Со
второй половины 20 века в жизни России наступают серьезные перемены: бурный
рост науки, освоение космоса, гигантские стройки – Братская ГЭС,
Байкало-Амурская магистраль, КАМАЗ, целина. В новый период развития вступает и
отечественная культура, Открываются широкие горизонты для творчества, для
поисков новых путей в искусстве.
Большое
влияние на развитие отечественной культуры в эти годы оказали
расширяющиеся международные связи. В нашей стране гастролируют известные
зарубежные музыканты, знаменитые оперные театры. В свою очередь с триумфом
за рубежом гастролируют и наши оперные театры, музыкальные коллективы,
исполнители. Такой культурный обмен не мог не сказаться на творчестве
отечественных композиторов. Которые начинают активно осваивать мировое
музыкальное искусство 20 века.
Наряду с отечественными классиками: Хачатуряном,
Шостаковичем, Свиридовым в музыкальную жизнь страны входит новое поколение –
это молодые композиторы Холминов, Молчанов, Денисов, Гаврилин, Щедрин,
Губайдулина, Шнитке, Слонимский, Петров, которые ищут новые «звуковые пути»,
изучают технику сочинения современных зарубежных композиторов, переосмысливают
существующие жанры. Их сочинения вызывают бурные дискуссии. Молодым композиторам
приходится отстаивать свое право на музыкальное новаторство. Отечественное
искусство освобождается от старых правил, становится многообразным, а диапазон
новых стилей и жанров – бесконечно широким.
Московская школа — условное определение,
относимое к группе московских композиторов 2-й половины 19 — начала 20 вв.
Главой московской школы был П. И. Чайковский, влияние которого сказалось в
большей или меньшей степени на творчестве всех её представителей. После смерти
Чайковского руководящая роль в ней перешла к С. И. Танееву.
Московская школа противопоставлялась петербургской школе, возглавлявшейся
Н. А. Римским-Корсаковым. Однако обе школы при частных различиях принадлежали к
передовому реалистическому направлению русской музыки, и существовавшие между
ними расхождения не затрагивали коренных идейно-эстетических основ творчества.
Чайковский резко протестовал против попыток противопоставить его и
Римского-Корсакова как художников, принадлежащих к враждебным лагерям в музыке.
Он находил, что «тут есть странное недоразумение, которое принесло и продолжает
приносить печальные последствия» (из интервью П. И. Чайковского, журнал
«Петербургская жизнь», 1892, № 2).
Многие композиторы московской и петербургской
школ стремились к объединению творческих принципов Чайковского и
Римского-Корсакова. Эта тенденция отчётливо проявляется у А. С. Аренского, M.
M. Ипполитова-Иванова, Вас. С. Калинникова, А. Т. Гречанинова и др. Ученики Римского-Корсакова
— Ипполитов-Иванов и Аренский — заняли видное положение в московской
музыкальной жизни, примкнув к близкому окружению Чайковского. Гречанинов после
окончания Московской консерватории учился у Римского-Корсакова в Петербурге, но
в дальнейшей своей музыкальной деятельности оставался связан преимущественно с
Москвой. В конце 19 в. укрепляются связи Танеева с петербургскими музыкальными
кругами. Всё это способствовало большему сближению московской и петербургских
школ.
К московской школе относят также С. В.
Рахманинова, А. Н. Скрябина, Н. К. Метнера, творчество которых, однако, было
связано с новым этапом развития русской музыки и выходит за рамки традиций
Московской школы, сложившихся в 19 веке.
Так же во второй половине 20 веке яркими
представителям московской школы являются композиторы - Э.В. Денисов, А.Г.
Шнитке, С.А. Губайдулина.
(1929-1996)
«Когда композитор слышит истинную
музыку, он слышит голос Бога.»
Э.Денисов
Эдисон Денисов –
один из плеяды советских композиторов-авангардистов, недооценённых у себя на
родине, но снискавших широкую популярность на Западе.
Его музыка
сочетает в себе тонкий лиризм и терпкость, естественность, натуральность.
Музыкальным произведениям композитора всегда была чужда искусственная
красивость, показная помпезность, фальшивая драматичность.
Детские годы Эдисон Васильевич Денисов
родился в 1929 году в Томске. Отец композитора был специалистом в области
радиотехники, а мать – врачом в туберкулёзном диспансере. Василий Денисов был
из тех людей, для которых их занятие является главным увлечением в жизни.
