Инфоурок / ИЗО, МХК / Рабочие программы / Учебное пособие по МХК 11класс

Учебное пособие по МХК 11класс



Московские документы для аттестации!

124 курса профессиональной переподготовки от 4 795 руб.
274 курса повышения квалификации от 1 225 руб.

Для выбора курса воспользуйтесь поиском на сайте KURSY.ORG


Вы получите официальный Диплом или Удостоверение установленного образца в соответствии с требованиями государства (образовательная Лицензия № 038767 выдана ООО "Столичный учебный центр" Департаментом образования города МОСКВА).

ДИПЛОМ от Столичного учебного центра: KURSY.ORG


библиотека
материалов

Учебное пособие по МХК



11 класс


Культура 19 века

От модернизма до современного искусства





Бондаренко А.Б.









Данное пособие – логическое продолжение

обучению МХК, начатое в 8, 9, 10 классах.

Раскрывает темы модерна и

модернистских течений,

театрального искусства, киноискусства,

искусство военного времени

влияние теории Фрейда

на искусство 20 века.



















1. Московская театральная деятельность


В конце 19 – начала 20 века театрально-декоративному искусству принадлежала очень важная роль и стала одним из наиболее значимых явлений русской культуры. К театрально- декоративному искусству обращались крупные художники, стремившиеся к синтезу разных видов творчества.

В осуществлении реформ театральной живописи объединились самые разные художники.

М.А.Врубель был активным участником оформления сцены Московской частной оперы. Он развивал русскую сюжетику, внося в нее свою пластику, драматургию, свою трактовку исторических событий. К примеру, он выполнял сценические панно к опере Римского-Корсакова «Царская невеста».

Среди живописцев, приложивших свою гениальную руку к сценической декорации, был К.А. Коровин. Он создал декорации к операм и балетам отечественных композиторов: «Жизнь за царя», «Руслан и Людмила» М.И.Глинки, оперы «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии», «Садко», «Золотой петушок», «Снегурочка», Римского - Корсакова.

Коровин в своих декорациях воссоздает Древнюю Русь, ее красоту в неповторимом живописном образе, созвучной музыке.

Следующая веха развития режиссерского театра и театрально-декоративного искусства связана с открытием Московского Художественного театра в 1898 году. Его основатели – Константин Сергеевич Станиславский и Владимир Иванович Немирович – Данченко, выдающиеся деятели и теоретики режиссерского театра. Они создали театр демократической направленности, высокой этики, живо откликавшиеся на вопросы, волнующие русское общество.

В постановках МХТ с небывалой до того времени социальной остротой, психологической глубиной на сцене раскрылись жизненная правда, гуманизм драматургии Горького, Чехова. Толстого и Тургенева. Зрителей поражала многогранность чувств, тонкость выражения душевных движений.

К.А.Станиславский разработал теорию театральной драматургии, которая основывается на реалистической работе актера. Актер должен говорить на сцене так, как говорит в жизни, его психологические реакции на те или иные события должны рассматриваться актером тоже, как в жизни. Станиславский первый поднял вопрос о раскрытии психологического портрета в драматургии. Он отвергал чрезмерную жестикуляцию и переигрывания. Главное на сцене – это реальный человек со своей психологией, которую актер должен понять в постановочной пьесе и донести до зрителя. Станиславский смотрел на игру актеров с точки зрения публики и, если чувствовал, что публика не поверит в реалистичность образа, он говорил: «Не верю». Для актера это означало, что он плохо стравляется со своей ролью и надо еще много работать, чтобы погрузиться в тот или иной образ. Свои высказывания и творческие находки он записывал в книжечку, пока не сложилась целая система образования, которая стала называться «Системой Станиславского».

Система Станиславского стала образцом театрального образования не только в России, но и мире. Его книга «Работа актера над собой» вышла в 1938 году.

Для создания реалистических спектаклей нужны были и достойные декорации. МХТ привлекал талантливых художников.

В.А. Симов – последователь искусства передвижников был историческим живописцем. Передвижнические позиции Симова были близки режиссуре МХТ.

Симов сделал декорации к спектаклю «Царь Федор Иоаннович» по произведению А.К. Толстого, предварительно посетив старые русские города и изучив их архитектуру.

Поиски психологического театра были связаны с постановками произведений Чехова и явились важнейшим этапом для МХТ. Театр открыл в пьесах Чехова глубокий социальный смысл, трагическое начало, замаскированное обыденной жизнью. В каждом из чеховских спектаклей Симов создавал обстановку, как бы рожденную самими героями, их характерами и судьбами. Так возникли неуютные заброшенные комнаты пьесы «Чайка», контраст весеннего цветения природы и обреченности запущенного дома в «Вишневом саде». Симов и Станиславский располагали вещи в сценическом пространстве так, что актеры иногда садились на стулья спиной к зрителю. Отход от традиционной фронтальной композиции сцены к внутренне оправданным действиям героев – это было новаторство.

Этапной для театра была декорация к спектаклю Горького «На дне», где Симов использовал объемную декорацию с лежаками бездомных людей.

Благодаря совместной работе художника и режиссера, появилась профессия – театральный художник - режиссер. Симов использовал в декорациях конструктивные формы, пластически и образно подчеркивающие характер спектакля. Лучшие работы Симова стали достоянием отечественной сценографии.

Мейерхольд

Мейерхольд начинал свою творческую деятельность в МХТ, но вскоре у него возникли творческие расхождения со Станиславским, и он ушел с целью развить свою сценическую школу. Станиславский и Мейерхольд стали по разные стороны театральной школы. Впрочем, Мейерхольд признавался, что они роют одну траншею, только с разных сторон.

Станиславский в своей системе главным выдвигал психологизм актера, Мейерхольд на первый план ставил биомеханику. Например, чтобы выстрелить из лука, актер вначале должен вообразить, что он античный стрелок, за этим образом следуют его движение, осанка, речь. Если в образе героини есть что-то величавое, то она вначале должна представить себя в образе, допустим, египетской жрицы, далее следуют жесты, походка, поведение героини на сцене.

Так, режиссер создал спектакль «Ревизор», где на основе биомеханики он добился максимального комизма гоголевских героев. По приглашению Комиссаржевской Мейерхольд приезжает в Петербург, где ставит оперу - буфф по произведениям Маяковского. Режиссер мечтал о создании условного театра (УТ), в котором актеры и зрители вместе создавали бы «живой» спектакль. Например, играя спектакли по пьесам Маяковского, актеры занимали не только сцену, но и весь зал. Актер мог появиться из глубины зала или просто гулять по залу.


Творческое наследие деятелей театрального искусства Станиславского и Мейерхольда стало народным достоянием.
Их объединяло:
Принципы народности, идейности и реализма в искусстве. Но каждый по-разному решал задачи театрального искусства.
К.С. Станиславский
Основоположник «школы переживания», где главный принцип – от внутреннего к внешнему.
Создатель системы воспитания актера, включающей 5 основных элементов:
1. жизненная правда;
2. сверхзадача;
3. действие и активность;
4. органичность;
5. перевоплощение;
Задача: создание органической жизни на сцене в образе действующего лица. Путь решения заключается в раскрытии внутреннего мира человека, «заражении» зрителей, а «заразив» актера требования жизненной правды.
Методы работы: полное слияние с образом.

В. Э. Мейерхольд:
«Мейерхольд дал корни театрам будущего, будущее и воздаст ему». (Е. Б. Вахтангов)
Влияние творчества распространилось на влияние мировой художественной культуры. Еще в годы учебы в МХТ обдумал программу «театра символического»
«Сцена требует определенной условности. Условный метод полагает в театре четвертого творца – это зритель. Театр дает такую инсценировку, где зрителю своим воображением творчески приходится дорисовывать данные сценой намеки».


Программа Мейерхольда:
1. Два крайних жанра: «революционная трагедия» и «революционная буффонада».
2. В действии никаких пауз психологии и «переживаний» на сцене. Много света, радости, грандиозности и зараженности, легкое творчество, вовлечение публики в действие и коллективный процесс создания спектакля.
Готовился вынести театр на открытое пространство. Игра актеров основывалась на принципе биомеханики, которая утверждала эффект очищения чувств.
Творчество актера, есть творчество пластических форм в пространстве.
Путь к образу и к чувству надо начинать не с переживаний и осмыслений, не «изнутри», а «извне», с движения.
Умение правильно использовать выразительные средства своего тела.
Музыкальная и ритмическая организованность пластического и словесного рисунка роли.
Общий методологический «ключ» биомеханики – от внешнего к внутреннему.
Считая необходимым избавить актера от бесконтрольного мышечного напряжения, дать свободу его сценическому самочувствию, научить управлять «физической жизнью роли».
К. С. Станиславский: законы сцен. действия и общения, законы словесного действия, учение о сверхзадаче и сквозном действии.
В. Э. Мейерхольд: закон биомеханики, метод гармонического слияния в действии движения, слова, музыки, цвета, ритма. Гиперболизация образов до масок, символика, монтаж аттракционов.
www.liveinternet.ru/journalshowcomments.php?jpostid...journalid.


Вопросы:

1. Роль художника в формировании театра

2. Чему учил Станиславский своих актеров?

3. Что такое биомеханика?

4. Найдите разницу между школами Станиславского и Мейерхольда.


2. Символизм в русской живописи


Символизм ( от греческого – условный знак). В древней Греции так называли две половины разрезанной палочки, которые помогали их обладателям узнать друг друга. Символизм выражает суть какого-то явления. Например, в начале новой эры, знак рыбы означал принадлежность к христианству. В Китае черно-белый знак инь и янь, означал мужское и женское начало в природе.

Знак по своей сути по своему назначению, есть нечто конспиративное, индивидуальное, узнаваемое только посвященными. Символизм многое черпает из романтизма с его характерным пессимистическим индивидуализмом и знаковой системой. В романе Виктора Гюго Эсмиральда и ее мать узнают друг друга по имеющимся у них башмачкам.

Символизм – новое течение в искусстве и литературе конца 19 – начала 20 веков. Символизм сложился во Франции в поэзии группы «Парнас». Символисты выражали пессимистические идеи декаданса.

Романтический индивидуализм и демонизм Лермонтова повлияли на творчество русского художника – символиста Михаила Врубеля.

Михаил Врубель (1856 – 1910)

Хhello_html_m59d9c7c6.jpgудожник мечтал об искусстве, которое должно будоражить душу. Он черпал свое вдохновение в литературе, театре, музыке. Его самобытный живописный стиль легко отличить от стиля других художников. Врубель «слагает» картину из мозаичных мазков – крупных, по-мужски грубых. Они рисуют романтические образы Демона из поэмы Лермонтова, «Царевну-Лебедя», «Девочку на персидском ковре».

Центральное место в его творчестве занимала тема лермонтовского Демона. Он утверждал, что Демон – это не чёрт или дьявол, как это было принято считать, а символ, условный знак мятущейся человеческой души.

Пhello_html_40492fad.jpgервый монументальный вариант был создан в картине «Демон сидящий». Он юн и прекрасен, полон титанической мощи, но скован душевной тоской; она светится в его глазах, ощущается в его позе, в сплетенных до боли пальцах. Демон изображен с низкого уровня горизонта и от этого кажется больше, чем в натуральную величину; ему тесно в картине. Для ощущения огромной величины Демона Врубель «срезает» рамой часть головы Демона. Появляется ощущение скованности и это передается на его образ: дух томится и страдает, он мучительно переживает свое одиночество. В его вариациях на тему Демона художник приблизился к новому жанру в изобразительном искусстве – декоративному панно.

Тhello_html_m2bf33641.jpgворчество Врубеля всегда угадывается по внутренней экспрессии, «демонической» выразительности, как например, в картине «Демон поверженный». Здесь смешалось мертвое и живое, телесное и духовное с мощным эмоциональным посылом. Движение поверженного Демона Врубель подчеркивает вытянутой по горизонтали рамой. Модернистское увлечение декоративными линиями – фантастическим узором ощущается на переднем плане картины.

Врубель иллюстрировал «Демона» Лермонтова, где графически показал такие образы Демона и Тамары, что вряд ли другие художники посмеют трактовать их по- своему.

Модернистский подход виден в картине «Царевна Волхова», которая перекликается с творчеством Альфонса Мухи.

В.Э. Борисов- Мусатов (1870-1905)

Тhello_html_5a10e027.jpgворчество художника отличается от графического творчества художников «Мира искусства» тем, что он занимался станковой живописью. У него своя знаковая система: мечтательность, ностальгия по утраченной красоте усадебной жизни. Картина «Водоем» представляет собой концентрированную формулу живописной системы Борисова-Мустова. Линия горизонта отнесена высоко за раму картины. Небесная высь опрокидывается в водную гладь водоема и принимает на себя роль неба, на краю которого живут людские приведения. Живописный и композиционный строй картины воплощает в себе созерцательность, подобную сновидению. Исчезают границы между отраженным и явным. Героини картины не связаны словесным диалогом, но связаны непрерывностью кругового композиционного развития. Движение пространства уводит зрителя против часовой стрелки, движение женщин, разворачивают композицию в обратном направлении. Идея двойственности мира – основа символизма

Круговое вращение характерно для символизма в литературе. У поэта - символиста Валерия Брюсова наблюдается следующий круговорот:

Тень несозданных созданий
Колыхается во сне
Словно лопасти латаний
На эмалевой стене.

Фиолетовые руки
На эмалевой стене
Полусонно чертят звуки
В звонкозвучной тишине…

В повторяющихся строчках чувствуется сладостная нирвана, она завораживает, как молитва.

Брюсов делал много переводов на русский язык французских поэтов группы «Парнас», был основателем символизма в русской литературе Серебряного века.

«Голубая роза».

Русское искусство в предреволюционное десятилетие отличается сложностью творческих поисков самовыражения. Появляются художественные группы и образования группы разных стилевых направлений. Наряду с «Союзом русских художников» и «Миром искусства», появляется объединение «Голубая роза». Самым выдающимся художником этого объединения был Павел Кузнецов. Для его творчества характерна сентиментальность, тонкий декоративный композиционный ритм, нежная, мерцающая живописная фактура. На формирование его раннего творчества повлиял спектакль Мориса Метерлинка «Синяя птица».

Бельгийский писатель, драматург и философ. Автор философской пьесы-притчи «Синяя птица», посвященной вечному поиску человеком непреходящего символа счастья и познания бытия — Синей птицы. Произведения Метерлинка отражают попытки души достичь понимания и любви.

Его пьеса «Синяя птица» впервые была поставлена в 1908 году в МХТ.

Содержание пьесы простое, по выражению Станиславского «банальное»:

Вhello_html_m613dc545.jpg ночь под Рождество мальчика и девочку Тильтиль и Митиль посещает Фея Берилюна. Внучка Феи больна и спасти её может только Синяя птица. Благодаря волшебному подарку Феи дети получают возможность видеть душу вещей. Неживые предметы Часы, Огонь, Вода, Хлеб преображаются в живых существ со своим характером. Все вместе они отправляются в опасное путешествие за сказочной Синей птицей.

Кhello_html_22a1de04.jpgузнецов берет из этого спектакля идею «не рожденных душ» и в его полотнах появляются эфирные существа, смутные образы, едва уловимые в бледно голубых цветовых оттенках. Характерна в этом стиле картина «Рождение».

Под влияние поэзии Шарля Бодлера с его «культом уродства» попадает западноевропейская живопись. У Кузнецова просматривается лишь легкий налет изломанности линий, указывающих на «некрасивость». В картине «Голубой фонтан» и «Мираж» воплощены и слиты воедино основные символические элементы живописи художника. Симметрично изогнутые линии, навязывают идею повторяющегося движения. Для Кузнецова повтор одинаковых движений – символ цикличности времени, символ замкнутого круга. Все призрачно, как сон, человек внутри замкнутого круга пространства и времени.

Микалоюс Константинас Чюрлёнис или Николай Константинович Чурлянис; (1875 – 1911). Литовский художник и композитор; родоначальник профессиональной литовской музыки, далеко раздвинувший своим творчеством границы национальной и мировой культуры.

Чюрлёнис создал неповторимые символические образы лесных и морских пейзажей через симфоническую музыку. В музыке он раздвинул рамки восприятия музыки. Он подчинил мелодическое звучание симфонии мелодическому звучанию природы. В симфонии «Море» слушатель ощущает и видит в своем воображении накатившуюся волну, которая сменяется штилем, «видит» подводное царство, прозрачность лазурной морской воды.

Пhello_html_1731ec0a.jpgараллельно с композиторской деятельностью, Чюрлёнис пишет живописные картины. Овеянные сказочным волшебством «Сказка королей», фантастические пейзажи, как например, «Рай», где небо и море симметрично повторяют друг друга, подобно раскрытой морской ракушке.

Вопросы:

  1. Что такое символизм?

  2. Найдите общие черты в живописи художников-символистов.

  3. Какое влияние оказал романтизм на формирование символизма?

  4. Проанализируйте характер символизма и объясните, почему данное направление в искусстве стало популярным в начале 20 века в России?

  5. Найдите характерные признаки символизма в живописи Чюрлёниса.



3. Модерн и художественные направления в русском искусстве.


. Модерн распространился в европейском и американском искусстве конца XIX — начала XX вв.

Основной признак стиля модерн — декоративность, основной мотив — вьющееся растение, основной принцип — уподобление рукотворной формы форме природной. Новый стиль нашел свое отражение в архитектуре и живописи, в моделях одежды и интерьере. Линии орнамента несли в себе напряженность духовно-эмоционального   и   символического смысла.

Художники модерна использовали в своем творчестве разные формы греческой архаики, крито-микенского искусства, античной классики; экзотического искусства Китая и Японии; готики и Ренессанса, французского рококо и русского народного декора. Одним из основных выразительных и стилеобразующих средств в искусстве модерна стал орнамент. Динамика и текучесть форм конструктивных элементов композиции – отличительные особенности стиля модерн.

В модерне присутствует декоративность и двухмерность изображения, бег извилистых гибких линий, плоскостные узоры. И было не важно, предназначался ли такой декор для фасада здания, книжной графике или живописи.


Живопись стиля модерн


Живопись стиля модерн была наполнена поэтикой символизма. Характерными для модерна образами становятся сложный ритм линейной композиции в союзе с декоративным цветовым пятном.

Признаками стиля модерн считаются особая плавность форм, вытянутые фигуры, подчёркнутые контуры, чёткие одноцветные поверхности.

В живописи модерна наблюдается в большей степени символическое плоскостное решение композиции, эффект глубины имел второстепенное значение. В иных случаях живопись казалась гобеленом.

Нередко художники в своих произведениях использовали растительные мотивы. Стебли, листья и цветы как будто увядших экзотических растений сплетались в причудливый узор, в котором иногда появлялись фигуры женщин или фантастических существ.

Модерн обнаруживает пристрастие к определенным сюжетам и темам. Это аллегорические сюжеты часто на тему любви, мотивы, выражающие импульсивные вихревое движение.

В стиле модерн работали русские художники: М. Врубель, В. Васнецов, А. Бенуа, Л. Бакст, К. Сомов.

Виктор Васнецов(1848-1926)

hello_html_m11840c3e.jpgВаснецов был романтиком и рыцарем русской истории и русского православия. Он один из первых в мировой культуре открыл русский стиль модерн в живописных панно «Аленушка», «Иван царевич на сером волке», «Кащей Бессмертный», в театральных декорациях к спектаклю «Снегурочка». Модерн проявился и в картинах религиозного содержания: «Радость праведных о Господе», «Распятие Иисуса Христа» и другие.

Васнецов – разноплановый художник. Он пытается найти точки соприкосновения христианской и дохристианской Руси. Его картины со сказочными и историческими сюжетами наполнены лиричностью и чистотой. Художник подчеркивает нравственные качества русского человека, корни которых начинаются задолго до христианства. Эти православные качества – неотъемлемая часть россиянина.

Мhello_html_m559cedca.jpghello_html_m31e0c9e6.jpgногие его картины можно трактовать, как варианты «Троицы». Васнецов пытается возродить христианство на Руси в первозданном виде, перенести библейские сюжеты на русскую почву. «Три ангела» изображены не в пустыне, как это трактует Библия, а на фоне златоглавой Руси. Созвучны этой картине «Гусляры» и «Три Богатыря». Его увлекали былинные и сказочные сюжеты, он стремился выразить «красоту, мощь и смысл родных образов нашей русской природы и человека, нашего прошлого и наши грезы»; его интересовали исторические события и герои. В своих картинах «После побоища Игоря Святославовича» и «Куликово поле» он мастерски воссоздавал жизнь и быт древних русичей и прославил лучшие страницы русской истории.

Через картины на темы русских сказок он доносит до зрителя философию своего времени. «Витязь на распутье» - вечная тема в жизни каждого человека. Витязь стоит перед выбором между личным благополучием и благополучием своей Родины.

«Царевна Несмеяна» звучит не как иллюстрация к сказке, а как взгляд человека на барскую пресыщенность и шутовство. Тут, действительно, плакать надо.



Альфонс Муха (1860 —1939) 

Чhello_html_fe961aa.jpgешский живописец, театральный художник, иллюстратор, ювелирный дизайнер и плакатист, один из наиболее известных представителей стиля «модерн».

Вhello_html_m1ff62c45.jpg эти годы он приобрел широкую известность как автор этикеток и виньеток разнообразных товаров — от шампанского и бисквитов до велосипедов и спичек, а также как дизайнер ювелирных украшений, интерьеров, предметов прикладного искусства. От заказов не было отбоя. Роскошные «женщины Мухи» тиражировались моментально и тысячами расходились в плакатах, открытках, игральных картах… Кабинеты светских эстетов, залы лучших ресторанов, дамские будуары украшали шелковые панно, календари и эстампы мастера. В этом же стиле были созданы красочные графические серии «Времена года», «Цветы», «Деревья», «Месяцы», «Звезды», «Искусства», «Драгоценные камни».

Все работы Мухи отличаются своеобразным неповторимым стилем. Центром композиции, как правило, является молодая здоровая женщина славянской внешности в свободной одежде, с роскошной короной волос, утопающая в море цветов, иногда томно-пленительная, иногда загадочная, иногда грациозная, иногда неприступно-роковая, но всегда обаятельная и миловидная. Картины обрамляют замысловатые растительные орнаменты, не скрывающие своего византийского или восточного происхождения. В отличие от тревожных картин Врубеля его произведения дышат спокойствием и негой.


Книжная графика


Обри Бёрдслей (1872-1898).

hello_html_45992437.jpgАнглийский художник, выдающийся представитель стиля модерн, получивший широкую известность благодаря своим иллюстрациям к книгам Оскара Уайльда.

Бёрдслей оказал существенное влияние на развитие графического дизайна в основном в области книжной графики. Одним из первых он попытался доказать читателю, что оформление книги не менее важно, чем ее содержание. Художник избегал прямой трактовки иллюстрируемого материала, привнося свое понимание и видение текста. Если внешне и кажется, что иллюстрации имеют мало отношения к тексту, то при более внимательном рассмотрении становится ясно, что идея художника выражена полнее, чем это могло бы быть в "дословном" рисунке писателя.

Мhello_html_m69d2bc5d.jpghello_html_m7b4ad152.jpgанера художника индивидуальна и легко узнаваема. В ней сочетаются множество разных влияний: от прерафаэлитов до древнегреческого искусства росписи. Во всем творчестве художника прослеживается единая тенденция: переход к знаковости изображения – черно-белая техника, символичность, "плоскостность" рисунков, отсутствие объема.

Все рисунки Бёрдслея выполнены в черно-белом варианте. Прибегая к продуманному расположению черных пятен и незаполненного белого фона, он достигает высокой выразительности изображаемого, вводит четкий ритм и равновесие в композицию. Кроме белого и черного, Бёрдслей вводит в рисунок еще один цвет, точнее, оттенок, – серый. Это результат филигранной штриховки. Традиционно, художник сочетает тонкую виртуозную линию с большими пятнами черного цвета.

Часто в своих рисунках Бёрдслей искажает фигуры, изменяя реальные пропорции человеческого тела. На фронтисписе своего так и не законченного литературного произведения "Венера и Тангейзер" художник изобразил необыкновенно красивую женщину-богиню. При этом размер головы Венеры существенно уменьшен по отношению к телу, шея непомерно длинна и широка, тело под платьем бесформенно. Искажение тела Бёрдслей производит осмысленно, чтобы придать большее изящество.

Своими работами художник положил начало новому направлению в искусстве. Модерн называют эпохой Бёрдслея, говорят о нем как о "сфере тотального влияния художника".


Иван Билибин (1876 – 1942)

Рhello_html_2e1e983d.jpgусский художник, выдающийся мастер детской иллюстрации. Он автор иллюстраций ко многим русским сказкам, сказкам А.С. Пушкина. Работал Билибин в этом жанре на рубеже 19-20 века. Многие поколения детей были воспитаны на иллюстрациях Билибина. Его почерк отличает эпическая образность героев, четкость рисунка великолепные костюмы. Свои иллюстрации он помещает в орнаментальные рамки. В детских иллюстрациях он раскрывается, как художник-модернист: Крупные декоративные мотивы, обобщенные силуэты, графичность. Цветовой контраст и крупный декор можно назвать визитной карточкой модерна.

Еhello_html_m2db75484.jpgго иллюстрации можно встретить в сказках А.С. Пушкина «Золотой петушок», «Сказка о царе Салтане», в русских народных сказках, в былинах.

Иван Билибин разработал систему графических приемов, которые дали возможность объединять иллюстрации и оформление в одном ансамбле. Характерные черты билибинского стиля: красота узорного рисунка, изысканная декоративность цветовых пятен, сочетание яркой сказочности с чувством народного юмора, идущего от русского лубка.
Билибин иллюстрировал "Сказку о царе Салтане" А. С. Пушкина. Эта сказка с ее многокрасочными картинами древнерусского быта дала богатую пищу для фантазии художника. С поразительным мастерством и большим знанием художник изображал старинные костюмы и утварь. Он отразил основные эпизоды пушкинской сказки. Вдохновение к работе над иллюстрациями он искал в работе с натуры, в русском декоративном искусстве, в японских гравюрах. Иллюстрация с изображением Салтана, заглядывающего в светлицу, отличается эмоциональностью и напоминает зимние пейзажи Билибина с натуры. Сцены приема гостей, пира очень декоративны и насыщены мотивами русского орнамента, а плывущая по морю бочка напоминает знаменитую "Волну" японского художника Хокусаи.

hello_html_68f89eab.jpg

Костюм стиля модерн


Модерн в одежде

hello_html_m10fa0b21.jpgЯрко и необычно модерн представлен в моделировании одежды. Основными тенденциями нового стиля была конструкция платьев, придающая женской фигуре S образные очертания. Обилие кружев, перьев, отделка из тесьмы, огромные шляпы, украшенные цветами и вуалью, завершали костюм. Дополнением к костюму служили длинные бусы, веера из перьев, маленькие сумочки на длинном шнурке. Все это подчеркивало хрупкость и эфемерную прозрачность женского облика. Дорогая цепочка на жилете была излюбленным и очень престижным украшением мужчин. Излюбленными орнаментами одежды были сюжеты, связанные с морской стихией: лилии, водоросли, даже русалки. Дорогие текучие ткани модерна орнаментировались стилизованными формами вьющихся, экзотических, болотных растений, водорослей, раковин, медуз. Узор располагался асимметрично

Костюм стиля "модерн" первого десятилетия ХХ века с его тяготением к волнистым формам и текучим линиям вызывает появление нового силуэта женского костюма – туникообразного покроя платья с асимметричной драпировкой из полупрозрачных тканей. Этот стиль основывался на греческом и египетском силуэтных мотивах.

Зhello_html_5f7baf78.jpgначительное влияние на костюм периода оказали гастроли в Париже русской балетной труппы Дягилева, поразившей французов не только мастерством исполнения, но и изумительной декоративностью костюмов художника Бакста, использовавшего античные, восточные, половецкие мотивы. Яркие краски этих костюмов зазвучали в новых модных цветах: оранжевом, лимонно-желтом, алом, лиловом. Их экспрессивные художественные формы, выразительные линии платья освободили женщину от корсета. Кутюрье Поль Пуаре в 1913 году предлагает коллекцию платьев-туник без корсета с гибким естественным силуэтом, с высокой линией талии. Его модели декоративны и выразительны по цвету. Вместо блеклых тонов и вялых сочетаний «модерна» появляются контрастные яркие цвета.

Вопросы:

1. Общая характеристика стиля модерн

2. По каким признакам можно утверждать, что «Три богатыря» художника В. Васнецова написана в стиле модерн?

3. Возможен ли модерн в живописи на библейские сюжеты?

4. Стиль модерн в творчестве А. Мухи и Бёрдслея.

5. Характер русского модерна в творчестве Билибина и Васнецова.

6. Охарактеризуйте модели одежды в стиле модерн.



4. Архитектура модерна

Одним из архитектурной ветви эклектики был модернизм.

Модерн пытался противостоять эклектике, вводя в архитектуру более строгие обобщенные формы. Архитекторы - модернисты использовали новые технологии в строительстве – бетон, железобетонные конструкции.

Провозвестником нового этапа в развитии архитектуры стала Эйфелева башня (высота 312м), выполненная из сборных стальных конструкций. Инженер Гюстав Эйфель поставил эту башню в знак вступления человечества в новую эру технического века. лишенная функционального назначения, ажурная башня легко и плавно влетает к небу. По началу, горожане возмущались этой конструкции: она не вписывалась в общий архитектурный ансамбль города Парижа, была на много выше Собора Парижской Богоматери. Люди со всей Франции съезжались посмотреть на «уродство» среди города. Так башня стала визитной карточкой Парижа и ее достопримечательностью. Теперь это уже не уродство, а предмет гордости парижан.

Идея конструктивного подхода к архитектуре, позволила архитекторам строить, например, ангары со складчатыми сводами. Купола толщиной в несколько сантиметров. Отход от показной фасадной эклектики разрешился сам собой, благодаря внедрению в архитектурное строительство новых материалов, конструкций, технологий.

