«СТИЛИСТИЧЕСКИЕ ОСОБЕННОСТИ ПРОИЗВЕДЕНИЙ В.А. МОЦАРТА »

            МЕТОДИЧЕСКИЙ РЕФЕРАТ

                                  на  тему

  «СТИЛИСТИЧЕСКИЕ ОСОБЕННОСТИ

      ПРОИЗВЕДЕНИЙ  В.А. МОЦАРТА »

                                   Преподавателя 

                МБУДО  ДМШ  им. А.Г. Абузарова

                                                        БОРИДЬКО Л.А.

                                  г. ТАГАНРОГ  - 2017г.

     «СТИЛИСТИЧЕСКИЕ  ОСОБЕННОСТИ

         ПРОИЗВЕДЕНИЙ  В.А. МОЦАРТА »

                              План

       1.  Ошибочный  взгляд на  творчество Моцарта в 19 веке.

       2.  Формирование  личности   В.А.Моцарта.

       3.  Стилистический  язык  В.А. Моцарта.

       4.  Динамика и артикуляционные указания в произведениях  Моцарта.

       5.  Значение творчества  Моцарта.

       Любое явление искусства в историческом процессе – величина изменчивая. Моцарт, чья принадлежность художественному Олимпу признавалась везде, не избежал этой участи.

За 200 лет, прошедшие со дня смерти Моцарта, отношение к моцартовскому наследию, личности композитора заметно менялось.

Исследователи прошлого столетия считали, что в области оперы он был подлинным новатором, в области инструментальной музыки признавали, что он создал множество гениальных произведений, но использовал уже существовавшие достижения. Эту точку зрения высказывал Серов в своих статьях о Моцарте.

Многие рассматривали Моцарта как изящного, грациозного композитора, но отказывали ему в силе, мощи, трагическом чувстве.

Антиромантические тенденции, проявившиеся в конце прошлого века, коснулись и Моцарта.

Революционность и масштабность фортепианных произведений Бетховена выдвигают его на первый план в программах пианистов 19 века,

а инструментальная музыка Моцарта остается в тени. Вместо восхищения – поверхностные суждения, забвение.

«Я не выношу концерта Моцарта» - это сказано Клодом Дебюсси в годы, когда «творения Моцарта принято было считать маленькими безделушками и включать в программу лишь в том случае, если ее требовалось чем-то заполнить.»

Новую эру о Моцарте начали французские музыковеды Теодор Визева и Сен-Фруа, затем появляются новые исследования немецких, английских музыковедов.

Молодые годы Моцарта совпали с германскими «бурей и натиском» - зачатками нового течения романтизма в литературе. Художественная личность Моцарта формируется под влиянием этого нового движения в немецкой поэзии. Важное значение для юного гения сыграли концертные поездки с раннего возраста по европейским странам. Моцарт жадно впитывает то, что он слышал, видел и наблюдал в других странах. Так, в музыке Моцарта, особенно в сфере мелодии, много итальянских влияний, ощущаются в ней и тонкие связи с французской музыкой.

   Чем  сильнее он  рос как композитор, тем меньше мог исполнять свои прежние произведения. Это отвращение к своим собственным прежним вещам, вечное недовольство, стремление к новому толкало Моцарта на новые пути к знаменитому «стилевому перевороту». По новейшим исследованиям, Моцарт из своего последнего путешествия в Италию вернулся ярко выраженным романтиком. Однако, открыв Моцарта–романтического,  ХХ век не предает забвению Моцарта-классика.

   Сколько бы не обнаруживали исследователи в музыке Моцарта признаков зарождающегося романтизма, как композитор он говорит языком своего времени.

   Этикетность, галантность эпохи абсолютизма – это одна из сторон стиля Моцарта. Исключительное изящество, чистота и хрустальная прозрачность – стилистическая норма моцартовского языка. В музыке неизменно господствует легкость, непринужденность, без каких-либо признаков борьбы и трудностей. По Моцарту «потеть» музыке не полагается, она должна оставаться естественной. Даже при передаче трагического его музыка не перестает быть прекрасной. Но самое поразительное в его музыке – внутреннее преображение галантности. У Моцарта за внешней этикетностью выражения открывается внутреннее содержание: ему ведомы и сладкое упоение звуками и темные глубины чувства. Многообразие его настроений – неисчислимо, но и в моменты наивысшего напряжения звучность его остается прозрачной и прекрасной.

   Моцарт в силу самой своей природы был врагом всяких преувеличений. Его эстетическое кредо изложено в письме к отцу : « … страсти, какими бы пылкими они не были, должно выражать так, чтобы они не вызывали отвращения: музыка, передавая самые ужасные положения, не должна оскорблять слух; наоборот, она должна его услаждать, то есть всегда оставаться музыкой…»

   Моцарт – один из первых композиторов, начавших сочинять для фортепиано. Его фортепианный стиль ясно изобличает прирожденного пианиста, поразительным образом умевшего использовать буквально все технические и звуковые возможности нового инструмента.  Здесь прежде всего следует отметить певучесть, один из творческих и исполнительских принципов Моцарта, связанный с претворением итальянского bel canto в инструментальной музыке.

