Методическая разработка «Особенности проектной деятельности при изучении предметов музыкально-теоретического цикла» (Обобщение педагогического опыта)

Методическая разработка

«Особенности проектной деятельности

при изучении предметов музыкально-теоретического цикла»

(Обобщение педагогического опыта)

Л.И. Марарица

Интернет-технологии сделали информацию доступной, изменили требования к образовательному процессу: педагог перестал быть «хранителем» знаний и стал наставником, который должен научить учиться, увлечь предметом, оказать влияние на формирование ментальных инструментов и мировоззрение учащихся. В этих условиях изменяются требования общества к системе воспитания и образования подрастающего поколения. Проектная деятельность, ориентированная на самостоятельное приобретение обучающимися новых знаний, умение, навыков, становится необходимым элементом современного образования.

Проектная деятельность на предметах музыкально-теоретического цикла в системе дополнительного образования позволяет: систематизировать и углубить полученные учащимися знания, умения, навыки, расширить кругозор учащихся, обогатить опыт музыкально-творческой деятельности, научить учащихся использовать в самостоятельной работе интернет-ресурсы и другие источники информации.

Современные информационные технологии позволяют расширить аудиторию проекта. Разместив презентацию своего проекта на интернет площадке, учащийся получает дополнительную мотивацию и стимул к повышению качества своей работы, шанс создать полезный востребованный информационный продукт. Функция преподавателя - не только отправить учащегося (или запретить ему) обращаться к информации, размещенной в сети Интернет, научить его отличать качественную информацию от недостоверной, но и подобрать адекватную форму и ресурс, площадку для представления результатов своей работы аудитории интернет-пространства.

Проектную деятельность в рамках музыкально-теоретических дисциплин можно условно разделить на следующие этапы: выбор темы, определение методов работы, выбор оптимальных путей реализации проекта, разработка плана и технологии, выполнение проекта, работа с источниками информации, экспертная оценка и самооценка результатов проектной деятельности. Важным для учащегося является результирующий этап проектной деятельности - презентация проекта, общественное обсуждение его результатов.

Чаще всего на предметах музыкально-теоретического цикла используются следующие типы проектов: информационный, исследовательский, творческий. Также в нашей практике обучения успешно реализовывались проекты, связанные с разработкой сценариев и участием в музыкально-театральных постановках, подготовкой и самостоятельным проведением уроков (по сольфеджио и слушанию музыки) старшеклассниками для учащихся вторых классов (ролевые/игровые проекты). Учащиеся старших классов участвуют в практико-ориентированных проектах (создание учебных пособий: альбомов, плакатов, стенгазет, справочных материалов).

Творческие проекты подразумевают разработку и представление авторского продукта. Например, наш проект «Юный композитор» для учащихся 2-7 классов. Цель проекта: вызвать у детей интерес к сочинению музыки, выявить творчески одаренных детей. Учащиеся представляют свои музыкальные сочинения, вокальные и инструментальные. Проект является межпредметным, охватывает музыкально-теоретические и исполнительские предметы. Задачи проекта: освоение элементов музыкального языка, ознакомление с музыкальными формами, жанрами, развитие слуховых навыков учащихся, формирование художественно-эстетического вкуса. Ожидаемый результат: личностный рост ребёнка, освоение средств музыкальной выразительности, приобщения к музыкально-творческой деятельности. Работу над такими проектами, их результаты необходимо делать достоянием окружения ребенка, так как не только для других людей, но и для него самого этот успех – это утверждение себя в новой роли, роли творца.

Исследовательские проекты предполагают освоение навыков исследовательской работы: аргументация актуальности взятой для исследования темы, формулирование проблемы исследования, выдвижение и проверка гипотез, обсуждение полученных результатов. К таким проектам можно отнести наш проект «Отражение исторических событий в культурной жизни России второй половины XIX века». Главная цель проекта: определить взаимосвязь между историческими и культурными событиями второй половины XIX века и показать их влияние на произведения искусства. Участники проекта должны выявить ключевые исторические события XIX века, исследовать взаимосвязь между историческими и культурными событиями, показать, как эти события отразились в произведениях музыки, литературы и живописи. Исследовательский проект направлен на повышение интереса к истории, культуре России. Ожидаемый результат: личностный рост ребёнка, формирование новых компетенций, навыков исследовательской работы, умение выстраивать системную картину, видение взаимосвязей различных сторон жизни общества на основе синтеза знаний из разных предметных областей, воспитание патриотизма.