Идея синтеза искусств пронизывает стиль «модерн». Основой синтеза становится архитектура, объединяющая все другие виды искусства — от живописи до моделей одежды. В архитектуре модерна проявилось органическое слияние конструктивных и декоративных элементов. Наиболее целостные примеры синтеза искусств дают особняки, павильоны, общественные здания эпохи модерна. Как правило, они построены словно

«изнутри наружу», то есть внутреннее пространство определяет внешний облик здания. Фасады таких домов были несимметричны и походили на подобные организмам образования, напоминающие одновременно природные формы и результат свободного формотворчества скульптора. Особенно выразительны были интерьеры таких особняков с построением перетекающих пространств с изогнутыми очертаниями карнизов, круглящимися дверными и оконными проемами, богатым декором из резного дерева, цветного стекла, металла.

Орта Виктор. (1861-1947) – великий бельгийский архитектор родом из Гента, один из первооткрывателей стиля модерн в архитектуре.

hello_html_m757a6ec8.jpgПостепенно вырабатывается свой собственный стиль: прямые вертикальные линии уступают место плавным изгибам, которые усиливают ощущение пространства. Сочетание симметричных и асимметричных элементов, промышленные строительные материалы (бетон, железо, стекло), неожиданное решение фасада. Здание будто слеплено из выступающих и отступающих параллелепидов. Характерная черта его архитектуры – большие полуовальные окна. Они превращают тяжеловесность здания в ощущение легковесности. Геометрическое начало в архитектуре Орта даст большой творческий толчок последующим архитекторам.

Ф. О. Шехтель (1859 – 1926г.г.)

Фhello_html_m43a43dc8.jpgедор Осипович Шехтель – один из наиболее ярких представителей стиля модерн в русском и европейском зодчестве.

В качестве типичного проявления модерна в России следует отметить Ярославский вокзал в Москве. В облике здания проглядывают сильно измененные и стилизованные формы древнего московского зодчества. Шехтель использовал в своих архитектурных проектах, характерные для московской застройки «геометрические тела»: конусы, цилиндры, вытянутые по горизонтали призматические конструкции.

Оhello_html_70cbafac.jpgн работал в русском стиле, успешно проектировал в стиле популярной в то время викторианской готики. Пример такой популярной архитектуры – особняк Морозовой на Спиридоновке (Москва). В начале 20 века построил несколько особняков в стиле модерн, ставших классикой этого направления в Москве.

hello_html_m7e5652e1.jpg Не менее известен и особняк Рябушинского, выполненный в стиле модерн.


Лев Николаевич Кекушев ( 1859 -1917)

Российский архитектор и преподаватель. Первый по времени и один из крупнейших мастеров стиля модерн в Москве. Профессиональный почерк — высочайшее качество проработки интерьеров и подпись в виде статуи или барельефa льва в замке свода. Проектируя свой собственный дом, он вводит элементы, характерные для московской архитектуры.

Элегантный особняк Миндровского по праву считается одной из самых красивых построек Москвы в стиле модерн, был построен по проекту Кекушева в 1904 году.

Фhello_html_m50d698e5.jpgасады дома решены в разных художественных приемах. Композиционный центр фасада на Поварской улице представляет большое трехчастное окно с балконом, увитым цветами и листьями мака. Над окном — полукруглое панно, изображающее фигурки детей. Раньше аттик венчала статуя богини Авроры, но во время Великой Отечественной войны она была утрачена.

Во внутренний хозяйственный двор можно пройти сквозь створки ворот в форме крыльев бабочки. А освещают их светильники — жуки-светлячки. На фронтоне конюшни или гаража — изящная голова лошади. Внутренняя лестница украшена бронзовыми масками львов — фирменный знак Кекушева. www.mn.ru/moscow/20130806/352969047.html

hello_html_m2ca48ace.jpgКекушев проектирует доходный дом Исакова. В отличие от более позднего модерна стиль Кекушева наиболее близок к раннему франко-бельгийскому модерну Виктора Орта. Новомодный стиль моментально приобретает поддержку видных московских застройщиков.

Для архитектуры Кекушева характерна массивность зданий, асимметрия, большие оконные проемы, игра выступающих и отступающих конструкций внешней стены.

Антонио Гауди (1852 – 1926)

Выдающийся испанский архитектор, раскрывший свою неповторимую особенность в стиле модерн.

Провозглашенная декларация английского критика и искусствоведа Джона Рёскиа. «Декоративность — начало архитектуры» полностью соответствовала собственным мыслям и представлениям Гауди. Ранний творческий почерк архитектора отмечен декоративностью орнамента, который покрывает практически все здание. В дальнейшей творческой работе он будет использовать орнамент, но не геометрический в мавританских традициях, а растительный, имитирующий водоросли, мшистую поверхность, ракушки и тому подобное.

Оhello_html_7c241e66.jpgгромное влияние на работы Гауди оказала природа и ее формы, это отражено в использовании им изогнутых строительных камней, извивающихся железных скульптур и органических форм, которые являются характерными чертами архитектуры Гауди в Барселоне. Ещё дальше от классических представлений об архитектуре ушёл Антонио Гауди. Здания, сооруженные им, настолько органически вписываются в окружающий пейзаж, что кажутся делом рук природы, а не человека.

Ле Корбюзье (1887-1965)

Сhello_html_m6c005cdd.jpgамый яркий представитель урбанистической архитектуры, глава конструктивизма, практик и теоретик в области градостроительства и жилого строительства. Он стремился ответить на реальные запросы жизни с учетом новых технологий в области архитектуры. Его идеал – простота и прочность ясных геометрических конструкций. Ле Корбюзье говорил: «Человек – геометрически мыслящее животное». Действительно, человеку удобно в четырехугольной комнате, мебель имеет тоже четкую геометрическую форму, человек никогда не расположит огромный шкаф в комнате по диагонали и т.д. Поэтому Ле Корбюзье стремился выразить «геометрическое» удобство в архитектуре.

Он сформулировал 5 принципиальный правил новой архитектуры:

  1. Дом на столбах

  2. Сад на плоской крыше

  3. Свободный план

  4. Горизонтально протяженные окна

  5. Свободная композиция фасада.

Характерные признаки архитектуры Ле Корбюзье — объёмы-блоки, поднятые над землёй; свободно стоящие колонны под ними; плоские используемые крыши-террасы («сады на крыше»); «прозрачные», просматриваемые насквозь фасады («свободный фасад»); шероховатые неотделанные поверхности бетона; свободные пространства этажей («свободный план»). Бывшие некогда принадлежностью его личной архитектурной программы, сейчас все эти приёмы стали привычными чертами современного строительства. Характерное архитектурное сооружение Ле Корбюзье – жилой дом в поселке Вейссенгоф, Штутгарт, Германия. 1927 ru.wikipedia.org/wiki/Ле_Корбюзье

Интерьер в стиле модерн

Дhello_html_377faa0c.jpgля интерьера в стиле модерн, равно как и для других проявлений нового стиля, был свойственен отказ от симметрии, прямых линий и четкой геометрии, доминировавшей в классицизме. Представители стиля модерн стремились к рациональному стилистическому единству, чтобы картинам и шпалерам, украшающим стены, соответствовали мебель, изделия из стекла, столовые приборы, а также одежда, ювелирные украшения и вообще все, что находится в оформленном ими пространстве. Окна украшались витражами с мотивами растительного орнамента, например, окно особняка Миндровского.

Вhello_html_151be802.jpg композиции интерьера свойственны кривые, округлые линии, пол на разных уровнях и асимметрия. В интерьере широко применяется декор из растительных орнаментов. Самый знаменитый символ модернизма - ирис. С точки зрения интерьера, стиль модерн пропагандировал отказ от прямых углов, новизну и оригинальность, уход от монументальности в сторону "природных", естественных линий и элементов. Модерн достаточно сильно поощрял развитие прикладного искусства, поэтому, как и в архитектуре стиля модерн, декор используется и в интерьерах.

Дhello_html_50f5f5b5.jpgом в стиле модерн – это изогнутые пластичные формы рисунка на паркете, витые лестницы с кованой решеткой перил и сложным переплетением «вьющихся растений» из металла. Стены обтянуты тканью с растительным рисунком, чаще в японском стиле, криволинейные межкомнатные перегородки.

Модерн, вырвавшись из оков классического ордера, выработал новый изобразительный ряд на композицию и ее детали. Модерн по новому рассмотрел красоту линий и форм живой природы и применил это в своей эстетике. Своеобразны работы мастеров художественной ковки. Не копируя тот или иной предмет дерево или птицу, художники использовали в своих композициях сам принцип природного формообразования. Мастера художники ковки использовали от стебля цветка только обобщенный символ стебля, от птицы – взмах крыла, от распущенных женских волос – идею волнообразной линии и т.д.



Вопросы:

  1. Назовите общие черты стиля модерн в архитектуре

  2. Каким образом новые технологии влияют на появление новых стилей и направлений в архитектуре?

  3. Чем конструктивизм отличается от модернизма в архитектуре?

  4. Чем архитектура Гауди выделяется из архитектуры стиля модерн?

  5. Особенности стиля модерн в интерьере.

6. Назовите отличительные особенности эклектики и модерна в архитектуре.


5.Модернистские течения в живописи


Значительное распространение в живописи в начале 20 века получил ряд направлений, связанных с отходом от реализма и провозглашением независимости искусства от действительности. Многочисленные калейдоскопически сменяющиеся течения, объединяются общим понятием «модернизм» или «модернистические направления». Выступления художников-модернистов принимали форму анархического эстетического бунта.



Фовим

Первым художественным течением, начавшим отход от принципа реализма, был фовизм (от французского слова, обозначающего верей хищной породы). Это слово неточно было переведено, как «дикие».

В искусстве 20 века было введено понятие самовыражение художников, что в корне противоречило реалистического художественному методу. Художник ослеп для внешнего мира и повернул свой взгляд вовнутрь, в сторону внутренних субъективных переживаний. Фовисты первыми начали говорить о второстепенном значении образности, об отходе от изображения действительности. Позднее этот отход найдет свое полное применение в абстракционизме. Живопись стала средством воздействия на человека исключительно цветом.

Художественные принципы фовизма: «Эквивалентность цвета и конструкции пространства без помощи иллюзорного моделирования и светотени, очищение и упрощения средств. Эмоциональность, декоративность, организация композиции».

Протест художников - фовистов выражался в примитивизме форм в их пластической деформации, в отрицании линейной перспективы, в иллюзорности, в цветовой экспрессии.

К характерным чертам фовистов принадлежит динамичность мазка, стихийность, стремление к эмоциональной силе. Ритм цветовых пятен подчеркивают динамичный «орнамент» композиции. Силу художественного выражения создавал яркий колорит, чистота и резкость, контрастность цветов, интенсивно открытые локальные цвета, сопоставление контрастных хроматических плоскостей. Для фовизма характерно обобщение пространства, сведение формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки.

Вдохновителями фовистов были постимпрессионисты Ван Гог и Гоген, предпочитавшие субъективный интенсивный цвет цвету мягкому и натуральному, свойственному импрессионистам.

В среде французских художников, в группу фовистов входили Матисс, Марке, Дерен, Вламинк.

Анри Матисс (1869-1954)

Живописец яркого колористического и декоративного дарования, открывший новые возможности цвета, таящую в себе лучистую энергию. Ценнейшим в его творчестве было то, что оно сохранило свежесть и жизнерадостность восприятия мира.

Гармония цветовых сочетаний, по мнению самого художника, должны пробуждать бодрость, помогать человеку усталому «вкушать» покой и отдых. Истоки цветовой гармонии он искал в древнерусских иконах, пейзажах Франции. Матисс приезжал в Россию специально посмотреть на «Троицу» Андрея Рублева. Матисс понял, что любоваться картиной можно в том случае, если есть сгармонированность цветовых пятен, как в «Троице»: мы можем часами смотреть на икону, и не возникнет ощущения, что надоел холодный или теплый цвет. Здесь все в гармонии. Матисс удивлялся: зачем русские художники ездят во Францию учиться, когда у них такие замечательные учителя!

Матисс писал: «Композиция – искусство аранжировки различных декоративных элементов…».

Картина «Испанка с бубном». Зеленый цвет подбородка переходит в черный, охристый. Щеки красного цвета не зависимо от освещения. В картине он ставил цель чисто декоративную: сумма цветовых пятен должна создать определенную цветовую гамму, рассчитанную на эмоциональное воздействие зрителей.

Пhello_html_m100aebc5.jpgодчинив образность цвету, фовисты углубили разрыв между живописью и реальностью. Так, в картине «Открытое окно, Матисс показал стремление к чистой декоративности.

hello_html_13319786.jpgХудожник стремился к декоративной обобщенности цвета, сближающей его живописное панно с настенной росписью. В композиции «Танец» использовано три основных цвета: синий – небо, зеленый – земля, красный – фигуры. Художник «обнажил» цветовую сущность предметов, схематизировал форму, тем самым усилил динамику танца. Матисс считал деформацию одним из необходимых приемов своего творчества, достигая ее преимущественно изменением цвета. Он вводит стилизацию, как усиление черт действительности средствами той же действительности. Деформация и стилизация становится высшей формой философии идеализма.

Изображая интерьеры, например в «Красной комнате», художник «вплетает» фигуры в орнаментально-плоскостную композицию. Бытовой жанр воспринимается, как часть орнамента интерьера, впрочем, интерьера мы не видим, потому что нет линейной перспективы. Художник нас в этом убеждает с помощью изображенного стола, женщины, «вырезанными из общего орнамента.

Фовизм вскоре прекратил существование. Игра чистых красок больше не удовлетворяла самих художников.

Кубизм

Кубизм возник почти одновременно с фовизмом. Его основоположниками были Пабло Пикассо и Жорж Брак. Художники-кубисты утверждали, что все предметы образованы из простых геометрических тел – куба, цилиндра, конуса, призмы, шара. Реальный мир с его многообразием в картинах кубистов поглощается геометрическими формами, тяжелеет. Объемы изображаются с различных точек зрения и превращаются в механическую комбинацию отдельных частей. Предмет изображается со всех ракурсов сразу. В поисках первоэлементов формы, кубисты отказываются от изображения самого образа, оставляя зрителю набор хаотически слепленных геометрических тел.

Работы кубистов надолго стали мишенью критики и предметом скандала для широкой публики. Однако именно это течение одним из первых воплотило ведущие тенденции дальнейшего развития искусства ХХ века.

Жорж Брак (1882-1963)

Основоположник кубизма. Обозначение нового течения словом «кубизм» возникло, по-видимому, в 1908 году. Существует легенда о том, что Анри Матисс, увидев картину Жоржа Брака «Дома в Эстаке», сказал, что она напоминает ему изображение кубиков. В том же году в одном из французских журналов написали о живописи Брака, как о сводящейся к изображению кубов.

Пабло Пикассо (1881-1973)

Хhello_html_5c5afc53.jpgудожник прожил долгую творческую жизнь. Его манера письма менялась от реалистической до экспрессионистической. Творчество Пикассо имеет «розовый период» и «голубой период». В «розовом периоде» он написал картину «Авиньонские девицы». Которая относилась к кубизму. «голубой период» отмечен знаменитой картиной «Девочка на шаре». Своеобразие картины заключается в заострении на контрастах. Девочка кажется беззащитной в жестоком мире и вместе с тем беззаботной. В контраст ей – неподвижная и неповоротливая фигура атлета. Резкое сокращение планов подчеркивает статичность атлета и динамичность линейного ритма детской фигуры.

Экспрессионизм

Заметным явлением в формалистических направлениях был экспрессионизм в переводе с латинского языка – «выражение». Художники экспрессионисты максимально пытались выражать свои субъективные чувства, ощущения. Подсознательные импульсы средствами художественного творчества. К художникам экспрессионистического направления относятся Пабло Пикассо, Ренато Гутузо, Эдвард Мунк.

Эдвард Мунк (1863-1944)

Эмблемой экспрессионизма стал картина норвежского художника Эдварда Мунка «Крик».

hello_html_3ae8a024.jpg Серия картин «Крик» создана в промежутке между 1893 и 1910 годами. На них изображена кричащая в отчаянии человеческая фигура на фоне кроваво-красного неба и крайне обобщённого пейзажного фона.

«Крик» служит своего рода прелюдией к искусству XX века, предвещая ключевые для модернизма темы одиночества, отчаяния и отчуждения. Словно бы заглянув в грядущее столетие мировых войн, революций, автор, кажется, отрицает саму возможность какого-либо их преодоления.

Картина «Крик оказалась пророческой. На начало 20 века обрушились революция в России, Первая и Вторая мировые войны.

Вhello_html_1610d435.jpg 1937 году Пикассо пишет знаменитое панно «Герника» – символическое, глубоко трагическое по своему характеру произведение. Тема зверски разрушенного испанского города Герника в период фашистской оккупации решается художником как воплощение чудовищного разгула. Пикассо использует в картине отрывки газет как композиционное пятно, отрывками изображаются зверски истерзанный народ с его вековой культурой: здесь фрагменты быков, лошадей национального головного убора, а главное – кричащие от ужаса головы людей. Когда фашисты зашли в мастерскую художника и увидели панно, они спросили у Пикассо: «Это сделали Вы?», художник ответил: «Нет, это сделали вы».

В 1949 году. Пикассо изображает рисунок «Голубь мира» с веточкой в клюве. Рисунок стал эмблемой, символизирующий мир на земле. За этот рисунок. Пикассо удостоился премии мира.

Вопросы:

  1. Перечислите характерные черты фовизма на примере картин Матисса

  2. Что такое кубизм? Объясните на примерах картин Ж. Брака.

  3. Какие модернистские течения охватывает творчество Пикассо?

  4. В чем значимость картины Мунка «Крик»?

  5. Как проявляется экспрессионизм в живописи?



  1. Литература «Серебряного века»


Леонид Андреев


Кто я? Для благородно рожденных

декадентов – презренный реалист;

для наследственных реалистов

– подозрительный символист.


Так кто он? Ознакомившись с повестью «Жизнь Василия Фивейского» Леонида Андреева, сделайте вывод: к какому из модернистских течений относится его творчество?

Леонид Андреев (1871-1919)

Родился в семье землемера в Финляндии. Учился в орловской гимназии, поступил в Петербургский университет на юридический факультет. Увлекался литературой. Свои первые работы писал под впечатлением философа Шопенгауэра. Как и Шопенгауэр в философии, Андреев утверждает в своих произведениях, что сущностью мира является несокрушимая слепая воля. Царящая в мире, она исключает закономерности природы и общества, научные познания.

Безволие перед обстоятельствами жизни заставляет героев произведений Андреева отказываться от своих убеждений, понимать себя и жизнь, исходя из двух противоположностей: я и окружающий мир. Человек у Андреева одинок, пессимистичен, подвластен року судьбы.

«Жизнь Василия Фивейского» – повесть, наиболее ярко демонстрирующая философию Шопенгауэра. Герой повести отец Василий своей жизнью оправдывает слова библейского Иова: «Бог дал, бог взял». Иов по библейской легенде жил счастливо со своей женой, у него было много друзей, но однажды он заболел проказой – ужасной неизлечимой заразной болезнью. От него отвернулись все. Но он усердно молился и верил, что бог его спасет, и он вылечится. Иов воспринял болезнь, как испытание веры. Бог услышал его молитвы, его веру, и Иов исцелился.

В психике Василия в течение жизни начинают выделяться черты одержимости, которые напоминают судьбу Иова. Он верит в высшую справедливость. Василию начинает казаться, что Бог его испытывает как своего избранника, поэтому он призван облегчать страдания людей, взвалив на себя их печали. Но возвышенность чувств и мыслей героя сталкиваются с реальной правдой.

Василий стал священником, женился, в семье появились сын и дочь. Отец Василий – счастливый человек, у него все хорошо. Но на седьмой год этого благополучия утонул его сын. Одержимость и вера в то, что Бог испытывает его, заключалась в искренней молитве и повторяющейся фразе: «Я верую».

Жена с горя спилась, Василий стал замкнутым, от него отвернулись люди, его никто не любил. «Среди людей он был одинок, словно планета среди планет». Церковный староста говорил: «Нестоящий человек. Ни себя сдержать он не умеет, ни жену».

От пьяной жены, вместо утонувшего умного и красивого сына, рождается урод.

Прихожане рассказывали Василию о своем горе, о несправедливости, говорили правду, как самому Богу, сами не зная правды о своей жизни. За тысячами этих правд сквозили туманные очертания одной великой, всеразрушающей правды. Василий чувствовал ее то как отчаяние и страх, то как жалость и гнев, то – как надежду.

«Он познал в себе людское горе – и горе пришло. Подобно жертвеннику плыла его душа, и каждого он хотел заключить в объятья и сказать: «Бедный друг, давай бороться вместе и плакать и искать, ибо ниоткуда нет человеку помощи».

Умирает его жена, он остается один с больным сыном и дочерью Настей: «Нет, нет. Я верю, я верую!» и снова молится, без слов, без мыслей.

Настя уехала в город и больше никогда не вернулась. А когда он видит сына в гробу, когда у него никого не осталось, и он оказался на земле совсем один, в отличие от смиренного Иова, то он взбунтовался. Василий уже не верит в библейские сказки, Бог отнял у него то, что невозможно возвратить: «Так зачем же я верил? Так зачем же ты мне дал любовь и жалость к людям,– чтобы они посмеялись надо мной? Так зачем же всю жизнь держал меня в плену, в рабстве, в оковах? Один Ты! Ну, явись же, – я жду!» и в позе гордого слушателя он ждет ответа – один перед черным, свирепо торжествующим гробом» в церковном безмолвии.

Василий поднимает голову вверх и видит, как падает все. «Медленно и тяжело клонятся и сближаются стены. Сползают своды, бесшумно рушится высокий купол, гнется пол – в самых основах своих, разрушается мир».

« С диким ревом он бежит к дверям, страшный, окровавленный, падает, снова бежит. Он упал в трех верстах от села. Его бледные руки тянулись вперед, как будто мертвый продолжал он бежать».

Вопросы:

  1. Андреев называл себя «подозрительным символистом». Вспомните живопись символистов: двойственность, как две одинаковые палочки.

  2. Есть ли в повести элементы символизма? Как «две одинаковые палочки» выразил писатель, через какие образы и судьбы?

  3. Если мы запишем на левой части листа жизнь Иова, а на правой части – жизнь отца Василия, будет ли полное совпадение?

  4. Если Иов в Библии выражал только одну эмоцию- веру в Бога, то какие эмоции выражает Василий в конце повести какие?

  5. « С диким ревом он бежит, страшный и окровавленный…» какую известную картину напоминает в этот момент отец Василий?

  6. Сделайте вывод, к какому течению модернизма можно отнести данную повесть Андреева.


7. Авангардизм


Слово авангардизм происходит от двух французских слов «вперед, гардемарины», можно читать, как передовой отряд.

Авангардизм – это принципиально новое искусство, отрицающее старые каноны.

Авангард плотно насыщен теоретическими сочинениями. Русские живописцы предложили миру сложные стили: лучизм, кубофутуризм, супрематизм, аналитическое искусство.

Ларионов, объясняя свое творчество в стиле лучизма, писал: «Сумма лучей А пересекается суммой лучей Б, в пространстве между ними образуется некая форма, выделенная волею художника».

Цветовая гармония супрематизма описывалась Малевичем так: «Самой высшей и чистой постройкой можно считать то произведение, которое в своем теле не имеет ни одной формы существующего…»

В начале 10 годов 19 века авангард становится самостоятельным видом искусства. Создаются такие художественные общества, как известная ранее «Голубая роза», «Бубновый валет», «Ослиный хвост», «Трамвай 005» и т.д.

«Бубновый валет» – одно из наиболее известных художественных объединений. В его состав входили Илья Машков, Петр Кончаловский, Аристарх Лентулов, Казимир Малевич и другие. Так было названо объединение после выставки 1910 года. Валет в переводе с французского означает слуга, бубна имеет форму ромба или квадрата, таким образом, получается словосочетание «слуга квадрата». От «Голубой розы» они отличались более грубым письмом, ближе к кубизму, городскому примитивизму, русскому лубку. Художники «Бубнового валета» искали вдохновения у постимпрессионистов Сезанна, Ван Гога, Гогена. В то же время они искали свои индивидуальные пути творческого самовыражения.

Театр Мейерхольда с его идеей условного театра, позволял художникам и поэтам проявлять свою индивидуальность, устраивать свой «театр» или, как впоследствии его назовут – «эстрадой». Свою индивидуальность проявляли по-разному: например, Лентулов появился на своей выставке с большой деревянной ложкой, Маяковский – с пучком редиски в петличке пиджака. Они выступали как в образе художника, или поэта, так и в образе актера, играющего самого себя.

Иhello_html_26a9b7d9.jpghello_html_6e7084ce.jpgлья Машков и Петр Кончаловский отталкиваются в своем творчестве от двух начал: творчества Сезанна и городской вывески. Их увлекают натюрморты. В картинах Машкова наблюдается тяжеловесность натюрмортов Сезанна и нарочитая примитивная композиция. В классическом натюрморте предметы расположены как бы случайно. У Машкова в «Синих сливах» подчеркивается выстраивание предметов в овальную форму и «позированием» их, как перед фотоаппаратом. Композиция получается примитивная, написанная как бы от лица художника, не знающего законов композиции.

Петр Кончаловский в своем творчестве ближе к кубизму. Он любит обобщать формы до простых геометрических тел, разворачивать объемы, делая их плоскими, как в примитивной живописи, применять натуральную наклейку или часть газеты, как в натюрморте «Палитра и краски».

Авангардистские течения

Авангардизм быстро укреплял позиции. В нем уживается легкость отрицания прошлого, радость красок форм, всего сущего, любовь ко всей Вселенной, безразличие к реальной действительности и кощунственные манифесты.

Авангардисты не поняли революцию и приняли ее как протест всему старому. Они романтически мечтают выкрасить газон перед Большим театром в лиловый цвет и призывают к экстремистским выступлениям, – стирать города с лица Земли каждые 50 лет, сжигать отжившее искусство прошлого. Эти призывы – не более, чем игра, по условиям которой можно объявить себя представителем Земного шара.

Культура авангарда не академична, большинство лидеров не имели художественного образования. Системой мышления была свобода от канонов и всяких правил.


Лучизм

Аристарх Лентулов

Оhello_html_m35bfb177.jpgсновоположник направления лучизма.

Выполняя свое знаменитое панно «Василий блаженный», он, как и художники «Бубнового валета», отталкивается от примитивизма. Ему захотелось изобразить собор Василия Блаженного как русскую сказку: разноцветные купола, яркие лубочные краски. Он хотел изобразить на плоскости объемный собор так, чтобы все его стороны были видны одновременно. Для достижения этой цели он использует опыт художников кубизма, только куб в лентуловском варианте дробится невидимыми лучами. В панно, наряду с масляными красками, он использует фольгу.


Футуризм (будущее – в переводе с итальянского языка).

Владимир Маяковский

Нhello_html_62e626ee.jpgаряду с Владимиром Маяковским представителями русского футуризма были Ларионов и Гончарова…

Стиль футуристов приближен к плакату: плоскостное изображение предметов, цветовая локальность.

В большей степени футуризм проявился в творчестве Владимира Маяковского как поэта и художника. Его поэзия лаконична, как плакат. Он умеет выражать чувства и эмоции ассоциативно по каким-то сравнениям и своим знаковым системам. Графично и двухцветно выражает Маяковский ночное одиночество в поэме «Облако в штанах»:

Растерзанной тенью,

большой,

лохматый

несусь к стене,

луной облитый.

Искусство притязает на новый уровень постижения Природы и мировидения. Новые научные открытия о материи и пространстве, неэвклидова геометрия, теория относительности, оказали сильное влияние на художественные установки.

Футуристы стали называть себя «кубофутуристами».

Кубофутуристы

Душой этого авангардного течения был поэт Велимир Хлебников.

В поэме «Ладомир» Хлебников ярко передает общее настроение того периода:

Это Разина мятеж,
Долетев до неба Невского,
Увлекает и чертеж

И пространство Лобачевского.
Пусть Лобачевского кривые
Украсят города
Дугою над рабочей выей
Всемирного труда.
И будет молния рыдать,
Что вечно носится слугой,
И будет некому продать
Мешок от золота тугой.



Кhello_html_3a6472a.jpgубофутуризм возник на основе переосмысления художественных теорий кубизма, футуризма и русского примитивизма. Новая эстетика послужила переходным этапом от художественных исканий начала ХХ в. к крупнейшим направлениям и подлинно оригинальным созданиям русского авангарда – супрематизму К.Малевича, конструктивизму В.Татлина и аналитическому искусству П.Филонова.

Одна из картин в духе кубофутуризма кисти Малевича – «Точильщик». Картина представляла собой композицию, изображающую геометрические формы, близкие к «машинной» ритмике (цилиндры, конусы, кожухи и др.)

www.izostili.ru/index.php?section_ID=30


Супрематизм

Казимир Малевич (1878-1935)

Сhello_html_m2c0d91da.jpgупрематизм (от латинского слова наивысший) — направление в авангардистском искусстве, основанное в 1910 году русским художником Казимиром Малевичем. Являясь разновидностью абстракционизма, супрематизм выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических фигур (линия, квадрат, круг, прямоугольник). В отличие от кубофутуризма, куб поменялся на квадрат, шар на круг и т.д., то есть, объем превратился в плоскость, и каждая плоскость обрела свой локальный цвет. Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образуют динамические либо статические композиции. Задача художника супрематиста заключалась в работе над композицией геометрической формы и локального цвета, тогда как задача художника-реалиста состояла в работе над композицией и цветом. Малевич лишает форму индивидуальности, а цвет – полутонов.

Пhello_html_m1c31b4d2.jpgредставление о самой законченной обобщенной форме всех предметов выразилось в одном знаке – квадрате, а самой лаконичной цветовой моделировкой всех предметов оказался, по мнению Малевича, черный цвет. В итоге получился «Черный квадрат».

Супрематические картины стали первым экспериментом «чистого творчества».

Аhello_html_3e8500ac.jpgбстракционизм (от латинского слова – удаленный, отвлеченный).

Абстракционизм или беспредметное искусство зародился в 1910 – 1913 годах в странах Европы и в России. Основоположники абстракционизма — русские художники Василий Кандинский и Казимир Малевич. В основе их живописного метода лежит стремление к «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.

Художники-абстракционисты выстраивали свои композиции исходя из формальных элементов: линия, цветовое пятно, отвлеченная конфигурация формы.

