов, фиксация едва уловимых психологических состояний, вызванных созерцанием внешнего мира. Это сближает музыку импрессионистическую с искусством поэтов и художников – импрессионистов, для которых характерен культ "невыразимого".

Импрессионистские черты музыки К. Дебюсси, М. Равеля и других французских композиторов проявляются в тяготении к поэтическому одухотворённому пейзажу ("Послеполуденный отдых фавна", "Ноктюрны", "Море" Дебюсси, "Игра воды", "Отражения", Равеля и др.). Близость к природе, тонкие ощущения, возникающие при восприятии красоты моря, неба, леса, способны, по мысли Дебюсси, возбудить фантазию композитора, вызвать к жизни новые звуковые приёмы, свободные от академических условностей. Новизна художественных средств нередко сочеталась у композиторов-импрессионистов с претворением изысканных образов старинного искусства - живописи и музыки стиля рококо, сентиментализма, романтизма.

Талантливо обобщив достижения предшественников, эти французские мастера в то же время резко восставали против традиционного академического романтизма, патетического преувеличения и звуковой перенасыщенности. Импрессионисты представляют искусство слуховой иллюзорности за счет прозрачной мелодической фактуры.

Эстетика импрессионизма воздействовала на все основные жанры музыки. Вместо развитых трехчастных симфоний стали культивироваться симфонические эскизы-зарисовки, сочетающие акварельную мягкость звукописи с символистской загадочностью настроений. В оперном театре импрессионизм привёл к созданию музыкальных драм полулегендарного содержания, отмеченных чарующей деликатностью звуковой атмосферы, естественностью вокального исполнения. Такая выразительность показательна в драматургии "Пеллеас и Мелизанда" Дебюсси.

В отличие от чёткой сугубо материальной палитры классической музыки музыка импрессионистов характеризуется тонкостью, нежностью, беглой переменчивостью звуковых образов. "Слушая импрессионистов-композиторов, вы по преимуществу вращаетесь в кругу туманных переливчатых звучаний, нежных и хрупких до того, что вот-вот музыка вдруг дематериализуется... лишь в душе вашей надолго оставив отзвуки и отблески упоительных бесплотных видений" (В. Г. Каратыгин).

Ашиль Клод Дебюсси (1862 – 1918)

Дебюсси в начале своего творческого пути увлекался музыкой русских композиторов. Современники о нем говорили, что он был пропитан Мусоргским, как промокашка. Дебюсси восхищался новой подачей симфонии Мусоргского «Картинки с выставки». Впоследствии он использует этот музыкальный прием в развитии симфонической темы «Море». В то же время ему импонировала немецкая романтическая музыка Вагнера. В своем творчестве он метался между классикой и новыми веяниями в художественном и музыкальном искусстве.

Стимулом к развитию новых музыкальных форм послужило знакомство с картинами импрессионистов и поэтами «Парнаса». Дебюсси отметил необычайную музыкальность стихов Малларме и Верлена. Композитор находит в их поэзии музыку. Что и зачем добавлять, например, в «Осеннем пейзаже» Верлена, где все – музыка.

Издалека

Льется тоска

Скрипки осенней –

И, не дыша,

Стынет душа

В оцепененье.

Дебюсси пишет прелюдию на стихи Малларме « Послеполуденный сон Фавна» и «Появление». В стихотворении «Появление» чувствуется присутствие прерафаэлитов:

…Луна грустила,

Омытая слезами серафимов,

Что в тишине мечтательно склонились

К цветам благоухающим и влажным

И сладостно скользившими смычками

Блуждали по струнам завороженным.

Дебюсси исповедовал принцип полного подчинения музыки поэзии. Позже он признается, что ставил свою музыку в слишком жесткие рамки.

Монумен­тальная партитура «Море» по праву считается вершиной симфони­ческого творчества Дебюсси. Это композиция из трех оркестровых «эскизов»: «От зари до полудня на море», «Игра волн», «Диалог ветра и моря».

Реальное ощущение морской стихии, то умиротворенной, то гроз­но бушующей, не покидает нас при слушании этой великолепной пьесы. Море то дышит, то лениво переливается нежными звуковыми красками, то спокойно плещется. Беспредельность его ощу­щается в медлительном развертывании тем. Изобразительное начало присутствует во многих тонко разработанных инструментальных эффектах пьесы: вы словно слышите и видите мощные удары волн, завывания ветра, рассыпающиеся брызги воды, мрачные скопления туч, сменяющиеся ослепительным сиянием солнца.