Информационные проекты способствуют овладению навыками работы с информацией: её поиск, анализ и обобщение. Проект может быть реализован как в рамках одного предмета, так может быть и метапредметным.

В качестве иллюстрации предлагаем пример информационного проекта с элементами исследовательской деятельности, выполненный группой учащихся 5 класса «Музыка. От звука к ноте». Проект являлся метапредметным, требовал от учащихся обращения не только к предметам музыкально-теоретического цикла, но и к истории, литературе, физике, географии. Длительность проекта составила 3 недели. Проект был представлен на школьном и районном уровне.

Результат работы над проектом: приобретение навыков взаимодействия в группе, расширение кругозора, овладение механизмом самообразование и самообучения, повышение интереса к поисковой, проектной деятельности, превращение учения в увлекательный процесс, активизация личной позиции, повышение эффективности процесса обучения.

Проект

МУЗЫКА. ОТ ЗВУКА К НОТЕ

СОДЕРЖАНИЕ

Актуальность темы «Музыка. от звука к ноте»…………………………...…….2 стр.

1.      Музыка и звуки……………………………………………………..………….2 стр.

1.1.    Музыка и древние цивилизации…………………………………………3 стр.

1.2.   Музыкальная культура Древней Греции………………………………...5 стр.

1.3.   Пифагор – первый музыкальный ученый……………………………......6 стр.

2.      Музыка и ноты……………………………………………………………….....7 стр.

2.1.   Первые ноты…………………………………………………………….....7 стр.

2.2.   Музыкальные ученые средневековья…………………………….………8 стр.

2.3.   Реформа Гвидо Аретинского………………………………………….…..9 стр.

2.4.   Становление современной нотной записи…………….…...……………10 стр.

2.5.   Нотная запись на Руси……………………………………………………11 стр.

3.      Заключение………………………………………………………………….…12 стр.

Источники……………………………………………………………………...13 стр.

Приложения 1,2………………………………………………………………..14 стр.

Актуальность темы

Изучая предметы музыкального цикла, мы не раз задумывались над вопросами о происхождении современной нотной записи (Почему ноты получили такие названия? Кто первый назвал ноты? Как выглядели первые ноты? Зачем люди изобрели нотную грамоту?).

Мы провели опрос учащихся младших классов нашей школы (Приложение 1) и убедились, что абсолютному большинству (43 из 44 опрошенных) было бы тоже очень интересно получить ответы на эти вопросы. Поэтому свой доклад мы решили посвятить теме «МУЗЫКА. ОТ ЗВУКА К НОТЕ».

В своей работе мы рассмотрели основные этапы становления нотной записи. Изучив литературные и интернет источники по данной теме, мы пришли к пониманию, что появление нот связано с потребностью человека сохранять и передавать следующим поколениям музыкальную культуру. Веками, трудами многих людей и, прежде всего, таких великих музыкальных ученых как Пифагор, Гвидо Аретинский, была создана удобная и многофункциональная система нотной записи, позволяющая без проблем отобразить «живой» звук.

1.     Музыка и звуки

У каждого вида искусства есть собственные изобразительные средства -художественный язык. Поэт использует слова, художник - краски, композитор - звуки, точнее, их сочетания. Соединяются звуки не произвольно, а по определенным законам - так рождается музыкальное произведение. Чтобы лучше его понимать, нужно знать язык музыки, различать его основные элементы.

Звук возникает в результате колебаний - движения, при котором предмет отклоняется от своего первоначального положения то в одну, то в другую сторону. Таково, например, движение качелей или маятника часов. Однако колебания, вызывающие звук, происходят с намного большей частотой и меньшим размахом, поэтому увидеть их невооружённым глазом невозможно. Источником звука может быть натянутая струна или кожа, металлическая или деревянная пластина и даже столб воздуха, колеблющийся в полой трубке, скажем во флейте. Колебания создают звуковые волны, распространяющиеся в воздушной, водной или любой другой плотной среде. Именно их и улавливают органы слуха человека и животных.