Абстрактное искусство развивалось в двух направлениях.

Первое направление – геометрическая абстракция, для неё характерны правильные, четко очерченные конфигурации. В этом направлении работали русский художник Казимир Малевич, голландец Пит Мондриан, француз Робер Делоне.

Вhello_html_m7553cdb8.jpgторое направление – лирическая абстракция. Художники, работающие в этом направлении, предпочитали свободно текущую форму, наполненную мерцающими, пульсирующими цветами. Основоположником этого направления абстракционизма был русский художник Василий Кандинский.

Считая главным в искусстве внутреннее, духовное содержание, Василий Кандинский полагал, что лучше всего оно выражается прямым психофизическим воздействием чистых красочных созвучий и ритмов. В основе его «импровизаций» и «композиций» лежит образ прекрасного горного пейзажа, как бы тающего в облаках, в космическом небытии, по мере мысленного воспарения созерцающего автора-зрителя. Драматургия картин строится на свободной игре цветовых пятен, точек, линий, отдельных символов. Например, всадника, ладьи, палитры, церковного купола и т.д.



Конструктивизм

Владимир Татлин (1885-1953)

Нhello_html_m39b4ac63.jpgаряду с увлечением живописью, Татлин увлекается объемно-пространсвенными композициями. Его абстракции из железа и дерева, с использованием стекла, штукатурки, обоев, фрагментов готовых вещей и отчасти обработанные живописными средствами. С них началась конструктивистская линия в русском авангарде, линия материаловедения, противопоставляемая - во всяком случае, автором - отвлеченно-знаковому супрематизму. Известно противостояние Владимира Татлина концепциям Казимира Малевича, настаивавшего на форме и цвете, в то время как Татлин предлагал «ставить глаз под контроль осязания», связывал искусство с жизнью. Существует даже исторический анекдот о случае, когда Татлин выбил стул из-под Малевича, предложив ему посидеть на геометрии и цвете.

Татлин делает эскизы посуды, одежды и даже печей, но его модели, как правило, утопичны, это проекты идей, а не вещей. Таков "Памятник III Интернационала" ("Башня Татлина", 1919-20) - символическое воплощение революционной эпохи, впечатляющий, но вряд ли рассчитанный на реализацию синтез скульптуры, архитектуры и техники.

Работы Татлина вдохновили немецких художников, которые поняли их как революцию в искусстве. Известна фотография Георга Гроса и Джона Хертфилда, держащих плакат с надписью «Искусство умерло — Да здравствует машинное искусство Татлина!».


Аналитическое искусство

Пhello_html_m5d858fe5.jpgавел Филонов (1883- 1941 умер от голода в блокадном Ленинграде) – русский, советский художник один из лидеров русского авангарда; основатель и теоретик аналитического искусства.

В 1912г. Филонов пишет статью «Канон и закон», где уже ясно сформулированы принципы аналитического искусства: антикубизм, принцип «органического» — от частного к общему. Филонов не отрывается от природы, как кубисты, но стремится её постичь, анализируя элементы формы в их непрерывном развитии. Каждое прикосновение к холсту, по Филонову, – «единица действия», атом – всегда действует формой и цветом одновременно. Впоследствии Филонов развивает тезисы манифеста: «Упорно и точно рисуй каждый атом. Упорно и точно вводи выявленный цвет в каждый атом, чтобы он туда въедался, как тепло в тело или органически был связан с формой, как в природе клетчатка цветка с цветом». Филонову важны методы, которыми действует природа, а не её формы, как, например, в картине «Святое семейство».

Вопросы:

  1. Что такое авангардизм?

  2. В каком стиле работали художники «Бубнового валета»?

  3. Какие перспективы для русского авангардизма открыло примитивное искусство?

  4. Какая идея заложена в «Черном квадрате» Малевича?

  5. Живописная философия Филонова.

8. Немое кино


История кинематографа начинается еще в XIX веке с французов Луи Жана и Огюста Люмьер: 28 декабря 1895 в индийском салоне «Гран-кафе» на бульваре Капуцинов в Париже состоялся публичный показ «Синематографа братьев Люмьер». В Россию кино пришло на следующий год после своего официального появления: летом 1896 года Люмьер выпустил в продажу документальный фильм «Коронация Николая II», снятый в Москве французским кинооператором Камиллем де ля Серф. Однако собственно русское кино, как полагают, появилось на свет в 1907-1908 годах. До этого в России происходили съемки, но чаще всего результат работы кинооператоров был предназначен для узкого круга зрителей.

Особенностью немых фильмов является использование титров – текстовых вставок, которые давали пояснения по сюжету, воспроизводили реплики персонажей или даже комментировали происходящее для аудитории. Титры появились в кино не сразу, и функция их со временем существенно менялась. Они использовались как заглавия монтажных частей, как замена звуковой речи, как средство изложения сюжета и связывания отдельных сюжетных фрагментов и так далее. Поначалу фильмы продавались для проката без вмонтированных титров — прокатчик получал только текст, который мог напечатать и вставить в фильм по своему усмотрению. Со временем титры были осмыслены как эстетически важная часть фильма, они специально оформлялись и организовывались с остальным материалом.

Киносеансы в начале XX века не были полностью беззвучны — обычно показ кино имел музыкальное сопровождение на фортепьяно. Профессия пианиста в кинотеатре называлась «тапёр».

Авангардные течения в киноискусстве

Немецкий экспрессионизм

К концу 1910-х на первый план выдвигается Немецкое кино. Из всех направлений тогдашнего немецкого кино с точки зрения истории кинематографа важнейшим является движение, получившее название экспрессионизм, а основной фильм, представляющий это течение – Кабинет доктора Калигари. Этот фильм, поставленный на основе сценария крупнейшего деятеля киноэкспрессионизма Карла Майера, был снят в декорациях, созданных художниками-экспрессионистами из группы «Штурм», и это предопределило основную особенность картины: отказ от ориентации на привычное жизнеподобное повествование и построение фильма как последовательности полубредовых видений, разворачивающихся в воспаленном сознании. Декорации в картине не просто нереалистичны, они предельно искажают все мыслимые пропорции – прямые линии изломаны, вертикали тянет к земле, перспектива неестественно сужается, предметы обстановки неправдоподобны, лица людей похожи на маски. Эта картина, показала возможность создания фильмов, ориентирующихся не на театр и литературу, а на живопись. Первая из этих тенденций получила крайнее воплощение в полностью абстрактных фильмах Ханса Рихтера («ритмы»), Оскара Фишингера («этюды») и Викинга Эггелинга («симфонии»), в которых не было ничего, кроме движущихся и видоизменяющихся линий, геометрических фигур и пятен. Абстрактная живопись возникла всего за десять лет до появления первого абстрактного фильма. Для немецкого кинематографа натуральные съемки были не характерны.

Французский импрессионизм

Центром европейского искусства кинематографа, как известно, была Франция. Во французском киноискусстве развиваются авангардные течения.

Авангардистские эксперименты, были в основном импрессионистскими. Уже по этому термину можно понять и отличия поисков французских кинематографистов и немецких, и их сходства. Немецкий экспрессионизм ориентирован на выражение внутренних переживаний человека, связанного с внешними событиями, что приводило к большему вниманию к сюжету. Французский импрессионизм ориентирован на впечатление, оказываемое внешним миром на человека. Немцы предпочитали павильонные съемки, где власть автора над изображаемым миром максимальна, а французы – натурные, где максимальна выразительность мира самого по себе. В обоих подходах основной акцент переносится с событий и мира как такового на взаимоотношения мира и человека Авангард следует признать, скорее, временем поисков, нежели открытий.

Американское кино. Чарли Чаплин.

Американский кинематограф тяготел к максимальной повествовательности. Вероятно, это связано как с ориентацией англосаксонской культуры главным образом на литературу. Кинематограф воспринимался в США как коммерческая система. Этим и объясняется как то, что киноязык обязан американскому кинематографу изобретением основных структур повествования, и что голливудские фильмы во все времена являлись образцом профессионализма и успеха. . Общую же координацию элементов фильма осуществляет продюсер, покупающий сценарий, приглашающий звезд и нанимающий режиссера для работы с ними. В общих чертах эта система, в разные времена становившаяся то более, то менее жесткой, сохраняется в Голливуде и ныне.

Но, пожалуй, наибольшие достижения американского кинематографа 1920-х были связаны с комедиями. Фарсовые фильмы, развивавшие традиции цирковых трюков, строящихся на разного рода конфликтах человека и окружающей его предметной обстановки. Предприимчивый американский кинематограф выводит на первый план не живописные авангардные течения, а героя. Ведь всем известно, что зритель идет в театр посмотреть на игру любимого актера или в зрелищный мюзикл – послушать любимого певца. Как сделать развлекательный мюзикл в немом кино? Самым коммерческим развлекательным «шоу» становится кинокомедия со звездой кинематографа. По существу, комическое кино было новым изданием мюзик-холла, заснятой на пленку. Впоследствии этот киножанр назовут «Комедия-фарс».

Большой вклад в популяризацию американского кино и сделал гениальный актер и режиссер Чарли Чаплин (1889- 1977).

Чаплин писал: «Комедия-фарс отличается от комедии тем, что фарс представляет юмор без необходимого логического обоснования». Комедия имеет сюжетную и логическую экспозиции. При своем рождении кино впитало в себя и механически перенесло все сценические маски, традиционные амплуа. А так же, в комедии добавила аттракционы цирка. Так в кино появился клоун, который узнавался по колпаку, трости, смешным усикам и характерной походке. Зрителям интересно наблюдать за движениями Чаплина. Он продумывает каждую секунду своей игры, находит комические сюжеты буквально на «ровном месте».

Искусствовед Пьер Липроон писал: « …у него удивительная магия, позволяющая развернуть вокруг слуховой трубки глухого директора, входной двери и портьеры в ателье тысячу комедийных находок…».

В короткометражном фильме «В час ночи». Актер на протяжении 20 минут занимает экран абсолютно один, без партнеров, проявляя неиссякаемую изобретательность в пластике, в создании комедийных эффектов в условиях домашней обстановки. Он сражается со шкурами пантеры и тигра, с чучелом медведя, с непокорной вешалкой и ковром, с душем, с «взбесившейся» кроватью и маятником от стенных часов. Зацепившись плащом за гвоздик круглого стола, он тщетно пытается поймать убегающие от него бутылку виски и сифон. Создавая при этом иллюзию оживших вещей. Двухчастевая комедия без единого титра и лишенная сюжета – все происходит с сильно подвыпившим джентльменом, поздней ночью возвратившимся домой. Фильм наглядно демонстрирует силу искусства пантомимы.

Исполнительское мастерство Чаплина было универсальным. Он не только никем не превзойденный в истории комический актер, но и прекрасный акробат, танцор, боксер, пловец, теннисист, стрелок, конькобежец. Он играл на рояле, виолончели, скрипке, органе и аккордеоне, гитаре и губных гармошках. В кино часто использовал свои навыки.

«Золотая лихорадка» – полнометражный фильм. Режиссер и исполнитель главной роли – Чаплин. В этом фильме актер раскрыл красоту души простого человека. Маленький человек выходит победителем из столкновений с окружающей жестокостью. Вся сюжетная линия связана с золотоискательством. Действие разворачивается на заснеженной Аляске. В снежный буран он спасается в одинокой хижине, а когда появляется хозяин золотоискатель, их отношения обостряются. Голод заставляет их искать выход из положения. Чарли варит в кастрюльке один из своих башмаков. Большой Джимми забирает себе кожаный верх, Чарли достается жесткая подошва с гвоздями. Он стоически примеряется со своей долей и элегантно отбрасывает гвозди, будто куриные косточки. Голод большого Джимми берет свое: у него на глазах Чарли превращается в курицу и тот начинает за ней охоту. Чарли с походкой курицы уворачивается и убегает. Чарли добирается до небольшого городка.

Заработав намного денег, он не отказывается от надежды добиться взаимности у красавицы. В новогоднюю ночь он украшает стол, но часы идут. Он засыпает и во сне видит, как он развлекает девушек исполнением танца булочек: насадив на две вилки по маленькому хлебцу, он виртуозно имитирует эстрадный танец.

В фильме «Цирк» ряд сцен был поднят до символического звучания. Спасаясь от полицейского, Чарли забегает в помещение аттракциона. Вокруг одни зеркала. Изображение убегающего Чарли двоится, троится… Много маленьких человечков, и за всеми гонится полицейский. Затем символический образ сменяется. В центре одни Чарли, за которым гонится много полицейских. Сюжетная линия связана с бесхитростной и грустной историей самоотверженной любви Чарли к цирковой наезднице. Девушка увлекается красавцем канатоходцем. Счастье влюбленных устраивает сам Чарли.

Чарли Чаплин был одним из первых крупных художников кино, поставивших свое искусство на служение правды жизни. Конфликт между свободолюбием, гуманизмом и действительностью нашел в творчестве актера жизнеутверждающее начало.

Трагическая эпопея великого комика, стала подлинной «человеческой комедией» 20 века.

Марк Шагал:

«Меня порадовал триумф экспрессионизма в Германии, зарождение сюрреалистического движения во Франции и появление на экране Чарли Чаплина. Чаплин пытается добиться в кино того, что я добиваюсь в моих картинах. Сегодня он, пожалуй, единственный художник, с которым я бы без слов нашел общий язык».

Вопросы:

1. Специфические особенности немого кино

2. Как представляли кинематограф в Западной Европе?

3. Благодаря чему американское кино становится самым популярным и кассовым?

4. Зачем американским киноподюссерам нужна была комедия и «звезда»?

5. Благодаря каким качествам Чаплин стал «звездой» кинематографа?

  1. Особенности творчества Чарли Чаплина.



9. Немое кино в России

С. М.Эйзенштейн (1898-1948)

Сергей Михайлович Эйзенштейн советский режиссёр театра и кино, художник, сценарист, теоретик искусства, педагог. Заслуженный деятель искусств РСФСР.

Профессор ВГИКа. Доктор искусствоведения, автор фундаментальных работ по теории кинематографа.

Молодая страна Советов в начале 20 столетия продолжала быть в авангарде культурной жизни. Взамен русского искусства появился термин советское искусство. Советское искусство унаследовало принцип народности и высокого уровня профессионализма от русского демократического искусства.

Творческий метод

В 20-е годы в работе над кинофильмами начались композиционные, световые и живописные эксперименты. Уже потерялось в памяти, кто первый установил освещение, кто изобрел крупный план, то умудрился намазать объектив вазелином, что бы придать ощущение импрессионизма на экране. Эксперименты быстро становились практикой, ежедневностью.

Анатолий Головня, работая над фильмом «Мать». Снимая портрет, поставил источник света снизу. На лице героя заиграли зловещие тени. Операторы пошли дальше в своих экспериментах: положили камеру у ног героя,– на экране возникла могучая фигура. Если снять крупным планом портрет сверху. Получится противоположный эффект: ракурс усилил впечатление приниженности, подавленности образа. Световой эффект Эйзенштейн использовал в своих фильмах, в частности, в «Иване Грозном». На фоне гладких серых стен царских палат вдруг возвышается огромная черная тень – профиль Ивана Грозного. Рядом стоит маленький боярин, его даже не разглядишь сразу.

В те же 20-е годы камера была неподвижной, а вокруг нее вращались режиссеры. Операторы, осветители. Сергей Эйзенштейн и оператор Эдуард Тиссэ приехали на съемки «Броненосца Потемкина» в Одессу. Однажды утром они вышли на берег моря. Они увидели в тумане утреннего моря корабли и рыбачьи лодки. Тиссэ быстро снял это на кинокамеру. Эпизод целиком вошел в фильм. Он восхитил весь мир и в истории кино получил собственное название «Сюита туманов». Дальше – больше. Камера оторвалась от штатива и переместилась на руки кинооператору. Эдуард Тиссэ врывался с ней в толпу, чтобы запечатлеть разъяренное и искаженное «лицо» народной массы; он нацеливал аппарат на обезумевшие лица в эпизоде расстрела в фильме. Из широко распахнутых глаз. Из орущих ртов он складывал образ страха смерти. Он снимал художественный фильм так, как снимают кинохронику: эмоционально, остро, вроде бы без отбора, без размышлений о композиции. Ему надо как можно быстрей снять подлинность события, которое уходит в историю.

Эйзенштейн был мастером и большим сторонником метода монтажа в кинематографии. Он собирал киноматериал, а потом, выбирая самые интересные фрагменты, склеивал в определенном порядке. Так получилась «Сюита туманов», так получилась бесконечно длинная лестница в фильме «Броненосец Потемкин»: он склеил несколько съемок этой лестницы, и она увеличилась в длину. На самом деле она гораздо короче. Эйзенштейн считал, что соединение (монтаж) двух кадров-изображений рождает нечто третье - понятие, содержащее идейную оценку.

Еще в фильме «Стачка» впервые в мировом кино Эйзенштейн показал народ, как движущую силу истории. Отказавшись от разработки типизации характеров отдельных действующих лиц, Эйзенштейн передал на экране психологию народной массы, проходящих в своём развитии закономерные этапы стачечного движения - от стихийного протеста до организованной борьбы. Зародившийся в "Стачке" и развитый в последующих "немых" фильмах типажный метод основывался на предельной выразительности внешнего облика ("свёрнутой биографии"), мгновенно и ярко доносящего до зрителя внутреннюю сущность персонажа. Достоверность типажа знаменовала отказ от преувеличенно театральной манеры игры русских дореволюционных и голливудских "звёзд" экрана. Близкий к документальности стиль съёмок, широкое использование натуры противостояли прежней кинопродукции. Образы персонажей были решены в плакатно-гротесковой манере. В виртуозной монтажной разработке действия Эйзенштейн применил новаторские принципы построения фильма, по-новому осмыслив возможности крупного плана, метафорического сопоставления кадров, ритма.

«Броненосец Потемкин» 1925г.

Фильм был задуман как часть революционной эпопеи "1905 год", к празднованию 20-летия первой русской революции. правительство поручило Эйзенштейну работу над этим фильмом. Эпизод восстания на броненосце "Князь Потемкин Таврический" получил воплощение в фильме, выразившем характерные черты эпохи и создавшем обобщённый образ революционного народа. Основываясь на реальных фактах и в то же время, смело преобразовывая их, Эйзенштейн создал композицию фильма в пяти частях, напоминающую по структуре античную трагедию. "Броненосец Потёмкин" стал новым этапом в развитии мирового искусства, многие историки кино связывают окончательное самоопределение кино как вида искусства с этим фильмом.

Основные вступающие в конфликт силы - царский режим и стремящийся освободиться от гнёта и несправедливости народ - получили в фильме яркое образное воплощение. Трагические сцены - подготовка к казни матросов, расправа на Одесской лестнице, траур по погибшему Вакулинчуку, ликование финального братания матросов броненосца и эскадры - имеют огромную идейную и эмоциональную силу.

Не ограничивая себя задачами восстановления событийной хроники, Эйзенштейн стремился раскрыть в фильме смысл происходивших событий. С этим фильмом была связана так называемая теория интеллектуального кино, выдвинутая режиссёром.

Психологическая глубина и художественное мастерство, показанное в фильме, определили его значение в общественной и эстетической жизни не только в нашей стране, но и за рубежом. В послевоенные годы фильм был озвучен музыкой Дмитрия Шостаковича и вновь вышел на экраны мира.

"Броненосец Потёмкин" оказывал большое влияние на мировое киноискусство. В результате опроса кинокритиков Бюро по истории кинематографии на Брюссельском кинофестивале в 1958году, "Броненосец Потёмкин" возглавил список 12 лучших фильмов всех времён.

«Александр Невский» 1941г.

Созданный накануне второй мировой войны и Великой Отечеств, войны, фильм стал вдохновляющим призывом к отпору фашистской агрессии. Победа русских войск над тевтонскими рыцарями в 13 в. трактовалась как образ грядущей борьбы, фильм был пронизан патриотизмом и верой в силы народа. Эйзенштейн связал эпический строй фильма с традициями былин и народных сказаний, изобразительное решение его перекликалось с фресковой живописью и архитектурой Древней Руси. Новаторски разработанный звуко-зрительный эффект достиг совершенства в "эпизоде Ледового побоища.

«Иван Грозный» 1945г.

Сложная эпоха становления единого русского государства получила в фильме глубокое истолкование. Задуманный как трилогия, фильм "Иван Грозный" должен был показать борьбу России с внешними врагами и конфликты царя с внутренними противниками - боярством, духовенством, а затем с опричниной, переродившейся в своекорыстную силу. В трагедийной трактовке образа Ивана Грозного Эйзенштейн творчески следовал традициям пушкинского "Бориса Годунова", а в строе фильма претворил и использовал богатейший опыт классиков мирового искусства.


Вопросы:

1. по какому пути развития пошел отечественный кинематограф?

2. Что для кинематографа значило снять со штатива кинокамеру?

3. Значение фильма «Броненосец Потемкин» для мирового кино.

4. Какие эффекты были открыты в кинематографе в работе со светом?

5. Определите разницу между американским и советским кинематографом.



10. Психоанализ Зигмунда Фрейда

«Будущее одной иллюзии»

Зигмунд Фрейд (1856-1939)

Известен как основатель психоанализа, который оказал значительное влияние на психологию, медицину, социологию, антропологию, литературу и искусство XX века. Воззрения Фрейда на природу человека были новаторскими для его времени и на протяжении всей жизни исследователя не прекращали вызывать резонанс в научном сообществе. Интерес к теориям учёного не угасает и в наши дни.

Среди достижений Фрейда наиболее важными являются разработка трёхкомпонентной структурной модели психики (состоящая из «Оно», «Я» и «Сверх-Я»). Он первым дал понятия «бессознательное», а также толкование сновидений. Бессознательное противопоставляется сознательному. Например, у многих людей в разговоре вдруг с языка слетает слово, которое он не хотел сказать, а оно вырвалось. Человек в неловком положении. Он оправдывается: «Извините, я не то хотел сказать», но на самом деле именно это он имел ввиду, но сказать хотел другое. Это слово выскочило из под сознания. Такую неловкую ситуацию называют «ошибкой по Фрейду».

Свое открытие бессознательного он сделал на основании дарвиновской теории о происхождении человека. Человек – это в первую очередь, животное. А что же есть человеческая культура? Это то, чем человеческая жизнь возвысилась над биологическим, животным существованием.

Культура лишает человека быть естественным животным, поэтому в некотором случае, культура враждебна человеку. Культура создается меньшинством и навязывается большинству. Она строится на запретах одних влечений и принуждений к другим.

В чем заключается ценность культуры?

Если вообразить, что запреты сняты, то отныне можно делать все что вздумается.

Представьте: в комнате, находится 30 человек. Они очень сильно проголодались, перед ними одна маленькая булочка. Как они поступят? Есть ли здесь место культуре? Они начинают драться. Из этой голодной группы может выделиться один победитель, лидер. Ему и достанется булочка. Первобытные люди дрались за свою добычу на смерть, поэтому культура началась с запретов, табу, заповедей, в конце концов, с религии. Это было необходимым условием выживания людей и продолжения рода.

С развитием науки, задача религии состояла в том, чтобы компенсировать дефекты культуры нравственностью.

Как сделать человека нравственным?

С детства человек проходит фазу невроза, прежде чем стать нравственным. Для ребенка это сложная работа духа. Многочисленные позывы животного эгоизма он должен обуздать атаками вытеснения из сознания первобытных животных инстинктов. Методами вытеснения может служить мотив примера родителей, красивая природа, наконец, страх.

Происходит замещение: нравственность, культура входят в сознание, а животные инстинкты – в подсознание.

Вы сидите в классе, внимательно слушаете учителя или делаете вид, что слушаете, но сидите тихо. Многие думают: «Я бы сейчас дома открыл компьютер, поиграл бы в любимую игру…». Но вы люди культурные, поэтому сидите и слушаете учителя. В этот момент у вас происходит вытеснение или подавление желания и перемещение его в подсознательное, и только в снах вытесняемое желание «всплывает» в форме символа. Запрет на столько велик, что даже в снах не проявляется откровенно. Например, если вы плохо знаете какой-то предмет и постоянно боитесь отвечать на этом уроке, вам приснится берлога, куда вы почему-то убегаете и прячетесь.

Свою теорию сновидений Фрейд подкрепил народными толкованиями. Он создает свой сборник сновидений, где дает расшифровку подсознательному.


Вопросы:

  1. Что такое бессознательное?

  2. Что такое подсознательное?

  3. Откуда берутся сновидения?

  4. Кто такой культурный человек?

  5. Как происходит замещение?

  6. Объясните происхождение детского невроза.

  7. Приведите пример подсознательного.

  8. Что такое ошибка по Фрейду?


11. Герман Гессе

Роман «Степной волк»

Герман Гессе (1877–1962) немецкий писатель, поэт, философ.

Роман «Степной волк» – одно и самых известных произведений Гессе, отчасти автобиографичен. Гессе женится, но брак оказался неудачным. Писатель через несколько недель покинул жену и приступил к написанию романа.

«Степной волк» – исповедь буржуазного интеллигента, пытающегося преодолеть болезнь времени – (первая мировая война) посредством самоанализа и попытки сделать эту болезнь объектом изображения.

Развитие волчьей стороны индивида выражает не падение человека, а напротив, создание гармоничной личности. Особенно Гессе испытывает негатив к американской культуре, которая проникла в Европу после первой мировой войны. Он сопоставляет европейскую цивилизацию с ее мудростью, классической музыкой – с ребяческим пустым американским джазом. Его герой много «общается» с мудрым Гете и непостижимым Моцартом, как с символами уходящей европейской культуры.

Роман написан в 1927 году. Беспокойная атмосфера послевоенных годов, экономический упадок, спекуляция, безумство американской джазовой лихорадки. В романе ощущается тоска сына старой Европы по системе моральных прав, поиска другой духовной опоры, – попытка лечить внутренний раскол музыкой Моцарта и мудростью Гете.

«Степной волк» – волк в квадрате, потому что степь тоже волчья. Здесь степь понимается как город, в котором он также одинок, как степной волк.. Для Гессе ширь степи ассоциировалась и с «Братьями Карамазовыми» Достоевского: «Широк человек, слишком даже широк, я бы сузил» – говорит Митя Карамазов.

Эти слова можно отнести и к главному герою романа Гарри, имея в виду его душу романтика, вступившего в последнюю стадию романтизма.

На творчество Гессе большое влияние оказало творчество Достоевского, который выдвинул теорию богочеловека, описал в литературе подсознательное еще до появления работ Фрейда. В романе «Записки из подполья» Достоевский описывает мысли одинокого человека, где доходит до самых глубин психоанализа. Разработанная Фрейдом теория подсознательного, психоанализ, конфликт между человеком и животным, между культурой и животными инстинктами, легли в основу романа Гессе «Степной волк».

Роман представляет собой записки Гарри Галлера, найденные в комнате, где он жил и опубликованные племянником хозяйки дома. От его лица написано предисловие романа, так же дается и психологический портрет главного героя – Гарри.

«Степной волк» имеет троякий смысл: мифологический, философский и психологический.

В мифологическом контексте волк – символ зла. В философском понимании – восходит к ницшеанскому противопоставлению стадному человеку одиночки интеллигента. В психологическом контексте – это сосуществование в одном человеке сознательного и подсознательного «Я».

Гарри нигде не работает, он лежит, много читает, в основном – Гете и Достоевского. Он называет себя «степным волком», забредшим в города, в стадную жизнь. Герой ощущает в себе две природы: одна человеческая, другая – животная, волчья.

Волк – попытка высвобождения чувственного мира из многовекового мира цивилизации. Выражение стремления личности к душевной свободе. Символ волка указывает на темную сторону психики, которую подлежит вывести из подсознания и примерить с сознательной жизнью.

Развитие волчьей стороны Гарри выражает не падение, а процесс создания развитой гармонической личности.

Животное, прежде всего, существо непосредственное, оно не умеет врать, казаться лучше, чем есть, в отличие от человека. Ведь именно эти качества нам нравятся в животных, за это мы их любим. Но они не имеют разума, а значит, отсутствует чувство юмора, они не умеют смеяться. Поэтому, Гессе подчеркивает в Моцарте и Гете не гениальность, а юмор, – то, что выделяет человека из среды животных.

Гари опровергает понятия о тихой семейной жизни, о патриархальном укладе. Ненавидит мещанство. Он приходит к своему любимому учителю в гости, который был, по мнению Гарри, истинный интеллигент, но в гостиной, ожидая его прихода, наталкивается на мещанскую обстановку, слащавые фотографии. Он уходит, разочаровавшись в своем учителе. «…мещанин по сути своей – существо со слабым импульсом к жизни, трусливое, боящееся хоть сколько-нибудь поступиться своим «я», легко управляемое. Потому-то он и поставил на место власти большинство, на место силы закон, на место ответственности процедуру голосования».

Мещане не живут, а бытуют, а не живут, потому что не страдают.

В Гарри волк и человек уживаются, когда к нему относятся с добротой и уважением: «… я здоровенный и лживый тип. Если две минуты назад я скрежетал зубами от злости на весь опостылевший мир, то сейчас, едва меня поманил, едва невзначай приветил достопочтенный обыватель, спешу растроганно поддакнуть ему и нежусь, как поросенок, растаяв от крохотки добродетели».

Гари попадает в анатомический театр, на котором написано: «Только для сумасшедших». В театре ему покровительствует Германика – Гермес, покровитель магии, способствует встречам, убаюкивает сознание. Все функции античного героя распределяются на три персонажа: Гермину, Пабло, Марио. Прежде чем войти в театр, нужно заплатить. Плата – разум. Кроме того, он должен сдать в гардероб… личность.

В фойе театра он видит множество дверей с надписями: «Я превращаюсь. Превращение в любых животных и любые растения». «Хотите превратиться в дух? Мудрость Востока». «Закат Европы. Цены снижены. Все еще вне конкуренции». Перед Гарри вспыхнул плакат: «Чудо дрессировки степных волков». Он зашел на это представление. На сцене стоял сильный человек, похожий на Гарри, держащий на поводке волка, как собаку. Жалкое зрелище! В большом, красивом, но отощавшем волке, в его взгляде была видна рабская покорность. «Мука мученическая была глядеть, до какой фантастической ступени научился этот волк отрекаться от своей природы, у меня волосы дыбом встали». И все это унижение за кусок сырого мяса.

