МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ,
НАУКИ И МОЛОДЕЖИ РЕСПУБЛИКИ КРЫМ.
КРЫМСКИЙ РЕСПУБЛИКАНСКИЙ
ИНСТИТУТ ПОСЛЕДИПЛОМНОГО ПЕДАГОГИЧЕСКОГО ОБРАЗОВАНИЯ.
Урок по МХК в 11 классе
Тема: «Русский балет»
Работа выполнена слушателем
КПК
учителей музыки, в т.ч.
преподающих ХК
Абдуллаевой Леннарой
Тефиковной,
учителя Феодосийской
специализированной школы I – III ступеней №1
Симферополь, 2014
Тема: «Русский балет»
«Балет – вдохновенная пластика,
воплощение мысли в движении, духовного в телесном».
И.Шевелев, лауреат Авербаховской премии АМН СССР,
профессор.
Цель: расширить представления учащихся о балете как
о виде
театрального искусства, ознакомить с известными
композиторами и
исполнителями русского балета и их наилучшими
произведениями,
развивать у учащихся навыки поисковой работы,
монологического
высказывания; воспитывать чувство прекрасного,
восхищение
искусством действия, танца и музыки, заинтересовать
учащихся
искусством балета, обогатить их мировоззрение.
Тип урока: урок изучения нового материала.
Форма урока: интегрированная «телепрограмма», журналистское
исследование.
Ресурсный материал: портреты М. Петипа, П. И. Чайковского, С.
Прокофьева, И. Стравинского, М. Фокина, А. Истоминой,
В. Нижинского, А.
Павловой,
Г. Улановой, М. Плисецкой, А. Волочковой,
видео или изображение сцен из балета П.
И. Чайковского «Лебединое озеро», С. Прокофьева «Ромео
и Джульетта», И. Стравинского «Петрушка».
Ход урока.
I.
Организационный
момент.
II.
Мотивация учебной
деятельности.
На доске –
карта Европы с соответствующими иллюстративными элементами.
У ч и т е л ь. Художественная культура мира – многогранна и
многозвучна. Каждый регион мира особенный и прекрасный, а вклад каждого народа
в общечеловеческую сокровищницу – своеобразный и неповторимый. Узнать и
убедиться в этом нам поможет карта.
Учитель задаёт вопросы, учащиеся отвечают при
помощи карты.
У
ч и т е л ь. Что миру подарила Греция? Античную скульптуру, которая стала
образцом для скульпторов всех последующих эпох, и театральное искусство; Италия
дала жизнь многим художественным феноменам. Но в нашем сознании она
ассоциируется прежде всего и изобразительным искусством эпохи Ренессанса по
трём её титанам – Леонардо да Винчи, Микеланджело Буанаротти и Рафаэль Санти.
Франция – это импрессионизм в живописи и музыке, родина кинематографа и
шансона. Испания открыла мировых грандов живописи Эль Греко, Франсиско Гойю,
Сальвадора Дали и Диего Веласкеса. Великая Британия основала новый стиль сада,
предназначенный для гармонического отдыха и лично жизни, а также стала родиной
молодежной музыки ХХ в., открыв миру «Битлз»; Германия – осуществила переворот
в истории европейской керамики, подарив мейсенский фарфор, а Нидерланды –
творчество великих голландцев Питера Пауля Рубенса и Рембрандта; находкой
Австрии и её вкладом в европейскую культурную сокровищницу стало наследие
композиторов- классиков венской школы Йозефа Гайдна и Вольфганга Амадея Моцарта
и, конечно, короля вальса – Иоганна Штрауса.
Сегодня на уроке мы обратили своё внимание к славянскому региону.
Как известно, славянская группа народов, общих по языку и происхождению:
белорусы, украинцы, болгары, поляки, россияне, сербы и т.д. Каждый из них
открыл свою страницу в европейском культурном наследи. Мы с вами сегодня
заглянем в мир музыкально- театрального искусства России, итак, русский балет –
уникальное явление, он и сейчас известен во всём мире и не одна страна до сих
пор не может сравниться с Россией в этом царстве искусства.
Звучит песня «Балет» в исполнении А. Пугачёвой.
На доске (или на экране) звёзды балетных сцен.
III.
Актуализация
опорных знаний.
У ч и т е л ь. Вспомните, что вы знаете о балете из уроков музыкального
искусства и других источников информации. Учащиеся работают в группах, создавая
ассоциативный куст или опорный конспект. Группа, которая назвала больше всех
ассоциаций получает определенное количество баллов.
Например:
|
Балет
|
|
|
«Лебединое озеро»
|
|
Танец
|
|
Музыкальный спектакль, действие.
|
|
Зрелище
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
IV.
Изучение нового материала.
У ч
и т е л ь. Автор песни
«Балет», которая прозвучала в исполнении Аллы Пугачёвой, очень удачно отобразил,
передав музыкой и характером суть этого вида искусства – серьёзный,
величественный, пристрастный.
«Тело никогда не врёт» - слова американской танцовщицы Марты
Греем, которая создала танец модерн, может быть подтверждением этого. Основа
балета – танец и пантомима. Только движением тела и выражением лица может
обворожить зрителя настоящий артист балета, рассказывая о человеческих
переживаниях и мыслях, чувствах и реальных событиях. Балет – искусство элитное,
как опера или джаз – не каждый хотя бы раз в жизни видел, а если и удалось, -
то понял ли или полюбил. Сегодня на уроке мы немножко приоткроем завесу тайны
этого вида искусства, узнаем, какова роль русского балета в становлении
классического танца, вспомним известных композиторов, танцоров, хореографов,
пересмотрим фрагменты балетных спектаклей.
III.
Мотивация учебной деятельности.
- Итак, мы вспомнили материал о таком виде искусства
как балет.
1. Беседа. Вхождение в тему
урока с использование презентации.
- Что за удивительное искусство, волшебное действие которого заставляет
затаить дыхание? Вспомним историю. Термин балет появился в конце XVI
века. Но означал он тогда не спектакль, а только танцевальный эпизод, который
передавал определенное настроение. Такие «балеты» складывались с мало связанными
между собой «выходами» персонажей – чаще всего героями греческих мифов. После
таких «выходов» начинался общий танец – «большой балет».
Балет (от франц. balleto и лат. ballo - танцую), имеет два значения:
1) вид театрально – музыкального
искусства, где художественный образ создается при помощи хореографии,
танцевально – пластического языка;
2) балетный спектакль.
В основе балета лежит определенный сюжет, драматургическая мысль
либретто, но бывают и бессюжетные балеты. Основными видами танцев в балете
являются классический и характерный. Важную роль тут играют пантомима, при
помощи которой актеры передают чувства героев, их «разговор» между собой, в
целом суть того, что происходит на сцене. В современном балете широко
используются также элементы гимнастики и акробатики.
