Специфика работы балетмейстера с фольклорно-этнографическим материалом

Специфика работы балетмейстера с фольклорно-этнографическим материалом

В последние годы значительно возрос интерес к фольклору, в нашу жизнь и соответственно в хореографическое творчество проникает все больше фольклорных традиций, обычаев и обрядов, но мы до конца не знаем их первоначальный смысл и историю.

Фольклор является ярким выражением художественно-исторической памяти нации, важным фактором социальной экологии и в этом качестве может способствовать культурному «выживанию» человека.

Усиливается значение фольклора в наши дни и для собственно хореографического искусства, не только как арсенал выразительных средств, но и как своеобразного источника «живой воды», оплодотворяющей фантазию художника. Знакомство с богатством танцевального творчества народов и сейчас служит действенным средством идейно-эстетического воспитания подрастающего поколения. Сохранение богатств и традиций танцевального фольклора, органичное включение их в современную хореографическую культуру является важнейшей практической и теоретической задачей для всех работающих в этой сфере фольклористов, балетмейстеров и искусствоведов.

Слово "фольклор" - иностранного происхождения. С английского языка слово «folk» переводится – «народ». Фольклор - международный термин, который означает «народное зна­ние», «народная мудрость». Под этим термином подразумевается совокупность всей духовной и материальной культуры народа: мировоззрение, верования, приметы, ритуалы, обычаи, обряды, праздники, художественное творчество, декоративно - прикладное искусство.

Образы, темы, мотивы, и формы фольклора возникают в диалектическом единстве индивидуального творчества и кол­лективного художественного сознания. Причем, индивидуаль­ное творчество или коллективное - оно носит анонимный ха­рактер. Мы не можем выделить автора произведения.

Русский фольклор характеризуется следующими чертами:

>     устойчивость художественной традиции

>     преемственность художественной традиции

>     устная, визуальная передача традиции

>     коллективность

>     анонимность

>     импровизационность

>     синкретичность народного творчества,

В хореографическом фольклоре устойчивость художест­венной традиции выражается в областных особенностях рус­ского танца.

Преемственность традиции обеспечивает передача навы­ков исполнительства, манеры исполнения, рисунка танца от одного поколения к другому. Способ, при помощи которого осуществляется передача - это визуальное наблюдение за танцующими вновь подрастающим поколением. Затем на базе этого знания формируется индивидуальная манера исполнения.

Синкретизм русского фольклора отражается в народных обрядовых действах, где слились воедино: слово, пение, музыка, действие, танец, предметы быта. Как невозможно разделить в русском костюме ткачество, вышивку, крой и цветовую гамму от общей композиции костюма, так невозможно разделить поэзию, песню, танец и действие в народном обряде.

Синкретичность русского фольклора предполагает комплексный подход к его изучению. Исследовательская деятельность в области фольклорной хореографии требует знания всех  видов народного творчества. Танцевальное движение зависит от степени свободы, обусловленной кроем костюма, от ритма и характера музыки, от смысла и содержания песни или действия в обряде, от индивидуального мироощущения.

Специфика хореографического фольклора в немалой сте­пени определяется тем, что он является формой пластически - образного отражения действительности.

Движение, жест,  поза - основные  его  выразительные средства, которые при всех своих изобразительных возможностях не могут непосредственно воспроизвести  мир, как театр, кино или живопись.

Фольклорный танец воспроизводит мир через ассоциатив­но - образный ряд, через пластическую метафору и символ. Любое событие, понятие, эмоция — от личных до космогониче­ских - могут быть выражены через символ позы, жеста или движения, через рисунок танца.

Характерные черты русского хореографического фольк­лора: традиционность, преемственность, коллективность, ано­нимность, импровизационность и синкретизм определяют его принадлежность к календарному и обрядовому фольклору.

Народ создает в танце идеальный образ, к которому он стремится, который утверждает в эмоциональной художественной форме.

 «Сценический танец, — писал М. Фокин, — это средство физического и духовного самосовершенствования человека. Это одна из самых больших радостей, ощущение гармонии, красоты в своем собственном теле и, наконец, это прекраснейшее общение между людьми».

История дает нам много примеров, когда народы смотрели на танец не только как на явление развлекательное, но и как на одну из общественных функций, выполняющую очень важные задачи, особенно в плане воспитательном.

Фольклор тесно связан с народным бытом и обрядами, он отражает в себе различные периоды истории. По танцу мы можем судить о характере того или иного народа, танец помогает заглянуть в его душу.