Происхождение слова «музыка» известно всем: от греческого «искусство муз». А вот вопрос о том, как возник этот вид искусства, еще в прошлом веке и начале нашего столетия вызывал споры. Одни исследователи склонялись к тому, что музыка родилась из слова, возбужденной человеческой речи; другие относили ее истоки к пению птиц и голосам животных; третьи видели ее начало в ритмичной работе людей, магических заклинаниях и т. д. 
Нам трудно представить себе музыку первобытных людей. Тогда еще не существовало письменности, и никто не умел записывать ни слова песен, ни звуки их. Самое общее представление мы можем получить частью по следам жизни людей тех далеких времен (например, по наскальным и пещерным рисункам), а частью по наблюдениям над жизнью некоторых современных народов, сохранивших первобытный уклад жизни. Так мы узнаем, что еще на заре человеческого общества музыка играла важную роль в жизни людей (Приложение 2, рис.1).

К настоящему времени ученые, основываясь на новых данных археологических и этнографических исследований, пришли к выводу, что в первобытном обществе становление музыки проходило очень медленно, она не была тем видом искусства, которое мы сейчас определяем этим словом. Музыку древних нельзя отделить от их повседневной жизни. Женщины убаюкивали детей, тихонько напевая; пастухи сзывали стадо звуками рогов; ритмичные выкрики помогали рыбакам вытягивать сети и лодку на сушу; устрашающие возгласы воинов повергали в ужас врагов. Печальный погребальный обряд сопровождался плачами (еще и сейчас кое-где сохранились профессиональные плакальщицы). Возвращение воинов с победой отмечали торжественным пиром с плясками, пением, отбивая ритм ладонями, похлопывая по гулко звучащим и звенящим предметам. Эти веселые звуки, шумовая разноголосица поднимали людям настроение, подчеркивая праздничность, значительность события.

Постепенно люди научились отбирать из огромного количества звуков и шумов звуки музыкальные, научились осознавать их соотношение по высоте и длительности, их связь между собой.

1.1.          Музыка и древние цивилизации

По сравнению с музыкой первобытного общества музыка древнейших цивилизаций стояла на неизмеримо более высокой ступени развития. Барельефы на развалинах ассирийских храмов, египетские фрески и другие памятники далеких времен сохранили для нас изображения музыкантов. Но что именно играли музыканты, о чем пели певцы, об этом мы можем только догадываться.

С древнейших времен (2635-2155гг. до н.э.) музыка в Египте играла важную роль, как в религии, так и в повседневной жизни. Египтяне называли музыку "радость", культивируя это искусство во всех социальных сферах.

Точных сведений об основных жанрах египетской музыки нет. Предположительно они были связаны с мистериями - музыкально-драматическими представлениями, посвященными жизни богов. Музыка сопровождала придворные и храмовые ритуалы. В храмовых действах предпочтение отдавалось хоровому и сольному пению, а при дворе - инструментальной музыке. Сцены из жизни фараонов и их приближенных на фресках гробниц изображают музыкантов с арфами, флейтами и инструментами, напоминающими лютню (Приложение 2, рис.2).

Египтяне, как и вавилоняне, установили связь семи нот с семью планетами. Во времена новой империи (1550-1080 гг. до н.э.) наступает расцвет музыкального искусства Древнего Египта. Это эпоха Нефертити, Тутанхамона и Рамзеса II, эпоха постройки монументальных храмов Абу Симбел, Луксора и Карнака.

Истоки индийской музыки восходят к III тысячелетию до н.э. В древних литературных памятниках - Ригведе, Атхарваведе и Самаведе - есть запись условными значками мелодий и песенные тексты. Трактат "Натьяшастра"(I в. до н.э.) посвящен театру, музыке и танцу. В индийской музыке применялось семь основных звуков (они соответствуют Европейской гамме).

Октава делилась на двадцать два неравных интервала, наименьший из которых именовался "шрути", что в переводе с санскрипта (древнеиндийского языка) означает "то, что может быть услышано". Сама система так же называется шрути.

Главным принципом индийской музыки была импровизация, в основе которой лежала рага (от санскр. "цвет") - традиционная устойчивая мелодия. Слово "рага" использовалось и для обозначения жанра, основанного на данной мелодии. Каждая рага состояла из главного звука ("правитель"), второго по значению звука ("министр"), группы подчиненных звуков ("помощники") и диссонирующего звука ("враг").

Мелодический строй раги подчинялся ее содержанию. Раги были призваны вызывать у слушателя определенные состояния и чувства: любовь, веселье, отвращение, гнев, удивление, успокоение. Некоторые раги наделялись магическими свойствами: способностью вызывать дождь, пожар и т.д. В зависимости от характера раги исполнитель должен был придавать лицу нужное выражение или надевать соответствующую маску и пользоваться надлежащими жестами (Приложение 2, рис.3).