Балет – вид музыкально- сценического искусства,
содержание которого раскрывается в хореографических образах. Французское слово ballet
происходит от итальянского «танец». Французское название и итальянские корни не
случайны. Балет возник в эпоху Возрождения в Италии, где издавна любили веселые
танцевальные сценки на карнавале, которые со временем превратились в
танцевальные спектакли. Во Франции стал популярен дворцовый торжественный
балет. Известный французский драматург
Ж.- Б. Мольер создал либретто нескольких комедий- балетов, музыку к
которым написал композитор Ж.- Б. Люлли. В Королевкой академии танца (Париж)
сформировалась школа классического танца – своеобразный язык хореографического
искусства, который в основном сохранился до наших дней.
Сегодня вы сможете обогатить свой арсенал художественных понятий
терминами, касающимися балета. Обратимся к ним, а так же к портретам и
иллюстрациям, которые представлены на доске.
Балет – (фр. ballet от итальянского ballo –
танец) – музыкально- хореографический спектакль, в котором органично
соединяются музыка, танец, драматическое действие и элемент изобразительного
искусства на основе общего драматического плана. Танец в балете ставит балетмейстер,
которого в программах и афишах называют хореографом или постановщиком,
а исполняют артисты балета или, как их называют, танцовщики.
Адажио (adagio) – медленный музыкальный темп, по метроному
от 96 до 120 ударов в минуту.
Либретто (итал. libretto – книжечка) – литературный текст, который
лежит в основе музыкально- сценического произведения, главным образом оперы.
Часто под «либретто» имеют в виду краткий пересказ содержания оперы, балета,
оперетты.
Ведущая программы (на фоне музыкального
произведения из известного балета). История балета связывает три
европейские страны. Хоть искусство танца существует уже несколько тысячелетий,
балету всего около 500 лет. Балет родился в Италии, в эпоху Возрождения, где
карнавалы сопровождались веселыми танцами. Но свой классический вид балет
приобрел во Франции. Сам король Людовик XIV издал указ об основании Королевской академии
танца. Мы знаем, что балерина танцует в специальной обуви – пуантах, и ее
сценический костюм достаточно необычен – пачка. Впервые одела пачку и вышла на сцену
в пуантах итальянская балерина Мария Тальони 3июня 1830 года.
Постепенно балет развивался и распространялся во всем мире.
История мирового балета сохранила немало легендарных
имен. В Стокгольме, столице Швеции, перед старинным домом Музея танца сооружен
памятник. В скульптуре из бронзы воплощен образ известной русской балерины
Галины Улановой в партии Лебедя (скульптор Елена Янсом- Манизер). Кто не помнит
танец маленьких лебедей или адажио Одетты- Одиллии из сказочно- фантастического
балета П. Чайковского «Лебединое озеро»? Эта музыка стала любимой для многих
людей во всем мире, ведь идея борьбы против темных сил, которые стоят на пути к
счастью, понятны представителям разных культур, людям разного возраста, разных
художественно- эстетических интересов и предпочтений.
Наибольший вклад в развитие этого вида искусства
внесли русские танцоры, композиторы, хореографы. Именно на традициях русской
балетной школы воспитывались танцовщики всего мира.
Выступление ученика- историка.
Впервые слово «балет» (в переводе с итальянского – «танцую»)
произнёс итальянец Доминико де Пьяченца. В начале XV века
он служил учителем танцев при дворе правителя одной из областей Италии –
Феррари. Как то Доминико де Пьяченца предложил придворным исполнить на балу 4
разных танца как единое целое. Сложив для этого спектакля еще и общий финал с
церемонными выходами и поклонами, он назвал всё это действие – балетом.
Однако, балет в том виде, в котором мы знаем его сейчас родился не
в Италии, а во Франции. В 1581 г. в Париже прошёл грандиозный спектакль
«Комедийный балет королевы». Историки рассказывают, что он длился 5 с половиной
часов. В спектакле участвовали и певцы, и чтецы, но события сюжета
раскрывались, в основном, при помощи танца. Так, 400 лет тому назад появился
тот вид театрального спектакля, который мы сегодня называем словом «балет». Он
соединяет в себе музыку, танец, искусство декораций, и создаёт, таким образом,
целиком особенный вид сценического зрелища. Танец в балете ставит балетмейстер
(хореограф, постановщик), а исполняют артисты балета (танцовщики). Танец –
главное выразительное средство в балете. В танце раскрывается содержание
балета, характеры действующих лиц, их мысли и чувства. Большое значение в
балете имеет музыка – её драматическая, эмоциональная сила, богатство и краса,
мелодии ритмов.
Важная роль в балете принадлежит декорациям, костюмам,
осветлениям. В России первый балетный спектакль прошел при дворе царя Алексея
Михайловича в 1673 году в подмосковном селе Преображенском. Его подготовил
иностранец – офицер инженерных войск Николай Лима. Назвался он «Балет про Орфея
и Эвридику». Источник русского балета – в народных танцах, то величественных и
мелодичных, то озорных и дерзких. Русские артисты по- своему относились к
технике танца, которую им предлагали заграничные постановщики- педагоги. Они
развили её, обогатили качествами, присущими народному танцу: выразительностью,
вдохновенностью, осведомленностью.
Выступление
ученика- искусствоведа.
На
этой основе начало формироваться искусство, которое мы называем теперь русским
балетом. В истории русского балета много славных страниц. В XIX веке
он стал образцом для балета всего мира. Этим он обязан композиторам П. И.
Чайковскому, творцу бессмертных балетов «Лебединое озеро», «Спящая красавица»,
«Щелкунчик», А. К. Глазунову, автору «Раймонды», балетмейстерам М. Петипа, Л.
Иванову, М. Фокину. В поставленных ими спектаклях танцевали славные балерины А.
Павлова,
К. Гельцер, Т. Карсавина, танцовщики В. Нижинский, В. Тихомиров и
многие другие. На этом великом наследии вырос русский балет. Среди его творцов
известные хореографы К. Голейзовский, ф. Лопухов, Р. Захаров, Л. Якобсон,
И. Вольский, Ю. Грогоровия, А. Виноградов и др. Много спектаклей
остаются в памяти на всю жизнь. Незабываемы балеты «Золушка» и «Ромео и
Джульетта» С. Прокофьева, «Спартак» А. Хачатуряна (он был награжден Ленинской
премией), «Дон Кихот» Л.Минкуса, «Бахчисарайский фонтан» Б.Асафьева и много
других. Радостные, праздничные детские балеты «Доктор Айболит», «Чиполлино»,
«Петя и Волк», «Белый пароход», «Синяя птица» стали любимыми балетами наших
детей. С огромным успехом проходят и за границей выступления балетных трупп и
отдельных солистов – представителей разных национальностей. Мастерством,
виртуозностью их техники и вдохновению их исполнения восхищаются во многих
странах мира. В классических балетах и в современных спектаклях танцевали и
танцуют известные мастера Г.Уланова, М.Семенова, О.Лепешинская, Н.Тимофеева,
М.Плисецкая, В.Чабукиани, К.Сергеев, К.Максимова, Н.Бессмертнова, В.Васильев,
М.Лиспа, И.Колпакова, М.Сабирова, Г.Измайлова, Л.Семеняка, Н.Павлова и много
других. «Мы хотим не просто танцевать, а говорить танцем», - в этих словах
известной русской балерины Галины Улановой заложено глубокое содержание.