Каков же звуковой идеал Моцарта?

   Прежде  всего надо вспомнить, что фортепиано моцартовской эпохи имели очень ясный и светлый верхний регистр, что давало играть красочно и певуче.

   В силу своей конструкции моцартовское фортепиано значительно меньше, чем рояли ХХ века, позволяло звукам сливаться, поэтому и в дисканте, и в басу легко было добиться отчетливой, «жемчужной» игры.

   Во-вторых, в эпоху просвещения изменилось отношение и к звучности. Интонации галантной эпохи становятся очевидно ограниченными. На первый план выдвигаются вопросы звуковой пластики. Звучность должна теперь отразить человеческую душевность, человеческое могущество. Звучность Моцарта стала гибче и изящнее. Но она вовсе не легковесна. Попытки исполнить поверхностным, сверхнежным звуком музыку Моцарта неверны, т.к. моцартовский звук устойчив и оперт, и это надо сочетать с ясностью и прозрачностью всей ткани, сквозь которую буквально «просвечивает» каждый голос, будь то мелодия или гармоническое, фигурационно сопровождение.

Выбор темпа.

   Моцарт не оставил нам никаких сведений о темпах, никаких цифровых показателей. Известно, что он протестовал против слишком быстрого исполнения его сочинений, когда ясность и точность страдали из-за быстрого темпа.

   Моцарт находил нужным исполнять части, обозначенные  «Аллегро», в умеренном темпе. В настоящее время их часто играют слишком быстро. Если он хотел, чтобы пьесу или часть какую-то действительно играли быстро, он надписывал «Presto», иногда «Allegro assai».  «Allegro» у него соответствует первоначальному значению этого слова: бодро, весело. Части, обозначенные Andante и Adagio, Моцарт представлял их себе в подвижном темпе. Для Моцарта и его эпохи Andante не является медленным темпом, оно сохраняет значение слова «идущий».  Дополнительными словами Моцарт часто указывал, если желал исполнения Andante в более медленном или более подвижном темпе. Для выбора темпа большое значение имеет характер произведения. К примеру, 1я часть трагического концерта с-моll при слишком быстром темпе потеряла бы глубину и выразительность. С другой стороны, блестящие пьесы, где меньше душевной глубины, требуют быстрых темпов, чтобы произвести должное впечатление.

Артикуляционные  указания.

   И в музыке, и в речи под артикуляцией понимается характер произнесения мелких элементов музыкального или словесного текста. Таким образом, в музыке понятие артикуляции охватывает различные виды звукоизвлечения игры, различные виды штрихов. Нотная запись 18 века знала только артикуляционные знаки – точки и клинья для стаккато – и лиги для легато. Фразировочные лиги Моцарту были не ведомы – они появились лишь в 19 столетии.

Лиги Моцарта имеют двоякое значение:

1.     Указывают на легато длинной мелодической линии, но записаны по традиции эти лиги лишь потактно.   I___I___I___I___I

2.     Лиги, объединяющие 2,3 или 4 звука. Причем последнюю ноту сыграть коротко, отделить от последующей – чаще стоят над нотами мелкой длительности – их называют артикуляционными лигами. Если не обозначал артикуляции, значит надо играть нон легато. Мелодические линии Моцарт часто предлагает играть legato, виртуозные пассажи он всегда хотел, чтобы исполняли non legato или staccato.

   В местах, где нет пассажей, Моцарт придерживался правила строго стиля: в поступенном движении играть связно, в скачкообразном – расчлененно. Разложенные аккорды legato исполнять лишь в исключительных случаях (соната B dur  - такая манера расставлять лиги происходит от способа записи скрипичных штрихов: 3 смены смычка – 3 лиги).  То, что у Моцарта так редко встречаются длинные лиги, объясняется ограниченной длиной скрипичного смычка. Это же наблюдается в начале сонаты F dur.  В таких местах в конце лиги на мгновение снять правую руку с клавиши, но одновременно с помощью педали сохранить связи между звуками.

    Если артикуляционная лига стоит над двумя нотами одинаковой длительности, она указывает, что акцент приходится на 1-ю ноту, и особенно, когда эта нота на слабой доле такта.

   Певучие моцартовские темы почти всегда требуют легатного исполнения.

  Для обозначения staccato употреблял два ясно отличающихся знака: точку и клин. Точка у Моцарта означает, как и в современной практике, более мягкое, круглое staccato, а клин – более резкое, острое, иногда как знак акцента. Для обозначения совсем мягкого staccato он пользовался сочетанием точек и лиг.

