Доклад "История художественных стилей"

Лицензия

на художественное произведение

«Впечатление. Восходящее солнце»

Учитель высшей категории: Корнева В.А.

оглавление

введение. 3

План лицензии……………………………………………………………………....4

«Впечатление. Восходящее солнце»……………………………………………...5

"Деревня на берегу Сены", 1872…………………………………………………...9

«Собор в Солсбери из сада епископа»…………………………………………...12

 Витязь на распутье ……………………………………………………………...15

«АБСУРДНЫЕ » картины ……………………………………………………....19

Заключение

введение

        Категория стиля настолько универсальна, что всю историю мирового искусства можно рассматривать как историю художественных стилей. Стиль – не постоянная, но живая структура, существующая во времени и представлении о нем. Стили в искусстве не имеют четких границ, они переходят один в другой и находятся в непрерывном развитии, смешении и противодействии. Внутри одного художественного стиля всегда зарождается новый, а тот в свою очередь, переходит в следующий. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому зачастую говорить о "чистом" стиле не представляется возможным.

План лицензии.

1. Даем описание художественного произведения в стандартной форме: название выставки, фамилия автора, название работы, год создания работы и др. (Краткий пересказ содержания).

2. Излагается непосредственный отклик на произведение.

    (Личные впечатления)

3. Комплексный анализ выбранного произведения (индивидуальный стиль художника, художественное мастерство, изображенные персонажи, особенности композиции, смысл названия).

4. Аргументированная оценка выбранного произведения.

Клод Моне, фотография Надара, 1899. Дата рождения: 14 ноября 1840г Место рождения: Париж, Франция Дата смерти: 5 декабря 1926г (86 лет) Место смерти: Живерни, Франция Гражданство:Франция Жанр: пейзаж Стиль: импрессионизм

«Впечатление. Восходящее солнце»

1872, Музей Мармоттан, Париж

Место создания      Гавр, Франция

        «Впечатление. Восходящее солнце» (фр. Impression, soleil levant) — картина Клода Моне, написанная в 1872 году с натуры в старом аванпорте Гавра и давшая название художественному направлению «импрессионизм».

(от франц. impression — впечатление).     

        Полотно впервые экспонировалось на выставке 1874 года в бывшей мастерской фотографа Надара.  Холст выставлен в парижском музее Мармоттан.

         Когда Моне рисовал эту картину,  то  окончательно освободился от общепринятого представления об объекте изображения как некоем объеме и всецело посвятил себя передаче сиюминутного состояния атмосферы в голубых и розово-оранжевых тонах. В самом деле, все как будто становится нематериальным: гаврский мол и корабли сливаются с разводами на небе и отражением в воде, а силуэты рыбаков и лодок на первом плане - это всего лишь темные пятна, сделанные несколькими интенсивными мазками. Этот великолепный этюд запечатлел момент превращения ночи в день: всего несколькими мазками ярко-оранжевого цвета художник сумел передать свет, дрожащий на воде. Во "Впечатлении" Моне свободной и легкой кистью нежными тонами передал свое впечатление, полученное утром в гавани Гавра, и несколькими смелыми мазками наложил оранжевые рефлексы солнца на многократно преломленные серые тона. Однако очертания мачт и труб, потонувших в тумане, образуют графическую структуру, композицию из вертикалей и диагоналей, которые членят и оживляют плоскость.

Отказ от академической техники, живопись на пленэре и выбор непривычных сюжетов в штыки воспринимались критикой того времени.

       Выставка была раскритикована в печати: «дерзкий вызов прекрасному», «оскорбление общественного вкуса», «ничего общего с красотой реальной природы» — так характеризовали эту работу Моне современные критики.                           

        Художник, действительно, не стремится механически воспроизводить природу. Сложной мозаикой мазков и красочных пятен он создает ее живой изменчивый образ, пронизанный его субъективным видением.

        Моне назвал свою картину «Впечатление. Восходящее солнце» так как она передавала его непосредственное впечатление от увиденного  "Впечатление", чувственное восприятие, ощущение. Отражение настроения автора, его субъективных переживаний в связи с изображаемым. Поскольку за сюжетами картин стояли обычные люди, их надежды и мечты, восхищение красотой родной природы. Моне удавалось разглядеть и показать удивительное богатство цвета в природе.