Отображено упорное стремление к содержательности в балетном искусстве. Эти
слова дополняют то чудесное определение, которое дл русскому балету А.С.Пушкин:
«… душой исполнительный полет…»
Просмотр фрагмента видеофильма «Театр», фрагментов из балетов
«Жизель» Адана и «Спящая красавица» П. Чайковского.
Выдающиеся хореографы.
А в т о р 1. В России балет распространился в ХVIII в.
Здесь длительное время работал один из представителей французской школы
классического танца Шарль Дидло. На петербургской сцене он поставил
немало балетных спектаклей, в которых выступала, в частности, всеми известная
Авдотья Истомина , чьё исполнительское мастерство воспевал А.
Пушкин.
(Читает ученик)
Блистательна, полувоздушна
Смычку волшебному послушна,
Толпою нимф окружена.
Стоит Истомина. Она
Одной ногой, касаясь пола,
Другою медленно кружит,
И вдруг прыжок, и вдруг летит
Летит, как пух от уст Эола,
То стан совьёт, то разовьёт
И быстрой ножкой ножку бьёт.
(«Евгений Онегин», глава I)
Становление русской школы в XIX в. связано с деятельностью балетмейстера Мариуса
Петипа, француза по происхождению, который прожил в России 63 года, и
поставил на петербургской сцене около 60 балетов, а также с музыкой Петра
Чайковского (1840 – 1893) – автор трёх знаменитых балетов: «Лебединое озеро»,
«Щелкунчик», «Спящая красавица». До сегодняшнего дня наилучшие балеты Петипа
ставятся на сценах мира как выдающиеся образцы балетного наследия XIX
столетия. («Спящая красавица», «Раймонда», «Лебединое озеро»).
Новый этап развития русского балета связан с именем
балетмейстера Большого театра Александра Горского (1871 – 1924) –
постановщика балетов «Дон Кихот» и «Саламбо». Он отказался от устаревших
приемов пантомимы, сделав действие четким и динамичным, стремился достичь
последовательности развития драматического действия, пытался усилить роль
кордебалета, как массового действующего лица, преодолеть разделение пантомимы и
танца, а также привлек к художественному оформлению своих спектаклей известных
художников, в частности Константина Коровина и Александра Головина.
Авангардистом хореографического искусства ХХ века
считают Михаила Фокина (1880 – 1940), который искал новые средства
выразительности, усовершенствовал и даже изменил рисунок танца, создавая новые
танцевальные формы. Его постановки для «Русских сезонов» балетов «Шопениана»,
«Петрушка», «Жар - птица» и др. приобрели славу русскому балету за границей. А
в балетах «Египетские ночи», «Дафнис и Хлоя» и т. д. засияли звезды русского
балета: Анна Павлова, Вацлав Нижинский, Татьяна Карсавина, Ольга Спесивцева.
Мировую популярность получила также созданная Фокиным для
А. Павловой миниатюра «Умирающий лебедь» (1907).
1911- 1913 гг. на почве «Русских сезонов» образовалась постоянная
труппа «Русские балеты » Дягилева,
После Фокина балетмейстером труппы стал В. Нижинский. Известнейшей
его постановкой является балет «Весна священная» на музыку
И. Стравинского.
Русский балет начала ХХ века.
(«Русские сезоны» С. Дягилева ).
Начало ХХ века ознаменовалось новаторскими поисками, стремлением
преодолеть стереотипы, условности академического балета ХIХ века.
Двадцать лет – с 1909 до 1929гг.- именуются «золотым столетием » русского
балета. Классический балет приобрёл мировую известность под именем Дягилева, а
позднее под названием Кировский балет. С. Дягилев - известный
антрепренер ( собственник, арендатор, владелец личного зрелищное заведение),
театральный деятель – пылкий пропагандист русского искусства за границей,
организатор «Русских сезонов» в Париже. Дягилевские сезоны – яркий пример
межвидового синтеза искусств – музыки, хореографии и живописи .Они были
возможны благодаря творческим поискам художников А.Бенуа, В.Серова, Н.Рериха,
композитора И. Стравинского, хореографов М.Фокина и Д.Баланчина и др.С. Дягилев
заказывал декорации П.Пикассо и Ж.Кокто, музыку – К.Дебюсси и М.Равелю. Он
сделал балет сердцевиной всего нового – модернизировал классические спектакли,
добавив к ним новые средства выражения чувств через движения танцовщиков. В
постановках художника была ощутима безграничная радость танца, балетная техника
стала невероятно утончённой.С.Дягилев координировал работу не только
танцовщиков, а и осветлителей, художников, композиторов, мастеров балетного
костюма. Многоактные спектакли, темой которых были благородные страсти и героические
поступки, исполнялись под прекрасную симфоническую музыку
Видеофрагмент
какого- либо фрагмента.
Великие композиторы балетной музыки.
1. Знакомство с
творчеством П.И Чайковского
Великие композиторы балетной музыки.
Знакомство с творчеством П. Чайковского
Чайковский Петр Ильич. Во многих странах балет воспринимается как «живое
воплощение классики», которое обосабливает само понятие «русский балет»,
который утвердился в мире в ХХ веке. Неповторимый его образ в значительной
степени связан с балетами на музыку Петра Чайковского, творчество которого
принадлежит вершинам мировой балетной музыкальной культуры.
Гениальный композитор родился 25 апреля (7 мая) в 1840 году в
г. Воткинск. Чайковский был первым русским композитором, который получил
образование в первой русской консерватории: он закончил Петербургскую
консерваторию по классу ее основателя А. Рубинштейна и сразу с 1866 года стал
преподавать в Московской консерватории, которая только что открылась, и
проработал в ней 11 лет. С детства он не мог слушать музыку без волнения, был
ли это любимый В. А. Моцарт или народные песни. Чайковский говорил о себе, что
«с самого раннего детства проникся удивительной красотой… русской народной
музыки.
Музыка Чайковского отличается глубиной идей и образов,
богатством переживаний и эмоциональностью, искренностью и правдивостью
выражений, ярким мелодизмом и сложными формами симфонического развития.
Балеты он начал писать, когда был уже зрелым композитором,
хоть наклонность к произведениям танцевальной музыки проявилась у него с первых
шагов творчества. Танцевальные ритмы и жанры, укоренившиеся в бытовой музыке,
использовались Чайковским не только в больших инструментальных пьесах, но и в
оперных и симфонических произведениях.