«Теперь приказывал волк, а человек подчинялся. По приказанию человек опускался на колени, рвал на себе одежду… ходил на четвереньках, служил, притворялся мертвым, катал волка верхом на себе…». За хорошую службу девушка выносила ему шоколад.

«В страхе бегал я взад и вперед, ощущая во рту вкус крови и шоколада, одинаково отвратительные…».

Переходя из комнаты в комнату, Гарри встречается с Моцартом и Гете. Они предстали перед ним не серьезными мудрецами, а людьми, ценящими жизнь и шутку. Христианское учение тоже призывает к позитивному образу жизни, а уныние называет грехом.

Гарри провожают в зеркальную комнату. Зеркало – средство самопознания, отражающее скрытую от сознания область души. Гарри предлагается убивать людей. Он убивает, не испытывая жалости. Сейчас в нем открылся животный инстинкт. Здесь Гессе показывает «звериное» лицо войны. Впоследствии люди оказываются живыми. Он убивал отражение в зеркалах, оказавшись сам в зазеркалье. В зазеркалье, как в подсознании, взыграли его животные инстинкты. Это всего лишь иллюзия, но Гарри этого не знал.

«Нет, – крикнул я. – Неужели вы ничего не понимаете? Увильнуть от последствий! Да ведь если я чего и хочу, то только искупить, искупить свою вину, положить голову на плаху, принять наказание, быть уничтоженным!»

Сверкнула надпись: «Казнь Гарри». Его приговаривают к вечной жизни, потому что смерть – это трусость перед жизнью, неумение преодолевать ее трудности.


Вопросы:

1. Как Гессе показывает последнего романтика?

2. Как писатель раскрывает в романе теорию Фрейда?

3. Что примиряет в одном лице человека и животное?

4. Объясните символ снятия с себя личности в зазеркалье по Фрейду.


12. Сюрреализм.

«Над» и «под» реальностью

После открытия Фрейдом теории подсознательного не только писатели, но и художники начали использовать ее в своем творчестве. В искусстве появляется новое течение сюрреализм (сверхреализм) – совмещение сна и реальности.

Сюрреализм возник в Париже. В искусстве воплотилось понимание художественного произведения как выражения интуиции посредством фантазии. Сюрреалисты пытались произвести революцию в человеческом восприятии жизни. Для этого, утверждали они, нужно отказаться от разума и логики, от восприятия вещей, от разграничения прекрасного и безобразного. У Гессе в романе «Степной волк» записана фраза: «нет верха и низа, везде хаос…».

Сюрреализм – чисто психологический автоматизм.

Использование сюжетов и образов из сновидений – характерная черта сюрреалистов.

Сальвадор Дали (1904-1989)

Дали родился в Испании, в Каталонии. Дома, в семье адвоката, мальчика поощряли занятиями искусством. В 17 лет был принят в Мадридскую академию изящных искусств, где познакомился с поэтом Гарсия Лоркой. Биографы отмечают его экстравагантную манеру одеваться, которая говорила о независимой натуре Дали: «Это был высокий застенчивый человек с низким голосом. Длинноволосый, он ходил в широкой шляпе, носил огромный бант, сюртук до колен и гетры. Можно подумать, он хотел всех шокировать, но на самом деле ему нравилось ходить так и от людей приходилось выслушивать оскорбления».Дали обладал большой работоспособностью, изучал манеру письма Веласкеса, Гойи, Босха, Вермеера. Лорка писал: «Он, по-моему, уникум; и у него есть спокойствие и ясность суждения в отношении того, что он считал по-настоящему волнующим. Он ошибается – ну и что? Он живой… он трогает меня. Дали вызывает во мне такое чувство (да простит меня Господь), как заброшенный в Вифлеемском дворике Иисус – младенец, под соломой которого уже таится росток распятия». Дали бросает академию, занимается живописью. В 1929 году женится на Гала. Гала – русская аристократка Елена Дмитриевна Дьякова. Первый ее муж поэт Поль Элюар дал ей имя Гала ( с французского языка – «праздник»). Она заняла значительное место в жизни Дали. По его словам, появление Гала придало его искусству новый смысл. Она стала для него тем, кем была для Данте Биатриче.

Использование сюжетов и образов из сновидений – характерная черта творчества художника. «Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения». Комментарий Дали в картине: «Целью было впервые изобразить открытый Фрейдом тип долгого связного сна, вызванный мгновенным воздействием, от которого происходит пробуждение. Подобно тому, как падение иглы на шею спящего, одновременно вызывает пробуждение. Длинный сон, кончающийся гильотиной, жужжание пчелы вызывает здесь уhello_html_m1e1a287d.jpgкус жалом, который разбудит Гала. Вся животворящая биология возникает из лопнувшего граната. Слон Беринги на заднем плане несет на себе отблеск и атрибуты папы». «Жизнетворящая биология» граната выплескивает из своего чрева наружу рыбу, прыгающего тигра, из пасти которого появляется еще один, устремленный в прыжке за винтовкой, направленной штыком в безмятежно спящую женщину на каменном острове.

Все написано с фотографической точностью. Теплые и холодные оттенки красок взаимодействуют в гармонии, подчеркивая изысканную красоту рисунка, пространственную глубину композиции.

Сюрреалисты, подобно фрейдистам, рассматривают художественное творчество как убежище от действительности, как лечебное снадобье от неврозов.

«hello_html_310ee3ef.jpgНаступает отстранение от действительности. Индивидуализм уходит в свой, более удовлетворяющий его фантастический мир». (Фрейд).

Погрузившись в свой мир, в «глубины подсознания», сюрреалисты стали создавать произведения, которые становись образцами художественного творчества. Такое искусство призвано выявить все, что в человеке спит или только пробуждается.

Картина «Мрачная игра». Попытка раскрыть неисчерпаемые выразительные символические и психологические возможности жеста. Рука то приобретает чувственное воплощение человеческих страстей, то превращается в магический знак. Поражает воображение множество деталей фантастических существ. Здесь – взаимно проникающие слепки реальности и фантастики, сгустки движений «биологической ткани». Рядом с «персонажами», приближенными к реальности, возникают ирреальные видения, огромные ступени в никуда. Тут же возвышающийся старый монумент с надписью: «грамм – сантиграмм – миллиграмм». У подножья – лев с раскрытой пастью. Точно такой же лев удаляется за картину с другого постамента.

В центре картины, подобно смерчу в замедленной съемки, вырастает композиция из нереальных форм, в которые вплетены изображения кузнечиков, птичьей головы, завершается все круговоротом шляп, голов, яйцеобразных форм.

Иhello_html_12c655d4.jpgскусствовед Елена Гудон пишет: «Он изменил сам характер художественного творчества, превратив его из пассивной фиксации умозрительных идей в активный процесс визуального формообразования. Его фантастические образы, кажется, обладают способностью самозарождаться, расти и умирать прямо на глазах у зрителя».

Кhello_html_4a6c6d95.jpgартина «Предчувствие гражданской войны» 1936 год. Картина – предупреждение возможных мутаций впоследствии военных действий. Два огромных монстра, напоминающих деформированные, случайно сросшиеся части тела. Одно образовано из лица, женской груди и ноги, другое – из двух исковерканных рук и тазобедренных частей тела. Они сцеплены в жуткой схватке, вызывая чувство отвращения. Достоверность существования мутантов подтверждается реалистическим пейзажем. Низкая линия горизонта увеличивает ужас воздействия фантастических существ. Необъятность небосвода подчеркивается тревожным движением облаков.

Сальвадор Дали в своем творчестве использовал в картинах так называемый двойственный образ, это когда картина воспринимается двояко, как например, «Невольничий рынок с явлением незримого бюста Вольтера». Здесь можно наблюдать одновременно бюст Вольтера, он же образует изображение двух монашек.

Сhello_html_m39f1eb9.jpgамая популярная его картина «Постоянство памяти (мягкие часы)». Часы плавятся под солнцем, время, кажется, остановилось под вечным летним зноем.

«Христос Сан-Хуана де ла Крус». В этом «космическом сновидении», Христос предстал в образе «атомного ядра», центра единой Вселенной. Подтверждение этому он нашел в монастыре, где монах, которому явилось подобное видение, сделал рисунок. Там Христос схематично изображен в виде вписанного в окружность треугольника. Треугольник образуется тремя частями тела Христа: головы и руками, пригвожденными к кресту. Тело распятого Христа парит над Землей.

hello_html_m621e6c36.jpg

Вопросы:

  1. Что такое сюрреализм? Какое отношение это имеет к теории Фрейда?

  2. Есть ли в картинах Дали нечто большее, чем бессознательное сновидение?

  3. Найдите в картине «Испания» двойственные образы.

  4. Что вас поразило в творчестве Дали?



13. Театр абсурда


Сюрреалисты заимствовали у философа Шопенгауэра идею об интуиции. Разрабатывая свою философию, он в частности говорил: «Гениальное произведение исходит от интуиции, на нее же и рассчитано». «Бесполезность – вот один из характерных признаков гениального произведения». В сюрреалистическом художественном произведении интуиция выразилась посредством фантазии, которую художники довели до полного отрицания логического смысла.

Наслаждение искусством рассматривалось, как на временное забвение жизненных тягот, следовательно, сюрреализм призван преобразовать весь мир, не прибегая к социальным потрясениям.

В 1924 году выходит журнал «Сюрреалистическая революция», в котором печатается призыв отказаться от разума и логики от абсурдного разграничения прекрасного и безобразного, от норм человеческих взаимоотношений: «Все средства хороши для уничтожения понятия семьи, родины…», личность должна освободиться от всякой социальной ответственности.

В этом фантастическом мире неправдоподобные события кажутся нормальными; логика упраздняется, противоречия исчезают.

Принятие фрейдистского тезиса об отсутствии четкой грани между психической нормой и патологической, привело к тому. Что сумасшествие наиболее перспективно для художественного творчества, потому что человек освобождается от контроля разума. По мнению теоретиков, умение воспроизводить состояние бреда, умственную отсталость, говорит о гибкости ума, его способности подчинять волю идее безумия. В результате появляются «произведения искусства», написанные психическими больными, которые трудно отличить даже врачам -психиаторам от произведений искусства.

Следуя учению Фрейда о том, что каждый индивид проходит от рождения до старости все стадии человеческого развития, начиная от животного, сюрреалисты перегружают искусство сценами животной жестокости, насилием, агрессией, кровожадностью. Увиденная на экране жестокость по мнению фрейдистов, должна служить актом замещения и очищать человеческую душу. То есть, если человек смотрит на экране жестокие сюжеты, то он удовлетворился своими животными потребностями и от этого ему станет легче, он от них освобождается.

Фильм Кокто «Кровь поэта»

Зима. Мальчики с ожесточением бьют друг друга снежками. Крупным планом даются искаженные ненавистью детские лица. Двое мальчиков душат третьего, он истекает кровью. Многолетняя практика такого искусства показала, что оно не вызывает чувства облегчения у нормальных людей, а наоборот, у людей с патологическими отклонениями будит низменные инстинкты и способствуют их обострению.

На сюрреалистической почве вначале 50-х годов во Франции появляется много модернистских течений, самое большое – в театре.

Театр абсурда.

Лишенные логики и смысла, абсурдные театры вызывали бурную реакцию зрительного зала. Искусство абсурда не совсем фантастичен, не полностью вымышлен. В деталях натуралистически копирует действительность, но объединяя детали действительности, образуют мир хаоса, абсурда, подвергается разрушению временная цепь событий. Абсурдны пьесы Беккета и Ионеско.

Сэмюэл Беккет (1906-1989) ирландский писатель, драматург. Основоположник театра абсурда.

Сэмюэл Беккет награждён Нобелевской премией за новаторские произведения в прозе и драматургии, в которых трагизм современного человека становится его триумфом. Глубинный пессимизм Беккета содержит в себе такую любовь к человечеству, которая лишь возрастает по мере углубления в бездну мерзости и отчаяния, и, когда отчаяние кажется безграничным, выясняется, что сострадание не имеет границ.


«В ожидании Годо» (1952г)

Сюжет прост: двое бродяг– Эстрагон и Владимир ждут у проселочной дороги Годо.

Невозможно определить когда и где определяется действие пьесы: «Вы когда- нибудь перестанете меня донимать этими вашими приставаниями со временем? Это же бессмысленно! Когда! Когда! В какой-то день – вам этого мало?» говорит один из персонажей. Соответственно безликим становится и место действия. «Это нельзя описать. Ни на что не похоже. Тут ничего нет. Одно дерево», – так определяет место действия другой персонаж. Всю пьесу они ждут Годо, который так и не появляется. Кто он такой – никто не знает. Скорее, Бог или божок в переводе с английского языка. Чтобы убить время. герои разговаривают о ботинках, об Евангелии, утоляют голод морковкой и собираются повеситься, но боятся, что не выдержит сук. Они рассматривают свои ботинки, один говорит. что они серые, другой говорит, что зеленые. Появляется Поццо со слугой Лакки на веревке. Он приказывает ему думать. Слуга бормочет бессвязные слова. Его избивают, чтобы заставить замолчать. Поццо уводит на веревке слугу Лаки. Появляется мальчик и говорит. что Годо не появиться.

Второй акт повторяет первый. Эстрагон и Владимир решают повеситься, но сук не выдерживает. Прибегает мальчик и говорит, что и сегодня Годо не появится. Герои пьесы решают уйти. Но не двигаются с места. Занавес.

Цикличность действия пьесы повторяет цикличность диалога:

Владимир: С этим ничего не поделаешь.

Эстрагон: Сколько не выходи из себя.

Владимир: Останешься, какой есть.

Эстрагон: Как ни вертись.

Владимир: Наутро не меняется.

Эстрагон: Ничего не поделаешь.

Герои пьесы настолько неиндивидуальны, что кажутся не двумя, а одним «парным героем». Диалог представляет одно предложение, которое частями озвучивают двое.

Эжен Ионеско (1909-1994) французский драматург, основатель театра абсурда.

В пьесах показывает мир, сошедший с ума. В его пьесах раскрываются ситуации, характеры и диалоги, которые следуют скорее образам и ассоциациям сна, чем повседневной реальности. Язык же с помощью забавных парадоксов, клише, поговорок и других словесных игр освобождается от привычных значений и ассоциаций. Своё происхождение пьесы Ионеско ведут от уличного театра цирковой клоунады, античной комедии и средневекового фарса — можно найти истоки его драматургии во многих жанрах, и не только сценических — они кроются, например, в в брейгелевских «Пословицах» и хогартовских парадоксальных картинках. Типичный прием — нагромождение предметов, грозящих поглотить актеров; вещи обретают жизнь, а люди превращаются в неодушевленные предметы

«Лысая певица» (1949г)

Характерным примером временного хаоса и нарушением логики может служить «экспериментальная басня», рассказанная в пьесе: «однажды некий бык спросил некую собаку, почему та не проглотила свой хобот? «Прости, – ответила собака,– я не думала, что я слон». Абсурдно и само название пьесы: в этой «антидраме» лысая певица не только не появляется, о ней даже не упоминания.

Ионеско «Автомобильный салон» (1952г)

Герой пьесы собирается купить новый автомобиль, говорит продавщице: «Мадмуазель, не одолжите ли Вы мне свой нос, чтобы я смог лучше рассмотреть? Я его верну Вам перед уходом». Продавщица отвечает ему безразличным тоном: «Вот он, Вы можете его оставить у себя».

Каждая часть этих предложений вполне логична, построена грамматически правильно, осмысленно. Нелепы сочетания этих частей.

Герои искусства абсурда представляют существа чуждые всему окружающему миру, лишенные человеческих целей в жизни.

Вопросы:

  1. Объясните, что такое абсурд?

  2. На какой почве основывается жестокость в фильме Кокто?

  3. Ваше отношение к пьесам Беккета и Ионеско. Возможны ли такие пьесы от хорошей жизни?


14. Литература абсурда.

Франс Кафка (1883-1924)

Австрийский писатель-романист. Странный, может быть, самый странный из писателей 20 столетия. Его романы, как и его жизнь не изобилует приключениями, напротив, замешаны неординарности, которые рождают неожиданности, какие принято считать абсурдными. Один из выдающихся немецкоязычных писателей XX века, большая часть работ которого была опубликована посмертно. Его произведения, пронизанные абсурдом, страхом перед внешним миром и высшим авторитетом.


Абсурд – есть непонятые в своей неожиданности следствия, что вытекает из простейших причин.

Кафка родился в Праге. Отец – тиран. Из сына получилась его полная противоположность. Он боялся своего отца и страх отразился в его творчестве. Свои творчеством он будто пытался доказать отцу, что он заслуживает к себе уважения. Творчество Кафки – это средство самоутверждения, от тирании отца.

При жизни Кафка не был замечен, писал для себя. В узком кругу, в обществе Гессе, Манна, Брехта, его любят и ценят. Человек он был скромный, умер, не дождавшись всемирного признания. По профессии был правоведом, имел степень доктора права. Дважды хотел жениться, но сбегал «из-под венца», чтобы семейная жизнь не навредила его творчеству. Самые известные романы – «Замок», «Америка», «Процесс».


Роман «Процесс»

Созданный Францем Кафкой в начале XX века «Процесс» на протяжении целого столетия волнует умы литературных критиков и кинорежиссёров. Произведение, написанное в уникальном литературном стиле модернизма, «магического реализма» и экзистенциализма, анализирует классическую проблему современного общества – противостояние человека и системы.

Композиция романа строится по классическому принципу. Вначале происходит завязка сюжета: пробуждение Йозефа К. от сна, извещение об аресте и допрос в комнате фройляйн Бюстнер.

Йозеф К обвиняется – он сам не знает в чем. Он намерен защищаться, но не знает от чего. Адвокаты находят его положение трудным. Он отказывается от помощи адвокатов и выслушивает глубоко философскую притчу «Перед Законом». Его судят, а между тем он не пренебрегает любовными интригами, ходит на службу. Иногда появляются сомнения: осужден ли он на самом деле? Но продолжает жить, как прежде. Через некоторое время к нему приходят два гражданина, похожие на актеров, уводят его на каменоломню и убивают. Он только успевает сказать: «Как собаку».

Все герои романа, так или иначе, связаны с судебным производством. Бесконечные судейские чиновники разных рангов и мастей, адвокат Гульд, судейский художник Титорелли, сиделка адвоката Лени – все они работают либо на Суд, либо на тех, кто в него вхож. Даже совершенно нейтральная фройляйн Бюстнер (машинистка по профессии), появившаяся в жизни Йозефа К. после его ареста, сразу же хочет заняться юриспруденцией, чтобы иметь возможность помочь Йозефу оправдаться. Стоит сказать, что на протяжении всего «Процесса» женщины к главному герою так и липнут. Адвокат Гульд объясняет это тем, что они подсознательно видят всех обвиняемых красивыми. Особенно сильно эта черта проявляется в сиделке адвоката – Лени. Она готова дарить свою любовь каждому обвиняемому.

Абсурдность жизни показывается Кафкой и через сюжет произведения. Йозеф К. постоянно сталкивается с судебной системой в замкнутых, душных пространствах – у себя в комнате, на чердаке судебной канцелярии, в ателье с наглухо заколоченными окнами. Йозефу назначают судебный процесс на квартире у столяра Ленца, он находит дом, в котором живет столяр, его долго ведут по коридорам, вокруг много людей – жителей этой коммуналки. Раскрывается подробное описание многочисленных лестниц, переходов. Толпа людей снует в низком помещении и чтобы не стесать себе затылки, они между потолком и головой прокладывают ковер. За Йозефом, куда бы он ни пришел, закрывается дверь. Он всегда и везде последний. Со временем пространство начинает замыкаться и в пределах обычной жизни персонажа: в окна ему отрываются крохотные кусочки стен и крыш соседних домов, внутри помещений его постоянно окружают толпы людей – судебные чиновники, банковские служащие, распущенные девушки.

Решившийся на самостоятельную защиту, Йозеф К. обрекает себя на смерть уже тем, что не желает играть по правилам судебной системы.

Кафка – неповторимая индивидуальность 20-го века. темы и идеи подсказывались ему гнетущими буднями монархии, где обезличенность человека становилась нормой. Его произведения – глубоко зашифрованные обобщения, намеки, пророчества. Он заостряет внимание почти на полное отсутствие недежд и на безысходность, когда герои, если не погружены в полное бездействие, то близки к этому. Мир – хаос абсурдного, враждебного миру человека.


Вопросы:

1. Может ли абсурдная литература передавать ощущение исторического времени?

2. Можно ли это время объяснить реалистическим языком?

3. Какое эмоциональное ощущение передает Кафка в романе «Процесс»?

4. Оправдан ли абсурд, как литературный язык в романе «Процессе»?


15. Театр Брехта

Бертольт Брехт (1898–1956)

Английский писатель, драматург, основатель эпического театра.

В 20–е годы Брехт обращается к театру. В Мюнхене он становится режиссером, а затем и драматургом городского театра. В 1924г. Брехт переселяется в Берлин, где работает в театре. Он выступает одновременно как драматург и как теоретик — реформатор театра. Уже в эти годы в своих решающих чертах сложилась эстетика Брехта, его новаторский взгляд на задачи драматургии и театра.

Театр Брехта называют «эпическим театром». В понятие «эпический» входят катарсис – театральный прием, восходящий к античному театру и эффект очуждения.

Катарсис — необычайная, высшая эмоциональная напряженность. Эту сторону катарсиса Брехт признавал и сохранил для своего театра; эмоциональную силу, пафос, открытое проявление страстей мы видим в его пьесах.

В основе сценической теории и практики Брехта лежит «эффект очуждения», который легко перепутать с этимологически близким «отчуждением».

Теория «эффекта очуждения»:

1) Фабула пьесы содержит две истории, одна из которых является параболой (аллегорией) того же текста с более глубоким или «осовремененным» смыслом; нередко Брехт берёт известные сюжеты, сталкивая «форму» и «содержание» в непримиримом конфликте.

2) Декорация не изображает, а схематично представляет тот или иной предмет или пространство.

3) Пластика информирует о сценическом персонаже и его социальном облике.

4) Дикция не психологизирует текст, но воссоздает его ритм и театральную фактуру.

5) В актёрской игре исполнитель не перевоплощается в персонажа пьесы, он его показывает как бы на расстоянии, дистанцируясь.

6) Отказ от деления на акты в пользу «монтажа» эпизодов и сцен и от центральной фигуры (героя), вокруг которой строилась классическая драматургия. Монтаж Брехт заимствовал из киноискусства.

7) Обращения в зал, зонги (Зонг (от англ. – песня) - баллада, исполняемая в виде комментария гротескного характера с плебейской бродяжнической тематикой, близкой к джазовому ритму. Кроме того, перемена декораций на виду у зрителя, введение кинохроники, титров и других «комментариев к действию» также являются приёмами, подрывающими сценическую иллюзию.

По мысли Брехта, "очуждение", – это не только разоблачение пороков одной личности и объяснение объективных причин появления их в обществе.

. В борьбе против фашизма расцвело драматургическое творчество Брехта. Среди наиболее знаменитых пьес – "Матушка Кураж и ее дети" (1939). Чем острее и трагичнее конфликт, тем более критической должна быть, по мнению Брехта, мысль человека. В условиях 30–х годов "Матушка Кураж" звучала, конечно, как протест против демагогической пропаганды войны фашистами и адресовалась той части немецкого населения, которая поддалась этой демагогии. Война изображена в пьесе как стихия, органически враждебная человеческому существованию.

Краткое содержание пьесы «Матушка Кураж и ее дети».

Весна 1624год. Армия шведского короля собирает солдат для похода на Польшу. Два парня вкатывают фургон матушки Кураж, маркитантки Второго Финляндского полка.

Родом она баварка, и настоящее её имя Анна Фирлинг, а прозвище Кураж она получила за то, что ни под бомбами, ни под пулями никогда не бросала свой фургон с товаром. Дети её – сыновья и немая дочь Катрин – настоящие дети войны: каждый имеет свою фамилию, и отцы их – солдаты разных армий, воевавшие под знамёнами разных вероисповеданий, – все уже убиты или сгинули неизвестно куда.

Вербовщик интересуется её взрослыми сыновьями, но Кураж не хочет, чтобы они шли в солдаты: кормится войной, а войне платить оброк не хочет! Вербовщик ловко уводит её старшего сына Эйлифа, пока матушка Кураж торгуется с фельдфебелем. И ничего не поделаешь: надо поспевать за своим полком. Двое её оставшихся детей впрягаются в фургон.

Прошли ещё три года войны. Мамаша Кураж в плену, но она успевает заменить лютеранское полковое знамя над своим фургоном на знамя католическое. Оказавшийся здесь полковой священник успевает сменить пасторское платье на одежду подручного маркитантки. Однако императорские солдаты выслеживают и хватают младшего сына Кураж, простака Швейцеркаса. Они требуют, чтобы он выдал доверенную ему полковую казну. Честный Швейцеркас не может этого сделать и должен быть расстрелян. Чтобы спасти его, надо заплатить двести гульденов – все, что мамаша Кураж может выручить за свой фургон. Надо поторговаться: нельзя ли спасти жизнь сына за 120 или за 150 гульденов? Нельзя. Она согласна отдать все, но уже слишком поздно. Солдаты приносят тело её сына, и мамаша Кураж должна теперь сказать, что не знает его, ей же надо сохранить свой фургон.

Императорские войска угрожают протестантскому городу Галле, до конца войны ещё далеко. Мамаша Кураж отправилась в город, чтобы взять у голодных горожан ценности в обмен на еду. Враги в ночной тьме пробираются, чтобы устроить резню в городе. Катрин не может этого выдержать: влезает на крышу и изо всех сил бьёт в барабан, до тех пор, пока её не услышат горожане. Императорские солдаты убивают Катрин. Женщины и дети спасены.

Мамаша Кураж поёт колыбельную над мёртвой дочерью. Вот война и забрала всех её детей. А мимо проходят солдаты. «Эй, возьмите меня с собой!» Мамаша Кураж тащит свой фургон. «Война удачей переменной

  Сто лет продержится вполне, 

Хоть человек обыкновенный 

Не видит радости в войне: 

Он жрёт дерьмо, одет он худо, 

Он палачам своим смешон. 

Но он надеется на чудо, 

Пока поход не завершен. 

Эй, христиане, тает лёд, 

Спят мертвецы в могильной мгле. 

Вставайте! Всем пора в поход, 

Кто жив и дышит на земле!».


Сущность "эпического театра" становится особенно ясной в связи с "Матушкой Кураж". Теоретическое комментирование сочетается в пьесе с беспощадной в своей последовательности реалистической манерой. Брехт считает, что именно реализм — наиболее надежный путь воздействия. В пьесе развиваются две сюжетные линии: эстетическое содержание характеров героев с их добром и злом и голос Брехта, не удовлетворенного подобной картиной, пытающегося утвердить добро. Позиция Брехта непосредственно проявляется в зонгах.

Кроме того, как это следует из режиссерских указаний Брехта к пьесе, драматург предоставляет театрам широкие возможности для демонстрации авторской мысли с помощью различных "очуждений" (фотографии, кинопроекции, непосредственного обращения актеров к зрителям).

Характеры героев в "Матушке Кураж" обрисованы во всей их сложной противоречивости. Наиболее интересен образ Анны Фирлинг, прозванной матушкой Кураж. Многогранность этого характера вызывает разнообразные чувства зрителей. Героиня привлекает трезвым пониманием жизни. Но она — порождение жестокого и циничного духа Тридцатилетней войны. Кураж равнодушна к причинам этой войны. В зависимости от превратностей судьбы она водружает над своим фургоном то лютеранское, то католическое знамя. Кураж идет на войну в надежде на большие барыши.
Волнующий Брехта конфликт между практической мудростью и этическими порывами заражает всю пьесу страстью спора и энергией проповеди. В образе Катрин драматург нарисовал антипода матушки Кураж. Ни угрозы, ни посулы, ни смерть не заставили Катрин отказаться от решения, продиктованного ее желанием хоть чем–то помочь людям. Говорливой Кураж противостоит немая Катрин, безмолвный подвиг девушки как бы перечеркивает все пространные рассуждения ее матери.

Матушка Кураж не прозревает в пьесе, пережив потрясение, она узнает "о его природе не больше, чем подопытный кролик о законе биологии". Трагический (личный и исторический) опыт, обогатив зрителя, ничему не научил матушку Кураж и нисколько не обогатил ее. Катарсис, пережитый ею, оказался совершенно бесплодным.

Подводя итог, можно сказать, что Брехт актуален и сегодня — умением видеть мир во всей его сложности и противоречивости, своим обостренным чувством социальной справедливости, которую он называл хлебом народа, и стремлением сделать человека добрее, а среду его обитания светлее, приветливее.

Вопросы:

  1. Какие театральные принципы вбирает в себя понятие «эпический театр»?

  2. Есть ли разница между катарсисом и экспрессионизмом?

  3. Какую идею Брехт заимствовал из киноискусства в театр?

  4. Как бы вы, воспользовавшись зонгом, комментировали матушку Кураж?

  5. Какая русская поговорка может охарактеризовать действия матушки Кураж?

  6. Что заставило Брехта возродить реалистический театр?


16. Контроль знаний.

1.Дайте характеристику символизма.

2. Найдите общие признаки модернизма. Раскройте признаки модернизма на примерах графики и архитектуры.

3. Какие вы знаете течения в авангардизме?

4. Что хотел сказать Малевич в «Черном квадрате»?

5. Чем отличается футуризм от кубофутуризма?

6. найдите отличительные особенности театров Станиславского, Мейерхольда и Брехта.

7. Характерные особенности немого кино в Западноевропейском искусстве, американском, советском.

8. Значение творчества Эйзенштейна в мировом киноискусстве.


17. Первая мировая война в романах Хемингуэя и Ремарка.

Эрнст Хемингуэй (1899 – 1961)

Американский писатель. Родился близ Чикаго. Отец – врач. Эрнест близко наблюдал жизнь индейцев, которых лечил отец, жил среди природы, занимался охотой, рыбалкой, много путешествовал.