Морис Равель (1875 – 1937)


Равель был младшим современником Клода Дебюсси. Как и Де­бюсси, Равель выражал творческие принципы музыкального импрес­сионизма. Вместе с тем, эти принципы получили у него вполне самостоятельную трактовку. В музыке обоих компози­торов было немало общего, но были и черты существенного различия в их музыкальном и эстетическом мышлении.

Равель посещал художественные салоны, бывал на поэтических «вторниках» Стефана Малларме. Эти впе­чатления способствовали развитию его эстетических интересов. Одна­ко же подлинных единомышленников Равель обрел только в начале 90-х годов в дружеском кружке молодых поэтов, художников, музы­кантов, именовавших себя в шутку «апашами» (то есть «бродя­гами», «босяками»); в этом насмешливом прозвище содержался своего рода вызов буржуазной респектабельности.

Первым опубликованным сочинением Равеля был «Старинный менуэт» для фортепиано. За ним последовала сюита для двух роялей в четыре руки «Слуховые пейзажи».

Равель начинал свою творческую деятельность в пору заката импрессионизма. Впоследствии он меняет свой музыкальный стиль: от расплывчатых и текучих мелодий, приходит к более четкому музыкальному рисунку. Он увлекается народной музыкой разных стран. Появляются музыкальные образы Востока, Испании, Древней Греции. Вершиной его творчества считается музыка к балету «Дафнис и Хлоя» на древнегреческий сюжет. Балет был поставлен на подмостках театра Дягилева.

Еще в начале своей карьеры Равель полюбил музыку Мусоргского. Друзья о нем говорили: «Он пропитан Мусоргским, как промокашка». Любовь к русской классике, к музыке барокко отразились в творчестве композитора: его стиль соприкоснулся с эстетикой «неоклассицизма». Теперь в композиции он предпочитает стройность и уравновешенность.

В конце своей композиторской деятельности он обратился к джазовой музыке.

Вопросы:

  1. Назовите черты, отличающие музыку импрессионизма от классической музыки.

  2. Что повлияло на формирование нового музыкального направления?

  3. Опишите свои впечатления от прослушивания «Моря» Дебюсси.

  4. Опишите творческий путь Мориса Равеля.

Декаданс

32. Английская живопись 19 века. Прерафаэлиты.

Декаданс в переводе с французского языка означает упадок. Предвестниками декадентства были прерафаэлиты.

Пhello_html_me82f988.jpgрерафаэлиты. Объединение или «Братство прерафаэлитов» – поэтов и художников, образовалось в начале 1850-х годов с целью борьбы против условностей викторианской эпохи, академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Название «прерафаэлиты» должно было обозначать духовное родство с флорентийскими художниками эпохи раннего Возрождения, то есть художниками «до Рафаэля» и Микеланджело: Перуджино, Фра Анжелико, Джованни Беллини. Самыми видными членами «братства прерафаэлитов» были: поэт Данте Габриэль Россетти, живописцы Уильям Холман Хант, Джон Эверетт Миллес.

Дhello_html_4a1ea76f.jpgо появления Братства прерафаэлитов развитие британского искусства определялось главным образом деятельностью Королевской академии художеств. Как любое другое официальное учреждение, она осторожно относилась к нововведениям, сохраняя традиции академизма. Хант, Миллес и Россетти заявили в журнале «Росток», что не желают изображать людей и природу отвлеченно красивыми, а события — далёкими от действительности и, наконец, им надоела условность официальных, «образцовых» мифологических, исторических и религиозных произведений.

Для прерафаэлитов основной идеей становится эстетизм, стилизация форм, культ красоты и эстетики. Все эти черты присущи творчеству Россетти, который поначалу был лидером движения. Как писали современники, он «был планетой, вокруг которой мы вращались. Мы копировали даже его манеру разговора».