До Чайковского музыка в балетном спектакле имела предпочтительно
прикладное значение: придавая ритмическую основу танцу она, однако, не
содержала глубоких идей и образных характеристик. В ней господствовали рутина и
штампы, однотипные танцевальный формы, применялись для воплощения разнообразнейших
сюжетов. Реформа П. Чайковского была подготовлена опытом воплощения
танцевальных жанров и форм в мировой классической оперной и симфонической
музыке, в том числе в его личном творчестве развернутыми танцевальными сценами
в операх М. Глинки и других русских композиторов, стремлением передовых
балетмейстеров к повышению значения музыки в балетном спектакле.
Сущность реформы Чайковского – смена роли музыки в балете. Из
второстепенного элемента она превратилась в главный, обогащая сюжет и придавая
содержание хореографии. Балетная музыка Чайковского создана с расчетом ее
танцевального назначения, воплощает все достижения, накопленные в этой области;
она театральная, поскольку содержит характеристику основных образов, ситуаций и
событий сюжета. В то же время по своей драматургии, принципам и стилевым
особенностям балеты Чайковского близки к симфонической оперной музыке,
поднимаются на один уровень с вершинами мирового музыкального искусства. Не
отбрасывая традиции, не разрушая исторически сформированных жанров и форм
балетной музыки, Чайковский вместе с тем наполнил их новым содержанием и
смыслом.
Его балеты сохраняют номерное строение, но каждый номер
представляет собой большую музыкальную форму, упорядоченную законом
симфонического развития, которая дает широкий простор для танца. Большое
значение у Чайковского имеют лирико – драматические эпизоды, которые воплощают
узловые моменты развития действия; вальсы, которые создают лирическую атмосферу
действия; сюиты национальных характерных танцев; действенно – пантомимные
сцены, которые рисуют ход событий и тончайшие смены эмоциональных состояний
действующих лиц. Балетная музыка Чайковского пронизана единой линией
динамического развития в пределах отдельного номера, сцены, акта всего
спектакля в целом.
Чудесный мир сказки нашел воплощение в балетах «Лебединое
озеро» (1876), «Спящая красавица» (1889; по мотивам сказки Ш. Перро) и
«Щелкунчик» (1892; по мотивам сказки Гофмана). И хоть балеты написаны на разных
этапах творческого пути композитора и непохожи между собой (в «Лебедином озере»
преобладает драматическая сфера, в «Спящей красавице» - эпическая, в
«Щелкунчике» - характерная), но все они глубоко лиричны и во всех общая для
Чайковского тема – стремление человека к счастью, преодолению преград в напряженной
борьбе. Всего три балета – «Лебединое озеро», «Спящая красавица» и «Щелкунчик».
Именно в этой последовательности они появились на сцене Большого театра. Балеты
Чайковского, созданные в содружестве с балетмейстерами Л. Ивановым и М. Петипа,
разрешили главную проблему балетного театра – соотношение музыки танца. Они
открыли эру симфонического балета.
Петр Ильич Чайковский (7.5.1840, Воткинск Вятской губернии - 6.11.1893,
Петербург) - российский композитор, дирижер, педагог, музыкальный деятель.
Окончил Училище правоведения (1850-1859) в Петербурге, с 1859 года по 1861
г., чиновник Министерства юстиции. В годы пребывания в училище пел в хоре,
брал уроки фортепьяно у Р. Кюндигера. В 1861 году начал заниматься теорией
музыки у Н. Зарембы. Дальнейшее музыкальное образование получил в открывшейся в
1862 году Петербургской консерватории (окончил в 1865 году); ученик Антона
Рубинштейна. С 1866 года по 1878 год профессор Московской консерватории, в
1874-1876 годах музыкальный критик газеты "Русские ведомости". С 1878
года по 1885 год находился преимущественно в разъездах по России и за границей
и занимался творческой деятельностью. С 1885 года директор Московского
отделения Русского музыкального общества. В том же году поселился в с.
Майданово близ Клина, в арендованной им даче. С 1887 года регулярно выступал
как дирижер, исполняя главным образом свои произведения. В 1888-1889 годах
предпринял большие концертные поездки по Европе, в 1891 году - по городам США
(в последний раз выступил как дирижер в Петербурге за 9 дней до смерти с первым
исполнением VI симфонии). В 1892 году обосновался в Клину, под Москвой (ныне
Дом-музей им. Чайковского). В 1892 году избран членом Института Франции, в 1893
году почетным доктором Кембриджского университета (Англия). Чайковский - один
из величайших композиторов всех времен и народов, оставил обширное и
разнообразное творческое наследие, поднял на небывалую дотоле высоту русское
симфоническое творчество, оперу, балет (в котором он соединил принципы
симфонического развития с танцевальным действием), камерную музыку. В своей
музыке Чайковский с потрясающей силой утверждает права человека на жизнь,
свободу, счастье, справедливость. Идейная содержательность, гуманизм творческих
устремлений, демократичность музыки, ее эмоциональная напряженность при
исключительной искренности и простоте, ярко выраженная национальная сущность и
народность музыки, могучий реализм и жизнелюбие, неисчерпаемое мелодическое
богатство, подлинное, глубоко содержательное новаторство, выдающееся мастерство
- таковы наиболее существенные особенности творчества Чайковского. Великий
лирик, непревзойденный мастер отображения душевного мира человека, он был также
великим певцом родной природы. Творчество Чайковского заслужило признание,
любовь и популярность во всем мире и оказало огромное влияние на последующее
развитие русской и мировой музыки.
Сочинения.
Оперы: "Воевода" (1869), "Ундина" (соч. 1869,
уничтожена), "Опричник" (1874), "Кузнец Вакула" (1876,
перераб. в 1885 году в "Черевички", 1887), "Евгений Онегин"
(1879), "Орлеанская дева" (1881), "Мазепа" (1884),
"Чародейка" (1887), "Пиковая дама" (1890),
"Иоланта" (1892); Балеты: "Лебединое озеро" (1877),
"Спящая красавица" (1890), "Щелкунчик" (1892); 4 кантаты, в
т. ч. "Москва" (1883); 7 симфоний, в т.ч. "Манфред" (1885);
5 сюит; поэма "Фатум" (1868); увертюры-фантазии "Ромео и
Джульетта" (1869, нов. ред. 1870, 1880), "Гамлет" (1888);
фантазии "Буря" (1873), "Франческа да Римини" (1876),
"Итальянское каприччио" (1880); баллада "Воевода" (1891); 5
увертюр, в т. ч. "1812 год"; 3 марша для оркестра, в т. ч. Славянский
марш (1876); Серенада для струнного оркестра (1880); 3 концерта; Концертная
фантазия (1884); "Меланхолическая серенада" (1875); Вальс-скерцо
(1877) для скрипки с оркестром; Вариации на тему с рококо (1876);
Пеццо-каприччиозо (1887) для виолончели с оркестром; секстет "Воспоминание
о Флоренции" (1892); 3 квартета; фортепьянное трио "Памяти великого
художника" (1882); 106 пьес для фортепьяно, в т. ч. 2 сонаты; Детский
альбом (1878); "Думка" (1886); 12 характеристических картин
"Времена года" (1876); Сентиментальный вальс (1882); 104 романса, в
т. ч. "Нет, только тот, кто знал", "Забыть так скоро",
"Хотел бы в единое слово", "Страшная минута",
"Серенада Дон-Жуана", "То было раннею весной", "Средь
шумного бала", "Кабы знала я", "День ли царит",
"Благославляю вас, леса", "Ночи безумные", "Растворил
я окно"; музыка к спектаклям, в т. ч. к "Снегурочке" Островского
(1873) и др.; книга "Руководство к практическому изучению гармонии"
(1871), статьи.