        Моне много работает на натуре, ему важно не просто запечатлеть пейзаж, бытовую сценку, а передать свежесть непосредственного впечатления от созерцания природы, где каждое мгновение что-то происходит, где окраска предметов непрерывно меняется в зависимости от освещения, от состояния атмосферы, погоды, от соседства с другими предметами, отбрасывающими цветные отблески.

           «Я – импрессионист и намерен всегда им оставаться» - говорил он, подчёркивая тем самым, что ему интересны лишь "внешние" проявления природы. Его работы, написанные на открытом воздухе, передавали ощущение сверкающего солнечного света, объемные формы как бы растворялись в вибрации света и воздуха. Разложение сложных тонов на чистые цвета, накладываемые на холст раздельными мазками и рассчитанные на оптическое смещение их при восприятии картины зрителем, цветные тени, и рефлексы создавали беспримерно светлую, трепетную воздушную живопись. Основной целью искусства было запечатлеть ускользающее мимолетное впечатление.

            Картина  «Впечатление. Восходящее солнце»  вызвала у меня ощущения спокойствия,  единение человека с природой, в этой картине я вижу гармонию  во всем. Розовый туман, изображённый на картине, окутывает гавань, сквозь пелену которого проступает утреннее солнце.

Эта картина просто завораживает, есть в ней что – магическое.

           Я человек, далекий от искусства, но что действительно всегда вызывало в моей душе просто бурю эмоций - это импрессионизм. Импрессионисты по-новому показывали мир в своих картинах. Главным для них стали трепетный свет, воздух, в который как бы погружены фигуры людей и предметы. Ветер, влажная после дождя, нагретая солнцем земля – всё обретало на их холстах вторую, не мене реалистичную жизнь. Художникам удавалось разглядеть и показать удивительное богатство цвета в природе.

          Я выбрал эту картину, так как она отражает мое внутренне состояние, хочется уйти от мирской суеты, окружить себя «теплым», не резким миром, раствориться в пространстве, стать туманом.

Альфред Сислей Дата рождения: 30 октября 1839 Место рождения: Париж Дата смерти: 29 января 1899 (59 лет) Место смерти: Море-сюр-Луэн Гражданство: Франция Жанр: пейзаж Стиль: импрессионизм

"Деревня на берегу Сены", 1872

         В 1872 году Сислей чаще всего работал в пригороде Парижа Аржантее на Сене. Так появляется картина "Деревня на берегу Сены". Полотно впервые экспонировалось на выставке 1874 года в бывшей мастерской фотографа Надара.

         Картины Альфреда относятся к стилю импрессионизма. Импрессионисты увидели прекрасное не в прошлом, а в мимолетности реальных живых впечатлений, которые они и стремились передать.

Без переоценки ценностей в живописи, произведенной ими, невозможно было бы все последующее развитие искусства. Альфред Сислей, являясь представителем нового направления в искусстве, любил наблюдать, как свет, меняясь беспрерывно и ежечасно, вновь и вновь преображает облик вещей. Его привлекало то, что непостоянно, почти неуловимо, что в трепетной неопределенности запечатлено дыханием жизни. Мир, раскрываясь каждый раз с новой, неповторимой стороны, оказывается неожиданным и прекрасным даром. Художник следил за этими непрестанными изменениями с искренней радостью, природа предстает перед глазами художника как чудесный сад. Трудно совместить праздничность его полотен со стесненными обстоятельствами, в которых работал Сислей, всю жизнь знавший нужду.

      «Деревня на берегу» – одно из самых поэтичных произведений раннего импрессионизма. «Деревней» картина называется по традиции, изображает же она небольшой городок неподалеку от Парижа – Вильнев- ла- Гаренн. Сислей выступает в этой картине как тонкий знаток и интерпретатор красоты этого края. Его манеру отличает особая деликатность и четкость рисунка – мазок ложится по форме предмета. Темная оправа деревьев и листвы, избранная художником, не только порождает ощущение глубины, но благодаря ей пленительнее струится ласковый солнечный свет, в котором купается противоположный берег. Атмосфера картины сохраняет свою мягкость и прозрачность при всех природных изменениях. Особое внимание уделяется небу. Небо, берега, река – все соткано из прерывистых мазков. Ими передается струящийся блеск вод, вибрация воздуха, тот удивительный органический ритм, который подчиняет себе природу.