Данте Габриэль Россетти (1828 – 1882)

hello_html_m3a0ab1e2.jpgЖивопись

Россетти был художником и поэтом. Как художник, он стал известен в позднем периоде своего творчества. Основными чертами его живописи становятся эстетизм, стилизация форм, культ красоты. Он женился на своей натурщице и возлюбленной Элизабет Сиддал, прожил с ней десять лет, но она умерла от туберкулеза. Художник долго переживал смерть жены, он обвинял себя, что уделял много внимания своему творчеству, а не ей. Через некоторое время он пылко влюбляется в жену своего друга. Практически во всех этих работах присутствует одна и та же модель — возлюбленная Россетти Джейн Бёрден, супруга Уильяма Морриса. С ухудшением душевного здоровья Россетти увеличивается его зависимость от Джейн, он был одержим ею, посвятил ей огромное количество полотен, обессмертив её имя так же, как имя Элизабет Сиддал. Среди самых известных его работ — «Дневная грёза», «Прозерпина», «Вероника Веронезе».

Россетти много работал как иллюстратор и оформитель книг, обращался к фотографии, монументально-декоративной живописи, и везде его преследовал образ возлюбленной.

Джейн была очень красивой женщиной. Уильям Морис изобразил ее королевой в картине «Королева Гинерва». Морис и Россетти много раз рисовали Джейн, находя в ней черты романтической средневековой красоты.

В работах художников - прерафаэлитов подчеркиваются изысканность поз красавиц, зачастую, фантастический фон, отсутствие освещения, как в картинах, созданных в раннем периоде эпохи Возрождения.

Эстетика прерафаэлитов повлияла на поэзию и прозу Англии. Романист Оскар Уайльд стал приверженцем и пропагандистом эстетизма в литературе. Прерафаэлиты оказали огромное влияние на зарождение нового течения в Европе и России – декадентства и модернизма.

Творчество прерафаэлитов постепенно переросло в слащавое, отвлеченное искусство и закончило свое существование.


Поэзия Россетти

Россетти отрицает общественную функцию литературы, признавая за искусством одну эстетику. Его поэзия пропитана мистикой, навеянной творчеством Эдгара По. Поэт отталкивается от позитивизма, идеализируя прошлое. Россетти отказывается от всякой социально-политической проблематики, игнорирует революционно-чартистскую поэзию 1830 - 1850 годов. Характерными чертами поэзии Россетти являются описательность, тщательная прорисовка деталей. Он делает акцент на напевности, пристрастии к аллитерациям.


При падении листов...


Знаешь ли ты при паденье листов,
Эту томительность долгой печали?
Скорби сплетают, давно уж сплетали,
       Сердцу могильный покров,
       Спят утешения слов
При паденье осенних листов.

Стынут главнейшие мысли напрасно,
Стынут главнейшие мысли ума.
       Осень, и падают листья, ненастно, -
       Знаешь ты это? Все в жизни напрасно,
На все налегла полутьма.

Знаешь ли ты ощущение жатвы
При падении долгом осенних листов?
       Ощущенье скользящих серпов?
       Ты молчишь, как святыня забытая клятвы,
Ты молчишь, как скучающий сноп меж снопов,
При паденье осенних листов.


Вопросы:

1. Как в Англии появилось «Братство прерафаэлитов»?

2. Какое влияние прерафаэлиты оказали на мировую культуру?


33. Литература Западной Европы рубежа 19 – 20 веков.


Как литературное движение декаданс — это переходный этап между романтизмом и модернизмом. Данный термин относился к авторам конца XIX века, которые были связаны с движениями символизма и эстетизма и которые также сочетали в своём творчестве элементы более раннего движения романтизма с его несколько наивным взглядом на природу. Некоторые из этих авторов находились под влиянием традиции готического романа и поэзии и прозы Эдгара Аллана По.

Эдгар Аллан По (1809 —1849) — американский писатель, поэт, является представителем американского романтизма, предтечей символизма и декадентства. Наибольшую известность получил за свои «мрачные» новеллы – короткие рассказы. Он создатель формы современного детектива.

В новеллах есть место едкому сарказму, фантастическим причудливым сюжетам. За Эдгаром По устоялась репутация автора страшных рассказов. Они отличаются причудливостью сюжетов, неожиданностью развязок. Фабула рассказов окрашена в зловещие тона: утрата близких, душевные аномалии, злодейские преступления.

Пессимизм По определялся не только трагическими событиями в его жизни, но и реакцией на современную жизнь Америки.

Герои По – не жертвы случая: свой рок они носят в себе. Над ними довлеет наследственность, патология, страсти. Его герой всегда противопоставляется толпе, вырван из неё и отделен пропастью.