В первую мировую войну Эрнест ушел добровольцем на фронт. От служил санитаром в Красном кресте. В 1918 году, спасая раненого итальянского снайпера, попал под обстрел. Из его тела вынули 26 осколков. После войны живет в Париже, знакомится с литературной богемой, работает корреспондентом, пишет романы «И восходит солнце», «Прощай оружие» (1929). Уезжает на Кубу, пишет повесть «Старик и море» (1954), за которую получает Нобелевскую премию.

«И восходит солнце» – роман о «потерянном поколении» не нашедшим себе оправдания, ради чего они шли под пули. Роман раскрывает души людей, участвующих в событиях первой мировой войны. Здесь показана богема – высшее общество, которое в результате кровавых событий утратила свои былые идеалы, а новых не приобрела, да и не может в силу своей душевной усталости. Он показал неприкаянность целого поколения, его одиночество.

Главное в романе – бокс, бой быков, бутылка коньяка. Это средства, в которых они видят забвение. Главный герой Джеймс получил ранение на фронте, он не может жениться и переживает личную трагедию. Пьяный угар лишь на время может развеять его не сложившуюся жизнь.

Второй роман «Прощай оружие» – свидетельство глубокого душевного потрясения целого поколения людей, что уйдя на фронт юношами, познали всю суть громких слов и идеалов цивилизации.

Хемингуэй сам был свидетелем этой бойни и пишет роман от первого лица. Будучи добровольцем на стороне итальянцев, приходит к выводу о бессмысленности войны. Главный герой Генри, разочаровывается в романтизме освободительного движения. Новые нравственные ценности не заступили на места потерянных. Разочарование, скорбь, безнадежность в сочетании с обнаженностью сердца и болезненным чувством неудовлетворенности – отличительное качество многих участников никому не нужной войны. Солдаты итальянской армии не хотят воевать, они пьют и играют в карты, слова священника о доблести и славе подвергаются осмеянию. Молодые ребята-итальянцы дружно ругают войну – если бы за дезертирство не преследовали родных, никого бы из них здесь не было. Нет ничего хуже войны. Проиграть её – и то лучше. А что будет? Австрийцы дойдут до Италии, устанут и вернутся домой – каждому хочется на родину. Война нужна только тем, кто на ней наживается.

Машина, в которой едет Генри, постоянно увязает в грязи и наконец, застревает совсем. Генри и его подручные идут дальше пешком, их неоднократно обстреливают. В конце концов, их останавливает итальянская полевая жандармерия, принимая за переодетых немцев, особенно подозрительным им кажется Генри с его американским акцентом. Его собираются расстрелять, но лейтенанту удаётся бежать – он с разбегу прыгает в реку и долго плывёт под водой. Набрав воздуху, ныряет снова. Генри удаётся уйти от погони. Тебя швыряют в жизнь и говорят тебе правила, и в первый же раз, когда застанут врасплох, убивают. Никому не дано спрятаться ни от жизни, ни от смерти. 

Генри не хочет служить добровольцем в такой армии, он дезертирует. В этом романе человек может обрести веру в нормальную жизнь. Война – главная виновница того, что умирает жена и ребенок Генри, война же и искалечила его душу. Генри не один, с ним – целое «потерянное поколение» людей с искалеченными душами и судьбами.

Эрих Мария Ремарк (1898-1970)

Ремарк, как и Хемингуэй, участвовал в первой мировой войне, но по другую сторону баррикад, он воевал в захватнической армии. Как на немецком солдате отразилась эта война?

Роман раскрывает пацифизм – неприятие войны в любом ее проявлении, духовную неустроенность «потерянного поколения».

Пожалуй, герои романа Ремарка «Три товарища», более пессимистичны: они не верят ни в любовь, ни в разум, ни в жизнь.

И в романах Хемингуэя и в романах Ремарка присутствует одиночество и искалеченность души.

У Хемингуэя Джейн в конце романа остается один; Генри, дезертировав с войны и потеряв любимую Кэтрин, остается один. У Ремарка в «Трех товарищах», Робби теряет друзей, любимую Пат и в конце романа остается один.

Роман «Три товарища» написан Ремарком в 1939 году.

Три фронтовых товарища проводят вместе свободное время. Они много пьют, как и герои романов Хемингуэя.

Действие происходит в Германии приблизительно в 1928-м году. Три товарища — Роберт , Отто и Готтфрид содержат небольшую авторемонтную мастерскую. Главный герой, автомеханик Робби познакомился с очаровательной девушкой Пат. Робби и Пат — люди разных судеб и из разных слоёв общества – полюбили друг друга. Девушка болеет и не хочет признаваться Робби, она начинает его избегать. Причина болезни – ослабленный организм с военного голодного детства.

Роман продолжает тематику «потерянного поколения».

Люди, прошедшие через горнило войны, не могут уйти от призраков прошлого. Военные воспоминания постоянно мучают главного героя. Голодное детство стало причиной болезни его любимой. Но именно военное братство сплотило трёх товарищей: Роберта Локампа, Отто Кёстера и Готтфрида Ленца. И они готовы на всё ради дружбы. Роман изобилует пессимистическими высказываниями по поводу жизни, иногда, пугающими, как например, показывают очаровательного младенца с чистыми голубыми глазами, Робби цинично говорит: «Интересно, к какой войне он поспеет?»

«А время – оно не лечит. Оно не заштопывает раны, оно просто закрывает их сверху марлевой повязкой новых впечатлений, новых ощущений, жизненного опыта… И иногда, зацепившись за что-то, эта повязка слетает, и свежий воздух попадает в рану, даря ей новую боль… и новую жизнь… Время – плохой доктор… Заставляет забыть о боли старых ран, нанося все новые и новые… Так и ползем по жизни, как ее израненные солдаты… И с каждым годом на душе все растет и растет количество плохо наложенных повязок…»
Кто слишком часто оглядывается назад, легко может споткнуться и упасть.

Вопросы:
1. Одинаков ли предлог для «потерянного поколения» в Америке и Германии?

2. Что объединяет людей «потерянного поколения»?

3. Почему пацифизм в большей степени проявился у Ремарка?

4. Какая мысль поразила вас больше всего в романе «Три товарища», почему?





18. Искусство 20 годов.

Живопись

hello_html_m4d7e4444.jpgК.С. Петров-Водкин (1878-1939)

В начальный период творчества Петров-Водкин испытал сильное влияние зарубежных мастеров символизма и «модерна». Он считается одним из выразителей символистических тенденций в русской живописи в этот период. Петров-Водкин испытывал интерес к живописи раннего Возрождения и русской иконописи, результатом чего считается разработка им сферической перспективы. Художник также создавал тематические картины, портреты, натюрморты.

Картина «Купание красного коня»(1912год) имеет предысторию. Художник задумал написать племянника Шуру с конем по кличке Мальчик. Но в начале 20 века в Новгороде производились расчистка икон. Художник был поражен русской живописью, уничтожил картину и приступил к «купанию красного коня». Композиция напоминает икону Георгия Победоносца. Краски, ритм картины тоже перекликаются с русской иконописью. Красное, желтое, охристое – это иконописные цвета. Пылающий конь, а не всадник становится главным центром и смыслом композиции. Конь смотрит на зрителя человеческим взглядам, он «сошел» с иконы как символ грядущих перемен.

Иhello_html_m1d2c04bc.jpgконопись изменила в корне манеру письма Петрова-Водкина. В картине «1918 год в Петрограде» художник изображает женщину с ребенком в иконописной манере: перед нами – Петроградская мадонна.

Суровые голодные годы гражданской войны и первой мировой войны, художник передает через натюрморт: скудный стол с селедкой, яблоко и разрезанный лимон. Для его творчества характерно одиночество: даже в многофигурных композициях, будь то изображение военных действий. Праздника, семейного ужина, каждый из членов композиции одинок и живет в своем мире.

Пhello_html_m2a5b5df2.jpgетров-Водкин автор разработчик сферической перспективы в русском искусстве. Конечно, сферическая перспектива использовалась в китайской графике, когда нужно было заполнить вытянутый по вертикали свиток. У Петрова-Водкина иной подход. Так, в картине «Весна» художник изображает пару молодых людей на вершине холма, а вокруг внизу расположены избы и деревья. В картине «Полдень» сферами расположены холмы, люди не сокращаются в перспективе, они такие же по величине, как вдали, так и на первом плане, огромные только яблоки.

Д.П.Штеренберг (1881-1948)



Шhello_html_75bbaf8f.jpgтеренберг — новатор и авангардист. Его картины не были похожи на традиционную живопись. При этом они строго конкретны и изобразительны. Он писал скупые, как голодное время, бытовые сцены и натюрморты. Предметы предельно просты: губка и мыло, керосиновая лампа, нож, бутылка. Две селедки на блюде и полбуханки черного хлеба... Одна, самое большое - три вещи, грубые и бедные, на голой пустоте холста, подчеркнуто плоскостного, лишенного и пространственной глубины, и объединяющей, обволакивающей предметы атмосферы. В то же время подчёркнут материал, структура поверхности вещей: гладкий фаянс и шероховатая хлебная корка, слоистая доска и скользкая рыбья чешуя.

Графика

Окна РОСТа (РОСсийского Телеграфного агенства)

Первое «Окно РОСТА» исполнил в октябре 1919году М. М. Черемных. Впоследствии к нему присоединился В. В. Маяковский, создававший как рисунки, так и подписи. Позже присоединились Д. С. Моор, Казимир Малевич, Аристарх Лентулов, Илья Машков и Кукрыниксы. «Окна РОСТА» имели существенное значение для становления советского изобразительного искусства.

hello_html_39fe559b.jpghello_html_501f866c.jpgОктябрьская революция 1917 года отделила жирной чертой прошлое России от её непредсказуемого будущего. Плакат в условиях неразберихи, неграмотности населения и разрухи становится активным популяризатором новых идей, рупором большевистских лозунгов и грандиозных программ. Пройдёт немного лет и плакат обретёт совершенно новое лицо.
  Известный мастер плакатной продукции 20-х годов Л. Лисицкий рождение уникального плаката объяснит следующим образом: "В нашем молодом поколении художников за время революции скопилась скрытая энергия, которая ждала только больших заказов от народа, чтобы проявить себя. Аудиторией стала широкая масса полуграмотных людей. Революция провела в России колоссальную просветительскую и пропагандистскую работу. Из-за недостатка печатных средств, а также из-за спешки практиковалась ручная работа для простого механического размножения". Плакаты в это время размножались трафаретным способом на бумаге, картоне, фанере. Язык плакатов был предельно лаконичным. Размножались они быстро, вручную и, разумеется, в малом количестве, но они оперативно заполняли существующий вакуум в информации. Плакаты вставлялись в Окна РОСТа, они становились «рупором», доносившим до человека насущные задачи текущего момента. Отсутствие производства тиражирования плакатной продукции значение Окон РОСТа, трудно переоценить.

Новаторские достижения плакатной графики 20-х годов были настолько оригинальны и так органично вписывались в уличную среду, что впоследствии превратились в некий эталон целесообразности и вкуса. В этом легко убедиться, если представить расклеенными в ту пору на улицах работы В. Маяковского, М. Черемных, Л. Лисицкого, Д. Моора и всех тех, кто активно и успешно работал в плакате послереволюционных лет.

Плакаты, выполненные Дмитрием Мором «Ты записался добровольцем?» и «Помоги», призывающий помочь голодающим, стали классическими образцами графического искусства.

www.mdshv.narod.ru/plakat_1.htm


Вопросы:

1. Какой общий стиль живописи и графики характерен для изобразительного искусства 20 годов?

2. Определите характерные особенности живописи Петрова-Водкина.

3. Роль Окон РОСТа в агитации народных масс.

4. Почему столь скудны натюрморты 20 годов?

5. Выразите свое эмоциональное отношение к плакату Моора «Помоги».


19. Живопись 30-40 годов.

Социалистический реализм

В первой половине 1930-х власть впервые заговорила о том, что у людей искусства должен быть единый творческий метод и имя ему – социалистический реализм. Теоретики еще не вполне понимали, в чем именно должен будет выражаться новый стиль, но главное, чтоб это было правдивое, конкретное изображение исторической эпохи в ее революционном развитии, чтоб достижения социализма были, так сказать, налицо. Поначалу, в период оформления соцреализма, идеологически правильное искусство Александра Дейнеки попало в нужную струю. На ключевой выставке «Художники РСФСР за пятнадцать лет» (1933) работы Дейнеки демонстрировались как наиболее близкие, задающие верное направление в сторону соцреализма, в противовес работам авангардистов. Впоследствии и Дейнеке досталось за «формалистские» эксперименты 1920-х годов с цветом, формой и композицией, но в первой половине 1930-х он пока был в фаворе.


А.А. Дейнека (1899-1969)

С 1923 года Дейнека начал сотрудничать с журналом «Безбожник у станка»; чуть позже – с изданиями «У станка», «Прожектор», «Даешь», «Красная нива», «Смена». Журнальной графикой художник активно занимался до начала 1930-х. За это время им были созданы сотни рисунков, многие из которых послужили основой для будущих картин. Именно в журналах во многом сформировался уникальный дейнековский стиль.

Нhello_html_m67885503.jpgа первой выставке в 1925 году Дейнека показал картины «Перед спуском в шахту» и «В забое», вдохновленные командировкой на Донбасс. Черных от угольной пыли шахтеров, будни рабочих художнику удалось передать за счет практически черно-белой гаммы. Композиция «Перед спуском в шахту» создает ощущение вытянутости по вертикали, вы словно предчувствуете долгий спуск в земные недра.

Нhello_html_m7e68a842.jpgа следующей выставке в 1926 году Дейнека поразил всех картиной «На стройке новых цехов». В своей поэтизации физического труда художник достиг невиданных ранее высот. Предельная обобщенность образов превращает их в символы. На переднем плане сбитая и крепкая женщина в темном платье с легкостью толкает вагонетку с углем; левее и выше – более юная и легкая, но такая же, крепкая девушка в небесно-голубом платье. Они – символы настоящего и будущего советской страны – переговариваются, улыбаются друг другу. Фигуры, при всей своей уплощенности и некоторой графичности, тем не менее, обладают «чисто живописной весомостью в духе Микеланджело», как выразилась ведущая западная исследовательница творчества Дейнеки Кристина Кьер. Ажурная крыша строящегося цеха уходит вдаль, добавляет какого-то глубинного динамизма композиции. В картине нет сугубой документальности, почти все правила реалистической картины нарушены, но воспринимается она, тем не менее, как очень жизненная. Как говорил автор, «искусство выше правдоподобия жизни, оно должно быть самой жизнью».

С началом 1930-х годов тематика работ Дейнеки начала меняться. Суровых, в духе экспрессионизма шахтеров, ткачих и революционеров сменили энергичные спортсмены, чувственные и прекрасные в своей античной наготе девушки и юноши, лирические пейзажи и натюрморты. Четкую грань между этими двумя творческими периодами провести сложно: спортсменов Дейнека писал и в 1920-х, а к темам Гражданской войны и техники (особенно авиации) художник обращался и в 1930-х. Но если судить в целом, общее настроение работ художника в 1930-х очевидно изменилось.

В том же 1937 году художник получил заказ на эскизы 35 мозаик для украшения строящейся станции метро «Маяковская». Размещенные в куполах мозаики рассказывали об одном дне из жизни Страны Советов: «...Сменяясь, проходит ряд картин: стройки страны, тракторы и комбайны идут по необъятным колхозным полям, цветут сады, зреют плоды, небеса день и ночь заняты самолетами, молодежь героически работает и замечательно отдыхает, готовя себя к труду и обороне... Жизнь СССР бьет полным пульсом круглые сутки». Входящих на станцию встречают плафоны утра, над серединой платформы расположились вечерние и ночные сюжеты.

А.М.Самохвалов (1894-1971)

Особенно удавались Самохвалову образы «героинь труда и спорта», например, «Кондукторша», 1928; «Девушка с ядром», 1933; знаменитая акварельная серия «Метростроевки», 1933—1934 – образы, полные мажорного пафоса и в то же время по-своему сюрреального, почти «мифологического» обаяния; это своего рода таинственные современные богини, окружённые романтическим ореолом. Именно ему принадлежит знаковое произведение советского искусства 1930-х годов — «Девушка в футболке» (1932), в котором наиболее полно воплотилось стремление художника к созданию образа молодого современника, понимание зрелым мастером своих живописных задач.

В 1937 году картина Самохвалова «Девушка в футболке» на Международной выставке в Париже была удостоена золотой медали.

Строительница социализма, спортсменка, красавица, и свободная девушка. Это изображение женского портрета-типа, где в предвоенное десятилетие ведущей являлась идея, согласно которой молодая, вступающая в «большую жизнь» девушка могла справиться с возложенными на нее новыми задачами, в первую очередь, благодаря именно спорту.

hello_html_m5496dc70.jpgВ 1937 году на Международной выставке в Париже, этот портрет был отмечен золотой медалью. «Девушка в футболке» принадлежит к числу наиболее известных в советском искусстве, является вехой в творчестве его автора. Французские знатоки живописи, героиню портрета называли «советской Джокондой», парижские газеты печатали ее изображение. В Риме продавали литографию с изображением «Девушки в футболке». Натурщицей для создания образа была учительница-активистка Евгения Петровна Адамова (1907-1977). «Девушка в футболке» - произведение, в котором воплотилось представление об эпохе и о «прекрасной современнице, девушке, каких не было раньше».


Графика

Для графики 30 годов характерным было не плакатное искусство, а иллюстрирование классических литературных произведений. Художники хорошо освоили ксилографию, лирический очерковый рисунок.

Книжная иллюстрация была на пике популярности, потому что молодая Советская Россия нуждалась в грамотных людях. Поголовное образование дало толчок к тиражированию классической русской и зарубежной литературы. Поэтому, лучшие художники направляли свое творчество на создание высококачественной иллюстрации.

Перед читателем проходили эпохи зарождения национально-русского самосознания: «Слово о полку Игореве» и «Борис Годунов» с иллюстрациями В Фаворского; «Евгений Онегин» с иллюстрациями Кузьмина; «Кола Брюньон» Р. Ролана с иллюстрациями Кибрика и другие.

В.А.Фаворский (1886-1964)

Русский и советский книжный иллюстратор.

Рhello_html_m5cfb3268.jpghello_html_3759ebb3.jpgодоначальником московской школы графиков можно считать Владимира Андреевича Фаворского (1886-1964), признанного классика книжной иллюстрации. В гравюрах В.А. Фаворского к стихам С. Я. Маршака, рассказам Л. Н. Толстого, "Слову о полку Игореве", и другим произведениям отражены его основные художественные принципы. Творчество В.А Фаворского было связано с историческим опытом мировой художественной культуры, с эпохами расцвета графического и книжного искусства. Древний язык гравaюры на дереве зазвучал в работах мастера свежо и оригинально.
В. А. Фаворский разработал систему приемов для передачи действия, длящегося во времени:
- совмещение в пределах одной композиции изображений событий, совершающихся в разное время и в разных пространственных планах;
- многофигурные иллюстрации, где действие-завязка и действие-развязка изображались за пределами основной композиции в виде своеобразного обрамления;
- принцип "повествовательных" серий: начало действия в заставке - узловые моменты в страничных и разворотных иллюстрациях - маленькие иллюстрации прямо напротив соответствующего текста - завершение действия в концовке.
Событие, длящееся во времени, может быть изображено по-разному: реалистично и метафорично (с применением символики и аллегории).
О своем творческом методе В.А Фаворский убедительно рассказал на примере умозрительного иллюстрирования двух пушкинских произведений - "Сказка о рыбаке и рыбке" и "Евгения Онегина". Обращаясь к творческому прочтению литературного произведения, художник стремился определить, чьими глазами увиден тот мир, в котором живут и действуют герои, с точки зрения каждого попробовать посмотреть на все то, что изобразил в словесных образах писатель.
Создавая орнаментальную систему убранства конкретной книги, В.А Фаворский стремился выявить архитектонику построения литературного произведения (деление на части, главы и др.). Для этого он применял орнаментальные мотивы. Орнамент, его расположение, его стилистические особенности используются для того, чтобы ввести читателя в стиль эпохи, которой посвящено данное произведение, или усилить эмоциональное восприятие художественного слова.
В.А Фаворский считал, что, как и архитектурные формы или формы прикладного искусства, книжный орнамент является одним из активных выразителей стиля.

graphic.org.ru/favorskij.html


Е.А. Кибрик (1906-1978)

 Евгений Адольфович создавал станковые листы и журнальную графику, но завоевал известность, прежде всего как художник книги. Его ранние иллюстрации к Поручику Киже Ю.Н. Тынянова 1930г. всецело примыкают к методике "аналитического искусства" - с характерным для последнего "выявлением" (как бы рентгеновским высвечиванием) внутренней жизни вещей и фигур. Позднее перешел к стилистике умеренного, "академического" модерна, и символизм начала 20 в., но все еще подражал аналитическому искусству художника Филонова. Особенно ярко это просматривается в иhello_html_m2e40d9ba.jpgллюстрациях к повести Ю. Тынянова «Подпоручик Киже». Предпочитая технику рисунка углем и карандашом, а также литографии, сочетал монументально-эпические формы и мотивы с мягкостью светотеневых эффектов. К наиболее значительным гhello_html_m4c700159.jpgрафическим циклам Кибрика принадлежат серии лирических иллюстраций к роману "Кола Брюньону" Р. Роллана 1936г., Легенде об Уленшпигеле Ш. де Костера 1938г., «Тарасу Бульбе» Н.В. Гоголя 1945 и русским "Героическим былинам"

"Кибрик - художник талантливый и разнообразный. Диапазон его работ широк: и в смысле материалов, которыми он пользуется, и в смысле настроений, которые он выражает, и в смысле эпох, к которым он обращается». Так о нем говорил художник Юрий Пименов.

А.В. Фонвизин (1882-1973)

На раннем этапе своего творчества работал в русле символизма, в стиле так называемого лирического примитива. Полотна Фонвизина того времени отличаются изысканной гаммой.

Фhello_html_223efbb4.jpgонвизин более известен как непревзойденный виртуоз акварельной живописи. К 1930-м гг. он окончательно избрал для себя основную и излюбленную с тех пор акварельную технику, выявил романтически-приподнятый строй своего искусства, очертил круг тем, связанных с праздничными образами театра и цирка и с погруженными в радужную дымку детскими воспоминаниями. Сразу цветом, без карандашной подготовки, он пишет с натуры воздушно-легкие цветочные натюрморты, тающие в тумане пейзажи, но главным образом портреты, отдавая предпочтение женским моделям.

Любимые его героини - актрисы, часто в театральных костюмах, связанных с определенной ролью, погруженные в приподнятую эмоциональную атмосферу сцены ("Портрет Д. В. Зеркаловой", "Портрет Ю. С. Глизер", оба 1940, и др.). А детская любовь к цирку диктовала ему бесчисленные, уже не натурой, а фантазией порожденные цветовые наброски нарядных наездниц (серия "Цирк", 1940-70-е). Романтической дымкой овеяны тающие в цветовом мареве образы популярных романсов в серии "Песни и романсы".

Романтическое и отчасти детское видение мира, высокое колористическое мастерство снискали художнику славу выдающегося акварелиста. Портреты известных актрис и балерин, пейзажи и натюрморты Фонвизина хранятся в крупнейших отечественных музеях.


Вопросы:

  1. выделите основные особенности живописи 30 годов и ее отличия от живописи 20 годов.

  2. какие темы поднимались художниками социалистического реализма?

  3. Почему книжная графика стала одной из востребованных видов искусств в 30-е годы?

  4. Расскажите о творчестве одного из художников 30-х годов.

  5. Сделайте презентацию об изобразительном искусстве 30-х годов.


20. Скульптура и архитектура 30-х годов


Одно из важнейших достижений советской скульптуры заключалось в том, что после долгих лет господства камерных станковых форм в пластике, на первый план выходит монументальный жанр. В 20-е годы основной темой в скульптуре была лениниана. В этом жанре особо отличился скульптор Андреев. Ленин позировал ему и дорожил его творчеством. Его лепили многие художники, даже когда он не был главой советского государства. Во Франции, еще до революции, один знакомый скульптор просил его позировать для головы Сократа, родственница Черчилля, скульптор, приезжала в Россию лепить его портрет с натуры. Бюсты и монументальные памятники Ленину ставились в каждом городе. В 30 годы появился новый герой – строитель социализма.

Иван Дмитриевич Шадр ( 1887—1941) — русский советский художник, скульптор-монументалист, представитель направления «академический модерн».

Вhello_html_ec94c0.jpg своем творчестве Иван Шадр искал пути создания монументальной реалистической скульптуры. Многочисленные мемориальные сооружения, созданные им в 1910—1930-х годах, были посвящены преимущественно жертвам Первой мировой войны. Они связаны с традициями модерна и национально-романтических течений, отличаются тягучими, тяжеловесными ритмами, пристрастием к метафорическому осмыслению мотива человеческого тела, застывающего в мёртвой материи камня или высвобождающегося из него, иногда — использованием элементов народной архитектуры. Среди его ранних работ выделяется проект «Памятника Мировому страданию» (1916г). Позднее эта работа преобразовалась в ещё более грандиозный проект «Памятника человечеству». Иван Шадр создавал революционно-романтические, обобщённо-символические образы, например, горельеф «Борьба с землей» (1922г.), скульптуру «Булыжник — оружие пролетариата» (1927г.). Последняя, помимо Москвы, была установлена в Челябинске, Львове, Шадринске, Монголии и Румынии.

В скульптуре «Булыжик…» можно видеть прямое развитие советских тем и образов, которые потом, в 30 годы разовьются в создание типически-собирательные образы советского народа.


В.И. Мухина (1889- 1953)

Вера Мухина автор многих скульптурных работ, каждая из которых поражает новизной идей и символов. Одна из самых ярких ее работ, прославивший советское искусство на весь мир, является скульптура «Рабочий и колхозница».

Сhello_html_4e06d5e7.jpgкульптура «Рабочий и колхозница» — выдающийся памятник монументального искусства, «идеал и символ советской эпохи». Она представляет собой динамичную группу из двух фигур. В руках – серп и молот. Монумент выполнен из нержавеющей хромоникелевой стали. Высота около 25м высота постамента — 33м. Общий вес — 185 тонн. Благодаря стали в ней, как в зеркале отражается небо. Создается впечатление, что скульптура цветная. Скульптура выставлялась в Париже на всемирной выставке в 1937 году. Ее расположили напротив павильона фашистской Германии совершенно случайно, но оказалось пророчески. Пророческим оказался и тот факт, что скульптура Веры Мухиной имела триумфальный успех.

«Рабочий и колхозница» стала символом социалистического реализма.

И.Чайков (1888-1979)

Одна из самых смелых в конструктивном отношении скульптур – «Футболисты».

«Футболисты» — скульптурная композиция, изображающая двух футболистов(1928-38гг.). Медный сплав; литье, шлифовка, полировка. Хранится в Государственной Третьяковской галерее.

Первоначально была изготовлена в 1928г. из гипса и имела высоту 83см. В 1929г. была выставлена на третьей выставке скульптуры ОРС (Общества русских скульпторов). Для композиции характерно движение. Работа Чайкова вобрала в себя формальные вhello_html_m5fe96124.jpgлияния кубизма и конструктивизма, но развернуты они в фигуративной, изобразительной композиции, в основе которой — современная в 30-е годы тема спорта.

Поиски автором центра тяжести, привели к реалистически выполненным фигурам двух футболистов, борющихся за мяч. Мяч является связующим звеном в скульптуре. Нижнюю фигуру представляет вратарь, которого можно узнать по свитеру и перчаткам. Композиция держится лишь на одной точке опоры. В 1939 году «Футболисты» экспонировались на всемирной выставке в Нью-Йорке.


Архитектура 20-30 годов. Конструктивизм.


Конструктивизм — советский авангардистский метод (стиль, направление) в изобразительном искусстве, архитектуре, фотографии и декоративно-прикладном искусстве, получивший развитие в 1920годах. Конструктивистами себя называли Александр Родченко и Владимир Татлин — автор проекта Башни III Интернационала. Еще в те годы явным образом подчёркивалось, что архитектура новой России будет индустриальной». Отныне искусство должно было служить производству, а производство — народу.

Это направление в архитектуре принято считать русским (советским) явлением. Как писал Владимир Маяковский в своём очерке о французской живописи: «Впервые не из Франции, а из России прилетело новое слово искусства — конструктивизм…»

Вhello_html_1f9a37f1.jpg условиях непрекращающегося поиска новых форм, подразумевавшем забвение всего «старого», новаторы провозглашали отказ от «искусства ради искусства».

Конструктивисты видели своей задачей увеличение роли архитектуры в жизни. Способствовать этому должны были отрицание исторической преемственности, отказ от декоративных элементов классических стилей, использование функциональной схемы как основы пространственной композиции. Конструктивисты искали выразительность не в декоре, а в динамике простых конструкций, вертикалей и горизонталей в строении.

hello_html_m1a2ebd19.jpg В архитектуре стиль характеризуется строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и монолитностью внешнего облика. В 1924 году была создана официальная творческая организация конструктивистов — ОСА (общество советских архитекторов), представители которой разработали так называемый функциональный метод проектирования, основанный на научном анализе особенностей функционирования зданий, сооружений, градостроительных комплексов. Характерные памятники конструктивизма — фабрики-кухни, дворцы труда, рабочие клубы, дома-коммуны.

Наиболее распространённым типом общественных зданий, воплотившим в себе основные принципы конструктивизма, может служить Дворец культуры ЗиЛа в Москве. Строительство осуществлялось в 1931—1937 годах по проекту братьев Весниных. При создании проекта авторы опирались на известные пять принципов Ле Корбюзье: использование опор-столбов вместо массивов стен, свободная планировка, свободное оформление фасада, удлинённые окна, плоская крыша. Объёмы клуба подчёркнуты геометричностью форм и представляют собой вытянутые параллелепипеды, в которые врезаны ризалиты лестничных клеток, цилиндры балконов. Ризалит (в переводе с итальянского языка – «выступ») — часть здания, выступающая за основную линию фасада и идущая во всю высоту здания. Различают также средние, боковые и угловые ризалиты.

hello_html_m282768a5.jpg В 30 годы застраивается не только Москва и Ленинград (Санкт-Петербург), но и другие города: Киев, Ташкент, Алма-Ата, прибалтийские города и т.д. В Минске по проекту Г. Лаврова в 1932 году завершается строительство библиотеки им. Ленина. По проекту А. Гинберга в 1930году строится Дом Советов в г. Горький.