         Эта картина у меня вызывает смесь чувств, с одной стороны  настороженность, наблюдение, попытка увидеть что – то большее чем видно, разобраться, не мираж ли тот вид, что за рекой, с другой стороны это взгляд надежды на светлый мир.

         Восхищение вызывают умение "сотворить" пространство, передать

подлинное ощущение природного освещения, верно взятые цвета...

         В картине находит отражение внутренний мир художника. И чем богаче этот мир, глубже, многограннее, чище и,  чем изолированнее от шума окружающего мира, тем "содержательнее" работы, более наполнены энергией, которая сохраняется благодаря этой самой изоляции и отстраненности от внешней суеты.

        Шедевр живописи не может создать заурядный человек. За каждым шедевром стоит интересная личность, и чаще всего "закрытая" личность (в силу разных жизненных обстоятельств).

Джон Констебл Дата рождения: 11 июня 1776 Место рождения: Ист-Бергхолт Дата смерти: 31 марта 1837 Место смерти: Саффолк, Лондон Жанр: пейзаж Стиль: романтизм

«Собор в Солсбери из сада епископа», 1823,

Музей Виктории и Альберта, Лондон;

        Вид на собор в Солсбери из епископского сада» (англ. Salisbury Cathedral from the Bishop's Grounds) — картина английского художника Джона Констебла.

       В начале 1820-х гг. по заказу своего друга архидиакона Джона Фишера Констебл написал несколько набросков, этюдов и картин с видом на знаменитый средневековый Солсберийский собор. Наверное, самая известная их этих работ — вид на собор из епископского сада. Автор умеет выявить естественную архитектонику запечатленного ландшафта, часто сопоставляя ее с логикой творений человеческих рук. В многочисленных видах Солсбери, знаменитый собор трактован как неотъемлемая часть пейзажа, вертикаль его башни вторит устремленным ввысь деревьям и вместе с тем вносит в композицию упорядочивающее начало, где пластика живой арки, образуемой тенистыми деревьями на переднем плане эффектно сочетается с изысканностью готического здания вдали. Такое разделение полотна на два плана — тёмный передний и светлый задний — создаёт эффект «картины в картине». Собор здесь служит не просто изображаемым объектом, а символом национальной истории и гармонии вселенского порядка. Особое внимание в пейзажах художник уделяет изображению неба. Констебл является автором термина, обозначающего этот «вид» творческой работы: рисование неба — скайинг (от английского sky — небо). Краски неба переданы необычайно свежими, сочными и насыщенными тонами. Создается впечатление, будто бы кусочек настоящего неба был вырезан, перенесен и приклеен на холст, настолько реалистично пишет художник картины природы. Причем небо у Констебла, динамично и подвижно. Этот эффект достигается благодаря использованию живописцем разнообразных цветовых оттенков, которые мягко сменяют друг друга, и изображению белых облаков, разбросанных на серовато-синем или прозрачно-голубом фоне.

        В своих работах Констебл предстает смелым и независимым мастером, его восприятие  природы не соответствует нормам академического искусства. В картинах, Джон старался  запечатлеть свои собственные наблюдения за природой, то, что кроме него никто не способен был заметить.

       Отличительной чертой стилистики Констебла  стала рельефная фактура. Он накладывал  краски густыми объемными мазками. Он не старался четко выписывать малейшие детали пейзажа. Он использовал те тона, которые наиболее близки настоящим, встречающимся в природе (впервые использовал чистые зеленые цвета разных оттенков).

        Свои картины, простые по мотивам, естественные и вместе с тем величественные по композиции, полные ощущения гармонического единства природы, Констебл писал на основе исполненных им на открытом воздухе этюдов, смелыми беспокойными мазками воссоздавая свежесть и живую динамику красок, градации света, изменчивое состояние световоздушной среды. Стремясь создать неповторимые и выразительные пейзажи, живописец внимательно наблюдает за состояниями природы, за миром, который его окружает. На полотне Констебл не только изображает реальный пейзаж, но и стремится выразить свое отношение к природе родной страны.