Творчество По находилось под влиянием романтизма, уже завершавшего свой путь на Западе. Мрачная фантастика, Гофмана и многих других сказочников-романтиков вспыхнула еще раз в творчестве Эдгара По,– это был эпилог романтизма.

Оскар Уайльд (1854 – 1900г.г.) яркий представитель декадентства в английской литературе.

Он родился в Ирландии в семье врача. У него было счастливое беззаботное детство. Он учился в королевской школе, затем в Оксфордском университете, увлекался греческой литературой, философией. Еще в школе он отличался остроумием, а в университете его прозвали «ирландским остроумцем». Он был красив, высок, с длинными волосами, любил красоту во всем: в интерьере, в одежде… В петличке его пиджака всегда были цветы. Любимый цветок – маргаритка. Его обожали женщины и вышивали для него платки с изображением маргаритки. Он поддерживал философию прерафаэлитов, прославляя эстетику и красоту. Работая в журнале редактором, женился. У него появляются двое детей. Им он посвящает свои первые сказки: «Мальчик – звезда», «Кентервильское привидение», «Счастливый принц», которые были навеяны сказками Андерсена. В них он уже нашел тип своего героя: красивый юноша, отрешенный от земных проблем, ищущий только красоту. Самое значительное его произведение – роман «Портрет Дориана Грея», где вводит фантастические мотивы. Роман по своей фабуле перекликается с романом Бальзака «Шагреневая кожа».

«Портрет Дориана Грея»

Сюжет заключается в том, что художник пишет портрет красавца Дориана. Когда портрет готов, Дориан сокрушается, что на портрете он останется таким же молодым и красивым, а в жизни постареет и станет безобразным. Получилось наоборот: стареть начал портрет, а Дориан так и оставался в жизни молодым и красивым. Портрет старел лишь в том случае, когда Дориан совершал плохой поступок. Он пускается во все тяжкие грехи: разврат, убийство, предательство. Портрет никому не показывает, потому что в нем отражена его совесть. Дориан доводит до самоубийства любимую девушку, убивает художника, который пришел увидеть свое творение… Роман заканчивается тем, что Дориан ножом разрезает свой портрет и падает замертво. Слуга, пришедший на шум, обнаруживает на полу безобразного старика, а рядом – портрет красивого юноши.

Символика романа состоит в том, что портрет олицетворяет совесть. Пытаясь уничтожить свою совесть, человек уничтожает себя. Уайльд не отказывается от красоты, но понимает, что красота внешняя – неотъемлемая часть красоты внутренней. Писатель осуждал философию пресыщенности и наслаждения.

На страницах романа, Уайльд высказывает свои остроумные афоризмы через героя лорда Генри. В них он подсказывает читателю мораль романа. Вот некоторые из них:

«Тщательнее всего следует выбирать врагов. Среди моих недругов нет ни единого глупца».

«Подлинный секрет счастья – в искании красоты».

«Наслаждение – тот пробник, которым природа испытывает человека».

«Быть хорошим – значит жить в согласии с собой».

«Мужчины женятся от скуки, а женщины выходят замуж из любопытства».

«Совесть – обратная сторона трусости». Эта фраза стала ключевой в романе. Дориан, следуя этой морали, постепенно стал терять себя, как личность. Вседозволенность значит, полное отсутствие совести. Чем бессовестнее человек, тем больше в нем накапливается трусости, ведь расплата неизбежна. Трусость уничтожила Дориана как личность, он убивает своего друга, художника, который осмелился посмотреть на картину как на свидетельство порочной совести.

Роман принес Оскару Уайльду большую популярность. Но слава губит писателя. Клеветники осуждают его, жена уходит, и он уже никогда не увидит своих детей. Его сажают в тюрьму, где он умирает

В середине 19 века во Франции образовалась литературная группа «Парнас». Парнас – это вершина горы, на которой по древнегреческой мифологии обитал бог искусств Аполлон.

В основе программы этой литературной группы было противопоставление «чистой», высокой поэзии «прозе» действительности. Господствующее положение занимала форма стиха, изысканность языка, отточенность ритмов и рифмы.

По своим принципам «отчужденности» от жизни, парнасцы напоминали английский живописцев прерафаэлитов. И у парнасцев, и у прерафаэлитов, звучит одна и та же идея: «искусство ради искусства».