Архитекторы конструктивисты заботились о выразительной символичности образа сооружения. Так, в 1937году архитекторы В. Щуко и В. Гельфрейх спроектировали театр имени Горького в г. Ростове на Дону, напоминающий своими конструктивными очертаниями трактор. Театр стал самым большим в Европе и визитной карточкой архитектуры конструктивизма.

Вопросы:

  1. Какое значение для нового искусства имело творчество Шарда?

  2. Что символизирует скульптура «Рабочий и колхозница» Мухиной?

  3. Подумайте, какими образовательными дисциплинами надо владеть, чтобы выполнить скульптуру «Футболисты»?

  4. Раскройте понятие «конструктивизм» в архитектуре.

  5. Проанализируйте одно из архитектурных сооружений 20-30 годов.

21. Советское звуковое кино 30-х годов


 Кино всегда было зеркалом эпохи, отражением общественных идеалов, бытующих нравов. Фильмы определенных исторических периодов вызывают в сознании зрителя определенные ассоциации, сложившиеся образы.

В 30 годах страна советов переживала период энтузиазма, стахановского движения, верой в светлое будущее. Народ должен веселиться в свободной стране, быть счастливым. Так на смену драматическим кинолентам борьбы с капиталистическим прошлым, приходит звуковое кино, наполненное смехом, легко запоминающимися песнями и маршами Дунаевского. Георгий Александров – первый режиссер комедийного жанра в советском кинематографе. Перед ним была поставлен государственный заказ на создание комедии. Опыта работы в этом жанре не было. Установки при работе над фильмом были даны: тема – бодрость, проблема – оптимизм, форма – музыкальная комедия. Он не знал, над чем смеяться и во имя чего смеяться? Осмеянию в «Веселых ребятах» подверглись нэповские остатки. Для музыкального сопровождения фильма, Александров пригласил Исаака Дунаевского. Сценарий делался в расчете на главного исполнителя в спектакле ленинградского мюзик-холла Леонида Утесова и его джаз. В фильме Утесов выступает со своим оркестром. Для фильма нужна была песня – символ эпохи. Александров решил обраться через газету «Комсомольская правда»: «Ждем текста песни – мелодия уже есть». Откликнулся В.И. Лебедев-Кумач. Он принес текст, который впоследствии, под музыку Дунаевского, выучит вся страна:

«Легко на сердце от песни веселой,

Она скучать не дает никогда,

И любят песню деревни и села,

И любят песню большие города…»

Любовь Орлову режиссер нашел в музыкальном театре Вл. И. Немировича-Данченко. Впоследствии она станет женой Александрова.

В фильме она исполняла роль Анюты. По сценарию ее судьба напоминала сказочную Золушку: ее природный голос, доброта и трудолюбие превратили деревенскую девушку в звезду эстрады.



Звуковое кино требовало к себе совершенно другой подход, нежели немое кино. Первый вопрос, который встал перед режиссером: как играть актеру в звуковом кино? Ведь в немом главным для актера была биомеханика, изобретенная Мейерхольдом, чтобы выразительнее доносить до зрителя свои эмоции, и неважно было, какая дикция у актера, как он словесно обыгрывает свою роль: трудно было сказать знаменитое «Не верю». В звуковое кино теперь понадобилось мастерство от Станиславского: умение говорить, вживаться в роль. Биомеханика, световой контраст, усиливающий образ были отодвинуты на последний план. Пришло время ослепительному свету. Нужно было передавать ощущение солнца, как олицетворение счастья.

Фильм Александрова «Веселые ребята» – джазовая комедия, в которой снимались замечательные актеры – Любовь Орлова и Леонид Утесов. Актеры должны были владеть не только актерским мастерством, но и вокальными данными. Эти два актера становятся первыми звездами советского кино.

Работая над фильмом, кинооператор впервые в истории кинематографии на съемках применил рельсы для плавного движения камеры. Так создавался эффект постепенного приближения или удаления кадра. В сцене, где пастух Костя (Леонид Утесов) выходит со своим стадом, играя на дудочке, камера отъезжает и герой спокойно идет вперед не боясь натолкнуться на оператора.

Натурные сцены фильма снимали в Гагре. Сцену, где разномастное стадо на звуки дудки вламывается в банкетный зал, снимали на даче С. П. Фёдорова — лейб-медика царской фамилии, первым в мире сделавшего переливание крови. Чтобы животные вбегали в залы дачи на звук пастушьей дудочки, было предложено не поить животных целый день, а затем выпустить, предварительно показав корыта с водой. Для того чтобы снять сцену, как коровы и козы едят мебель — бутафоры сделали её из соломы, макарон и вермишели.

Во время съёмок две коровы свалились от жары в обморок, третья упала с высокого откоса и грохнулась на дорогу. Поросёнок напился с первого дубля — выпив тарелку коньяка, он пошёл шататься по столу, круша посуду в пьяном угаре. А вот бык создал некоторые проблемы. Вылакав десять литров водки, он начал бесчинствовать, сорвался с привязи и стал гоняться за съёмочной группой. С трудом быка загнали в стойло, и что с ним дальше делать? Позвали гипнотизёра, потом дрессировщика Дурова — всё тщетно. Помог ветеринарный врач, который посоветовал налить быку водки с бромом. Бык успокоился.

После заседания Международного военного трибунала, где судили гитлеровских преступников, в этом же зале показали «Веселых ребят».

Блестящим завершением международной киновыставки явилось присуждение советской кинематографии первого приза – золотого кубка выставки.

Фильм Александрова «Цирк» побил все рекорды советского кинопроката. Жанр музыкальной комедии завоевал признание и любовь публики. Сюжет и задачи были четкими: сопоставить жизнь американского и советского народа. Главную роль американской актрисы Мэри исполняет Любовь Орлова, Мартынова – Сергей Столяров.

Музыку к фильму пишут И. Дунаевский и Лебедев-Кумач.

«Песня о Родине» стала почти вторым гимном Советского Союза.

К песне подошли со всей ответственностью. Понятие «социалистическая родина» звучало не красиво, надо было выразить понятие «Родина» в большом масштабе. На 37-ом варианте остановились:

«Широка страна моя родная,

Много в ней лесов, полей и рек,

Я другой такой страны не знаю,

Где так вольно дышит человек!»

В эпизоде, где негритенка убаюкивают все зрители цирка, режиссер хотел показать многонациональную советскую семью, поэтому колыбельная пелась на украинском, татарском, грузинском, русском языке.

С фильмом «Волга – Волга» уже во время Второй Мировой войны, связан курьез международного значения.

В 1942 году в Москву прилетел посол из США Гопникс. Сталин как бы в знак своего особого расположения, передал в подарок Рузвельту фильм «Волга-Волга». Просмотрев фильм, Рузвельт спросил Гопкинса: «Почему Сталин прислал мне этот фильм?» Ответа не было. Тогда стали тщательно переводить тексты песен из этого фильма. При втором просмотре на английском прозвучали куплеты лоцмана:

«Америка России подарила пароход –

С носа пар, колеса сзади

И ужасно и ужасно и ужасно тихий ход!» –

Рузвельт сделал заключение: «Ну вот, Сталин намекает, что мы ужасно затягиваем дело с открытием второго фронта».

Параллельно с госзаказами на кинокомедии, были заказы и на фильмы на производственные темы. Одним из ярких примеров был фильм Александрова «Светлый путь», рассказывающий о стахановском движении текстильщиц. В главной роли – Любовь Орлова. Режиссер принял необычный подход к этой теме. Он отказался от привычного образа угрюмого, мудрого, образцового передовика производства и показал эту тему в комедийно-фантастическом жанре. Фотомонтаж в этом фильме стали первыми шагами на пути к сюрреалистическому направлению в кинематографе.

Некоторые фрагменты: воздыхатель Татьяны – героини фильма, смотрит на ее огромную фотографию, потом отворачивается и вдруг ожившая фотография тоже поворачивает голову в противоположную сторону. Оригинально продуман монтаж превращения пуха в снег, снега в дождь, дождя в душ. Под ним стоит девушка. Самая обсуждаемая сцена – сцена Татьяны перед зеркалом в Колонном зале Дома Союзов. Через него проходят ее деревенская молодость, первые шаги на ткацкой фабрике, потом она проникает внутрь зеркала, садится за автомобиль и парит над всей страной, затем облетает скульптуру Мухиной «Рабочий и колхозница» и «приземляется» в Москве. Там же вмонтированы и элементы мультипликации. В фильме звучит «Марш энтузиастов» Дунаевского.

После этого фильма, скульптура «Рабочий и колхозница» стали символом Мосфильма.


Вопросы:

  1. Расскажите о зарождении комедийного жанра в советском кинематографе.

  2. Какие режиссерские и операторские находки были в первом комедийном фильме?

  3. Какую ценность для кинематографа имеет фильм «Светлый путь»?

  4. Подготовьте сообщение о первых звездах отечественного кинематографа.


22. Искусство военных лет

Графика

Великая Отечественная война, очевидно, стала важнейшим фактором, повлиявшим на развитие искусства 1940-х годов. Советские художники и скульпторы, как и другие граждане, были активно привлечены к делу защиты страны, а по причине специфики своей профессии они оказались привлеченными к агитационным задачам, определяемым правительством, которым в этот период отдавалась колоссальная роль.

Сhello_html_mc3bdf57.jpg первых дней войны по примеру «Окон РОСТА» начинают выходить «Окна ТАСС». Создаваемые вручную – нанесением красок на бумагу через трафарет – в яркой, броской цветовой гамме они мгновенно откликались на все важнейшие военные и политические события. Из мастеров старшего поколения в «Окнах ТАСС» сотрудничали М. Черемных, Б. Ефимов, Кукрыниксы – трое художников: Купреянов, Крылов, Соколов.

hello_html_m3b2069c4.jpg Как и в годы революции, первое место в графике военных лет занимал плакат. Причем явственно прослеживаются два этапа в его развитии. В первые два года войны плакат имел драматическое, даже трагическое звучание. Уже 22 июня появился плакат Кукрыниксов «Беспощадно разгромим и уничтожим врага!». Он обрушивал народную ненависть на вторгшегося противника, требовал возмездия, призывал к защите Родины. Главной была мысль об отпоре врагу, и она была выражена суровым, лаконичным изобразительным языком, независимо от творческих индивидуальностей. Широко использовались отечественные традиции. Так, «Родина-мать зовет!» И. Тоидзе (1941) с аллегорической женской фигурой на фоне штыков, держащей в руках текст военной присяги, и по композиции, и по цвету (красное, черное, белое) перекликается с мооровским «Ты записался добровольцем?». Весь мир обошла их знаменитая карикатура «Потеряла я колечко... (а в колечке 22 дивизии)» – на разгром немцев под Сталинградом (1943).



Живопись

Советские художники создали своего рода летопись Великой Отечественной войны. Содержание картин напрашивалось само собой — фашистская угроза, суровые будни войны, скорбь по погибшим, ненависть к врагу, затем радость победы, чувство причастности каждому к общему делу.

А. Пластов

Аhello_html_6acfd29.jpgркадий Пластов в первый период войны создал известную картину «Фашист пролетел» (1942): молодые березы, серое небо, далекие, знакомые каждому из нас поля. На фоне этого мирного осеннего пейзажа еще более чудовищным кажется злодеяние фашистского летчика, убившего мальчика-пастушка и коров, которых он пас. Говорят, зрители застывали перед этой картиной, когда она была экспонирована на выставке «Великая Отечественная война» в 1942г. Кисти Пластова принадлежат также очень яркие, проникновенные пейзажи нашей родины.

А.А.Дейнека

Картина А.А. Дейнеки «Оборона Севастополя» (1942), создана в дни, когда шел «бой... святой и правый, смертный бой не ради славы, ради жизни на земле». В самой теме причина огромного эмоционального воздействия картины. Хотя зрителю известно, что Севастополь был оставлен нашими войсками, но эти сражающиеся насмерть матросы воспринимаются как победители. В итоге они стали героями. Страшное напряжение боя Дейнека передает не иллюзорными деталями, реалиями обстановки, а определенными, чисто живописными приемами, гиперболизацией. Срезая ряд штыков краем картины, художник создает впечатление лавины вражеских войск, хотя изображает лишь небольшую группу фашистов, рвущихся к берегу, движения фигур нарочито стремительны, ракурсы резки. Ожесточение боя «святого и правого» передано прежде всего колоритом. Блузы моряков ослепительно белые, их фигуры читаются на темном фоне, фигуры немцев – темные на светлом фоне. Справедливо замечено, что лица моряков открыты зрителю, мы видим их выражение, как, например, лицо моряка на переднем плане, готовящегося бросить во врага связку hello_html_m5b3234cc.jpgгранат. Его фигура – символ яростной битвы. Композиция, как и колористическое решение, построена на контрастах. На втором плане смертельно раненому моряку противопоставлена фигура убитого немца. Третий план – штыковой бой, где бойцы сошлись в последней смертельной схватке. Героическое содержание Дейнека раскрывает через главное, игнорируя второстепенные детали. Напряженно-экспрессивным художественным языком создается образ жестокой битвы.

Дhello_html_7ee84587.jpgейнеке принадлежит и главная роль в утверждении нового военного пейзажа, отмеченного острым ощущением времени «Окраина Москвы. Ноябрь 1941 года». Названный пейзаж, изображающий пустынные московские улицы, перегороженные надолбами и стальными «ежами», передает незабываемую атмосферу тех грозных дней, когда враг рвался к Москве и был у ее порога.

В исторической живописи появляются образы героев славного прошлого нашей Родины, вдохновлявшие советских воинов на борьбу с врагом, напоминавшие о неизбежности гибели, бесславном конце завоевателей. Так, центральную часть триптиха П. Корина занимает фигура Александра Невского, в рост, в доспехах, с мечом в руке на фоне Волхова, Софийского собора и стяга с изображением «Нерукотворного Спаса» (1942г). Позже художник скажет: «Я писал его в суровые годы войны, писал непокоренный гордый дух нашего народа, который «в судный час своего бытия» встал во весь свой гигантский рост». Главное для Корина не археологическая достоверность исторических деталей, а раскрытие духовной сущности героя, его целеустремленности, не ведающей преград на пути к победе. Правая и левая части триптиха – «Северная баллада» и «Старинный сказ» – это картины о мужественном и душевно стойком русском человеке.

В 1941–1945 гг., в годы великой битвы с фашизмом, художниками было создано немало произведений, в которых они и выразили всю трагедию войны, и прославили подвиг победившего народа.

Скульптура


Е.В. Вучетич (1908 – 1974)

Лhello_html_m6bc92425.jpgетом 1941 года Вучетич уходит добровольцем на фронт и сражается на передовых позициях. Начав свой боевой путь как рядовой солдат, к концу второго года войны, он получает звание капитана. При штурме г. Любани Вучетич был тяжело контужен. После излечения, в марте 1943 года он был зачислен в Студию военных художников имени М. Б. Грекова В г. Ростове-на Дону. В течение всей войны художники этой студии — живописцы, скульпторы и графики — выезжали на различные участки фронта. Их документальные зарисовки, этюды, скульптурные портреты создавали изобразительную летопись великих событий. Эти поездки дали Вучетичу возможность лично познакомиться со многими замечательными людьми, чьи военные подвиги изумляли весь мир.

Мемориал "Героям Сталинградской битвы" был открыт на Мамаевом кургане в Волгограде в 1967 году. От Площади Скорби начинается подъем на вершину кургана к основанию главного монумента - "Родина-мать зовет". Вдоль серпантина, в холме, перезахоронены останки 34 505 воинов - защитников Сталинграда, а также 35 гранитных надгробий Героев Советского союза - участников Сталинградской битвы. Статуя работы скульптора Вучетича и инженера Никитина сделана из 5500 тонн бетона и 2400 тонн металлических конструкций. Высота памятника – 86м., высота самой скульптуры - 53м.. При этом толщина стенок скульптуры - не более 30см. Меч в руке Родины-матери весит 14 тонн и имеет длину 33м. Говорят, что в ладони статуи свободно помещается автомобиль. Скульптура «Родина-мать зовет!» является композиционным центром всего ансамбля. Это — женщина, держащая в руке меч, которая стоит в позе призыва к борьбе.

Перед восхождением на курган, где возвышается «Родина-мать зовет!», установлена скульптура «Стоять насмерть!».

Монумент солдатам, стоявшим насмерть, защищая Сталинград от фашистов.
Памятник изображает солдата, который по пояс врос в камень, но не отступил, ни шагу назад, и продолжает грудью заслонять Родину (Родину-Мать) от захватчиков.

hello_html_mf8965cf.jpghello_html_13f04673.jpg Когда смотришь, на фигуру Родины-матери, взметнувшей ввысь руку с карающим мечом, то видишь небеса и вспоминаешь фильм про святого благоверного князя Александра Невского, сказавшего пророческие слова: «Кто с мечом к нам придет, от меча и погибнет! На том стояла и стоит русская земля!» Слова о мече карающем не случайны. Это из Евангелия от Матфея: «Взявшие меч, мечом погибнут».

hello_html_127fadac.jpg   Сам скульптор так комментировал свою приверженность образу меча: «Я только трижды обращался к мечу, - один меч подняла к небу Родина-мать на Мамаевом кургане, призывая своих сыновей изгнать фашистских варваров, топчущих советскую землю. Второй меч держит острием вниз наш Воин-победитель в берлинском Трептов-парке, разрубивший свастику и освободивший народы Европы. Третий меч человек перековывает на плуг, выражая стремление людей доброй воли бороться за разоружение во имя торжества мира на планете». Скульптура установлена у штаба ООН в Нью-Йорке.

Созданные им образы нередко приобретают значение героического символа. Романтически взволнованно, с пафосом драматизма и жизнеутверждения Вучетич раскрыл тему подвига советского народа в годы Великой Отечественной войны 1941—45 годов.

Вопросы:

  1. Подумайте, почему искусство во время Великой Отечественной войны стала на позиции реалистического искусства?

  2. Какие картины вас взволновали? Почему?

  3. Подумайте, почему Вучетич установил мемориальный комплекс именно в Волгограде?

  4. представьте презентации или сообщения о других художниках и графиках, отобразивших Вторую Мировую войну в своем искусстве.


23. Песни военных лет



История создания военных песен

      Песни военных лет по праву можно назвать музыкальной летописью Великой Отечественной войны. Они звучали буквально с первого и до последнего дня войны. Песни рождались на фронте и в тылу, поднимали бойцов в атаку, согревали сердце на привале, помогали выстоять, выжить и дождаться близких тем, кто оставался у станков и в поле. Они нужны были солдатам первых эшелонов, отправлявшимся на фронт, первым призывникам и добровольцам, ополченцам, толпившимся на сборных пунктах.

    Вложенные в солдатские треугольники и другие самодельные конверты они пересылались с фронта в тыл и обратно, передавались из уст в уста.

     Со старыми же песнями произошла странная и неожиданная метаморфоза: мирные, довоенные они стали первыми военными, обрели как бы второй, не существовавший прежде смысл, ставший главным. Повествуя о любви и любимых, о разлуках и встречах, о родном доме и русской природе, они зазвучали как рассказы, как напоминание о тех мирных днях, той мирной жизни, за возвращение которой шла война, ради которой солдаты воевали и жертвовали собственной жизнью. Заново родившись, песни эти помогали воевать. Они стали символом и своеобразным залогом того, что мирное время вернется, что его надо вернуть, сметя захватчиков с родной земли.

Песня «Священная война»

муз. А.В.Александрова      сл. В.И.Лебедева-Кумача

    24 июня 1941 года газеты «Известия» и «Красная звезда» опубликовали стихотворение В. И. Лебедева-Кумача, начинавшееся словами: «Вставай, страна огромная, вставай на смертный бой...»
Стихи эти потребовали от поэта упорной работы. Хранящиеся в архиве черновики говорят о том, что Лебедев-Кумач не раз переписывал и дорабатывал отдельные строки и строфы, подчас заменяя целые четверостишия. Видимо, замысел этих стихов возник у поэта еще в предвоенную пору.
   Стихотворение в газете прочитал руководитель Краснознаменного ансамбля песни и пляски Красной Армии А. В. Александров. Оно произвело на него такое сильное впечатление, что он сразу же сел за рояль. На другой день, придя на репетицию, композитор объявил:
– Будем разучивать новую песню – «Священная война».
    Он написал мелом на грифельной доске слова и ноты песни – печатать не было времени! – а певцы и музыканты переписали их в свои тетрадки. Еще день – на репетицию с оркестром, и вечером - премьера на Белорусском вокзале, узловом пункте, откуда в те дни отправлялись на фронт боевые эшелоны.
     Сразу после напряженной репетиции группа ансамбля выехала на Белорусский вокзал для выступления перед бойцами, уезжающими на передовую. Вид вокзала был необычен: все помещения до отказа заполнены военными, как говорится, яблоку негде упасть.  В зале ожидания был сколочен из свежевыструганных досок помост – своеобразная эстрада для выступления. Артисты ансамбля поднялись на это возвышение, и у них невольно зародилось сомнение: можно ли выступать в такой обстановке? В зале - шум, резкие команды, звуки радио. Слова ведущего, который объявляет, что сейчас впервые будет исполнена песня «Священная война», тонут в общем гуле. Но вот поднимается рука Александра Васильевича Александрова, и зал постепенно затихает...
    Волнения оказались напрасными. С первых же тактов песня захватила бойцов. А когда зазвучал второй куплет, в зале наступила абсолютная тишина. Все встали, как во время исполнения гимна. На суровых лицах видны слезы, и это волнение передается исполнителям. У них у всех тоже слезы на глазах... Песня утихла, но бойцы потребовали повторения. Вновь и вновь – пять раз подряд! – пел ансамбль «Священную войну».
    Так начался путь песни, славный и долгий путь. С этого дня «Священная война» была взята на вооружение нашей армией, всем народом, стала музыкальной эмблемой Великой Отечественной войны. Ее пели всюду - на переднем крае, в партизанских отрядах, в тылу, где ковалось оружие для победы. Каждое утро после боя кремлевских курантов она звучала по радио.

«Синий платочек»

Музыка Ежи Петербургского, слова Галицкого

Необычна судьба песни с двойным рождением – «Синий платочек».Мы часто удивляемся, когда читаем имя одного из создателей песни Ежи Петербургского. Случилось так, что в довоенном 1939 году популярный польский эстрадный коллектив «Голубой джаз», спасаясь от фашистского преследования, приехал в Советский Союз.

На одном из концертов в саду «Эрмитаж» поэт и драматург Я.М. Галицкий отметил одну, особенно ему понравившуюся, мелодическую импровизацию. Её играл композитор и пианист джаз-оркестра Ежи Петербургский. Мелодия так понравилась Галицкому, что прямо во время концерта он стал рифмовать знаменитые строки. Стихи понравились и композитору, а на последующих концертах «Синий платочек» уже звучал в исполнении солиста оркестра Станислава Лендау. Песне предстояла долгая жизнь. В те годы её пела популярная певица Е. Юровская, которая и записала эту песню на пластинку.

Наряду с военными песнями, довоенная лирика обрела второй смысл. Она стала теми дорогими воспоминаниями о мирной жизни, которые каждый солдат свято хранил в глубине своего сердца. Песня-символ имела в военное время несколько вариантов. Например, в начале войны пели:

22-го июля, ровно в четыре часа,

Киев бомбили, нам объявили,

Что началася война. 

 Но самым популярным стал вариант фронтового «Синего платочка» в исполнении народной артистки СССР Клавдии Ивановны Шульженко. Это и считается вторым рождением песни. Автор стихов возрождённого варианта «Синего платочка» - литсотрудник газеты «В решающий бой» 54-й армии Волховского фронта лейтенант Михаил Александрович Максимов. Написать новый текст песни Максимову предложила К. Шульженко, а напечатаны эти стихи были в газете «За Родину». И она появилась.

Песня особенно пришлась по душе пулемётчикам из-за строки: «Строчит пулемётчик за синий платочек…»

   «Случайный вальс»

муз. М Фрадкина                                       сл. Е.Долматовского

  Песня «Случайный вальс» была создана в 1943 году композитором Марком Фрадкиным и поэтом Евгением Долматовским по личному распоряжению командующего Сталинградским фронтом, Маршала Советского Союза Константина Рокоссовского. Эта композиция должна была выполнить настоящую боевую задачу: готовилось наступление на врага в Курском сражении, а немцев надо было убедить в том, что серьезных военных действий не готовится. Интересно, что в первоначальном варианте песни были такие слова:
Ночь коротка,
Спят облака,
И лежит у меня на погоне 
Незнакомая ваша рука. 
   Говорят, когда И. В. Сталин прослушал песню, он возмутился: как же хрупкая девушка может достать до плеча высокого сильного советского офицера?! Не понравилось Иосифу Виссарионовичу и название «Офицерский вальс»: «офицер должен не танцевать, а воевать». Вот таким образом песня стала называться «Случайный вальс», а «погоны» превратились в «ладони». 

«Смуглянка»

муз. А.Новикова                  сл. Я. Шведова

    Осенью 1940 года поэт Яков Шведов и композитор Анатолий Новиков написали песенную сюиту о молдавских партизанах. Сюита была написана по просьбе политуправления Киевского военного округа для окружного ансамбля песни и пляски. В нее входило семь песен, в том числе «Смуглянка» — песня о девушке-партизанке. Написанная на основе молдавского фольклора, она была по своему складу лирической, игровой.         Когда началась Великая Отечественная война, ноты этого цикла у Новикова пропали. Сохранились лишь черновые наброски. Восстановив некоторые песни, композитор решил показать «Смуглянку» на радио. Но там ее забраковали. — Что это за песня про любовь, свидание, расставание, про какую-то смуглянку-молдаванку? Ведь сейчас идет такая тяжелая война... Вы же автор героических песен, — говорили Новикову.

       Эти доводы звучали очень убедительно, и «Смуглянка» была заброшена в самый дальний ящик письменного стола. Вероятно, так бы она и осталась там, если бы не один случай.

— Как-то в 1944 году мне позвонил художественный руководитель Краснознаменного ансамбля А. В. Александров, — вспоминал Новиков, — и спросил, нет ли у меня новых песен. Я принес ему несколько новинок, в том числе и «Смуглянку». К великому моему удивлению, именно эта веселая, лирическая песенка про любовь молдавской девушки больше всего понравилась прославленному музыканту.
    «Смуглянка» полюбилась бойцам, и, хотя в ней говорилось о партизанах Гражданской войны, воспринималась она как песня современная. «Смуглянка» исполнялась в культовом фильме о войне «В бой идут одни старики».

«Катюша»

муз. М.И.Блантера                  сл. М.В.Исаковского

     Как же родилась «Катюша»?
    Вначале М.В.Исаковским было всего несколько строк.  «Я не знал, что же дальше делать с Катюшей, которую я заставил выйти на высокий берег и запеть песню. Поэтому стихи пришлось отложить…», говорил поэт Неизвестно, как долго ожидали бы они своего часа, не повстречай Исаковский композитора М. И. Блантера.  

      «Я начал одну песню»,— сказал мне Михаил Васильевич и показал четверостишие, — вспоминает Блантер. — Это было удивительно. Я попросил поэта оставить мне зачин его песни. Теперь я буквально не находил себе места… «Катюша» без остатка заняла мое воображение. Вслушиваясь в слова Исаковского, я заметил, что в стихотворении его очень звонкая интонация. И в частности, вот что: берег, на берег! Какая причудливая игра ударений! Ну прямо-таки как в веселой народной припевке.                         Однако над музыкальным решением песни пришлось потрудиться немало. Наконец, родилась именно та мелодия, которую все мы сегодня знаем и любим. Но песни пока не было. Ведь стихотворение оставалось незавершенным.

      И тогда поэт и композитор стали вместе искать, какой же быть песне. Направление поиска и построение ее сюжета подсказано было самой жизнью, напряженной обстановкой предгрозовых довоенных лет.
"Мы как бы уже предчувствовали войну, хотя и не знали точно, когда и откуда она может прийти, — говорил Исаковский. —  По этим причинам тема Родины, тема защиты ее от посягательств врага была темой самой важной, самой первостепенной, и я, конечно, никак не мог пройти мимо нее даже в лирической песне”.

    Так в советскую песенную лирику вошла новая тема — тема любви девушки и воина, защитника Родины.
     Во все времена создавались песни, повествующие о любви, о разлуках и расставаниях. Матери, жены, невесты провожали сыновей, мужей, любимых на священную защиту Родины, на военную службу, а потом ожидали с надеждою их возвращения, пели об этом песни. И всегда это были грустные песни, полные тоски и печали. Образ тоскующей женщины, ожидающей воина с поля брани и службы солдатской, вызывал сочувствие, сострадание.

    И вдруг появилась «Катюша». В песне этой никакой тоски нет и в помине. Напротив, слова ее и музыка выражают светлые чувства уверенности, бодрости и надежды. Героиня песни гордится тем. что ее любимый — «боец на дальнем пограничье». Все это очень отличало песню о простой и обаятельной девушке с ласковым русским именем Катюша от всех ее предшественниц. И за это ее полюбили и безоговорочно приняли всюду и все.  

По-новому зазвучала «Катюша» в годы Великой Отечественной войны.  Но не только в песнях жила в ту суровую пору Катюша. Ее именем народ ласково «окрестил» новое грозное оружие, наводившее ужас на врага, — реактивные гвардейские минометы. И об этих «катюшах» вскоре были сложены песни:

Шли бои на море и на суше,
Грохотали выстрелы кругом-
Распевала песенки «катюша»
Под Калугой, Тулой и Орлом.

Песня стала очень популярной и за рубежом. В Италии она известна в двух вариантах: «Катарина» и «Дует ветер».  Песня эта служила своеобразным паролем молодежи всего мира на международных фестивалях, а к проходившему летом 1985 года в Москве XII Всемирному фестивалю молодежи и студентов было решено создать в честь нее сувенир. Многочисленных гостей нашей столицы встречала симпатичная, весело улыбающаяся, приветливая девочка с ласковым и знакомым всем, певучим именем Катюша. И, конечно же, всюду звучала сложенная в честь нее замечательная песня.