         Творчество знаменитого английского пейзажиста оказало большое влияние на формирование художественно-изобразительного метода импрессионистов и мастеров барбизонской школы, которые так же, как и Констебл, стремились отразить на полотне изменчивость состояний природы. Хотя живопись Констебла реалистична и правдива, исследователи причисляют художника к романтикам, настолько в его творчестве ярко выражено стремление искренне передать свои чувства и впечатления от увиденного, а также желание показать духовно свободного человека, составляющего единое целое с миром природы.

        Пейзажи Констебла исполнены удивительной искренности и правдивости чувства. Для его полотен характерна абсолютная верность наблюдения и глубина восприятия каждого конкретного мотива, сочетающиеся с необычайной смелостью живописной манеры.  

Васнецов, Виктор Михайлович Дата рождения:т3 (15) мая 1848 Место рождения: село Лопьял, Вятская губерния, Российская империя Дата смерти: 23 июля 1926 (78 лет) Место смерти: Москва, РСФСР, СССР

Витязь на распутье (1882), Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

       Сюжет картины возник под впечатлением былины «Илья Муромец и разбойники».

      Первые наброски к ней были сделаны еще в начале 1870-х годов. Первый законченный вариант картины (он сейчас хранится в Серпуховском музее) появился в 1878 году; Васнецов выставляет её под авторским названием "Витязь" на VI передвижной выставке; тогда же он вступил в Товарищество передвижных художественных выставок. В сущности, именно этот вариант открывает фольклорную, "богатырскую" серию художника. Но он не удовлетворил его - Васнецову не хватало в нем былинной поэзии, песенности, авторской сопричастности и, по большому счету, содержательной определенности. Это одна из попыток живописца выявить и с помощью живописных средств запечатлеть некие сущностные черты русского национального характера. Произведение характерно для васнецовского метода, соединяющего в одном поэтическом образе фольклорную "фантастику" и совершенно реалистические детали. Последние Васнецов кропотливо выискивал в процессе внимательного изучения эпохи - в Историческом музее, в Оружейной палате, в соответствующей литературе, обильно издаваемой во второй половине XIX века. Приводя в письме к В. Стасову надписи, присутствующие на камне-вещуне, художник делает знаменательную ремарку: "Надписи эти отысканы мною в публичной библиотеке при Вашем любезном содействии".

Ехал богатырь но своим богатырским делам. Заехал в широкое поле. Над полем - недоброе красное небо. В небе кружат черные птицы. Среди поля стоит старый камень. На камне написано:

Налево ехати - богату быти,

Направо ехати - женату быти.

Как прямо ехати - живу не бывати.

Нет пути ни прохожему,

Ни проезжему, ни пролетному.

Остановился богатырь в раздумье. Куда путь держать? И могучий конь богатырский опустил голову, задумался...

         Вороны, череп, кости, древние валуны, уходящая в необозримую даль дорога — все это усиливает тревожное настроение, ощущаемое в цветовом решении холста. В мерном ритме пластических форм, в передаче широты пространства, даже в использовании крупноформатного полотна Васнецов стремился приблизится к эпическому строю былинного сказа.

Вместе с тем художника увлекает историко-бытовая сторона. Картина исполнена в присущей Васнецову свободной, обобщенной живописной манере.

        К былинной теме Васнецов также обращался в ранней акварели «Богатырь» (1870) и более поздних картинах «Богатыри» (1898) и «Богатырский скок» (1914)

       Когда Виктор Михайлович Васнецов писал картину "Витязь на распутье", он сам был похож на сказочного витязя, выбирающего путь-дорогу. Товарищи-художники и зрители знали и любили Васнецова, автора небольших картин из повседневной жизни. А его тянуло в далекое прошлое, к тем временам, которые остались только в памяти народа - в былине, в песне, в сказке. Образ витязя на белом коне, остановившегося в раздумье перед камнем-"вещуном" посреди болотистой равнины, словно воскрешает поэтический дух народных преданий. Как и в них, героико-эпическое начало слито в картине с лирической интонацией, которую привносит закатный пейзаж с темнеющими, таинственными далями.

        Картины написаны маслом на холсте. Версия 1882 года хранится в Государственном Русском музее. Версия 1878 года хранится в Серпуховском историко-художественном музее.