По мере развития и обогащения форм, жанров танцевального фольклора, расширения числа отражаемых им явлений, событий, а затем усложнения характера, его взаимосвязи с социальной практикой происходит изменение и в характере воспитательного воздействия на человека.

Таким образом, танцевальный фольклор на протяжении длительного времени выступает одной из важных форм сохранения и передачи накопленного опыта, духовной культуры от одного поколения к другому.

В настоящее время молодежь, наравне с современными танцами, продолжает любить и народный танец, охраняет его традиции, проявляет в этом отношении большую энергию и энтузиазм. Но порой исполнение этих танцев говорит о том, что в наше время народный танец лишен очень важного творческого элемента, который некогда породил его к жизни. Думается, неверна та точка зрения, которая определяет фольклор только как явление историческое. То, что мы видим — это танец, который возник не сегодня, а в очень далеком прошлом; народ развил его и сохранил до нашего времени.

Мы живем в такое время, когда легко утратить в искусстве национальную индивидуальность, легко это сделать и в музыке, и в танцах. Легко механически позаимствовать пример из чужой хореографии, ввести его в танец и тем самым нарушить целостность произведения. Для того, чтобы подобных явлений не было, балетмейстеру необходимо знать характерные черты фольклорного танца того или иного народа, уметь их бережно развивать. Безусловно, необходимо бережно хранить танец от засорения чуждыми элементами, но нельзя и топтаться на месте. Нужно более смело, творчески подходить к проблеме создания новых танцев на основе фольклора. Нужно больше пробовать, экспериментировать, опираясь на традиции и учитывая требования эпохи.

Перед нами стоит задача: бороться за создание самых разнообразных и совершенных сценических форм представления нашего фольклорного танца. Обрабатывая этнографический материал, необходимо создавать новые художественные произведения, созвучные нашему времени, и, поднимая народное искусство на более высокую ступень, постараться не растерять то драгоценное, что создал народ.

Фольклорный танец является основой сценического танца. Выражение эмоциональных переживаний различными пластическими движениями зародилось еще на заре человечества. В глубокой древности танец был составной частью обрядов. Когда первобытный человек рисовал на стенах пещеры какое-либо животное, пытаясь поразить его своим копьем, он надеялся, что охота, на которую он отправится, будет удачной и завершится благополучно. В те давние времена для людей не существовало разницы между предметом и его изображением. Подобной «охоте» они предписывали сверхъестественные, магические свойства, сопровождали ее танцами. Танец возник из разнообразных жестов и движений, исполняемых человеком, копировавшим поведение животного, или в связи трудовыми процессами в жизни людей первобытного общества.

 «Что такое фольклорный танец? Это пластический портрет народа, немая поэзия, зримая песня, таящая в себе часть народной души. В его неистощимой сокровищнице много бесценных жемчужин. В них отражены творческая сила народной фантазии, поэтичность и образность мысли, выразительность и пластичность форм, глубина и свежесть чувств. Это эмоциональная, поэтическая летопись народа, самобытно, образно, ярко рисующая историю событий и чувств, пережитых им. Фольклор, как без­донный и бесценный кладезь народного ума и таланта, собрал и сохранил все то, что было открыто и изобретено бесчисленными и безымянными талантами, передавшими будущему человечеству первое богатство куль­туры, которое стало фундаментом для неизбежного роста мировой куль­туры - так образно определил суть народного танца  в интервью журналу «Балет» И.А. Моисеев.

Балетмейстер – это, прежде всего, профессия, которая сложна и ответственна. Творческая жизнь балетмейстера зависит от его образования, уровня культуры и таланта. Талант, как говорил Ф.Лопухов, не приобретается, а имеется от рождения. Его нельзя изменить, а можно только отшлифовать. В истории найдется не мало примеров, когда талантливые, почти великие танцовщики становились посредственными балетмейстерами.

Балетмейстер -  это не только «мастер балета», сочинитель танцев, но и воспитатель, обладающий дарованием, подкрепленным знанием литературы, живописи, музыки, скульптуры и т.д. Он должен обладать фантазией, которая помогает ему раскрыть идею танца, выразить эпоху, создать собственный стиль. В равной степени балетмейстер должен хорошо владеть основами режиссуры и актерского мастерства, обладать хорошей зрительной памятью, музыкальностью, чувством ритма, образным и ассоциативным мышлением. «Только ассоциативно мыслящий человек может быть художником», - утверждал К.Голейзовский.