Наиболее талантливые парнасцы внесли значительный вклад в развитие французской литературы, обогатив ее язык и образность, чем привлекли внимание русских поэтов «серебряного века» - Николая Гумилева, Валерия Брюсова, и других.

Среди парнасцев были известные французские поэты – Шарль Бодлер, Поль Верлен, С Малларме, молодой Анатоль Франс.

Декаданс в литературе Франции


Шарль Бодлер (1821-1867)

Предтечей парнасцев был Шарль Бодлер – поэт своеобразного дарования. Его «больное» творчество повлияло на французскую поэзию рубежа 19 – 20 веков, на появление импрессионизма и символизма в поэзии.

Критикуя мир, Бодлер находил в нем и очарование.

Все творчество поэта выросло из кричащих противоположностей его мятущийся души. Он жаждет ощутить сладостный вкус существования, он беспощадным ясным умом превращает свою душу в предмет истязания. Бодлер мечется между «восторгом жизни» и ужасом перед ней. Такой феномен Гегель назвал «несчастным сознанием». В поэзии Бодлера, присутствует разорванное сознание, пребывающее в непрерывном состоянии «беспрерывной тоски».


Море

Порою музыка объемлет дух, как море:
            О, бледная звезда,
Под черной крышей туч, в эфирных бездн просторе,
            К тебе я рвусь тогда;

И грудь и легкие крепчают в яром споре,
            И, парус свой вия,
По бешеным хребтам померкнувшего моря
            Взбирается ладья.

Трепещет грудь моя, полна безумной страстью,
И вихрь меня влечет над гибельною пастью,
            Но вдруг затихнет всё -

И вот над пропастью бездонной и зеркальной
Опять колеблет дух спокойный и печальный
            Отчаянье свое!

В стихотворении прослеживается та же борьба между духовным и телесным, восхищением музыкой и отчаянием, перед мыслью, что она когда-то умолкнет.

Поль Верлен (1844 – 1896)

Воспеваемая Верленом природа, импрессионистские этюды его стихов - в сущности, пейзажи души поэта.

Отношение лирического героя Верлена к природе настолько близка поэту, что человек нередко на время отодвигается, замещается пейзажем, чтобы затем снова в нём ожить. Проникновения Верлена в природу так высока, что, гуляя по воспетым им равнинам, по пропитанным весенним воздухом улицам, вглядываясь в сиреневые сумерки, ощущаешь душу самого поэта, слившуюся с душой природы.

Пейзаж у Верлена уже не традиционный фон или аккомпанемент переживаниям человека. Сам мир уподобляется страстям и страданиям поэта. Такое смещение акцентов вызвано у Верлена не силой владеющих им страстей, но поразительной тонкостью чувств, которую он распространяет на всё, к чему обращён его взгляд. Каждое дерево, лист, дождевая капля, птица как будто издают едва слышный звук.

Одно из лучших стихотворений поэта:

«На солнце утреннем пшеница золотая» (фрагмент):

На солнце утреннем пшеница золотая
Тихонько греется, росой еще сверкая.
Ночною свежестью лазурь еще ясна.
Выходишь из дому, хоть незачем; видна
На волнах зыбких трав, текущих вдаль, желтея,
Ольхами старыми обросшая аллея.
Дышать легко. Порой, слетавши в огород,
Соломинку несет пичужка или плод;
За нею по воде мелькание отсвета…



Артюр Рембо (1854 – 1891)

Феноменальный, исключительный, редкий, необычный – эти эпитеты определяют жизнь и творчество Артюра Рембо.

Писать прозу и стихи он начинает с семи лет. Будучи необычайно одаренным от природы, в школе учится без усилий, учителя возлагают на него большие надежды. Но, затем, начинаются странности: неоднократно он убегает из дому, и его, так же неоднократно возвращает домой полиция. Некоторые исследователи полагают, что в уходе из дому виновата мать с ее слишком строгим воспитанием. Во время Парижской Коммуны, он в очередной раз сбегает из дому и принимает участие в боях на улицах Парижа. «Юный Рембо не нуждается в том, чтобы присоединяться к коммуне – она сама в нем самом», писал Горсар. Верлен, с кем как с учителем и наставником сближается Артюр, называл его разгневанным ребенком. Артюр входит в состав парнасцев, где быстро стал взрослеть, как поэт.