2. Знакомство с творчеством С. С. Прокофьева
Славу русскому балету на мировой музыкально- театральной арене
приумножил другой исполнитель петербургской школы, ученик
Н. Римского- Корсакова Сергей Прокофьев. Музыке С. Прокофьева
всегда была присуща танцевальность. Композитор объявлял: «Я не люблю быть в
покое, я люблю быть в движении». Вершинным достижением композитора считают
великий балет- трагедию «Ромео и Джульетта». Благодаря новаторской трактовке
хореографии и симфоническим приемам музыкального развития в нем было гениально
отображены глубокопсихологические образы и общечеловеческие конфликты трагедии
Шекспира. Как всегда, композитор выявил необыкновенную творческую смелость,
ведь на этот сюжет уже существовали известные произведения (оперы, симфонии и
т. д.) таких великих композиторов, как Ш. Гуно, В. Беллини, П. Берлиоз, П.
Чайковский.
Шекспир на балетной сцене?.. Прокофьев бросает вызов
авторитетам. Начался экспериментальный поиск нового музыкального и
пластического языка, драматургических и оркестровых средств. Музыку балета
пронизывают основные мелодические линии – лейтмотивы, которые соединяют линию
образов – портретов в единое целое. Стремительная и полетная тема Джульетты –
девочки, мечтательно - задумчивая и грустная – Ромео, эксцентричная и
жизнерадостная – Меркуцио, суровая хоральная – патера Лоренцо, трагично –
угрожающая – тема вражды графств Монтекки и Капулетти. В ряду хореографических
образов будто оживает дух эпохи Возрождения. Балет стал общепризнанным шедевром
трагического жанра.
С. Прокофьев создал балеты «Сказка о шуте» и «Рассказ
о каменном цветке» по сюжету русских народных сказок. Этим произведениям были
присущи яркие национальные черты. А поэтическую «Золушку» создал в классических
традициях.
(Прослушивание произведений С. Прокофьева: Монтекки и Капулетти
из балета «Ромео и Джульетта»).
3. Знакомство с творчеством И.Ф. Стравинского
Через постоянные радикальные изменения стиля, этого русского
по происхождению композитора называют «Пикассо в музыке». Еще его называют
«человеком тысяча одного стиля», «композитором- хамелеоном», «законодателем
музыкальных мод», «изобретателем музыкальной пищи на мировой арене». Игорь
Стравинский – выдающийся новатор, прежде всего в сфере ритма в музыке.
Музыке балетов Стравинского присуща такая сложность ритмического построения,
что хореографам приходилось искать новые средства хореографического воплощения
новаторской ритмики. Композитору повезло: судьба свела его с известным
хореографом- новатором Сергеем Дягилевым. Дягилев предложил Стравинскому
создать музыку к фантастическому балету по мотивам народных сказок о Жар- птице
и Кощее Бессмертном. Премьера балета «Жар- птица» 25 июня 1910
г. в Париже вызвала настоящий фурор, и Стравинский буквально на следующий день
проснулся знаменитым. В «Русских сезонах» 1911
г. (13 июня) был представлен балет «Петрушка», который отображал мир русской
ярмарки с её дебошными танцами. Главную партию в балете исполнял известный
танцор Вацлав Нижинский.
Игорь Стравинский родился 5 (17) июня 1882 года в г. Ораниенбаум, ныне
г. Ломоносов, близ Санкт - Петербурга. Музыкальное образование получил под
руководством Н. Римского- Корсакова. Творчество Стравинского открыло новые пути
взаимодействия музыкальных и хореографических образов, гибкого и тонкого
согласия музыки и танца, где «ниткой Ариадны» стал энергичный, выразительный
ритм.
Первый балет Стравинского «Жар птица» (сказка – балет, Париж,
балетмейстер М. Фокин) был создан в русле поисков группы «Мир искусства»
которую возглавлял организатор Русских сезонов в Париже
С. Дягилев. «Жар – птица» соориентирована на экзотическое зрелище с
перевоплощением фольклорных прообразов в духе эстетики импрессионизма. Яркая
красочность музыкально – живописных решений, присущая музыке балета, утонченная
пластика нашли доскональное воплощение в хореографии М. Фокина. Однако
Стравинский вскоре решительно разрывает с бывшими канонами, ведя поиск в новом
направлении.
В балете «Петрушка» (Париж, балетмейстер М. Фокин) на фоне
праздничной суматохи ярмарочного гуляния разворачивается драма одухотворенных
кукол, которая имитирует сложные переплетения человеческих страстей. В
партитуре балета появляются элементы уличных «площадных» мелодий, которые
поданы с подчеркнутой экспрессией.
Стихия движения, которая рождается в соединении энергических
пластических ритмов, господствует в «Весне священной» (Париж, балетмейстер В.
Нижинский). Партитура этого балета значительной мерой обусловило развитие
музыки ХХ века, открыв новые способы организации музыкального материала. При
этом балет пронизан своеобразной пластикой, созданной резкими неожиданными
сменами острых импульсивных ритмов. Все это выдвинуло перед хореографией
нелегкие проблемы, стимулирую поиски новых средств пластической
выразительности. Премьера «Весны священной», поставленная «Русским балетом»
Дягилева в Париже 29 мая 1913 года, сопровождалось бурными овациями со стороны
публики. Тогда имя Стравинского стало символом ультрасовременных тенденций в
музыке.
Перед началом Первой мировой войны композитор покинул Россию.
До 1939 года жил во Франции, потом поселился в США. Добровольное изгнание стало
причиной постепенного исчезновения в музыке Стравинского элементов русского
фольклора.
В поздних произведениях уже прослеживается поворот к
классицизму и религиозной тематике. В этот период композитор создает балеты
«Пульчинелла» (1920) и «Поцелуй феи» (1928). Ярчайший художественный аскетизм
Стравинского проявился в «Царе Эдипове» (1927), опере оратории на латинский
текст. В 1951 г. Стравинский написал оперу «Приключения Гульвисы».