Балетмейстер, если он настоящий профессионал, не может довольствоваться привычным, абсолютизировать найденные формы. Он не вправе «стреножить свою фантазию», он должен всегда находиться в поиске, экспериментировать. Немаловажным в творчестве балетмейстера является его профессиональная исполнительская и физическая подготовка. Путь балетмейстера обязательно должен лежать через самостоятельную танцевальную практику, которая может дать не формальное, а истинное значение языку танца. Участие балетмейстера в своих постановках нежелательно. Он должен видеть танец со стороны, из зрительного зала, чтобы иметь возможность оценить его, что-то добавить или убрать, изменить отдельные рисунки или движения.

Балетмейстерский труд, наряду с творческими, умственными, требует огромных физических затрат. Еще до начала постановочной работы в коллективе балетмейстер неоднократно протанцовывает сам все сочиненные им партии (и сольные, и массовые), пока не убедится, что нашел то самое выразительное движение, рисунок, которые необходимы для воплощения его замысла. На репетициях он по несколько раз показывает свое сочинение исполнителям. Глубоко ошибаются те, кто думает, что балетмейстер это человек, комбинирующий готовые движения или создающий танцевальные композиции только в мыслях, без приложения физических усилий.

Творческие пути балетмейстеров могут быть различными. Одни утверждают, что балетмейстер, начиная самостоятельный путь, копируют шедевры великих мастеров; изучая их творчество, овладевает приемами постановочной работы. И лишь потом начинает творить сам. Копирование, подражание - это тоже творческий процесс, и, если подходить к нему вдумчиво, этот путь помогает художнику обрести себя, свою творческую манеру. Каждый человек индивидуален как в жизни, так и в творчестве. Создавая свою постановку, даже подражая или копируя, балетмейстер не переносит досконально на сцену работу другого, а предлагает свой вариант одного и того же танца. Многие начинают свою работу с подражания, а заканчивают - при умелом руководстве педагога - наставника – уже проявляя черты своего творческого почерка в создании хореографического произведения.

Изучением народного творчества занимались всегда. На основе изу­ченного создавались новые произведения искусства. В них художествен­ная правда находила свое специфическое воплощение, свой конкретно-косвенный облик, обусловленный выразительными средствами данного искусства.

Искусство хореографии наших дней тесно связано со своими истоками, с реалистическими традициями народного искусства. В его основе лежит стремление людей отразить окружающий мир. Возникнув еще на ранних этапах человеческого развития, танец эволюционировал вместе с развитием человеческого общества. «Эволюция форм народного творчества, в том числе и хореографии, всегда протекала в зависимости от изменений адми­нистративного, хозяйственно-бытового и религиозного порядка»

С течением времени танцевальные движения утрачивали первона­чальную смысловую нагрузку и превращались в средство выражения эмоций, в них возрастала степень эстетического качества. Значение одно и того же движения становилось бесконечно разнообразным. Оно могло принимать множество эмоциональных оттенков. Например, элементы русского национального танца можно встретить в танцах других народов. «Простой танцевальный шаг» является неотъемлемым элементом почти любого танца, танцевальный элемент «веревочка» встречается, наряду с русским, в испанском, молдавском танцах и т.д. А такие элементы, как прыжки, притопы, составляют лексическую основу многих народных танцев. Но каждый из приведенных элементов в танцах различных народов имеет свою неповторимую особенность, колорит, которые и составляют художественную суть народного танца.

Танцевальная культура народа богата именно разнообразием художественных особенностей, которые проявляются в образности, в лексической манере, стиле исполнения. В них заключены общенациональные черты народа и специфические особенности различных краев, областей, регионов.

В современную эпоху для танцевального фольклора открывается ши­рокий доступ на сцену. Никогда прежде сцена не видела искусства более яркого, вдохновенного, чем искусство фольклора. Создание современно­го народного танца, его сценическая обработка были бы невозможны без глубокого изучения народного творчества.

При сценической обработке танца балетмейстер должен создать новые, современные художественные произведения, не теряя тех жемчу­жин, которые создал народ. В ансамбле фольклорного танца балетмей­стер, как правило, переносит его на сцену либо в бытовом и этнографическом виде, либо с небольшой степенью изменений. Изменения эти касаются прежде всего рисунка танца (круг, «открываясь» до зрителя, превращается в полукруг, ракурсы танцующих изменяются в со­ответствии с законами зрительского восприятия). Характер и амплитуда танцевальной лексики сохраняются практически полностью. Такой танец еще нельзя назвать народно-сценическим.