Песни из фильма «Два бойца»

«Темная ночь»

муз. Н.Богословского       сл. В.Агатова

      Картина «Два бойца» снималась в сорок втором в Ташкенте. Композитор Никита Богословский утверждает, что мелодия «Темной ночи» сложилась буквально на одном дыхании, мгновенно, что это заняло у него столько времени, сколько песня звучит сейчас. Режиссер Леонид Луков вспоминал, как поздней ночью они бились над песней про темную ночь, как десять раз повторяли запись, но все было «не то», все недоставало особой душевной, проникновенности, лиризма. И вот наконец Бернесу удалось добиться того единственного, неповторимого звучания, которого так искали и режиссер, и композитор, и поэт Владимир Агатов.

     Они вышли на улицу, когда над городом уже занялась заря, и остановились потрясенные: какие-то люди, очевидно работники киностудии, уже напевали их только что рожденную песню.

    С этого утра началась долгая жизнь «Темной ночи». Ее пели в окопах и землянках, мысленно обращаясь к родным и близким: «Ты меня ждешь и у детской кроватки не спишь...» И над детскими кроватками ее пели женщины, ожидая своих мужей с фронта.   А потом была Победа, но триумфальное шествие «Темной ночи» продолжалось, она облетела весь земной шар. И когда Иван Семенович Козловский, приехав в гости к вождю американского рабочего класса Уильяму Фостеру, в конце беседы спросил его: «Что вы хотели бы послушать? Я с радостью спою вам», Фостер попросил: «Спойте „Темную ночь”, эту песню у нас в Америке очень любят...»

    Пожалуй, на этом можно было бы и закончить рассказ об удивительной песне, созданной в годы тягчайших испытаний. Только еще одна маленькая подробность. Вскоре после того, как «Темная ночь» прозвучала с экранов, она была записана в студии граммофонных пластинок. Когда стали испытывать пластинку, послышался какой-то хрип. Взяли вторую пластинку — то же самое. Поставили третью, пятую, седьмую — брак. Оказалось, что испорчена матрица: техник, записывая песню, горько плакала, и матрица была обильно полита ее слезами...

«Шаланды, полные кефали…»

Песня написана композитором Никитой Богословским на слова Владимира Агатова для кинофильма Леонида Лукова «Два бойца» (1943), где её исполнил Марк Бернес, игравший бойца-одессита Аркадия Дзюбина.

После выхода фильма на экран песня приобрела огромную популярность. При этом официально она не рекомендовалась для исполнения и не публиковалась как идеологически невыдержанная. Не зная рыбацкого «сленга», создается впечатление, что песня «блатная», но на самом деле, здесь нет ни одного скверного слова.

Шаланда — рыбацкая парусная плоскодонная лодка с выдвижным килем, распространённая на Чёрном море и предназначенная для лова рыбы сетями.

Кефаль – название рыбы.

Биндюжник — ломовой извозчик в старой Одессе.

Молдаванка, Пересыпь, Фонтан — районы Одессы.

В первоначальном варианте сценария фильма песен не было вовсе. Но потом режиссёр Л. Луков попросил Н. Богословского написать песню для сцены в землянке — так появилась в картине «Тёмная ночь», блестяще исполненная М. Бернесом. После этого Луков решил, что Аркадий Дзюбин должен спеть ещё одну песню, совершенно контрастную, и дал композитору задание написать её «в стиле весёлых одесских уличных песен». В газетах поместили объявление «с просьбой всем лицам, знающим одесские песни, явиться на киностудию». На следующий день пришло множество людей — «от почтенных докторов до типов, вызывающих удивление по поводу того, что они ещё на свободе» На основе услышанного ленинградец Богословский написал музыку, а киевлянин Агатов сочинил к ней «одесский» текст.

О пенях военных лет можно вспоминать еще и еще. Всех их объединяет необыкновенная история создания в суровых условиях войны, их человеческое начало, народность и вера в победу.

www.9maya.ru › Военные песни

Вопросы:

  1. Почему многие песни военных лет позитивны?

  2. Почему песни военных лет можно назвать народными? Что выражает народная песня?

  3. Правда ли говорят, когда пушки говорят, Муза молчит?

  4. Какую роль играла песня в военных условиях?

  5. Почему и в наши дни эти песни будоражат чувства людей?


24. Послевоенное искусство

Иhello_html_6ae85ef2.jpgзобразительное искусство первого послевоенного пятилетия теснейшим образом связано с предшествующим периодом — периодом Великой Отечественной войны. Художники стремились запечатлеть важнейшие события исторической битвы за свободу, раскрыть глубокие причины, обеспечившие победу СССР, – высокие моральные качества советских людей.
Годы тяжких страданий, пережитых в период Великой Отечественной войны, раскрыли новые, неведомые ранее глубины народного характера. Художники увидели героя в самом обыкновенном, рядовом советском человеке. Ведь в повседневной жизни так причудливо переплетаются обыденные, героические, поэтические моменты!
Советские люди проявили невиданное мужество и стойкость в борьбе. Их питала твердая вера в победу правого дела. Имена Зои Космодемьянской, Александра Матросова, героев-краснодонцев узнал весь мир. Но были еще миллионы безымянных борцов, подвиг которых также увековечен в искусстве.
Многие произведения искусства были связаны с непосредственными впечатлениями их авторов – участников войны. Так, например, возникла картина «Отдых после боя». Ее автор, бывший боец Ленинградского фронта, Ю. М. Непринцев изобразил в ней своих однополчан.
Радость Победы нашло образное воплощение в картинах А. И. Лактионова «Письмо с фронта».

А.И. Лактионов (1910-1972)

Русский советский живописец и график. Народный художник РСФСР, академик АХ СССР.

«Письмо с фронта» — жанровая картина изображающая близких и соседей солдата-фронтовика за чтением его долгожданного письма с фронта. Картина сделала имя художника широко известным. Сразу после выставки она была помещена в Третьяковскую галерею.

Лактионов собирался дать ей название «Встреча». Опробовал несколько вариантов, но все решил случай. Однажды на прогулке он повстречал солдата с перевязанной рукой, опиравшегося при ходьбе на палку. Тот искал нужный адрес, чтобы передать письмо. Разговорились. Лактионов помог найти нужный дом и стал невольным свидетелем сцены получения долгожданной весточки с фронта. Так окончательно определился замысел будущей картины. По колориту и пейзажу, она напоминает «Московский дворик» Поленова, передает радость теплого солнечного дня.

Картина представляет собой жанровую сцену с удачно найденной «жизненной» постановкой фигур. Здесь нет неестественного позирования и ненужной патетики, такая сценка на залитом солнцем крыльце могла быть увидена в каждом доме, куда пришло долгожданное фронтовое письмо. В каждой семье в эти радостные минуты сразу откладывались повседневные занятия и заслушивалось чтение послания, которое в этом произведении доверено старшему сыну. Для картины художники позировали его родные.


А. Пластов

«hello_html_2f421bf2.jpgКончена война, кончена победой великого советского народа над чудовищными, небывалыми еще во всей истории человечества силами зла, смерти и разрушения. Какое же искусство, мы, художники, – пишет Пластов в своей автобиографии, – должны взрастить сейчас для нашего народа: мне кажется – искусство радости… Что бы это ни было – прославление ли бессмертных подвигов победителей или картины мирного труда; миновавшее безмерное горе народное или мирная природа нашей Родины – все равно все должно быть напоено могучим дыханием искренности, правды и оптимизма. Это настроение и определило содержание новой моей картины "Сенокос"… Я, когда писал эту картину, все думал: ну, теперь радуйся, брат, каждому листочку радуйся – смерть кончилась, началась жизнь».

Буйная поросль трав, ликующий солнечный день, вольные движения косарей, сверкание ярких, насыщенных красок – все в этом произведении радуется наступившему миру. Одновременно с картиной «Сенокос» (1945) Пластов пишет другое полотно – «Жатва», где художник передает скудость и тяжесть жизни деревни военных лет. С простотой и любовью рисует художник детишек и старика, расположившихся за скромной трапезой. Нелегка их жизнь, нелегок крестьянский труд.

В 1946 году Пластов создает одно из самых лиричных своих полотен – «Первый снег».

Ю. И. Пименов (1903-1977)

Ю. И. Пименову всегда хотелось быть художником современности, воплощать сегодняшнее, соответствующее духу и облику каждого бегущего дня ощущение жизни.

"hello_html_73d9f65.jpghello_html_m417956b3.jpgЯ хочу сделать лирическое и нарядное искусство", - объявляет он. Легким, подвижным мазком, светлыми красками пишет он женские портреты ("Портрет Л. А. Ереминой", 1935), подмосковную природу, переливающуюся пестроту вещей и тканей в уборной актрисы ("Актриса", 1935). Радужная поверхность жизни увлекает его: только что отстроенные громады Охотного ряда, стриженый затылок девушки, ее руки на баранке открытой машины, гвоздики у ветрового стекла - все в розово-голубых переливах импрессионистически-нежного колорита ("Новая Москва", 1937).

С конца 1950-х гг. главный для него предмет наблюдения и поэтизации - окружающие Москву новые кварталы. Он любуется самой их неоконченностью и необжитостью, временным, еще не устроенным бытом. Работницы моют в луже свои блестящие боты ("Франтихи", 1958), балансируют по переброшенным через грязь трубам юные красавицы ("Первые модницы нового квартала", 1961), торжественно шествуют по дощатому настилу среди размытой дороги молодожены ("Свадьба на завтрашней улице", 1962). Все это он увлеченно наблюдает и все, пытаясь опоэтизировать, приукрашивает.


Т.Н. Яблонская (1917-2005)

Пhello_html_m6eb78167.jpgо-настоящему увлекает художников романтика и поэзия свободного труда на мирной земле. Эпическое произведение о тружениках-колхозниках создала украинская художница Т. Н. Яблонская. Много времени провела она в колхозе, изучая жизнь и труд крестьян. Картина «Хлеб» — одно из наиболее крупных произведений послевоенной живописи. В нем раскрыта главная черта жизни — радость труда, ставшего желанной потребностью для народа-победителя. Правдой жизни художница считает свою работу – «Хлеб» (1950). Яблонская в картине передала восторг от самой жизни. Сочетание синих юбок, белых платков и теплого зерна, создавали живописную картину. Энергия, красота, здоровье счастливых крестьянок, сплоченный женский коллектив – создавали ощущение счастья и здоровья. Картина «Хлеб» стала гимном труду и достатку народа и принесла Яблонской всесоюзную славу.
Многие художники обращаются к темам, выявляющим черты новых взаимоотношений в советском обществе — растущее чувство дружбы, товарищества, повышенное чувство ответственности за судьбу человека.

Мода довоенного и послевоенного периода.

Мода отражает жизнь людей. В довоенные годы в общественной жизни главной доминантой можно выделить массовое увлечение спортом. Отсюда – идеал фигуры: стройный человек с широкими плечами. Женская фигура должна была выглядеть именно так: высокая, стройная, короткая прическа, плечи шире бедер. Поэтому, в женской одежде подкладывали подплечики, чтобы зрительно увеличить плечевой пояс.

В послевоенное время, когда стана потеряла много населения, в моду входит классическая женщина-роженица в рубенсовском стиле. Это женщина высокая, дородная с правильными чертами лица, длинной косой, плечи меньше тазобедренного пояса. Спортивный стиль меняется на стиль эпохи Возрождения: подчеркивается талия с соблюдением всех классических пропорций.


Вопросы:

1. Почему живопись, несмотря на послевоенные годы, была жизнерадостной?

2. Какие темы затрагивали художники послевоенного периода?

3. Почему советское искусство ушло от модернизма и стало реалистическим?

4. Почему меняется мода?


25. Архитектура

Сталинский классицизм

Направление в архитектуре СССР с середины 1930-х до середины 1950-х годов. Подразумевает под собой несколько архитектурных стилей, объединённых общими чертами, отличающими сталинскую архитектуру от других направлений в архитектуре СССР и за рубежом. Пришедшая на смену конструктивизму в период правления И. В. Сталина, архитектурная политика подразумевала классический и монументальный стиль, во многих чертах близкий к ампиру, эклектике и ар-деко.

Отличительные черты градостроительства: комплексный подход к застройке с планированием рекреационных зон, транспортной инфраструктуры, магазинов и комбинатов бытового обслуживания на основе социалистической урбанистики.

Характерные черты сталинского классицизма:

1. Ансамблевая застройка улиц и площадей;

2. Синтез архитектуры, скульптуры и живописи;

3. Разработка традиций русского классицизма;

4. Использование архитектурных ордеров;

5. Барельефы с геральдическими композициями и изображениями трудящихся, а также на темы триумфа и регалий власти.

6. Оптимистический настрой всего произведения;

7. Использование мрамора, бронзы, ценных пород дерева и лепнины в оформлении общественных интерьеров.

Вhello_html_751aa15.jpg сталинской архитектуре неоклассика занимала центральную и лидирующую роль наряду с ар-деко (художественно-декоративный). Основоположниками советского неоклассицизма стали такие выдающиеся архитекторы как: И. В. Жолтовский, И. А. Фомин и др. Советский неоклассицизм основывался на античном и классическом наследии и логично продолжал дореволюционные тенденции русской архитектуры. Характерная ансамблевость и целостность образа стала основой для последующего развития сталинской архитектуры. Пример монументального сталинского классицизма – здание МГУ, архитектора Руднева.

В послевоенной архитектуре неоклассицизм стал определяющим стилем в планировке и застройке таких восстанавливаемых городов, как Калинин, Минск, Сталинград и др. Уже к началу 1950-х гг. неоклассицизм «переродился» в сталинский ампир, а в 1955 году, наряду со всей архитектурной традицией, неоклассицизм был практически запрещён как развивающийся стиль.

Ампир

Зhello_html_3184aa02.jpgдания в стиле ампир или «сталинский ампир» логично продолжили традиции первого этапа стиля, длившегося почти большую часть XIX века. Сочетая классические пропорции и основные символические мотивы во внешней отделке, ампир был развит и существенно расширен, где фигурировали в лепных украшениях героизированные люди разных профессий. Фасады подчёркнуты укрупнённым композитным ордером, и очень часто применялся в цокольных этажах руст. Отличительным примером сталинского ампира является портик и парадная фасадная композиция.

Главный павильон ВДНХ, архитекторы Щуко, Столяров.

Павильон выдержан в лучших традициях русской классической архитектуры и имеет сходством с центральной башней здания адмиралтейства в Санкт-Петербурге. Авторами использовался архитектурный принцип работы над Дворцом Советов — серьёзность, пропорции, рассчитанные на восприятие с дальних точек и лаконизм деталей (а также ступенчатость композиции). Уступами, напоминающими ступени гигантской лестницы, павильон поднимается вверх и увенчан золочёным шпилем со звездой.

Характерной чертой интерьера сталинского ампира являлись высокие потолки - 3м., которые обрамляла лепнина. На потолке присутствовала розетка, из центра которой свисала парадная люстра, выполненная из бронзы и хрусталя. Непременным "атрибутом" данного стиля была громоздкая мебель, как правило, из дуба. Сталинский ампир не являлся принципиально новым стилем. Везде просматривались черты и ампира, и барокко, но сталинский ампир отличался от них, прежде всего, тем, что в элементах интерьера не было того изящества, которое было присуще стилям прошедших эпох. Создавалось впечатление, что к коммунизму можно было прийти только сидя на громоздких стульях и лежа на дубовых кроватях из цельной древесины, лишенных какое-либо «воздушности».

.Эклектика

Сталинская архитектура, будучи интернациональным направлением в искусстве, в архитектуре выражалась не только в использовании уже существующих архитектурных форм, но и в создании новых, соответствующих каждому национальному направлению республик и областей. Наиболее ярко это движение было выражено в элементах декоративного оформления высотных зданий, станций метрополитена, в республиканских и областных центрах. Самым главным примером подобного подхода стал ансамбль Всесоюзной Сельскохозяйственной Выставки, реконструированный в 1950—1954-х гг. Будучи решённым в общем стиле ар-деко, каждый павильон выставки представлял собой выражение каждого региона или отрасли, что давало архитекторам серьёзную задачу работы в нескольких архитектурных стилях одновременно, например, павильон Азербайджанской ССР.

Аhello_html_m4f472686.jpgр-деко в архитектуре

Для архитектуры характерно:

1. Использование архитектурных ордеров;

2. Барельефы с геральдическими композициями и изображениями трудящихся;

3. Оптимистический настрой всего произведения;

4. Использование мрамора, бронзы, ценных пород дерева и лепнины в оформлении общественных интерьеров.

Вопросы:

1.Что такое сталинский классицизм? О чем говорит классическая архитектура в истории разных стран?

2. Можно ли по архитектуре дать характеристику страны?

3. Проходила ли подобный архитектурный путь Россия в своей истории?

4. Чем заканчиваются империи, если посмотреть на историю через знание архитектуры?

5. Проанализируйте главный павильон ВДНХ и здание адмиралтейства в Санкт-Петербурге. Найдите общие архитектурные черты.


26. Контроль знаний

1.Почему в Советском Союзе после Второй Мировой войны не было «потерянного поколения»?

2. Почему искусство во Время ВОВ стало реалистическим?

3. Найдите разницу между понятиями: «Искусством ради искусства», «искусство для народа» и «народное искусство».

4. Почему во время войны, советское правительство поддерживало позитивное, искусство?

5. Назовите и охарактеризуйте станы, в которых создавалась классическая архитектура. Какие общие черты их объединяют?

6. Ар дек существовал во все времена. Какой ар дек существует в современном городе?

7. Искусство и песни военных лет считается одним из самых лучших в истории нашей страны. Почему?



27. Типология образа героя в отечественном кинематографе


Культурно – историческое единство того или иного периода включает живое разноречие различных видов творчества: музыка, архитектура, изобразительное искусство, киноискусство.

Киноискусство в стране Советов начало формироваться в начале прошлого века, захватив и немой кинематограф.

В отечественном киноискусстве можно выделить несколько тем:

1hello_html_m246b4286.png. революционная;

2. колхозная;

3. индустриальная;

4. историческая.

Эти темы патриотические, коллективного содержания, раскрываются в довоенный и послевоенный период, до хрущевской оттепели.

С 60 – 70 годов можно выделить следующие темы кинофильмов, раскрывающие образ идеального человека – «чудика», интеллектуала, философа, гражданина:

1. интеллектуальная;

2hello_html_medb1d78.png. психологическая;

3. мелодраматическая.

  1. Революция в кинематографе.

Самое достойное место в немом кино, отведено гениальному Эйзенштейну. Фильм «Броненосец Потемкин» (1925г.) - вершина мирового немого кино. Он сумел показать само предназначение немого кино – кино – плакат, кино – символ. Озвучивание фильма утратило бы свою плакатную четкость. Здесь лаконичность титров и предельная ясность образов. Типажи героев стилистически едины, их взгляд устремлен в вечность, как взгляды египетских фараонов, как взгляды революционных вождей. Такой взгляд характерен и для исторических фильмов довоенного и военного периода, стоит отметить фильм «Александр Невский».

Озвученный фильм воспринимается так же, как немое кино. Композиция кадра - плакатно-символическая с яркой жестикуляцией и мимикой. Следует отметить внешность героев ранних фильмов: положительный герой красив, высок, его снимают с низкой точки зрения. Основное его качество – патриот, оптимист, он в окружении людей ниже его ростом, не таких красавцев, нуждающихся в его наставлении. Отрицательный герой плакатно безобразно карикатурен, снят с высокой точки зрения, что символически подчеркивает его низость.

Такое противостояние положительных и отрицательных героев не будет отпускать советский кинематограф еще долгие десятилетия.

  1. Колхозная тема в кинематографе

Дhello_html_m4996804f.pngовоенная и послевоенная кинематография раскрывала еще одну грань человека – его трудовые подвиги и не только отдельно взятого героя, а целого коллектива. Фильмы «Свинарка и пастух», «Трактористы», «Волга - Волга», «Кубанские казаки», можно рассматривать, как агитки, в которых сквозила идея: идите к нам, в колхозы! У нас так весело! Только в сплоченных коллективах можно жить полной счастливой жизнью. Первые советские кинокомедии, что касается сюжетной линии, вышли из колхоза. Герои стали обретать индивидуальность, но и здесь угадывается тот же взгляд, устремленный в вечность, те же ракурсы положительных и отрицательных героев. Те же внешние образы, которые показывал Эйзенштейн.

Колхозник, воин, советский рабочий – это герои едины по стилистическому типу, иногда проблематичны, иногда противоположны, но все они показывают эволюцию становления современного исторического процесса.

Цhello_html_69acf6dc.pngветной фильм «Кубанские казаки» 1949 года, режиссер Иван Пырьев, уже не такой плакатный. Цвет придал оптимистической комедии романтизм. Главные герои выделяются из общего коллектива, они получают индивидуальность и право на личное счастье, но не теряют коллективных и патриотических чувств Они так же высоки, стройны, красивы, обладают харизмой и так же сняты оператором с низкой точки.

Исполнительница главной роли Клара Лучко среди подруг самая красивая и высокая, ее подруги менее удачливы на внешность, у них нет женихов, а если есть, то это юноши ниже рангом, нежели высокий красавец для главной героини. Но не надо думать, что здесь есть расслоение общества. Два главных героя заслужили свое счастье, они идеальные как душой, так и телом, настоящие советские граждане. Остальные герои не завидуют, а учатся у них.

  1. Индустриальная тема в кинематографе.

Вhello_html_555b52f7.png 50 – 60 годы, в кинематографе появляется социальный художественный конфликт. В поле зрения оператора появляются не только определенные персонажи, но и конкретные жизненные ситуации. И то и другое характеризовало образ современности и современника. Человек дела, сознающий меру своей ответственности, он утверждал долг, как правду («Дни Журбиных»1952 г). Ставя героя в трудные условия, автор подвергал его проверке на правоту. Мужество и стойкость одержали победу. Личность должна отстоять себя в борьбе за высокую правду. Цена была высокой: судьба Родины или личная жизнь.

Пhello_html_m60ed4eac.pngредставители разных персонажей преданные своему делу, призванные исполнить свой долг, они показаны нам людьми, для которых свое – это общее дело. Незаурядность и исключительность характера усиливала и укрепляла установку на типизацию героя, доминантой служила типичность конфликта. За «Ремонтниками», «Зверобоями», «Строителями Братска» читалось «мы».

Персонажи возвышаются над зрителями и в силу визуального эффекта, сниженной линии горизонта и благодаря человеческому достоинству мужественных волевых характеров. («Председатель» режиссера Алексея Салтыкова, 1952 г.).

Этически эти герои рассматриваются реалистически, как «соль земли».

Кhello_html_m52101fd3.png началу 70 годов, появляется новое кино, новый образ человека. Это интеллектуал – физик или лирик, он не похож на всех, мыслит не стандартно, интеллигент – чудак. Несмотря на видимую пассивность «размышляющий герой» оттеснил всех своих конкурентов.

Пhello_html_m415f2a31.pngопулярным стал мотив путешествий, где в дороге герой думает, философствует, размышляет. Обильные диспуты между физиками и лириками, все они не в социальном конфликте, а в интеллектуальном, делающими одно и то же общее дело во благо страны. Социалистический строй прочно стал на ноги, теперь время рассуждать, строить новую личную жизнь, философствовать над собой, внутри себя. Он вынужден принять на себя груз самоисследования, принять на себя авторское размышление.

Оhello_html_405db4cb.pngтражение нравственных позиций, становится конструктивным стержнем поэтического развертывания образа в фильмах Тарковского. В его фильмах образ героев складывается не только из того, что он говорит и как поступает, но еще, существует нечто вокруг него, что формирует для зрителя его образ. Это может быть пейзаж, натюрморт, сюрреалистические сцены «Зеркало». В его картинах натюрморт так же беден, как натюрморты Штеренберга. В его пейзажах присутствует брегелевская надмирность. В диалоговых сценах ракурс между героями развернут на 90 градусов. Мы порой не видим с кем общается герой. Такой ракурс напоминает картины – противостояния герой – антигерой Н.Н.Ге. Его героя – одиночку можно увидеть в картинах Крамского «Христос в пустыне».

Здесь новый герой преобразовал всю образно-пластическую систему. Герой погружен в сферу размышлений и умозрений, чтобы найти способ пересоздать мир, восстановить внутреннюю связь между личностью и всем, что его окружает. Герой одновременно и объект и субъект. Он не разделен на внутреннее и внешнее.

У интеллектуала 70 годов был предшественник. Персонаж этот никак себя не афишировал и был воспринят, скорее как милая шутка, скорее случайная комическая, чем серьезная. Но в 60 годы он заслонил собой простодушного интеллектуала. Имя ему – чудак, или чудик, по выражению Шукшина. Среди достойных, мужественных, умудренных «чудик» не только обратил на себя внимание, но и расположил к себе зрителя. Классический пример найдем у Рязанова «Берегись автомобиля» 1967г. В конце 60-х, чудачество выступало как жизненная позиция. Оказалось, что чудаку есть, что сказать. В прокат выходят такие знаковые фильмы, как «В бой идут одни старики» Л. Быкова, 1973г., «Обыкновенное чудо», 1964г. по сказке Шварца.

Герой оказывается в двойной перспективе правды и лжи, поступает вопреки ожиданиям общепринятой морали.

«Чудики» представлены на экране блистательными звездами кинематографии: Шукшин, Леонов, Янковский, Чурикова, Куравлев, Крамаров, Мягков.

Новый герой принес новую шкалу нравственных ценностей, относительность добра и зла. Судьбу героев определяет выбор, перед лицом которого он поставлен. «Калина красная» Шукшина, «Афоня» Данелия. Режиссер застает героя в тот момент, когда он по инерции продолжает свое привычное существование, но оказывается перед выбором его изменить. Перелом в судьбе заставляет человека пересмотреть собственное отношение к жизни. Диалектика конфликта воспринимается, как движение живой человеческой души.

В 70-е годы на экранах появляются дети – чудаки «Чучело», «Внимание, черепаха», сюда входит и анималистический жанр «Белый Бим, черное ухо» Троепольского.

Чудак становится человеком, вступающим со стихией мещанства, отстаивая свое право на существование. Это новый романтичный герой, который, несмотря на противоречия и ошибки, внушает доверие и симпатию. Параллельно со странным человеком, появляется лирический герой, как утверждение человеческой сердечности, разума, сочувствия. «Баллада о солдате», «Летят журавли». Просто, «хороший человек» находит много реальных воплощений, например, Баталов в мелодраме Меньшова «Москва слезам не верит». В принципе, на образе просто хорошего человека, отечественный кинематограф заканчивает эпопею советского кино.

Параллельно с образом чудака, выросшего до просто хорошего человека, существуют и другие персонажи, не укладывающиеся в эту канву. Великая русская литература в кинематографе. «Несколько дней из жизни Обломова», «Неоконченная пьеса для механического пианино» Михалкова, будто сошли с полотен художников – передвижников. Начнем с пейзажа. В картинах русских художников солнечное освещение русских пейзажей было либо итальянским, либо крымским, либо ни каким. Только Поленов открывает солнечное освещение средней полосы России «Московский дворик». Пейзажи в фильме «Несколько дней из жизни Обломова», напоминают поленовские уголки русской природы с мягким солнечным освещением. Натюрморты, например, в сцене в бане, насыщены ярким колоритом от Машкова и Кончаловского. Архиповские лучи яркого света проникают через открытую дверь в темную комнату, живописно высвечивают некрашеные деревянные полы.

«Неоконченная пьеса…» по живописному состоянию больше левитановская. Многофигурные композиции продуманы, кажется, по всем законам построения академического рисунка, конечно, здесь присутствует Репин.

Вопросы:

  1. Охарактеризуйте киногероя 20-х до 30 годов. Насколько он изменился?

  2. Сравните киногероя 50-х, 60 годов с героями современных лет. Как происходит трансформация героя?

  3. Как связаны изобразительное искусство с киноискусством?

  4. Как в кинематографии можно выразить образ человека?



28. Зарубежное киноискусство

В 30-е годы в зарубежное киноискусство проходит под знаком мелодрамы, как пассивного романтизма. Киноискусство берет начало от театрального активного романтизма с элементами протеста против феодализма. «Мадам Икс», Египет, 1937год. Романтическая любовь, несчастная судьба женщины. Её арестовали в доме у преступника, через 20 лет адвокат оказался ее собственный сын. Много сцен рассчитанных на внешний эффект.

Мелодрама далека от действительности, а мораль в том, что благородство всегда вознаграждается, несет в себе ложь, ибо противоречит принципам буржуазного уклада жизни.

Мелодрама становится основой для индийской и американской киноиндустрии.

Изобретательная для посрамления злодейства и воспитания добродетели, мелодрама претерпела на западе сильное изменение, но культ случая и рока, как вершителей судеб людей, остаются незыблемыми. Ухитряются даже мировую классику сводить к тривиальной любовной истории, как например, «Госпожа Бовари», «Анна Каренина» в результате выглядят на экране опошленными и пустыми.

«Мост Ватерлоо» в Голливуде ставился 3 раза: в 1931, 1940, 1956 годах. Главную роль в этом мелодраматическом сюжете, в последнем варианте сыграла актриса Вивьен Ли. Ей удалось поднять образ героини до уровня психологической драмы, показав конфликт человека и общества.

«Золотой век» голливудского кино приходится на 30-50 годы. В это время ставится фильм «Унесенные ветром», «Кинг-Конг», «волшебник из страны Оз», «гражданин Кейн».


В годы войны фильмы были ориентированы на эротизм. Это было связано с тем, что надо было отвлекать людей от голода, смерти, безработицы, угрозы фашизма, и все – на фоне чувственности, рока, случайности… – мелодрамы.

Разделение фильмов на жанры имело свои предпосылки. Киножанр сформировался из необходимости систематизации кинолент и удобства продажи на рынке.

Исторический жанр

Вhello_html_m58ba19e1.jpg основу исторического жанра закладываются законы пассивной мелодрамы, только сюжет берется из отдаленной исторической эпохи. Подмена факта вымыслом. Доминанта – интимная жизнь монархов. Колорит – пышные декорации и костюмы. Так, в фильме «Распутин и императрица», содержалась клевета на русский народ.