В 1962 г. Стравинский получил приглашение посетить с
концертами Советский Союз. Он не забыл образ, заданный ему советскими
«генералами» от музыки, которые называли его «лакеем империализма», но
приглашение принял. 80-ти летнего композитора сопровождал американский дирижер
Роберт Крафт.
Умер Стравинский в Нью – Йорке, похоронен на кладбище Сан –
Микеле в Венеции, (Италия), на так называемой русской его части, вместе со
своей женой /Верой, недалеко от могилы Сергея Дягилева.
Его влияние на музыку ХХ века огромно. Такой шедевр, как
«Весна священная», написанный в городе Устилуге, вошел в основной репертуар
оркестров многих стран мира. В честь Стравинского назван кратер на Меркурие и
музыкальная школа в Ораниенбауме. Также существует Фонтан Стравинского на
одноименной площади перед Центром Жоржа Помпиду в Париже.
Выдающиеся исполнители русского балета
«Анна Павлова никогда не впечатляла своей техникой, она
очаровывала своим вдохновением. Хотелось любоваться ей, забывая про все правила
танца, лишь бы вместе с ней отлетать вдаль чарами её священного танца!» - это
слова современника.
До Павловой в балете обитал виртуозный блеск, культ танцевальной
техники. Великая балерина XIX – XX ст. создала эталонные образы высокой
духовности, красоты, искренности. Именно для нее Михаил Фокин создал танец
«Умирающий лебедь» на музыку К. Сен- Санса (звучит мелодия произведения как фон
рассказа), который всю жизнь оставался самым любимым концертным номером
балерины. До сегодняшнего дня наилучшие исполнительницы обращаются к образу
умирающего лебедя, и каждая из них воплощает свое видение трагедии.
Просмотр танца.
Анна Павловна (Матвеева) Павлова (31.01 (12.02.) 1881 -23.01.1931) – артистка
балета, одна из известнейших балерин ХХ века. После окончания Вагановского
училища (1899) была принята в труппу Мариинского театра. Танцевала партии в
классических балетах «Щелкунчик», «Конек- Горбунок», «Раймонда», «Баядерка»,
«Жизель». В 1906 году стала ведущей танцовщицей труппы.
На ее исполнительскую манеру повлияла совместная работа с
балетмейстерами А. Горским и особенно М. Фокиным. Анна Павлова исполняла
главные роли в балетах М. Фокина «Шопениана», «Павильон Армиды», «Египетские
ночи» и др.
В 1907 году на благотворительном вечере в Мариинском театре Анна
Павлова впервые исполнила поставленную для нее М. Фокиным хореографическую
миниатюру «Лебедь» (позже «Умирающий лебедь»), который стал одним из символов
русского балета ХХ века.
В 1910 году А. Павлова перешла на так званое положение
«гастролерки», создав собственную труппу. Вместе с этой труппой гастролировала
во многих странах мира. Специально, для труппы А. Павловой М. Фокиным были
поставлены несколько балетов. Среди них – «Семь дочерей горного короля».
Последнее выступление балерины в Мариинском театре было в 1913
году, а в России – в 1914 году, после она устроилась в Англии, в Россию не
возвращалась.
В продолжении 1921- 1925 годов А. Павлова гастролировала в США. Ее
гастроли организовал американский импресарио русского происхождения Соломон
Юрок. В 1921 году А. Павлова также выступала в Индии – Дели, Бомбее, Калькутте.
Имя Павловой еще при жизни балерины стало легендарным. Умерла она
в Гааге, во время гастролей, от пневмонии. Не считаясь с желанием балерины
вернуться на родину, урна с ее прахом находится в Лондоне. По легенде,
последними ее словами были: «Приготовьте мой костюм лебедя!».
Вацлав Томович Нижинский (12 (24.)03.1889- 11.04.1950.) –
артист балета, балетмейстер. Учился в Петербургском театральном училище. С 1913
года жил в Западной Европе: ведущий танцор и балетмейстер «Русских сезонов» в
Париже и Лондоне, балетной труппы С. Дягилева, собственной труппы в Лондоне.
Критики называли этого непревзойденного артиста «восьмым
чудом света», высоко оценивая его талант танцора. Поклонники таланта
В. Нижинского считали его известнейшим танцором, который когда- либо
жил на земле. «Когда он – бог балета взлетал в прыжке высоко над сценой,
казалось, что человек на самом деле способен стать невесомым. Он опроверг все
законы равновесия и перевернул их с ног на голову, он напоминает нарисованную
на потолке человеческую фигуру, он легко себя чувствует в воздушном
пространстве…» - в восторге писал о В. Нижинском французский сюрреалист Жан
Конто.
Его
партнершами были Матильда Кшесинская и Анна Павлова. «Он опроверг все законы
равновесия и перевернул их с ног на голову.
Известнейшие балеты с участием В. Нижинского: «Весна священная»,
«Петрушка» и «Полдень одного фавна».
Балет «Весна священная» был создан за два года, премьера 1913
г., впервые в истории музыки спровоцировала басню среди зрителей. Возможно, на
психику «неподготовленной» зрительской аудитории «новый ритм» музыки
композитора- новатора подействовал так, как действует на сегодняшнюю молодежь
ломанные ритмы определенных стилей современной электронной музыки, от которых
слушатель получает такой энергетический допинг, который ищет, куда потратить
лишнюю энергию.
Фрагмент из балета.
Галина Сергеевна Уланова (26.12.1909.(08.01.1910) – 21.03.1998) – известная
балерина, одна из самых известных балерин ХХ века, народная артистка СССР
(1951), дважды Герой Социалистического Труда (1974; 1980), лауреат Ленинской
(1957) и четырех Сталинских премий (1941; 1946; 1947; 1950), ученица Агрипины
Вагановой.
В продолжении 1928 – 1944 гг. – артистка Мариинского (Кировского)
театров в Ленинграде, 1944 – 1960 гг. – Большого театра в Москве.
Пик карьеры и мировой славы Улановой пришел на 1940-е 1950-е
годы,.
Самые известные ее роли – в «Жизеле» Адана, в «Золушке» и «Ромео и
Джульетте» Прокофьева, «Красном маке» Глиера.
Именно ей, единственной из балерин, при жизни был установлен
памятник в Ленинграде (1984, скульп. М. Аникушин) и в Стокгольме (1984, скульп.
С. Янсон- Манизер). В Голландии был создан сорт тюльпанов «Уланова».
Галина Сергеевна Уланова – не просто известная, всемирно известная
балерина, это целая эпоха в истории русского балета. Его национальная гордость,
его золотая страница.
Родилась Галина Уланова 8 января 1910 года в
Петербурге в творческой семье, где хореографические традиции были фамильными.