       Михаил Хохлачев (Майкл Шеваль) родился в 1966 году в Котельниково, небольшом городке на юге России. Его дед был профессиональным художником и скульптором.

        В 1980 году его семья переехала в Германию. Музеи и замки, древние улицы и прекрасные пейзажи южной Германии окончательно определили вкусы Майкла. Он интересовался историей и литературой, и организовал свою группу, посвятив несколько лет рок-н-роллу, сочиняя музыкуи стихи.

После окончания школы и службы в Советской Армии, Майкл переехал в Небит-Даг (Туркменистан) — город в центре Кара-Кум, неподалеку от иранской границы. Восточная философия и характер Центральной Азии сформировали его стиль.В 1990 году Майкл провел свою первую персональную выставку в Туркменистане, Национальном музее изобразительного искусства. Это было знаменательное событие для 24-летнего художника. В 1994 году Майкл переехал в Россию и работал в Москве как независимый художник и иллюстратор для различных издательств, в том числе известного книжного издательства «Планета».

Новая эпоха для художника началась когда он принял решение иммигрировать в 1997 году в США. Он вернулся к западной культуре, которая в значительной степени вдохновила его в юности. В 1998 году он стал членом престижного нью-йоркского Национального клуба искусств.

С 1998 года Майкл регулярно проводит выставки в различных галереях Нью-Йорка. Он является членом Общества искусств Лондона с 2002 года и участвует в ежегодных европейских выставках, проводимых Ассоциацией изобразительных искусств.

       Реальные объекты в его картинах причудливо смешиваются с другими реальными объектами, рождая третье измерение. Хохлачев не подражает Дали, отцу сюрреализма, он сам себе выдумщик, актер и режиссер, самобытный «волшебник».

Сейчас он больше известен под именем Michael Cheval.

        Михаил — наш соотечественник, он родился в 1966 году на юге России. За годы своей жизни он успел пожить в России, Туркменистане, Германии и США. Впитав в себя культуры этих стран, Michael Cheval создает поистине необыкновенные картины. Они пропитаны иронией и остротой восприятия, их интересно просто рассматривать и угадывать, что именно имел в виду художник. И самое приятное в этом — сюжеты узнаваемы и понятны, мысль художника ясна.

        Michael Cheval (Михаил Хохлачев) является одним из ведущих художников современности, он специализируется на сотворении «абсурдных» картин, рисунков и портретов.

В его трактовке, слово «абсурд» принимает значение перевернутой реальности, обратной стороной логики. Оно не выплывает из грез сюрреалистов, и ни есть плодом подсознания.

Оно представляет из себя некую игру фантазии, где все частицы тщательно отобраны, чтобы создать цельный литературный сюжет. Каждая картина Михаила – карта его путешествия в страну иллюзий. Его работы зачастую метафорические, и требуют наметанного глаза для того чтобы разгадать скрытые намеки.

Love is blind  Любовь слепа

"Любовь слепа и нас лишает глаз.

Не вижу я того, что вижу ясно.

Я видел красоту, но каждый раз

Понять не мог, что дурно, что прекрасно...."

В.Шекспир.

Аrt of diplomacy

Живые люди, как марионетки,

Их чувства – прах,

Как фантик, без конфетки.

Их мысли- пустота

И мнима красота,

И то, что пусть зовется ею.

Непостоянство- гнев.

Неверие- порок.

Злой кукольник на жизнь изделие обрек.

Не наделив ничем, отправил в этот мир,

И лишь один из ста, как лилия, раним.

 

Guardian Angel

Тихонько ступая в земную обитель

ему в тишине сокровенно шепчу:

ты рядом со мною, мой Ангел-хранитель,

секрет наш не выдам,я промолчу…

На гуслях души моей радостно спой,

по звёздной аллее меня проведи,

виденьем пророческим сон мой укрой,

моим откровением к небу лети!

Твой образ мерцает Божественным светом,

я душу свою наполняю тобой,

я слышу,я знаю рядом где-то

Ангел-хранитель мой!!!

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

«Процесс истории культуры есть не только процесс изменения, но и процесс сохранения прошлого, процесс открытия нового в старом»