1.2. Музыкальная культура Древней Греции

Музыкальная культура Древней Греции - первый исторический этап в развитии музыкальной культуры Европы, представляющий как бы ее детство. Вместе с тем это высшее выражение культуры Древнего мира, связанное с более древними культурами (египетской, сирийской, возможно индийской).

Музыка играла большую роль в общественной и личной жизни греков. Для свободных граждан обучение музыкальному искусству было обязательной частью образования. На гимнастических и художественных состязаниях, которые греческие полисы устраивали в Афинах, в Дельфах, в Спарте и в др. городах, гимнастические игры происходили под музыку. Состязались между собой певцы-солисты, хоры, инструменталисты, поэты - сочинители стихов и песен (Приложение 2, рис.4). Музыке придавалось государственное, а в воинственной Спарте - и военное значение.

Многое рассказывают литературно-поэтические источники, скульптуры, барельефы, изображенные на вазовых росписях (Приложение 2, рис.5) и фресках сцены из народной жизни с плясками под музыку и пением. В эпических поэмах «Илиада» и «Одиссея» Гомера содержатся описания музыкальной жизни народа (Приложение 2, рис.6).

Пение с плясками было важной составной частью народных праздников, связанных с земледельческими работами и прославлением богов - покровителей земледельческого труда.

В героический период греческой истории (ок. 11-7 вв. до н.э.) наибольшей любовью, признанием пользовалось искусство странствующих певцов-сказителей – аэдов и рапсодов. Они воспевали подвиги героев во славу родной земли. Это были первые известные нам греческие музыканты-профессионалы, подлинно народные поэты и певцы.

Музыкальное искусство у греков представляло собой главным образом вокальные жанры. Инструментальное сопровождение дублировало вокальную мелодию. Хоровой склад был одноголосным (пели в унисон). В профессиональной музыке преобладали мужские хоры. Это нашло выражение в диапазоне (от ля большой до ля 1-й октавы). «Совершенная система» греков состояла из нисходящего последования тетрахордов. Основной звук системы - меза - находился в центре ряда (наше ля малой октавы). Соединенные попарно, тетрахорды сходного строения образовывали «гармонии» (лады). Основных ладов было 3: дорийский, фригийский, лидийский. Греческие писатели говорят о «грусти лидийского, приподнятости фригийского и воинственности дорийского лада». Посредством перестановки тетрахордов к основным ладам пристраивались производные: квинтой выше (гиперлады) и квинтой ниже основного (гиполады): гиподорийский (эолийский), гипофригийский (ионийский), гипердорийский (миксолидийский).

Метрическое строение греческих напевов определялось размером стиха. Мелодия записывалась помощью греческих и финикийских букв (Приложение 2, рис.7,8).

Большую роль играла музыка в театральных жанрах. Афинская трагедия родилась в 5 в. до н.э. Трагедия предназначалась для широких кругов свободного населения, ее писали в стихах. Представления разыгрывались актерами (мужского пола) под открытым небом, в гигантских амфитеатрах. Театр имел 2 площадки: сцена (для актеров) и охестра (для хора из 12-15 чел.) (Приложение 2, рис.9).

1.3. Пифагор – первый музыкальный ученый

Одним из самых выдающихся мыслителей Греции, чье учение не утратило актуальности и до сей поры, был Пифагор (570-490 гг. до н. э.)- выдающийся философ, основоположник математики, музыкальных законов, геометрии. Он первым из ученых установил соотношение между музыкальными интервалами. Пифагор занимался поисками музыкальной гармонии, поскольку верил в то, что такая музыка необходима для очищения души и излечения тела (Приложение 2, рис.10).

Однажды, проходя мимо кузницы, Пифагор случайно услышал, как удары молотов создают вполне определенное созвучие, и после этого занялся экспериментами, пытаясь найти соотношения между высотой тона и числами. С помощью чаши с водой и однострунной арфы он изучил взаимосвязь между уровнем воды и длиной струны и обнаружил, что половина длины струны поднимает ноту на одну октаву вверх. Восемь звуков - до, ре, ми, фа, соль, ля, си, до - древнейшая музыкальная гамма. В наши дни темперированная гамма включает в себя двенадцать нот, включая диезы и бемоли, но в основе ее лежит изобретение, за которое мы должны благодарить Пифагора. Существует предположение, что Пифагоров строй - его гамму - усовершенствовал Архит, но и в античной Греции, и в эпоху Возрождения гамму из восьми звуков называли Пифагоровой.