Еще совсем девочкой она поняла, какой прекрасный балет и какая вместе с ним
тяжелая жизнь балетного актера. Решение родителей отдать дочку в балетную школу
было обоснованным. Причина была в удивительно утонченном восприятии девочки
прекрасного, музыкальности, мягкости и грациозности движений. В сентябре 1919
года Уланова поступила в Государственную хореографическую школу. Первым
педагогом стала ее мать – Мария Федоровна. сначала Галина занималась балетом
только лишь из чувства обязанности, которое было воспитано в ней с раннего
детства. Но уже со второго года обучения, когда ученицы стали выступать на
сценах академических театров, Галина Уланова еще не успев полюбить балет,
начала понимать, что такое успех.
Дебют Галины Улановой произошел в 1928
г. в партии Флорины. Большой успех ее первого выступления не затмил голову, а,
наоборот заставил усиленно работать над собой, усовершенствовать технику и
актерское мастерство.
С огромным успехом в 1929
г. прошло ее выступление в лебедином озере. Одетта – Одиллия в исполнении
Улановой усовершенствовалось от спектакля к спектаклю. «Жизель» - особенный
спектакль в творчестве Галины Улановой. В ее Жизели появились совсем новые
черты – огромная духовная сила образа, его удивительная целостность и величие –
все то, чего не было раньше даже у лучших танцовщиц. Джульетта Улановой – один
из ярчайших образов, в нем много особенного, непосредственно пережитого.
Репертуар Улановой разнообразный. Юная, доверчивая и
ранимая Золушка – настоящий живой человеческий портрет; Параша – простая
скромная русская девочка, преданная и искренняя в своем чувстве; поэтическая
Тао Хоа – маленькая героиня большого китайского народа, танец которой насыщен
настоящим драматизмом. Мария, Корали, Джульетта – сложные психологические
образы, одухотворенные и живые характеры.
Балет, который она когда – то не любила, стал ее
судьбой. Жизнь Галины Улановой была отдана театру. До войны это был Кировский,
после войны – Большой театр, с которым она неоднократно выезжала за границу,
впервые - в Лондон, в 1935 г., в Париж в 1958
г. и в Нью-Йорк, в 1959 г.
От спектакля к спектаклю слава Улановой росла. Ее
требовательность к самой себе была просто беспощадной. В последние годы она
очень ограничила свой репертуар. Как-то ей задали вопрос, почему она перестала
танцевать «Лебединое озеро». Она ответила просто: «Я не могу танцевать хуже,
чем Уланова». Из-за травмы она не могла больше выполнять некоторые технически
сложные движения. Те партии, которые Уланова оставила в своем репертуаре,
переступив порог творческой зрелости, она исполняла также, как и много лет
назад.
Ее выпускным спектаклем на сцене Кировского театра
была «Шопениана». Он же стал и ее последним спектаклем на сцене Большого
театра через 40 с лишним лет. В 1960 г. Галина Сергеевна начала свою
деятельность как педагог – репетитор.
Ее жизнь – это напряженный труд, а талант всегда был
для нее лишь помощью в работе. В жизни она всегда покоряла людей своей
открытостью, добротой, внимательностью и сердечностью. Уланова – легенда
балета, единственная балерина, которой еще при жизни установили памятники – в
Стокгольме и в Санкт-Петербурге.
Ушла из жизни Галина Сергеевна Уланова 21 марта 1998
года.
Майя Михайловна Плисецкая (род. 20.11.1925) – артистка балета,
хореограф, писатель, актриса, народная артистка СССР (1959) Герой
Социалистического Труда, лауреат Ленинской премии, награждена Орденом «За
заслуги перед Отечеством» I ступени.
Солистка Большого театра в Москве. Жена композитора Родиона
Щедрина. Ныне живет в Испании.
В пластике Майи Плисецкой танцевальное искусство достигает высшей
гармонии. Известнейшие партии: Одетта – Одиллия в «Лебедином озере», Аврора в
«Спящей красавице» (1961), Хозяйка Медной горы в «Каменном цветке» Прокофьева,
Раймонда в одноименном балете Глазунова.
После ухода со сцены Галины Улановой (1960) Плисецкая стала
примой балета Большого театра.
В 1980 годы Плисецкая и Щедрин проводили много времени за
границей, где она работала художественным руководителем Римского театра оперы и
балета, а также Испанского национального балета в Мадриде.
В 65 лет она оставила Большой театр как солистка. На день своего
70- летия, она дебютировала в специально написанном для нее номере Бежара под
названием «Аве Майя».
С 1994 г. она является главой ежегодных международных балетных
соревнований, которые называются «Майя», Лауреат Премии Императорской Японии
(2006).
Рудольф Хамовитович Нуриев, известный во всем мире как Нуриев (17. 03. 1938 – 06.
01.1993) – артист балета, балетмейстер.
Начал танцевать в детском фольклорном ансамбле в Уфе, а в 1955
г. поступил в Ленинградское хореографическое училище. После его окончания
(1958) Нуриев стал солистом балета Театра им. С. М. Кирова (ныне Мариинский
театр).
16 июня 1961г., прибывая на гастролях в Париже, отказался
вернуться в СССР, став «невозвращенцем».
Вскоре Нуриев начал работать в Королевском балете в Лондоне и
быстро стал мировой знаменитостью. Около 15 лет Нуриев был звездой лондонского
Королевского балета и постоянным партнером известной английской балерины Марго
Фонтейн. Выступал во всем мире (Европа, США, Япония, Австралия и др.), работая
очень интенсивно (например, в 1975г. количество выступлений достигло 300). По
мнению специалистов, Рудольф Нуриев полностью изменил пассивную роль танцора в
классическом балете. В течении 1983 – 1989 гг. Нуриев был директором балетной труппы
парижской Гранд- опера. Неоднократно выступал на одной сцене с Ивет Шовире.
Одно из его главных достижений в этот период – «открытие Сильвы
Гиллем». Участвовал в классических современных постановках, много снимался в
кино и на телевидении, ставил классические балеты. Последние годы жизни
выступал как дирижер.
Умер в 1990 г. вблизи Парижа, похоронен на русском кладбище Сент –
Женевьев- де- Буа под Парижем.
В Казане и Уфе проводят международные фестивали классического
балета им. Рудольфа Нуриева. Башкирский государственный театр оперы и балета
назван в его честь.
Лучшие его балеты: «Лебединое озеро» (принц Зигфрид, Ротбарт),
«Щелкунчик» (Дроссельмейер, Принц), «Спящая красавица» (Синяя птица, принц
Флоримунд (Дезире)), «Жизель» (Альберт), «Дон Кихот», (Базиль), «Корсар» (раб),
«Ромео и Джульетта» (Ромео, Меркуцио), «Сильфида» (Джеймс), «Петрушка»
(Петрушка).
Майя Михайловна Плисецкая – известная балерина,
хореограф, доктор Сорбонны и почетный профессор Московского государственного университета.
Народная артистка СССР. Владелица многочисленный наград и премий, среди которых
три ордена Ленина, орден «За заслуги перед Отечеством» III, II и I
ступеней, а также орден Франции «За заслуги в литературе и искусстве», орден
Почетного легиона и орден Изабеллы Каталицкой.