Танец для зрителя не может быть копией житейской пляски. Появля­ется зритель, а с ним появляется театр, законы которого нужно соблю­дать. Прежде чем приступить к созданию народного танца на сцене, балетмейстер должен изучить обычаи, обряды, образ жизни этого народа, фактор занятий, экономику и географическое положение. При создании сценического танца на основе фольклора важно сохранить его идею, мысль, заложенную в танце, стилевую гамму исполнения. С фольклор­ным танцем надо обходиться бережно. Осуществляя сценическую обработку, балетмейстер должен сохранить все, что касается характера наро­да, манеры исполнения, и в то же время развить и обогатить лексику, рисунок, украсить произведение, но таким образом, чтобы не испортить того главного, что было заложено в первооснове. И ни в коем случае нельзя вносить в танец чуждые элементы, движения, которые не свойст­венны данному народу, исполнять их не в том темпе и ритме, который был в первооснове.

Условия жизни и климат накладывают свой отпечаток на манеру движения. На строгую манеру северян свое влияние оказал костюм, подпрыгивание девушек считалось неприличным. Ход девушек плавный, голова поворачивается вместе с корпусом. Юноши очень внимательны к девуш­кам. У них нет хлопушек и присядок.

Конечно, не все из жизни приемлемо для сцены. Надо выбирать самое интересное: то своеобразный рисунок, то необычную манеру исполнения или какое-то особенное настроение танца.

Народный танец является одним из средств самовыражения народа на всех этапах развития человечества, начиная с зарождения цивилизации и заканчивая сегодняшним днем. Источником развития хореографического искусства является фольклорно-этнографический материал. Именно он позволяет раскрыть в танце характер народа, его темперамент, быт и обычаи. Изучение фольклорно-этнографического материала и его сцениче­ская обработка - важный момент в создании народно-сценического тан­ца. Он позволяет раскрыть и сохранить национальные черты того или иного народа.

В развитии сценического искусства важен не столько сам образец фольклорного танца, сколько фольклорная традиция. Никакое подража­ние образцу не рождает ничего нового, кроме плохой копии. Это факти­чески приводит к смерти танца, поскольку он переносится в иные, непри­вычные для него условия бытования. Но знание его основных черт, свойств, порядка, понимание гармонии художественного образца, кото­рая создавалась многими поколениями одаренных творцов, может спо­собствовать рождению нового в условиях сценического бытования, со­держащего в себе саму подлинную традицию. Различные танцы одного региона составляют национальную традицию. Сценический танец, таким образом, интерпретирует общую национальную традицию.

Составной частью хореографического произведения является сценический костюм, который появился позже бытового. Роль костюма в танце значительна: из-за отсутствия в хореографической постановке вокального или словесного текста зрелищная сторона играет здесь очень большую роль. Костюм может служить не только для характеристики героя, выявлять черты его индивидуальности, прежде всего он должен отвечать требованиям, предъявляемым к одежде для танца: быть удобным для исполнения, не затруднять движения, а, наоборот, стараться подчеркнуть их. Художественно-сценический костюм создается на основе традиционной народной одежды. Народный костюм связан, прежде всего, с родными условиями страны, в которой он появился. Разрабатывая такой костюм, важно обращать внимание на выбор ткани, орнаментов, отделки, чтобы он не был стандартным, излишне стилизованным. Народный костюм отражает специфику культуры и художественный вкус народа. Многообразны и отличаются высоким художественным вкусом типы русс народной одежды, сохранявшейся в основных чертах в крестьянской среде до начала ХХ века. Она строго делилась на девичью и женскую, одежду зажиточных крестьян и бедноты. В то же время костюмы, распространенные в той или иной области имели свои традиционные особенности.

Костюм является воплощением и выразителем стиля и изменяются вместе с ним. Какой бы художественный стиль ни господствовал, костюм всегда отражает его характерные особенности.

В многочисленных вариантах народного костюма существует много общих элементов, которые придают ему национальный характер. Случайно подобранный костюм значительно снижает сценическую убедительность хореографической постановки.

Изучая, богатейшее наследие народной одежды и используя его в своей постановке, руководитель приобщает исполнителей к сокровищнице декоративного искусства, которую создал народ на протяжении веков в образцах народной одежды. Но, изучая народный костюм, нельзя забывать, что его сценический вариант не должен быть точной копией  первоисточника, музейного образца.

Народная одежда дает лишь основные линии покроя, сочетания цветов, характер орнамента или отделки, которые при создании сценического костюма надо переработать так, чтобы он стал несложным для выполнения и сценически выразительным.