Первым музыкальным инструментом Пифагора был монохорд (Приложение 2, рис.11). Монохорд (др.-греч. μονχορδον, лат. monochordum, однострунник), также (музыкальный) канон (др.-греч. κανν <μουσικς>) - инструмент, служащий для точного построения музыкальных интервалов (звуков заданной высоты) путём фиксации различных длин звучащей части возбуждаемой щипком струны.

Монохорд был важнейшим пособием в элементарном музыкальном образовании и основным прибором для проведения музыкально-акустических экспериментов в Средние века, в эпоху Возрождения.

Утвердив музыку как точную науку, Пифагор применил найденные им законы гармонических отношений ко всем феноменам Природы, считал, что музыкальная гармония отражает гармонию вселенной, а музыкальные интервалы соответствовали интервалам между Землей, планетами и «неподвижным» звёздным небом.

2.     Музыка и ноты.

Но́та (лат. nota — знак) — условный графический знак, находящийся на нотном стане и указывающий высоту и длительность звука.

2.1. Первые ноты

История нот насчитывает не одно тысячелетие со времен возникновения первых музыкальных инструментов. Правда в те времена как таковой нотной грамоты не было и звуки, издаваемые музыкальными инструментами, записывались в виде обозначений, придуманных самим музыкантом: черточки, точки, различные завитушки ограничение накладывали только фантазия музыканта.

Во время изучения и исследования древнеегипетских памятников обнаружены рисунки, с помощью которых фиксировали (изображали) записи услышанной мелодии, из всех известных этот способ является самым древним. По предположениям учёных, в Древнем Вавилоне существовал способ слоговой записи с помощью клинописи (Приложение 2, рис.12).

Но развитие музыкальной грамоты не стояло на месте, и со временем в Древней Греции были придуманы буквенные обозначения звуков, которые указывали на их высоту. Вскоре эта система широко распространилась, а буквы греческого алфавита были заменены на латинские. Эта система обозначений используется и сейчас.

Буквенные и слоговые обозначения ритмических конструкций, разработанные древними греками и перенятые мусульманами, впоследствии заменили невмы (буквально “знак, намек” от греч. pneuma “дуновение”).

Невмы состояли из графических значков типа черточек, точек, запятых и их разнообразных сочетаний (Приложение 2, рис.13). Они проставлялись над словесным текстом и обозначали отдельные звуки или мелодические обороты, ходы голоса вверх и вниз, повторение одного и того же звука, характер и способ исполнения. Не указывая точной высоты звуков, невмы наглядно изображали мелодическую линию, помогая певцам вспомнить мелодии знакомых им по слуху песнопений.

Корни происхождения этого способа записи точно неизвестны, вероятно, она возникла в монашеских хорах седьмого-восьмого столетия для записи григорианского хорала.

Представьте себе человека, который стоит перед хором и показывает руками, вверх или вниз повести голос, на соседний звук или через ноту. Именно так выглядело хоровое дирижирование в соборах Европы в раннем Средневековье.

Регент (дирижёр церковного хора) обязан знать множество песнопений – для литургии, утрени, всенощной, для рождественской и пасхальной службы. Фактически он первоначально и заменял собою ноты. Но даже такой способ предъявлял слишком большие требования к человеческой памяти и затруднял передачу информации от учителя к ученику при подготовке новых регентов и певчих. И вот кому-то пришла в голову мысль - схематически изобразить движения рук регента на пергаменте, для прямо над текстами песнопений.

Сам принцип наглядного обозначения мелодической линии был давно известен на Востоке, где еще с IV века руководители хоров движениями рук напоминали о направлении мелодии. Значки же, которые применялись для фиксации этих указаний, произошли, как предполагают, из александрийской системы эллинской акцентуации (различные знаки, указывающие на типы ударений в греческом языке - острое, тупое, облегченное). Развившиеся на Западе из этих значков, невмы получили практическое применение с VIII века, попав туда из Византии (Приложение 2, рис.14), а первые памятники невменной нотации, дошедшие до нашего времени, относятся лишь к IX веку.