Одно из проявлений феноменальной зрелости Рембо – его удивительная самокритичность. Он был агрессивен и прежде всего к самому себе, он шел от самоотрицания к самоотрицанию. Его развитие сопровождалось нестерпимым желанием уничтожить, выбросить только что пережитый этап. Рембо уничтожал лестницу, по которой поднимался все выше и выше – к своему последнему этапу – отрицанию поэзии.

Он закончит литературную карьеру в 19 лет, станет рядовым торговцем, и уже никогда не напишет ни строчки.

Всемирную известность приобрели стихи, такие, как «Пьяный корабль», «Воронье», «Париж заселяется вновь»…

Богема (фрагмент)

Засунув кулаки в дырявые карманы,

Под небом брел я вдаль, был, Муза, твой вассал.

Какие – о, ля-ля! – в мечтах я рисовал

Великолепные любовные романы!


В своих единственных разодранных штанах

Я брел, в пути срывая рифмы и мечтая.

К большой медведице моя корчма пустая

Прижалась. Шорох звезд я слышал в небесах.


В траву усевшись у обочины дорожной.

Сентябрьским вечером, ронявшим осторожно

Мне на лицо росу, я плел из рифм венки.


И окруженный фантастичными тенями,

На обуви моей, израненной камнями,

Как струны лиры я подтягивал шнурки.


Стефан Малларме (1842 – 1898)

Творческий почерк Малларме — рационализированная эмоция, – отсюда доходящая до жеманства искусственность поэта, отсюда же и естественное преобладание метафоры в его стиле. Субъективная лирика Малларме — тематически неопределенная, зыбкая, с основными мотивами одиночества и скорби, в которой чувствуется бодлеровский мотив. Поэт не стремится к непосредственному выражению чувств, он выражает их в ряде иносказаний, подлежащих раскрытию.

Одно из его стихотворений, «Послеполуденный сон Фавна», ляжет в основу русского балета. (Фавн – древнегреческий бог леса).

Фрагмент из стихотворения:

Вам вечность подарить, о, нимфы!
Полдень душный
Растаял в чаще сна, но розово-воздушный
Румянец ваш парит над торжеством листвы.
Так неужели я влюбился в сон?
Увы,
Невыдуманный лес, приют сомнений темных, –
Свидетель, что грехом я счел в роптаньях томных
Победу ложную над розовым кустом.
Опомнись, Фавн!..

Вопросы:

1. Что является символикой в романе Уайльда «Портрет Дориана Грея»?

2. Доказал ли Уайльд, что совесть – обратная сторона трусости?

3. Какие высказывания лорда Генри шокируют вас, какие импонируют?

4. Каких принципов в творчестве придерживались поэты «Парнаса»?

5. Выделите особенности творчества Бодлера, Варлена, Рембо и Малларме.


Зарождение стиля модерн


34. Театр Дягилева и «Мир искусства»



В конце 19 века в России и Европе в связи с научно-техническим прогрессом, бурлящим предреволюционными событиями, зарождается стиль модерн, в переводе с французского – новый, современный. Французское литературное объединение «Парнас» стало предтечей модерна, который распространился на живопись, архитектуру, музыку, театр. Художники, архитекторы, композиторы, литераторы искали новые формы выражения своего творчества. В России стиль модерн осваивали художники объединения «Мир искусств».

В стиле модерн работали русские художники: М. Врубель, В. Васнецов, А. Бенуа, Л. Бакст, К. Сомов.

Петербургская театральная деятельность

Творческое объединение «Мир искусства» названо по выходившему тогда журналу «Мир искусства». Девизом участников объединения стало «искусство ради искусства», как и у французских поэтов «Парнаса», но с оговоркой: искусство само по себе прекрасно и не нуждается в идейных пояснениях. Организатором общества был Александр Бенуа. В объединение входили художники Серов, Нестеров, Коровин, Кустодиев и другие. Мирискусстники много сделали для развития русского театра. Художники разрабатывали декорации, афиши, костюмы к спектаклям. Оригинальное творчество «мирискусстников» прославилось, благодаря гастролям русского дягилевского театра в Париже.