Национальный костюм каждого народа часто определяет характер танцев. Так, танцы женщин Востока, носящих длинные, до самых ступней одежды, строятся преимущественно на движениях рук. Узкие юбки связывают движения танцовщицы, а широкие раскрывают их. Туфли с каблуками хороши для дробных выстукиваний, легкие сапожки кавказских горцев дают возможность танцевать на пальцах. Разнообразие форм и цветовых сочетаний костюмов бесконечно. Часто у жителей одной области, но разных районов совершенно разные костюмы. Поэтому работа над сценическим костюмом не терпит поверхностного, формального отношения. Создание костюма — это сложное и трудное искусство, и как всякое искусство оно требует определенных навыков, знаний,  мастерства, фантазии и вкуса. Подлинная работа над костюмом включает в знание эпохи и доскональное знакомство с историей, культурой, особенностями быта.  Для этого привлекается литературный и исторический иллюстрированный материал — конечно, переносить народный костюм в театр в его подлинном виде, соблюдая форму, цвет, длину и фактуру материала, часто бывает почти невозможно, да и не нужно. В таких случаях художнику следует, сохранив подлинный стиль и характер костюма сделать его более легким, удобным, не стесняющим свободы движений исполнителя.

Балетмейстер, сочиняя массовый танец и работая с художником, может создать такие костюмы, чтобы при каждой перемене хореографической композиции менялась и композиция красок, создавая чудесную живую цветовую гамму. Заранее учесть чередование костюмов и их цветов в массовом танце и тем самым создать яркое, красочно-праздничное зрелище.

Костюм неотделим от индивидуальности человека, существует и живет для него и вместе с ним.  Для наибольшей динамики и для наибольшей декоративности костюм можно строить по принципу контраста. Большое значение при создании костюма имеют и различные аксессуары (платки, шали, ленты, венки, различные украшения и многое другие). Они активно используются в танце, являясь его неотъемлемой частью, выразительным средством. Главными критериями оценки качества художественного оформления хореографического произведения являются действенность, музыкальность и соответствие условиям танцевального искусства.

Фольклор - сложное синтетическое искусство. Нередко в его произведениях, обрядах, праздниках соединяются элемен­ты разных видов искусств — словесного, музыкального, хорео­графического и театрального.

Значение фольклора для дальнейшего развития хореогра­фии трудно переоценить. Он является источником идеи, выра­зительных средств, эстетическим эталоном для творческой дея­тельности профессиональных балетмейстеров.

Одной из наиболее значимых форм танцевального фольклора является его способность к рождению и развитию новых сценических форм.

Мы живем в такое время, когда легко утратить в искусстве национальную индивидуальность, легко это сделать и в музыке, и в танцах. Легко механически позаимствовать пример из чужой хореографии, ввести его в танец и тем самым нарушить целостность произведения. Для того, чтобы подобных явлений не было, балетмейстеру необходимо знать характерные черты фольклорного танца того или иного народа, уметь их бережно развивать. Безусловно, необходимо бережно хранить танец от засорения чуждыми элементами, но нельзя и стоять на месте. Нужно более смело, творчески подходить к проблеме создания новых танцев на основе фольклора. Нужно больше пробовать, экспериментировать, опираясь на традиции и учитывая требования эпохи.

Необходимо бороться за создание самых разнообразных и совершенных сценических форм представления нашего фольклорного танца. Обрабатывая этнографический материал, необходимо создавать новые художественные произведения, созвучные нашему времени, и, поднимая народное искусство на более высокую ступень, постараться не растерять то драгоценное, что создал народ.

Список используемой литературы:

1.            Волков, И. П. Воспитание творчеством / И. П. Волков. – М. : Знание,

2.            Герасимова, Н. А. Фольклорный танец / Н. А. Герасимова. – Барнаул: АГИК, 2002. – 15 с.

3.            Герасимова, Н. А. Этнография и танцевальный фольклор народов России / Н. А. Герасимова. – Барнаул : АГИИК, 2004. – 8 с.

4.            Мельников, М. Н. Детский фольклор и проблемы народной педагогики / М. Н. Мельников. – Новосибирск: Просвещение, 1987.

5.            Палилей, А. В. Традиции сибирского танцевального фольклора в творческо-педагогической деятельности балетмейстеров любительских хореографических коллективов / А. В. Палилей. – М.: МГИК, 1996.

6.            Праздники в народных традициях : лит.-музыкальный альманах / сост. Г. М. Науменко. – М.: Молодая гвардия, 2004. – 302 с.

7.            Чурко, Ю. Из вчера в завтра. Традиции и новаторство в хореографическом фольклоре / Ю. Чурко // Народный танец. Проблемы изучения. – 2004. – № 18.