Позднее, невмы стали записывать на горизонтальных линиях, где красным и желтым цветом обозначалась высота звука (первоначальные ноты) (Приложение 2, рис.15). Но различное обозначение нот у каждого музыканта вносило хаос в музыкальный мир – это и стало предпосылкой появления нот похожих на современные. Они должны были внести порядок в процесс записи музыкальных композиций и сделать их легко читаемыми для других людей.

2.2. Музыкальные ученые средневековья

Одним из самых замечательных музыкантов раннего средневековья являлся святой Амвросий, епископ Миланский (333-397 гг.) (Приложение 2, рис.16).

Амвросий сыграл немаловажную роль в истории церковной музыки. Сообразуясь с принципом, что единая церковь Христова должна стремиться к единству в богослужении, епископ вводил во всех церквах единообразное духовное пение. Для осуществления этой цели он установил четыре лада, заимствовав их из древнегреческой музыки.

С тех пор лады, выбранные епископом, стали называться его именем – «амвросианскими», и рассматриваться как основа всего христианского пения. В дальнейшем система амвросианских ладов была расширена Папой Григорием Великим.

Папа Григорий I (540-604гг.), удостоенный, благодаря значимости своей фигуры в истории, титула Великий, является одним из главнейших деятелей в области разработки церковной музыки (Приложение 2, рис.17).

Ему принадлежит заслуга в расширении системы амвросианских ладов и в создании особой школы пения, называющейся cantus gregorianus (Приложение 2, рис.18).

Григорий многие годы собирал напевы разных христианских церквей, сделав из них впоследствии сборник под названием «Антифонарий», который приковали цепью к алтарю церкви Святого Петра в Риме как образец христианского пения.

В последующие века с распространением влияния Римской церкви григорианский хорал вводился (порой насильственно насаждался) в богослужениях практически всех европейских стран. В результате к концу XI века вся католическая церковь была объединена общими формами богослужения.

2.3. Реформа Гвидо Аретинского

Невменная нотация верой и правдой служила церковному пению, но всегда ощущались ее недостатки. Во-первых, систем было много, они противоречили друг другу, а главное не отражали точной высоты звуков. Вот этим ноты, которыми мы пользуемся сейчас, и отличаются от средневековых невм: они показывают точную высоту звука. Такие ноты создал в начале XI века итальянский монах Гвидо д’Ареццо (по прозвищу Аретинский) (Приложение 2, рис.19). Благодаря его нововведению обучение певчих сократилось от нескольких лет до считанных месяцев!

Реформа Гвидо была сильна своей простотой и органичностью исходной мысли. Еще задолго до него вошло в обычай проводить черту как высотный ориентир для ряда невм (красной краской, например, обозначалась линия для звука фа малой октавы, желтой - для звука до первой октавы) над и под этой чертой, а также на черте помещались невмы.

Гвидо провел четыре линии и, разместив невмы на них или между ними, придал им всем точное высотное значение. В начале каждой линии стояла латинская буква, указывающая ее принятую высоту. Отсюда потом развились обозначения ключей. Принцип этой нотации действует и в наше время, хотя она дополнялась и совершенствовалась еще долго. Делались различные попытки увеличить число линий (до пятнадцати), пока не установился пятилинейный нотный стан. Григорианский хорал, однако, и поныне пишется на четырех линейках.

Гвидо Аретинский стремился облегчить своим ученикам, юным певчим, усвоение мелодий, которые они должны были исполнять. По словам Гвидо, слух о его реформе нотации дошел до папы Иоанна XIX (1024-1033), который и вызвал его к себе в Рим, чтобы ознакомиться с ней. С большим удовлетворением, с гордостью Гвидо сообщает о том, что папа перелистывал доставленный ему антифонарий, записанный по новой системе, словно какое-то чудо, пожелал испробовать ее на самом себе и с успехом усвоил неизвестный ему образец мелодии, сумел ее спеть. Заручившись поддержкой высшей церковной власти, Гвидо смог уже спокойно вводить в жизнь свое изобретение.

Гвидо д’Ареццо использовал левую руку, чтобы манипулировать участниками хора во время выступления. Он сгибал пальцы в нужное время, указывая, тем самым, какую ноту брать (Приложение 2, рис.20).

Другим изобретением Гвидо из Ареццо был выбор определенного шестиступенного звукоряда (гексахорда) как своего рода мерила-образца для запоминания мелодий.