Творчество художников «Мира искусства» было тесно связана с театральной деятельностью искусствоведа Сергея Павловича Дягилева (1872-1929). Русский балет или антреприза Дягилева – это предприятие, куда приглашались лучшие танцовщики, композиторы, художники для образования передового театра.

Сценография становится одной из главных областей творчества художников «Мира искусства». Они оказали огромное влияние на стиль оформления сцен многих театром России. Главный их творческий вклад был направлен на создание балетного театра.

С художниками «Мира искусств» был связан блистательный дебют дягилевского театра за рубежом с постановкой «Бориса Годунова» М.П. Мусоргского и участием Федора Шаляпина в заглавной роли в 1908 году. Это послужило началом «Русских театральных сезонов» в Париже.

«Русские сезоны» объединили силы отечественных композиторов, режиссеров, танцовщиков, певцов и художников во имя создания гармоничного спектакля. Дягилев создает балет нового типа, который представлял синтез хореографии, музыки и живописи. В труппу были приглашены ведущие мастера русского балета: Анна Павлова, Карсавина, супруги Фокины, Ида Рубинштейн, Вацлав Нежинский.

С самого начала основным направлением хореографии его сезонов стало стремление раздвинуть рамки классического балета. Эксперименты с танцевальными формами Нежинского опережали время и потому были не сразу приняты зрителями. Хореограф Михаил Фокин добавил движениям «богатую пластику», а продолжатель заложенных им принципов - Мясин - обогатил хореографию «ломаными и вычурными формами». Баланчин окончательно отошёл от правил академического танца, придав своим балетам более стилизованное и экспрессионистское звучание.

Сезоны Дягилева — особенно первые, в программу которых входили балеты «Жар-птица», «Петрушка» и «Весна священная» — сыграли значительную роль в популяризации русской культуры в Европе и способствовали установлению моды на всё русское. Например, английские танцовщики Патрик Хили-Кей, Элис Маркс и Хильда Маннингс взяли русские псевдонимы (соответственно Антон Долин, Алисия Маркова, Лидия Соколова), под этими именами они выступали в труппе Дягилева. Популярность его сезонов привела и к увлечению европейцев традиционным русским костюмом и породила новую моду. Супруга короля Великобритании Георга VI выходила замуж в «платье, перефразирующем русские фольклорные традиции».

Яhello_html_32281dc4.jpgрко сиял талант художника по костюму Леона Бакста в балетах «Клеопатра» на музыку Глинки, Римского-Корсакова, «танец семи покрывал» по произведениям Оскара Уайльда в исполнении Иды Рубинштейн. Прославил русские сезоны балет «Шахерезада» на музыку Римского-Корсакова. «Послеполуденный сон Фавна» – тема, взятая из поэзии Малларме, послужила основой для создания самой выдающийся балетной постановки «Русских сезонов». Морис Равель написал музыку, танец Фавна разработал хореограф Михаил Фокин, исполнил гениальный танцовщик Вацлав Нежинский. Смелые отступления от классического балета, новаторство в хореографии, опередили время «выхода Фавна». Русский балет стал на пике популярности.

Вhello_html_64888b8d.jpgсе балетные постановки театра Дягилева – это созвучие колорита, музыки, движения, костюма актера.

Леон Бакст стал одним из классиков танцевального костюма. Создавая костюм – образ, он обращался к лучшим первоисточникам: античной живописи и скульптуре («Послеполуденный сон Фавна»), древнерусской иконе («Жар птица»), иранской миниатюре («Шахерезада»). Сохраняя конструктивную логику, он перевел костюм на язык балета, тем самым нарушив традиционные балетные одеяния – туники и пачки.

Александр Бенуа – художник театра. Наиболее ярко раскрылся в оформлении «Петрушки» – балета на музыку Стравинского. Здесь он использовал прием кукольного театра в виде окошечка, в котором разворачивается кукольное действие. В оформлении он использовал яркий лубочный колорит.

Вhello_html_m57ee7ec4.jpg балете «Павильон Армиды» Бенуа воссоздает атмосферу театра 18 века в стиле барокко с помощью перспективной живописи. Спектакль поразил европейских зрителей театральностью образов, стилевым единством оформления и содержания балета.

Николай Рерих по заказу Дягилева оформил сцену для оперы «Князь Игорь» А.П.Бородина к первому акту «Половецкий стан». Костюмы, сочиненные Рерихом, были составной частью сценографии и хореографии. Он показал Русь изначальную, объединив колорит, суровые языческие формы с общим ритмом оперной постановки.