Василий Георгиевич – один из основоположников радиолюбительства в стране. Он
стоял у истоков радиовещания в Западной Сибири. Среди его изобретений – аппарат
для музыкального сопровождения немых кинолент.
Никто из
родителей будущего композитора не имел музыкального образования, но музыка
всегда была неотъемлемой частью семейного досуга. Мама любила петь, а отец
играл на фортепиано. Тем не менее юный Эдисон Денисов наотрез отказался
посещать музыкальную школу, назвав игру на музыкальных инструментах занятием,
неподобающим для мальчика. В те годы его больше тянуло к точным наукам, ведь
перед глазами всегда был пример отца. Поэтому Эдисон старался хорошо учиться в
школе, особенно прилежно изучая физику и математику.
К музыке Эдик
пришёл совершенно случайно. Как-то раз он услышал, как их сосед играл на
мандолине. Этот сосед и стал первым преподавателем музыки у будущего
выдающегося композитора. Позднее Эдисон Денисов самостоятельно освоил кларнет и
семиструнную гитару, на которых учился играть по самоучителям. К шестнадцати
годам созрело желание заняться музыкой всерьёз. Для этого юный музыкант
записался на курсы общего музыкального образования. Музыке он посвящал всё
свободное время. Он организовал школьный самодеятельный ансамбль, в котором
играл партию мандолины. Коллектив часто давал концерты в военных госпиталях в
первые послевоенные годы. Проучившись какое-то время на курсах, Денисов
поступил в музыкальное училище на отделение фортепианного исполнительства.
Окончив школу,
Эдисон Васильевич поступил в университет на факультет физмат. Денисов говорил,
что математика всегда интересовала его больше, чем физика. Наиболее
привлекательным для него разделом математики была логика. Преподаватель
математики любил показывать связи математики с гуманитарными науками:
литературой, искусствознанием. Эти лекции настолько заинтересовали Эдисона
Денисова, что он перевёлся на математическое отделение. Молодому человеку
приходилось совмещать учёбу на математическом отделении университета с
занятиями в музыкальном училище. В нотной библиотеке училища он впервые
познакомился со многими величайшими произведениями русской классической музыки.
Особенно охотно музыкант изучал партитуры опер Глинки.
Первые
сочинения.
Вдохновившись выдающимися произведениями русской классической музыки, Эдисон
Денисов сам написал несколько произведений. Эти ранние опусы были далеки от
будущего стиля композитора и носили в большинстве своём подражательный
характер. В цикле прелюдий для фортепиано обнаруживается интерес начинающего
композитора к русской поэзии: ко многим прелюдиям он подобрал стихотворные
эпиграфы.
Великие
наставники.
Несколько своих сочинений Денисов послал Дмитрию Дмитриевичу Шостаковичу,
который нашёл время ответить на письмо незнакомого молодого музыканта из
провинции. Шостакович писал, что Денисову непременно нужно посвятить свою жизнь
музыке. В Московскую консерваторию удалось поступить не сразу. После первой
неудачной попытки Денисов вернулся в Томск, где окончил университет и поступил
в аспирантуру, однако продолжил упорно заниматься музыкой. В следующем году
поступление удалось. Преподавателем композиции у Эдисона был известный
композитор и музыкальный педагог Виссарион Яковлевич Шебалин. Кроме ценных
знаний по предмету, он передал студенту своё трепетное отношение к музыке и
неугасающий интерес ко всем новым музыкальным веяниям. В классе Шебалина
слушалось много музыки мастеров прошлого и современной академической музыки.
Шебалин всегда настаивал на том, чтобы его ученики постоянно расширяли свой
музыкальный кругозор, знакомясь с большим количеством различных музыкальных
произведений. ₽ Как научиться петь красиво? Обучение хореографии взрослых
Творческая
зрелость.
Большое значение в творческой биографии Эдисона Денисова сыграли фольклорные
экспедиции, в которых он участвовал в годы обучения в консерватории, а также
после её окончания. Эти экспедиции помогли молодому композитору раскрыть для
себя истинную суть русской народной песни. По его собственным словам, он понял,
как далеки от настоящего фольклора те произведения, которые часто подаются
публике под видом исконно русского искусства эстрадными артистами. В результате
этих поездок Денисовым был выработан свой индивидуальный подход к хоровым
аранжировкам, который нашёл воплощение в вокальном цикле «Плачи» и опере
«Иван-солдат». После окончания консерватории композитор был принят в Союз
композиторов. В те годы появились такие произведения Денисова, как фортепианное
трио, романсы и сюиты для оркестра. В этих произведениях отчётливо прослеживается
влияние Шостаковича. В 1957 году трио для фортепиано было передано по радио.