В среде певчих был тогда хорошо известен гимн св. Иоанну - молитва певцов об избавлении их от хрипоты (Приложение 2, рис.21). Среди певчих был хорошо известен гимн св. Иоанну - молитва певцов об избавлении от хрипоты. Каждой строке латинского текста соответствовал отрезок мелодии, причем последующий начинался на ступень выше предыдущего. Слог текста, приходившийся на первый звук мелодии в каждой строке, дал названия звукам. Отсюда хорошо известные нам ре, ми, фа, соль, ля, а также до (которым был заменен прежний слог ут - начало первой строки гимна). В дальнейшем из первых букв в седьмой строки гимна образовалось еще си.

2.3. Становление современной нотной записи

Эволюционировали сами начертания нотных знаков: со временем невмы из крючков превратились в квадратики, затем в ромбы (Приложение 2, рис.22).

Сменившие невмы головки нот округлились, появились нотные штили. С переходом от записи нот на папирусе к записи на бумаге произошло подразделение нотных знаков на «белые» (незаполненные) и «черные» (заполненные). Четырехлинейную нотную строку заменил более удобный пятилинейный нотный стан. По мере развития многоголосия стали использовать систему из нескольких нотных строк, расположенных одна над другой и объединенных общей начальной чертой или фигурной скобкой - акколадой.

Была введена система специальных графических знаков для записи нот и пауз различной продолжительности, установлены точные временные соотношения между всеми длительностями (Приложение 2, рис.23).

Современное нотное письмо позволяет в условной записи полно и точно отразить «живое» звучание музыки. В нем присутствует не только развитая система условных знаков (пятилинейный нотный стан; ключи; знаки альтерации ключевые и «случайные», при нотах; различные акколады; специальные знаки, уточняющие длительность звуков, динамические оттенки, разнообразные исполнительские штрихи и т. д), но и дополнительные словесные пояснения (указания темпа, характера и способа исполнения).

Для большей наглядности нотной записи выработаны обозначения сокращения нотного письма, как, например, знаки репризы, октавного переноса, повторения мелодического оборота и т. п. Нотная запись не остается неизменной. По мере развития музыкального искусства расширяется его образная сфера, обновляется музыкальный тематизм, утверждаются новые средства выразительности. Все это требует постоянного совершенствования нотной записи. Дополняется и уточняется система условных обозначений, появляются новые способы записи, отвечающие особенностям того или иного музыкального материала.

2.4. Нотная запись на Руси

Исторические источники свидетельствуют и о том, что на Руси очень рано появились нотные записи, которые пришли к нам из Византии. Этому способствовало распространение христианства. Богослужение сопровождалось пением, которое велось по специальным певческим рукописям-книгам. Крупным центром музыкальной певческой культуры был Новгород. Дошедшие до нас памятники знаменной нотации датируются не ранее, чем началом XII века. Одна из ее разновидностей невменной нотации - русское крюковое, или знаменное, письмо (Приложение 2, рис.24).

К концу XV в. в Россию стали проникать и западноевропейские музыкальные инструменты - органы, клавесины и клавикорды. Для них уже использовалась линейная нотация. В царствование Екатерины II в 1772 г. произошел полный переход на европейскую нотацию, которой мы пользуемся, по сей день.

3.     Заключение

В своей работе мы рассмотрели основные этапы становления нотной записи. Изучив источники по данной теме, мы пришли к пониманию, что появление нот связано с потребностью человека сохранять и передавать следующим поколениям музыкальную культуру.

Веками, трудами многих людей и, прежде всего, таких великих музыкальных ученых как Пифагор, Гвидо Аретинский, была создана удобная и многофункциональная система нотной записи, позволяющая отобразить «живой» звук.

Реформа нотного письма Гвидо Аретинского создала предпосылки для точной записи музыкальных произведений, что привело не только к усложнению хоровых партитур, а затем и музыки вообще, но и позволило закрепить, сохранить для истории музыкальные произведения практически в том виде, в каком они были задуманы композиторами. Новаторство Гвидо Аретинского сыграло важную роль в развитии композиторского творчества, а его реформа легла в основу современной нотации.

К сожалению, в связи с долгим развитием и становлением нотной записи многие музыкальные произведения древности до нас не дошли, и мы не имеем представления о древней музыке. 