  Моцартовское staccato отличается большой шкалой в исполнении – необходимо учитывать длительность ( половинная или четвертная ), темп (быстрый или медленный), как изложена мысль ( f или p ).

    Динамика.

   Моцарт был скуп на динамические указания. Его динамика – динамика его эпохи, несет в себе скорее рисунок, чем краску. Смена контрастов является типичной для Моцарта и ее не следует сглаживать. Динамические переходы  cresc. или  dim. - встречаются гораздо реже, чем это представляется теперь. Такие случаи он почти всегда помечал.  Ему были известны все динамические ступени между рр и ff,  но к сожалению, он довольствовался только намеками на динамику, поэтому моцартовское р может означать не только р, но  mp, а f включать градации от mp до ff. В каждом отдельном случае нужно досконально знать произведение, чтобы прийти к правильному решению. Все же музыка Моцарта даже при самом сильном f не должна звучать мощно, как например, звучит бетховенское f. У Моцарта f означает ''высшую степень душевного накала''. Знак fp имеет значение sf. В отрывке, исполняемом P,  sf обозначает относительно слабый акцент.

   Еще внимание хочу обратить на повторение одинаковых фраз в одной тональности. Фразу во 2й раз не надо стремиться играть слабее первого. Эффектом ‘’эха’’ Моцарт пользовался редко, в основном он желал усиления звучности при повторении. Например, чтобы не раздробить общую линию развития, и особенно в заключительных эпизодах.

Орнаментика.

I.   Форшлаги делятся на короткие и длинные, т.е. перечеркнутые и неперечеркнутые.

1.     Форшлаги, выписанные восьмыми нотами и перечеркнутые  всегда играются акцентированно за счет длительности ноты, перед которой стоит.

Такой  форшлаг совпадает с басом, если он есть. В школьной практике это правило действует и в восходящем и в нисходящем движении.

2.     Форшлаги, выписанные  нотами и неперечеркнутые – считаются длинными. Они тоже играются за счет длительности ноты.  Например                     (сокращают длительность этой ноты).

II.   Пральтриллер  ( или мордент )

    В своих рукописях Моцарт не делает различия между трелью и пральтриллером.   Знак мордент  у него встречается редко. Знак трели следует всюду понимать как пральтриллер ( т.е. ), где не остается времени для исполнения трели. Первая нота должна быть акцентирована, все пральтриллеры  большей частью надо начинать с главной ноты. В медленных частях большей частью также предполагается пральтриллер.

III.   Трели

     В фортепианной практике трели у Моцарта по классическим канонам играются с верхней вспомогательной нотой. Допускается вариант: сыграть ноту мелодий укороченной длительности и с верхней ноты начинать трель. Учащимся лучше выписывать трели: по  2, 3,4 ноты , чтобы не терялся пульс с левой рукой. Возможен вариант свободной трели, это более высокий уровень – возможен, когда развито хорошее чувство пульса.

   Универсального решения вопроса о трели, с какой ноты начинать нет, т.к. бывают случаи, когда по содержанию и характеру музыки трель лучше играть с главной ноты, но это все на более высоком уровне исполнения. Трели, как правило, заканчиваются нахшлагами  ( опевания).  Нахшлаги могут отсутствовать, если трель встречается над нотой в восходящей линии.   

  Все украшения следует расценивать как мелодические построения.

   Фортепианный стиль  Моцарта изобличает прирожденного пианиста. Поразительным образом умевшего использовать буквально все технические и звуковые  возможности своего инструмента. Начиная с первых детских пьесок и до последней сонаты, Моцарт  создавал их  как композитор-исполнитель. Его связь с инструментом  интимна, он соединяет еще редкое тогда cantabile, и острую  отточенность  пальцевой  техники клавесиниста.

   Фортепианно, несомненно, было любимым  инструментом  композитора. Об этом свидетельствует большое  число сочинений, написанных им  для фортепиано. В его фортепианных произведениях, и особенно в  концертах, нашли отражение личные переживания композитора, и как раз в этих  произведениях он достиг вершин инструментального  искусства.

   Моцарт  остается одним из самых загадочных гениев  во всей мировой музыкальной истории. Его личность, жизнь, творчество  окружены легендами,  и каждая  эпоха рождает свой миф  творца, и его искусство.

   Изучение  Моцарта требует  очень серьезной культуры – и общей и музыкальной.  “ Почувствовать сердцем – это ключ к пониманию  звукового  мира Моцарта”  - Г. Чичерин.

                                    Список литературы:

1.  Г. Чичерин.  Моцарт. Исследовательский этюд. -  Ленинград. Музыка 1971

2.  М. Друскин. О западно-европейской музыке. – М. 1973

3.  Г. Коган. Вопросы  пианизма. – М. 1972

4.  Б.Ф. Асафьев. Музыкальная форма как процесс. – М. 1947