Влияние народной музыки также можно заметить в ряде инструментальных
произведений, например в Сонате для двух скрипок. Автор часто совмещает
народный стиль ведения многоголосия с классическими музыкальными формами.
Индивидуальный
стиль.
Впоследствии музыкальный язык композитора обогатился достижениями современных
западных композиторов-авангардистов. Это влияние привнесло в музыку Эдисона
Денисова лаконичность и ритмичность. Из-за следования этим веяниям музыку
композитора часто обвиняли в сухости и тусклости. В течение всей творческой
деятельности Эдисон Васильевич постоянно занимался самообразованием. Он
подробно изучил музыку своих современников – Бартока, Стравинского и Дебюсси.
Кантата «Солнце Инков» стала первым произведением композитора, исполненным за
рубежом. Открытие в 1966 году Московской студии электронной музыки
способствовало появлению произведения Эдисона Денисова, написанного в
совершенно новом для композитора экспериментальном жанре.
Наряду с симфонической и
камерной музыкой, писал также Эдисон Денисов музыку к кинофильмам и театральным
спектаклям. Самыми известными из его работ на этом поприще стала музыка к
спектаклю «Мастер и Маргарита» Театра на Таганке и кинофильму «Безымянная
звезда». В конце восьмидесятых годов композитор женился на музыковеде Екатерине
Купровской, которая несколько лет назад издала книгу «Мой муж Эдисон Денисов».
В 1994 году Денисов получил серьезные травмы в результате автокатастрофы, проходил
лечение во Франции. Умер композитор в 1996 году. Его музыка навсегда останется
в сердцах людей как образец чистого, искреннего искусства.
Список
основных произведений э.в.денисова
Оперы:«Пена дней» (1981); «Четыре
девушки» (1986)
Балет: «Исповедь» (1984)
Произведения
для оркестра: Симфония для двух струнных оркестров и ударных (1962); Камерная симфония
(1982); Симфония для большого оркестра (1987); «Живопись» для большого оркестра
(1970); «Акварель» для двадцати струнных (1975); Эпитафия для камерного
оркестра (1983); «Исповедь». Сюита из балета (1985); «Колокола в тумане» для
большого оркестра (1988)
Инструментальные
концерты: Концерт
для флейты, гобоя, фортепиано и ударных (1963); Концерт для виолончели с
оркестром (1972); Концерт для фортепиано с оркестром (1974); Концерт
для флейты с оркестром (1975); Concerto piccolo для четырёх саксофонов
(1 исполнитель) и ударных (1977); Концерт для скрипки с оркестром (1977);Концерт
для флейты и гобоя с оркестром (1978); Партита для скрипки с оркестром (1981);
Концерт для фагота и виолончели с оркестром (1982); Камерная музыка
для альта, клавесина и струнных (1982) и др.
Камерно-инструментальные
произведения: Багатели (1971); Вариации (1961); Три пьесы для фортепиано
в четыре руки (1967); «Знаки на белом» (1974); Вариации на тему
Генделя (1986); «Точки и линии» для двух фортепиано в восемь рук (1988);
«Отражения» (1989) и др.
Произведения
для хора: Реквием
(1980); «Колен и Хлоя» (1981); «История жизни и смерти Господа
нашего Иисуса Христа» (1992); «Приход весны» (1984); «Свете
тихий» (1988)
Электронная и
конкретная музыка: «Пение птиц» (1969); «На пелене застывшего пруда…» (1991)
Инструментальный
театр: «Голубая
тетрадь» (1984); «Пароход плывёт мимо пристани» (1986)
(1934-1998)
Альфред Гарриевич
Шнитке родился 24 ноября 1934 года в городе Энгельсе (АССР Поволжья Саратовской
области). Семья его имела многообразные национальные корни: мать, Мария
Иосифовна Фогель, была немкой, а отец, Гарри Викторович Шнитке, литовско-еврейского
происхождения, иммигрировавший в 1926 году в Россию из Германии.
Музыкальные
способности Шнитке проявились очень рано. По рассказам матери, в два года у
маленького Альфреда была любимая игра – стучать на кухне крышками и ложками.