Майя Михайловна Плисецкая родилась 20 ноября 1925 года в
Москве. В июне 1934 г. Плисецкая поступила в Московское хореографическое
училище, которое закончила в 1943 г. Еще в 1942
г. Плисецкая станцевала миниатюру Михаила Фокина «Умирающий лебедь» на музыку
Камиля Сен – Санса, которая прославила ее на весь мир.
В апреле 1943
г. она была принята в труппу Большого театра в состав кордебалета. Уже тогда
начал проявляться присущий ей редкостный талант трагедийной балетной актрисы. В
1945 г. Плисецкая стала первой исполнительницей партии феи Осени в «Золушке»
Сергея Прокофьева. Позже в ее репертуаре появились другие ведущие партии. Она
танцевала Одетту и Одиллию в «Лебедином озере», партию Заремы в «Бахчисарайском
фонтане», исполняла партию Эгины в балете «Спартак» Арама Хачатуряна.
Тем временем ее творческая судьба складывалась не
всегда просто. Когда основная часть балетной труппы отправилась в Англию на
первые в истории Большого театра заграничные гастроли, Плисецкую не выпустили
из страны. Длительное время она была «невыездною», а ее саму пытались обвинить
в шпионстве. Однако на карьеру великой балерины это не повлияло.
В 1960 г. Плисецкая официально считалась прима -
балериной Большого театра. Однако она не желала останавливаться на достигнутом
и стремилась танцевать не только классику, но и современное. В апреле 1967
г. была впервые показана «Кармен – сюита» Бизе – Щедрина, которая была
поставлена знаменитым кубинским балетмейстером Альберто Алонсо специально для
Плисецкой. Ее Кармен стала одной из главных ролей балерины в репертуаре
Большого театра и навсегда вошла в историю мировой хореографии.
В балете Щедрина «Анна Каренина» Плисецкая не только
исполнила роль главной героини, а и впервые попробовала себя как хореограф.
Как хореограф она поставила балет Щедрина «Чайку». В 1983
г. Плисецкая получила предложение стать художественным руководителем балета
Римской оперы. За те полтора года она показала на сцене Римской оперы свою
«Айседору», организовала обновление «Федры» и нескольких других балетов. В
Термах Каракаллы (Рим) она осуществила постановку «Раймонды» для открытой
сцены. Последний свой спектакль в Большом театре – «Даму с собачкой» -
Плисецкая танцевала 4 января 1990 года.
Разногласия с театральным руководством, в том числе с
главным балетмейстером, художественным руководителем балета Юрием Григоровичем,
привел к тому, что она ушла из Большого театра.
1990-е годы Плисецкая продолжила сотрудничество с
«Марсельским балетом» Ролана Пети и «Балетом ХХ века» Мориса Бежара. В 1992
г. в театре «Эспас Пьер Карден» состоялась премьера балета «Безумная из Шайо»
на музыку Родиона Щедрина, где Плисецкая исполнила главную партию. Ее новая
героиня затмила и лебедя, и Айседору, и Кармен, потому, что она была важнее и
современнее того, что Плисецкая уже сделала. Так она отметила 50-летие своей
сценическое жизни. Критики много писали о природных данных и технике Плисецкой,
отмечая ее большой шаг, высокий прыжок, удивительные обороты и мощный
артистический темперамент. По словам известного французского балетного критика
Андре Филиппа Эрсена, для характеристики Плисецкой – балерины достаточно трех
слов – «гений», «мужественность» и «авангард».
Славу своих известных предшественников исправно продолжают современные
артисты русского балета. Образы Майи Плисецкой («Кармен»- сюита Р.
Щедрина), Екатерины Максимовой и Владимира Васильева (Спартак А.
Хачатуряна ,Нины Ананиашвили («Жизель» А. Адана) и многих других
солистов Большого театра и Санкт- Петербургского театра оперы и балета вызывают
настоящее восхищение зрителей.
Ныне известнейшая в этой сфере искусства русская балерина и
общественный деятель Анастасия Волочкова.
Екатерина Максимова – ведущая солистка Большого театра, которая исполняла
главные партии практически во всех балетах: Жизель («Жизель» А. Адана), Фригия
(«Спартак» А.Хачатуряна), Маша, Аврора («Щелкунчик» и «Спящая красавица» П.
Чайковского), а также в балетах «Каменный цветок», «Дон Кихот», «Лебединое
озеро», «Ромео и Джульетта», «Шопениана», «Анюта». Она работала с выдающимися
хореографами мира, танцевала в спектаклях «Балет ХХ века» Мориса Бежара,
Марсельского балета, в неаполитанском театре «Сан-Карло», Английском
национальном балете. Снялась в фильмах-балетах «Галатея», «Старое танго»,
«Анюта», «Фуэте».
Развитие русского балета II половины XX века связано с именами
Г.Улановой, О.Лепешинской, Ю.Григоровича, М.Плисецкой,
Н.Безсмертновой, М.Лиспы, В.Васильева, М.Максимовой, В.Чабукиани, Р.Нуриева,
М.Барышникова и др.
Рассматривая искусство хореографии, следует сказать, что оно
представлено не только классическим балетом, но и непосредственно связанно с
традициями народного танца, которой отображает в движении и пластике специфику
национальной осведомленности.
Вывод: И сегодня русский балет известен во всем мире, ни
одна страна не может сравниться с ним в этом царстве искусства.
Наша программа завершается. Надеемся, она заинтересовала вас
неповторимым искусством балета, обогатила ваш духовный мир и побудила к
дальнейшему ознакомлению с феноменом искусства русского балета. До следующей
встречи в эфире!
Звучит музыкальная заставка
IV.
Итог урока.
У ч и т е л ь. Итак, дополним ваши ассоциативные кусты, которые
вы складывали в начале урока новыми знаниями о балете, в частности, русском.
Вопросы для итоговой беседы:
1. Что означает слово балет?
2. В какой стране родился этот танец?
3. Перечислите имена русских композиторов, которые писали музыку к
балетам.
4. Назовите имена прославленных танцоров русского балета.
V.
Домашнее задание.
1.
Обдумать вопросы для
проведения дискуссии на следующем уроке:
- Что способствовало мировой славе русского балета
- В чем красота русского балета.
2. Просмотреть в интернете балетный номер и написать
газетную заметку- отзыв на него.
Варианты номеров:
- Галина Уланова «Танец умирающего лебедя»
- Балет Чайковского «Лебединое озеро», «Танец
маленьких лебедей»
- Чайковский «Щелкунчик».
- С. Прокофьев «Ромео и Джульетта».
- И. Стравинский «Петрушка».
3. Найти в словаре определения терминов: адажио, па-
де- де, па- де- труа, вариации,
либретто.
Оставьте свой комментарий
Авторизуйтесь, чтобы задавать вопросы.