Источники:

1.     http://istoriyamuziki.narod.ru/muzika_v_grecii.html

2.     http://orpheusmusic.ru/publ/300-1-0-54

3.     http://orpheusmusic.ru/publ/jazyk_muzyki_zvuk_i_interval/300-1-0-688 

4.     http://orpheusmusic.ru/publ/uchenije_o_ladah_i_sistems_notacii/92-1-0-320

5.     http://studopedia.ru/7_93764_muzika-srednevekovya.html

6.     http://www.hintfox.com/article/drevnie-sposobi-notnoj-zapisi.html

7.     http://www.popmech.ru/design/13646-za-predelami-klavish/ 

8.     https://muzachos.com/muzistoriya/noty-istoriya-proisxozhdeniya/

9.     https://ru.exrus.eu/Istoriya-vozniknoveniya-not-id516c29a26ccc19f255001bac

10. https://ru.wikipedia.org/wiki/

11. Ливанова Т. История западноевропейской музыки до 1789 года (Средние века): Учебник в 2-х тт. Т. 1. М., 1983.

12. Розеншильд К. История зарубежной музыки. Музыка, 1969, 544 с.

Приложение 1

Опрос

Музыка. от звуков к нотам

Интересно ли вам было бы узнать:

1.       Как выглядели первые ноты?

2.       Когда возникли первые ноты?

3.       Почему ноты называются до, ре, ми, фа…?

4.       Зачем люди изобрели нотную грамоту?

Выбрать вариант ответа по каждому вопросу:

·        ДА

·        Скорее ДА

·        Не знаю

·        НЕТ

·        Скорее НЕТ

Приложение 2

Рис. 1.  Флейты из птичьих костей и бивней мамонта

Рис. 2.  Музыка Древнего Египта (фрески)

Рис. 3. Музыка древней Индии: Весенняя Рага

Ансамбль индийских музыкантов

Рис. 4. Дельфийские игры

Рис. 5. Изображения музыкантов на древнегреческой вазе

Рис. 6. Картина О. Лелуара «Гомер» 

Рис.7. Дельфийский камень, на котором высечен гимн Аполлону

(музыкальная нотация выполнена строкой отдельных символов над текстовой строкой)

Рис. 8.  Схема иллюстрирует соответствие греческой буквенной нотации и классической пятилинейной. Верхняя строка символов - так называемая вокальная нотация, нижняя — инструментальная (более древняя).

Рис. 9. Театр Диониса. Реконструкция

Рис. 10. Пифагор

Рис.11. Монохорд

Рис. 12. Клинопись

Рис.13. Невмы

Рис.14. Византийская система записи

Рис. 15. Невменная запись

Рис. 16.  Святой Амвросий, епископ Миланский

 

Рис.17.  Папа Григорий I

Рис. 18. Григорианский хорал

Рис. 19.  Гвидо Аретинский

Рис. 20. «Рука Гвидо»

Рис.21. Гимн Святому Иоанну

Рис. 22. Первые изображения современных нот

Рис. 23. Изображение пауз и длительности нот

Первоначально каждая из длительностей предполагала деление на три равные доли. Например, максима (самая длинная) включала в себя три ноты длительности лонга (длинная). Начиная с XVI в. деление стало двукратным.

Рис.24. Крюковая или знаменная запись

Использование проектной деятельности в рамках музыкально-теоретического цикла формирует личностные, регулятивные, познавательные, коммуникативные и информационные учебные универсальные действия, способствует саморазвитию и самосовершенствованию учащихся, тем самым обеспечивая освоение элементов включенности в больший ряд социальных систем, профессиональному самоопределению и успешному вхождению во взрослую жизнь.

Литература

1.       Денисова Ю.А. Автореферат диссертации «Технология проектного обучения как средство успешного освоения детьми социокультурного опыта в системе дополнительного образования», Нижний Новгород, 2006. - 23 с.

2.       Медушевский В. В. Духовно-нравственное воспитание средствами музыкального искусства// Преподаватель (Спецвыпуск «Музыкант-педагог»). – 2001. - №6. – С. 12-20.

3.       Организация проектной деятельности в школе: система работы / авт. – сост. С. Г. Щербакова и др. – Волгоград: Учитель, 2009. – 189 с.

4.       Ступницкая М.А. Материалы курса «Новые педагогические технологии: организация и содержание проектной деятельности учащихся», Лекции 5-8. М.: Педагогический университет «Первое сентября», 2009. – 68 с.

5.       Шевцова Т.В. Автореферат диссертации «Музыкально-проектная деятельность как фактор творческого развития учащихся», Москва, 2005. – 20 с.