Родители намеревались начать его музыкальное обучение в Гнесинской музыкальной
школе и отправили к дедушке с бабушкой в Москву. Однако начавшаяся Вторая
мировая война нарушила их планы. Мальчик вернулся в родной Энгельс. А поскольку
все радиоприёмники по условиям военного времени были конфискованы, музыки
никакой не звучало. Поэтому впервые по радио Альфред услышал в 1946 году арию
Ленского из оперы Чайковского «Евгений Онегин», ставшей для него потрясением.
Так он получил возможность слушать много хорошей музыки. Под впечатлением от
услышанного, Шнитке начал пробывать сочинять собственную музыку. Нот он не
знал, поэтому импровизировал на губной гармошке, ибо дома никакого другого
инструмента не было.
Альфред Гарриевич Шнитке - композитор, творчество которого
освещало и привлекало внимание к актуальным проблемам современной жизни,
судьбам и культуре людей. Его сочинения окунали слушателей в мир добра и зла,
любви и предательства, взывали к моральным ценностям и всему лучшему, что есть
в человеке. Таким был известный советский композитор, автор множества
музыкальных произведений Альфред Гарриевич Шнитке.
Энгельс, город в Саратовской области, некогда
столица АССР Немцев Поволжья – именно здесь 24 ноября 1934 года появился на
свет будущий выдающийся музыкальный деятель XX века Альфред Гарриевич Шнитке.
Его отец, Гарри Викторович Шнитке(1914-1975), из еврейской семьи, был
журналистом и переводчиком. Мать, Мария Иосифовна Фогель(1910-1972), из семьи
немецких колонистов, работала учителем немецкого языка. В семье Альфреда разговаривали
на двух языках (русском и немецком), в библиотеке было множество книг на
немецком языке. Детство Шнитке прошло во время Великой Отечественной войны. И
когда началась депортация немецкого населения в Сибирь, семья сумела остаться в
городе. Отец же ушёл на фронт.
В 1946г. семья Шнитке переезжает в Вену, куда
после окончания войны был определён на работу в качестве переводчика отец
Шнитке. И здесь впервые раскрываются музыкальные наклонности Альфреда.
Подросток увлекается игрой на аккордеоне, берёт уроки игры на фортепиано.
Возвратившись с семьёй в 1948г. в Советский Союз, молодой Шнитке оканчивает
общеобразовательную школу.
В 1949г. поступает в музыкальное училище им.
Октябрьской революции на хоровое отделение. В 1953г. поступает в Московскую консерваторию
(композиторский факультет под руководством Е. Голубева). В это время начинающим
композитором написано много сочинений, среди которых романсы «сумрак»,
«Берёзка», прелюдии для фортепиано, концерт для скрипки с оркестром, симфония
для оркестра и другие. В качестве дипломного произведения музыкант написал
Ораторию «Нагасаки», сумев посредством музыки передать весь ужас атомного
взрыва.
26 марта 1956 года Альфред Гарриевич женится
на Галине Ивановне Кольциной (1933-1987), но уже в 1959 году они расстались.
С 1958г. по 1962г. учится в аспирантуре. В
1960г. композитором написан Концерт для фортепиано с оркестром в 3-х частях.
Также он начал заниматься написанием статей по музыкознанию. Во время учёбы
также преподаёт в музыкальной школе, после в музыкальном училище.
Второй женой Шнитке стала Ирина Федоровна
Катаева(1941). В 1959 Альфред Гарриевич давал ей уроки музыки на дому, которые
переросли в серьезные отношения и послужили поводом для развода с первой женой.
Свадьбу они сыграли в феврале 1961 года, а в 1965 году у них родился сын
Андрей.
С 1961г. по 1972г. занимается
преподавательской деятельностью в консерватории. И уже в это время можно
заметить индивидуальный стиль композитора. Он хорошо знал и органично соединял
в своём творчестве все современные музыкальные направления. Творческое наследие
Шнитке этого времени состоит в основном из симфонических и камерных сочинений
(симфонии, концерты для фортепиано, скрипки с оркестром, сонаты и т.д.). Также
в это время написаны опера «Одиннадцатая заповедь», балет «Лабиринты», кантата
«История доктора Иоганна Фауста» и др. Среди произведений, предрешивших
характер дальнейшего развития музыканта, стал Второй скрипичный концерт, а
также Первая симфония. Впервые в истории советской музыки в одном сочинении
органично объединились разные музыкальные жанры и направления (классика, марш,
авангард, вальс, джаз и др.).