В фильме «Спартак» из образа мужественного гладиатора превращается в человека, достойного сожаления. Режиссер не смог преодолеть мелодраматическую сентиментальность.

Фhello_html_m7c29a1c7.jpgильм «Клеопатра» – самый дорогостоящий фильм Голливуда (40 млн. долларов). Очень красивый, передающий атмосферу Древнего Египта, много массовый сцен, пышных костюмов и фантастических по масштабу декораций, но по сути – снотворная» безделушка. Марк Антоний выступает, как тень Цезаря и терпит всюду поражение. Единственная победа – овладение Клеопатрой, но он тут же сознает, что уже не завоеватель, а завоеванный. Клеопатра – талантливая женщина – правитель, становится гением в обольщении мужчин.

Присутствует и фрейдистская трактовка фильма: над Цезарем давит рок, Марк Антоний компенсирует её, он показан как неврастеник.

Фильмы о катастрофах

В 70-е годы в Голливуде ставятся фильмы – супербоевики. Режиссер И. Аллен снимает «Гибель Посейдона». «Поднебесный ад», «Пираты в метро»… Все эти фильмы тяготеют к разряду «черных» фильмов, к иррациональному неонатурализму. Новый супергерой идеален, силен, безупречен.

В фильме «Поднебесный ад» показаны трюки, в которых участвуют супермены, спасая людей из горящего дома. Это зрелищный фильм. Где герои представлены, как представители высшей касты.

На протяжении истории американского кино красной нитью проходят приключенческие фильмы о диком Западе.

Вестерн (запад).

Фильмы этого жанра рассказывают о ковбоях, индейцах, мексиканцах. Часто, в качестве героев выступают бандиты, которые идеализируются до Робин Гудов.

Экспансия на американский материк, подается как крестовый поход, где оправдывается насилие и убийство коренных жителей Америки, например, фильм «Робин Гуд в Эльдорадо».

В приключенческие жанры входят такие зрелищные фильмы, как «Тарзан», «Три мушкетера».

Боевик

В боевиках обычно, сталкиваются герой и антигерой. Сюжетная линия завязана на причине, по которой герои делятся на два непримиримых лагеря. Из них выделяются герой и антигерой. В конце фильма они «идут» на самый последний бой – бой добра и зла. Всегда побеждает добро, если даже оно в «гильзах по колено». Хороший финал Голливудских фильмов – отголосок мелодрамы.

С развитием науки, появляется новый супермен робот, человек атомного, космического века, который входит в галактику, развязывает межпланетные войны. Но все они дальние родственники Тарзана.

В роли супергероя снимаются актеры с бицепсами, высокие, стройные и красивые. Они владеют оружием, боевыми искусствами. Подарком для Голливуда был актер и мастер восточной борьбы Джеки Чан. Актер завоевал большую популярность во всем мире. Сюжет писался под его искусство борьбы и, собственно, фильм держался на нем. Джеки Чан не только пропагандировал искусство восточного боя, но и сам был не бездушным суперменом, в нем была душа простого человека. Он признавался, что актерскому мастерству учился у Чарли Чаплина. Благодаря этим качествам актера, многие мальчишки во всем мире стали подражать ему и увлекаться спортом.

Психологическая драма

Психологические драмы строятся на биологических инстинктах. На уровне «теории вытеснения» появляется динамика их поведения. В фильме «Ночные игры» Ян с невестой Марианной приезжают в свой замок. Его начинают мучить воспоминания детства, он напивается, взрывает замок и освобождается от прошлого.

Фильмы ужасов

Постепенно, психологизм по Фрейду начинает смещаться: появляются сюрреалистические фильмы с фантастическими сюжетами, замешанные на ужасе. Например, фильм «Ребенок Розмари» соединил в себе фрейдизм, сюрреализм и ужас в неоготическом стиле.


Вопросы:

  1. В чем вы видите отличие отечественного киноискусства от американской киноиндустрии?

  2. Как появился киножанр?

  3. Вспомните американские фильмы и найдите в них мелодраматизм.




29. Формы культуры


В современном мире культуру можно рассматривать, как элитарную, популярную и массовую, субкультуру.


Элитарная культура  – это совокупность творческих достижений человечества, адекватное восприятие и создание которых требует специальной подготовки.

Понятие элитарная культура происходит от слова элита. Элита – это наиболее способная к духовной деятельности, одаренная высокими нравственными и эстетическими задатками часть общества, именно она обеспечивает прогресс. Элитное общество предпочитает сложную философскую литературу. Люди, относящиеся к элите, знатоки и проводники в общество высокого эстетического вкуса. Круг потребителей элитарной культуры – высокообразованная часть общества – критики и литературоведы, искусствоведы и художники, музыканты и завсегдатаи театров, музеев и т.п. Иными словами, элитарная культура функционирует в среде интеллектуалов, профессиональной духовной интеллигенции.

Субкультура (подкультура) – часть культуры общества, отличающейся своим поведением от преобладающего большинства. Субкультура может отличаться от доминирующей культуры собственной системой ценностей, языком, манерой поведения, одеждой и т.д.,

Хhello_html_2234bf4e.jpgиппи в переводе с английского означает «знающий, понимающий». Расцвет движения пришелся на 1960-начало 1970 годов. Первоначально хиппи выступали против пуританской морали некоторых протестантских церквей, а также пропагандировали стремление вернуться к природной чистоте через любовь и пацифизм.

Первое использование слова «хиппи» зафиксировано в передаче одного из нью-йоркских телеканалов, где этим словом была названа группа молодых людей в майках, джинсах и с длинными волосами, протестующих против вьетнамской войны. В то время было популярным сленговое выражение «to be hip», означавшее «быть в курсе», «быть „мировым“».

hello_html_m6a9033f4.jpg Хиппи верит, что человек должен быть свободным; что достичь свободы можно, лишь изменив внутренний строй души; что духовная община – идеальная форма общежития…

Культура «хиппи» имеет свою символику, признаки принадлежности и атрибуты. Для представителей движения хиппи, в соответствии с их миропониманием, характерно внедрение в костюм этнических элементов: бус, плетенных из бисера или ниток, браслетов («фенечек») и прочее.

В нашей стране элементы культуры хиппи появились в 70-х гг. Существуют они и в настоящее время, привлекая внимание подростков и юношества уже не только идеями, сколько своего рода историчностью, легендарностью. Многое из музыки, литературы, кино, проникнутого духом хиппи, сегодня воспринимается как классика американской и европейской культуры XX века.
Последователи хиппи в нашей стране создали «богатый» сленг, многие элементы которого до сих пор не вышли из употребления в молодёжной среде. Это преимущественно англицизмы, которые, однако, во многом отличаются от традиционных заимствований. Как известно, заимствования не имеют обычно однозначного словесного аналога в родном языке и зачастую приходят в него вместе с теми понятиями и явлениями, которые они обозначают. Англицизмы хиппи, напротив, являются чёткими дублями уже существующих в русском языке слов. Это слова типа шузы (ботинки), флэт (квартира) и им подобные. Таким образом, в сленге хиппи существует универсальный способ обозначения, которым они неизменно пользуются, если хотят перевести обычное, общеупотребительное слово в ранг сленгового: соответствующее английское слово переделывается на русский лад: герла - девушка, пипл - люди из тусовки, ксива – документ. Есть в арсенале хиппи и слова «отечественного» происхождения: телега – интересная, но длинная история.


Популярная культура

Популярная культура отличается от остальных видов культур и имеет ряд характерных черт.

В этой культуре ярко выраженная национальная специфика, тогда как традиционная народная культура преимущественно этническая.

Ведущую роль несет визуальный, изобразительный жанр.

Культура неразрывно соединенина со средствами массовой коммуникации, хотя использование технических каналов для трансляции произведений неизбежно приводит к обеднению их содержания, так как техническая передача резко ограничивает возможности импровизации и новых интерпретаций;

Популярная культура интерактивна — создается параллельно с процессом распространения и потребления. Этим она напоминает народное творчество. Лучше всего эта черта видна в сети Интернет;

Характерно для популярной культуры наличие черт традиционных праздников, ритуалов, народных гуляний, карнавала, проявляющееся в том, что культурные события распределяются во времени неравномерно, организуются в тематические циклы и приурочиваются к «знаковым» событиям, которые тщательно планируются. Такие событийные циклы выстраиваются в последовательность, внешне удивительно напоминающую народный обрядовый календарь;

В современном мире на первое место в области популярной культуры выходят массовость и серийность, аффективные общности, носители коллективных чувств. Возрождаются локальные культурные сетевые сообщества, группы солидарности, музыкальные объединения и т.д., т.е.;

Для этой культуры характерны политизированность: любое событие культурной жизни, привлекающее внимание миллионов людей, неизбежно приобретает политическое значение. Использование популярных символов народной, фольклорной культуры, интерпретированных по-своему;

Субъектами популярной культуры являются люди, владеющие каналами массовой информации и коммуникациями, т.е. транслируют культуру.



Массовая культура — это совокупность общемировых потребительских элементов культуры, производимых в больших объемах промышленным способом, культура повседневной жизни, включая средства массовой информации и коммуникации, с которыми она тесно связана.

Содержанием массовой культуры является продукция современного промышленного производства, кино, телевидение, книги, газеты и журналы, спорт, туризм и т.д. Потребление этой продукции — массовое, ибо аудитория, которая воспринимает данную культуру, — это массовая аудитория больших залов, стадионов, миллионы зрителей телевизионного и киноэкранов.

Массовая культура связана с формированием индустриального общества. Предпосылками этого стали повышение статуса городского и сельского населения и расширение границ демократического общества. В 19-20 веках в Европе приняты законы об обязательной всеобщей грамотности населения. В силу этого массовая культура неразрывно связана со средствами массовой коммуникации. Вначале использовались технические возможности полиграфической промышленности — дешевые популярные газеты и журналы, дешевые книжки – беллетристика (любовные и детективные романы) и комиксы.

Вопросы:

1. Что такое элитарное искусство?

2. Что такое суб-культура? Какие вы знаете суб-культуры в современном мире?

3. Опишите суб-культуру байкеров: язык, одежду, символику.

4. Приведите пример популярного искусства в жизни людей.

5. Определите, в какой степени вы подвержены массовой культуре.


30. Литература латинской Америки. Колумбия

Габриэль Гарсиа Маркес.

Испаноязычный писатель из Колумбии. Родился в 1926 году. В качестве журналиста, приезжал в Москву на всемирный фестиваль молодежи и студентов. Своими любимыми писателями считал Толстого и Гаршина.

Самый популярный роман «Сто лет одиночества», написал за 18 месяцев, переписывая его 11 раз.

Сюжет романа навеян воспоминаниями о детстве, биографиями семьи его родственников. Здесь переплетается быль и вымысел, фантастика и логика.

Дом деда в деревне, в котором рос Габриэль до восьми лет, был наполнен чудаками. Дед умер, и родители перевезли его в город, где он учился.

В 1946 году поступил в университет на юридический факультет в Богатее. К этому времени он был уже автором нескольких рассказов. Маркес прибыл в свою деревню, чтобы продать дом деда и увидел, что улицы не такие широкие, дома не такие большие, а обстановка в доме покрылась древней пылью и паутиной. Эта тема одиночества подтолкнула его к наброскам к написанию будущего романа.

Прототипом его бабки станет Урсула, деда Николо – Хосе.

В романе воскрешает бесшабашная обстановка тех лет. «Сто лет одиночества» напрочь лишена серьезности. Демонстративно отказываясь от серьезности, Маркес обращается к бессмертным традициям народной смехотворной культуры, где неиссякаем поток поговорок и предсказаний, народных примет и преданий.

Смех «Ста лет одиночества» потомок смеха Рабле, но если он был предвестником новой эпохи, то роман Маркеса стал веселым судьей и могильщиком своей эпохи.

Композиционный стержень романа – история 6 поколений, которая раскрывается не последовательно, а параллельно в пространстве и времени.

История семьи Буэндиа вбирает в себя целую эпоху человеческого сознания, прошедшую под знаком индивидуализма пытливого человека Ренессанса, а в конце – отчужденный индивид середины 20 века. Это повествование – мгновенная эволюция личности, сжатая, словно пружина в историю шести поколений.

Урсула и Хосе с детьми поселились в город Макондо. Город отрезан от мира. Кругом вода. Это сближает Маркеса с творчеством Дефо, его Робинзоном на необитаемом острове. Но приходит цивилизация, вместе с ней разрушительные войны.

Писатель показывает, как на человека действует разрушительная сила разума, где замкнутый мирок соприкасается с жестокой действительностью, но кроме этого, в романе много народного юмора.

Когда Хосе Аркадио стал юношей, он встречался с девушками, младший Аурелиано ждал его всю ночь, ворочаясь в постели, чтобы он рассказал ему все подробности своих похождений. « У детей вид совсем осовелый, – говорила Урсула. – Глисты, наверное. Она приготовила отталкивающего вида пойло из растертого в порошок мексиканского чая. Оба сына выпили это лекарство с неожиданной стойкостью и одиннадцать раз в этот день дружно усаживались на горшок…»

Язык Маркеса неподражаем.


«Полковник Аурелиано Буэндиа… снял рубашку, сел на край койки и в три часа пятнадцать минут пополудни выстрелил из пистолета в круг, который его личный врач нарисовал йодом у него на груди. В этот самый час в Макондо Урсула приподняла крышку горшка с молоком, стоявшего на плите, удивляясь, что молоко так долго не закипает, и обнаружила в нем великое множество червей.

– Аурелиано убили! – воскликнула она.

Потом, повинуясь привычке, выработанной одиночеством, бросила взгляд во двор и увидела Хосе Аркадио Буэндиа, грустного, промокшего под дождем и гораздо более старого, чем он был, когда умер. «Его убили предательски, – уточнила она, – и никто не позаботился закрыть ему глаза».

Здесь спрессован весь ужас войны: Полковник не отстоял город, застрелился, а Хосе убили на этой войне. В романе все иносказательно, сюжет соткан из событийных параллелей, подан через деревенскую магию, искусство предсказания. В то же время. здесь присутствует юмор, благодаря которому Маркес подчеркивает военный драматизм, как самую большую человеческую глупость.

«Это правление убожеств, – замечал полковник Аурелиано Буэндиа, глядя на идущих мимо босых полицейских, вооруженных одними деревянными дубинками. – Мы только воевали ради того, чтобы нам не перекрасили дома в голубой цвет».

Сюжет романа не последователен, все герои и умершие и живые общаются, поэтому, жизнь и смерть здесь тоже сдружились. «Амаранта увидела свою смерть в один жаркий полдень вскоре после того, как Меме отправили в монастырскую школу. Смерть сидела и шила рядом с Амарантой и та сразу же узнала ее: в ней не было ничего страшного – просто женщина в синем платье, длинноволосая, немножко старомодная…смерть была такой реальной и так походила на человека, что однажды даже попросила Амаранту оказать ей любезность вдеть нитку в иголку…»

В конце романа в доме появляются муравьи. Они предвестники постепенного разрушения дома и одновременно исчезновения большой семьи.

«Сто лет одиночества» трудно отнести к какому-то существующему литературному жанру. Если это сказка, то слишком печальная, если быль, то слишком сказочная. Здесь много иронии и народной мудрости. Особенно иносказательны диалоги.

Символика сюжетов многослойна и понимается читателем в силу его интеллекта: один находит просто красивый оборот слов, другой находит народную поговорку, кто-то – глубокий философский смысл.


1. Как вы думаете, в какой культурной среде будет читаться этот роман?

2. Можно ли сказать, что роман рассчитан на массового потребителя?

3. Какой вы представляете себе литературу массовой культуры? Приведите пример из своего опыта.

4. Сравните литературу для массового потребителя с романом Маркеса по языку, многоплановости, оригинальности… Сделайте вывод, какую литературу следует читать.


3hello_html_m69cfe533.jpg1. Поп-арт или современное искусство

Поп-арт (поп –сокращенное от пипл, народ, арт – искусство)— направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления. В этом определении, народный, надо понимать, как массовый.

Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в английской прессе в середине 20 века. Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блейк, Джо Уилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956)

Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой. Так появляется китч - культура.

Китч, кич ( халтура, безвкусица, «дешевка») – синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. Особое распространение получил в различных формах стандартизованного бытового украшения. Китч – отход от элементарных эстетических ценностей и одно из наиболее ярких проявлений примитивности и пошлости в популярном искусстве.


В 1971году, немецкий теоретик искусств В.Хауг опубликовал книгу «Критика товарной эстетики». В книге он объявляет эстетику неким «первичным сознанием», которое следует как можно скорее приспосабливать к нуждам «общества потребления».

Искусство стало тиражироваться. Хауг призывает деятелей «товарной эстетики» тщательно изучать спрос: «красивость» как чувственное явление, ее значение в процессе «реализации меновой стоимости». Внедрение «красивости» в товары как средства внушения «жажды обладания», стимуляции покупки. Иными словами, чем красивее обложка упаковка, тем быстрее покупается товар. Вначале делается пробник товарной эстетики, если его оценил покупатель, начинается массовое производство. В таком подходе к искусству заметно влияние массового потребителя на эстетику. Как, говориться, «любой каприз за ваши деньги». Таким образом усредняется эстетический уровень общества. Такой подход к эстетики характерен не только для промышленных товаров, но и для киноиндустрии, рекламного искусства, моды и т.д.

Поп-искусство создавалось вне норм, образцов и традиций, любым способом и из любых материалов. Художник мог заимствовать мотивы и образы из рекламы, модного журнала, комиксов – банальные и безвкусные. Не думая, он «дополнял» живописное полотно разными предметами, приставленными, приклеенными или привешенными к нему (очки и деньги, окурки и костюм на вешалке, лестница-стремянка).
В начале 70-х годов в Нью-Йорке состоялась ретроспективная выставка работ известного американского поп-художника Р. Раушенберга. Входя в зал, зритель видел огромную «Белую картину» – полотно, покрытое белилами. Рядом висела «Черная картина» – измятые обрывки газет, заляпанные черной краской, и полотно под названием «Шарлин» – композиция из зеркальца, кусочков ткани и дерева, обрывков рубашки, расплющенного зонтика, почтовой открытки, литографий с картин старых мастеров и беспрерывно мигающей электролампы.

Рhello_html_m69cfe533.jpgаушенберг изобрел свой метод создания картин из предметов «реального мира». Он сводится к следующему: он смачивает кусок бумаги жидкостью для зажигалок, затем накладывает сверху иллюстрацию, вырезанную из журнала и долго водит по ее оборотной стороне шариковой ручкой. Переведенную на новую бумагу картинку, он штрихует или размывает. Так он создал серию иллюстраций к «Божественной комедии» Данте.

Ему присуждена была премия за картину, на которой представлены были амбарный замок, кусок фотографии Кеннеди, вырезки из журналов, открытки. То есть, своеобразное панно из мусора.
Поп-арт с его отрицанием всех художественных законов и норм привел к невиданному падению вкуса и к утрате духовного содержания, если можно спроектировать монумент в виде гигантской котлеты или тарелки с яичницей.
Бездуховность массовой культуры сказывается не только в обращении художников к изображению предметов потребления, но и в изображение самого человека, в понимании его места в обществе. Человек в художественных творениях сам становится похожим на вещь. Сверхточно копируя действительность, пользуясь даже муляжом, художники воспроизводят лишь внешний облик, лишенный всяких человеческих черт. Реалисты начала 20 века решительно отвергали бездушное копирование внешнего облика. Известен казус, когда скульптура Родена не была принята на выставку из-за излишне точного соответствия оригиналу – ее объявили муляжом и не признали произведением искусства.

В изготовлении муляжей прославился скульптор Дж. Сигал. Он изобрел новую технику изображения натуралистических копий живых людей. Он забинтовывает человека, придает ему жесткую форму и заливает гипсом. Человек вынужден сидеть или стоять в определенной позе, пока гипс не высохнет. Муляжи он рассаживал по стульям, креслам, ванным комнатам. Эти безликие белые муляжи создают ощущение тоскливости и отчуждения.

hello_html_m69cfe533.jpgБелые, бесформенные корявые фигуры из пластика «моются» в настоящих ванных и «пьют» кофе, «сидят» за столами стульях. Это творения американского поп-художника Ж. Сегала.

Американец Клаас Олденбург изготовлял из разных материалов всевозможную «снедь» – сосиски, помидоры, батоны. Даже соорудил монумент в виде рубленой котлеты. Мир упаковок и муляжей, штампованных образов и манекенов. В поп-арте уравнивается банальное и прекрасное, низменное и высокое, синтетическое и живое.

Прием создания произведений такого рода является антихудожественным, так как лишает их уникальности и неповторимости. Внедрение в область искусства приемов «серийного производства» разрушает принцип истинного искусства.


По книге И.С. Куликовой «Философия и искусство модернизма» М., Политиздат, 1880г.

Вопросы:

1.Как появился поп-арт?

2. Есть ли положительные стороны в поп-арте? Какие?

3. Повлиял ли поп-арт на современный дизайн?

4. Приведите примеры поп-арта в современном мире, в вашей повседневной жизни.


32. Жанры современной музыки.


Поп музыка – самая распространенная из всех видов современной музыки. ». Поп, как известно, происходит от слова пипл (народ). Никогда прежде музыка не имела такой огромной аудитории: залов, стадионов, полей. В этом с ней может соперничать футбол или хоккей. В чем причина такого успеха? Все объясняется простотой и доступностью поп-музыки. Песни поп-музыкантов, например, Валерия Леоньева, могут спеть и сыграть другие. Для песен характерно текстовое содержание, рассчитанное на исполнение ее другими людьми. То место, которая занимала в 19 веке народная песня, теперь занимает поп-музыка. Песня поп-певца, написанная поэтом и композитором, исполняется группой по нотам. Поп-певец должен владеть голосовыми данными, хорошо двигаться на сцене, уметь «завести» публику. У него свой образ в одежде и манере исполнения.

Рок-музыка  – обобщающее название ряда направлений популярной музыки. Слово «rock» в переводе с английского «качать, укачивать, качаться». Родина рока – Англия.  Характерные признаки рок-музыки: использование электромузыкальных инструментов, исполнение композиций собственного сочинения. В Западноевропейском роке главным становится музыкальная аранжировка, слова песен уходят на последний план. В русском роке содержание песен варьируется от лёгкого и непринуждённого до мрачного, глубокого и философского, например, песни группы «Машина времени», «Кино». От каждого участника группы требуется свое самовыражение, свой имидж.

«Золотым веком» рок-музыки считают 1965-1975 годы, когда в полном блеске проявили себя выдающиеся английские группы: «Битлз», Роллинг Стоун», «Дип пёрпл», «Пинк Флоид», «Цеппилин». Чуть позже появляются российские группы: «Машина времени», «Наутилус Помпилиус», «Кино», «Ария» и другие.

Рок является особым суб-культурным явлением. Такие субкультуры, как, хиппи, панки, металлисты, готы, неразрывно связаны с определёнными жанрами рок-музыки.

Истоки рок-музыки лежат в блюзе, из которого и вышел рок-н-ролл. Рок вышел из низов, это была культура масс, абсолютно лишенная аристократизма, что отличало ее не только от классической музыки, но и от джаза

Принято считать, что рок начинается с «Битлз». Однако, многие исследователи рок-музыки предпочитают не употреблять само слово «рок» при разговоре о «Битлз» и других группах первой половины 1960-х гг., утверждая, что это была всего лишь разновидность поп-музыки с более жестким звучанием и более активной ритмической составляющей. Характеризовать данный вариант поп-музыки можно с помощью термина «бит» в переводе с английского означает «ритм».

Гhello_html_m650b64bb.jpgруппа «Битлз» была создана в 1957 году в городе Ливерпуле. Лидером группы был Джон Леннон. Он и Пол Маккартни сочиняли тексты и музыку для всей группы. Популярность «Битлз» приходится на 1963 – 1967 годы. Они дают концерты в США, Франции, Канаде. Их лирическая песня «Каждый день», стала самой популярной во всем мире. Их пластинки и кассеты в Советском Союзе запрещались, как чуждая буржуазная музыка, но и она проникала в дома советской молодежи.

Следующая после «Битлз» группа «Роллинг стоунз» (катящиеся камни), появившаяся вначале 1960-х гг., играли более жесткую музыку, с обилием блюзовых гармоний. Обе группы считаются мощнейшими представителями бит-направления. Бит довольно быстро исчерпал себя, скорее всего в силу своей простоты.

Пинк Флойд»

Большое воздействие на развитие рок-музыки в дальнейшем произвело появление нового электронного инструметна – синтезатора. Он был содан в 1964 году американцем Мугом. Синтезатор способствовал расширению и дальнейшему усложнению музыкальных приемов в рок-музыке. Эта группа состояла из четырех студентов – архитекторов из Лондона. Они начали выступать с середины 60-х годов. Их группа названа в честь известных негритянских исполнителей блюза – Пинка и Флойда. Эта группа одна из первых начала использовать во время высткпления световые эффекты.

В дополнение к самой музыке на концерте вводятся элементы театра, в том числе театра абсурда. Так, например, во время получасовой импровизации лидер группы Сид Барретт мог уйти за кулисы, вернуться со сковородой и заняться приготовлением яичницы, при этом звук скворчащего на сковороде масла вплетался в музыкальную палитру, становясь ее неотъемлемой частью.

Из психоделических экспериментов постепенно формируются несколько стилей, которые будут определять развитие рок-музыки в 1970-е гг. Одним из стилей 70-х годов становится хард-рок, или тяжелый рок. Виднейшими представителями данного стиля становятся группы «Дип пёрпл», «Блек сэббэт» и в особенности «Лед зеппелин». Самая известная мелодия группы «Лед зеппелин» – «Лестница на небеса» с неподражаемым гитарным соло. Визитная карточка «Дип пёрпл» – песня «Туман над водой», которая стала классикой рока.


Вопросы:

  1. Что такое поп-музыка? Какие песни вы любите из поп-музыки?

  2. Назовите отличительные черты рок-музыки.

  3. Какие музыкальные произведения рок-музыкантов вам известны? Какие группы вам нравятся?

  4. Подготовьте музыкальную презентацию вашей любимой группы.


33. Рок – музыка в России


В начале зарождения рок-музыки в Советском Союзе, средства массовой информации упорно пресекали представителей нового музыкального направления, подвергали их критике. Сейчас рок-музыка стала явлением интернациональным. Она понятна и доступна молодежи всей планеты.

«Машина времени»

В 1969 году несколько учеников московской школы – поклонники «Битлз», решили создать рок-группу и петь только свои песни. Так через несколько лет появилась группа «Машина времени», а ее лидером, поэтом и композитором стал Андрей Макаревич, тоже по профессии архитектор, как и члены группы «Пинк Флойд». Эту группу на заре её юности поддержал зачинатель русского рока Александр Градский.

В 1979 году группа «Машина времени» подписала контракт с Росконцертом. С этого периода, группа официально гастролировала по стане. Благодаря Андрею Макаревичу, как поэту, многие стихи к его песням носили провокационный характер по отношению к устаревшему правительству периода застоя. Это был свежий ветер перемен. «Машина времени» не изменила русским традициям и на первое место даже в рок-музыке ставила поэтическое содержание песни. Их песни расходились по магнитофонным записям, их слушала молодежь, их песни становились настоящими хитами. Самые известные из них «Все очень просто», «Кукловоды», наполненные политическим и философским содержанием, стали настоящей бомбой во времена «застоя».

«Наутилус Помпилиус» (малюски).

Пhello_html_426dfe71.jpgопулярность этой группы из Свердловска (Екатеринбурга) достигла популярности в 1987 году. Концерты группы проходят при оглушительных авациях, с каждым выступлением растет их популярность. Сдержанностью поведения, строгостью и аккуратностью костюмов они походят на «Битлз». Большое влияние на стиль песенных текстов оказало творчество легендарного лидера группы «Аквариум» Бориса Гребенщикова. Песенные тексты группы, в большинстве принадлежат лидеру группы Вячеславу Бутусову. Творчество группы можно характеризовать как социальный рок. Сюда входят песни критического и сатирического содержания, много песен – призывов политического и экологического характера. Наиболее известные песни – «Скованные одной цепью», «Шар цвета хаки», «Падший ангел»…

«Кино» – одна из самых популярных советских рок-групп 1980-х годов. Лидером, автором всех текстов и почти всей музыки неизменно оставался Виктор Цой. После его трагической гибели, группа выпустила более ста песен, несколько сборников, концертных записей, и прекратила свое существование.

Стилистически группа ушла от многих традиционных элементов русского рока, например, в аранжировке. Для песен характерна определённая навязчивость, многократное повторение одних и тех же слов или мелодий. Тематическая составляющая лирики на раннем этапе творчества отражает подростковую обыденность и драматические переживания по поводу любви, благодаря чему музыканты удостоились звания «новые романтики», в то время как тексты позднего периода наполнены героизмом и внутренним протестом, выражают позицию мужественной гражданской ответственности. Самые известные песни Виктора Цоя «Группа крови», «Звезда по имени Солнце» до сих пор не потеряли своей популярности.


Вопросы:

  1. Найдите отличительные черты между английским русским и роком.

  2. Что вы еще знаете о творчестве отечественных музыкантов?

  3. Какие отечественные группы нам известны? Что вам в них нравится?


34. Контроль знаний

1. Объясните, как взаимодействует власть и искусство? Приведите примеры

2. Как влияет наука на искусство? Приведите примеры.

3. Расскажите о роли искусства в годы Второй Мировой Войны.

4. Что можно сказать об обществе, в котором пропагандируется абсурдное искусство?

5. Абсурд – это «искусство ради искусства» или одно из средств изображения действительности?






























Очень низкие цены на курсы переподготовки от Московского учебного центра для педагогов

Специально для учителей, воспитателей и других работников системы образования действуют 65% скидки при обучении на курсах профессиональной переподготовки.

После окончания обучения выдаётся диплом о профессиональной переподготовке установленного образца с присвоением квалификации (признаётся при прохождении аттестации по всей России).

Подайте заявку на интересующий Вас курс сейчас: KURSY.ORG


Общая информация

Номер материала: ДВ-204291

Похожие материалы

Получите наградные документы сразу с 38 конкурсов за один орг.взнос: Подробнее ->>