При создании балета «Весна священная» Рерих в содружестве с композитором Стравинским сам сочинял либретто. Первая картина «Поцелуй Земле», определенная Рерихом, как проявление земной радости, передавала суровые каменные формы ландшафта. Это было не столько возрождение Земли, сколько окончание ледникового периода. Фантазия Стравинского разыгралась, он услышал эту картину в музыке: грубые языческие пляски, действо обрядовых игр, неистовая энергия народа.

Выступая оформителями спектаклей в театре Дягилева, русские художники завоевали мировое признание и оказали сильное влияние на западноевропейское театрально-декоративное искусство.


Вопросы:

  1. Чем объясняется успех «Русских сезонов» в Париже?

  2. вклад «мира искусств» в развитие театра.

  3. Какие общие тенденции наметились в культуре начала 20 века?

  4. Какое открытие подарили миру импрессионисты?

  5. Сопоставьте имена художников и их картины:

1. Ренуар а. Подсолнухи

2. Гоген б. Ла Гулю и Валентин

3. Ван Гог в. Портрет Жанны Самарии

4. Тулуз Лотрек г. Пейзаж с павлином

  1. Сопоставьте музыкальные жанры и их определения:

1. Оперетта а. драма через музыку

2. Водевиль б. маленькая опера

З. Мюзикл в. музыкальная комедия

4. Опера г. легкий жанр музык комедии, почти варьете.

7. В каких жанрах воплотился «Послеполуденный сон Фавна»? Кто их авторы?






























Список используемой литературы:


  1. З.Т. Гражданская. От Шекспира до Шоу. М., Просвещение, 1982г.

  2. В.И. Кулешов. История русской литературы. 19век в 70 – 80 годы. М., Высшая школа, 1983г.

  3. Западно - Европейское искусство второй половины 19 века. сборник статей. Под редакцией Б.Р. Виппера и И.Е. Даниловой. М., искусство, 1975г.

  4. История зарубежного искусства под редакцией М.Т. Кузьминой, Н.Л. Мальцевой. М., Изобразительное искусство 1984г.

  5. История русского искусства II том под редакцией М.Б. Милотворской. М., изобразительное искусство, 1981 г.

  6. З.Т. Гражданская. От Шекспира до Шоу. М., Просвещение, 1982г.

  7. В.И. Кулешов. История русской литературы. 19век в 70 – 80 годы.М., Высшая школа, 1983г.

  8. Западно - Европейское искусство второй половины 19 века. сборник статей. Под редакцией Б.Р. Виппера и И.Е. Даниловой. М., искусство, 1975г.

  9. История зарубежного искусства под редакцией М.Т. Кузьминой, Н.Л. Мальцевой. М., Изобразительное искусство 1984г.

  10. История русского искусства II том под редакцией М.Б. Милотворской. М., изобразительное искусство, 1981 г.

  11. М.М. Алленов, О.С.Евангулова, Л.И. Лифшиц. Русское искусство X - начала XX века. М., Искусство, 1989г.

  12. П. Вайль, А. Генис Родная речь М., Независимая газета, 1994г.

  13. М. Зильберквит. Мир музыки М.; Детская литература, 1988г.

  14. Оперные либретто под редакцией М.Д. Сабинина и Г.М. Цыпина. М., Музыка, 1972г.

  15. Стефан Яроцинский. Дебюсси, импрессионизм, символизм. М., Прогресс, 1978г.



































































































Подайте заявку сейчас на любой интересующий Вас курс переподготовки, чтобы получить диплом со скидкой 50% уже осенью 2017 года.


Выберите специальность, которую Вы хотите получить:

Обучение проходит дистанционно на сайте проекта "Инфоурок".
По итогам обучения слушателям выдаются печатные дипломы установленного образца.

ПЕРЕЙТИ В КАТАЛОГ КУРСОВ

Автор
Дата добавления 28.11.2015
Раздел ИЗО, МХК
Подраздел Рабочие программы
Просмотров692
Номер материала ДВ-204284
Получить свидетельство о публикации
Похожие материалы

Включите уведомления прямо сейчас и мы сразу сообщим Вам о важных новостях. Не волнуйтесь, мы будем отправлять только самое главное.
Специальное предложение
Вверх