Композитор Шнитке оказался довольно
востребованным и в кино. Он написал музыку к десяткам кинофильмов, среди
которых известные зрителям «Белорусский вокзал», «Экипаж», «Сказка странствий»,
«Мастер и Маргарита» и т.д. Довольно рано композитора признала и международная
общественность. Премьеры его сочинений были всегда значительным событием в
мировой музыкальной жизни. Их исполняли знаменитые оркестры США, Европы.
Альфред Шнитке был удостоен Императорской премии Японии «Триумф», а также
являлся почётным членом академий изящных искусств Гамбурга, Баварии, Берлина.
В 1990г. музыкант получил приглашение на
работу в консерваторию Гамбурга. Шнитке с семьёй уезжает в Германию. В 1994
году у композитора резко ухудшилось здоровье в результате инсульта. Но, тем не
менее, он дописывает сою знаменитую впоследствии Девятую симфонию.
Умер Альфред Гарриевич Шнитке 3 августа 1998
года в Гамбурге. Похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище..
Список
основных произведений А.Г.Шнитке
Симфонические
произведения: Детская сюита (1962); Музыка для фортепиано и камерного оркестра
(1964); Первая симфония (1972); Вторая симфония (“St.
Florian”,1979); Третья симфония (1981); Четвёртая симфония (1984);
«(Не) Сон в летнюю ночь» («Не по Шекспиру», 1985, 1984) и др.
Инструментальные
концерты: Первый
концерт для скрипки с оркестром (1957); Второй концерт для скрипки с
оркестром (1966); Концерт для фортепиано с оркестром (1960); Третий
концерт для скрипки с оркестром (1978); Четвёртый концерт для скрипки
(1984); Концерт для альта с оркестром (1985); Первый концерт для
виолончели с оркестром (1985-1986); Монолог для альта и струнного
оркестра (1989); Второй концерт для виолончели с оркестром (1990)
Камерно-инструментальные
произведения: Фортепианный квинтет (1972-1976); Соната для скрипки и фортепиано
№1 (1973); Соната для скрипки и фортепиано №2 (“Quasi una Sonata”,1968);
Первая соната для виолончели и фортепиано (1978); «Гимны» (№1-4)
Произведения
для музыкального театра
Оперы: «История доктора Иоганна
Фауста» (1985); «Жизнь с идиотом» (по В.Ерофееву, 1992); «Джезуальдо»
(1995)
Балеты: «Лабиринты» (1971); «Жёлтый
звук» (1974); «Пер Гюнт» (1986)
Хоровы е
произведения: Реквием (1975); Кантата «История доктора Иоганна Фауста» (на текст
из «Народной книги», 1983); Концерт для хора на стихи Г.Нарекаци
(1984-1985); Стихи покаянные для смешанного хора а сарреlla (1987)
(1931 – по н.в)
София Асгатовна Губайдулина
(род. 24 октября 1931, Чистополь, Татарская АССР) — российский композитор, с
1991 года живёт в Германии. Автор более ста симфонических произведений,
сочинений для солистов, хора и оркестра, инструментальных ансамблей, музыки для
театра, кино и мультфильмов. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1989).
С. Губайдулина принадлежит к числу наиболее значительных советских
композиторов второй половины XX в. Ее музыке свойственна большая эмоциональная
сила, крупная линия развития и вместе с тем тончайшее ощущение выразительности
звука — характера его тембра, исполнительского приема.
Одна из важных задач, которую ставит перед собой С. А. Губайдулина, —
синтезировать черты культуры Запада и Востока. Этому способствует и ее
происхождение из русско-татарской семьи, жизнь сначала в Татарии, потом в
Москве. Не принадлежа ни к «авангардизму», ни к «минимализму», ни к «новой
фольклорной волне» или какому-либо иному современному течению, она обладает
ярким собственным индивидуальным стилем.
Губайдулина — автор многих десятков сочинений в разных жанрах. Через все
ее творчество проходят вокальные опусы: ранняя «Фацелия» по поэме М. Пришвина
(1956); кантаты «Ночь в Мемфисе» (1968) и «Рубайят» (1969) на ст. восточных
поэтов; оратория «Laudatio pacis» (на ст. Я. Коменского, в соавт. с М.
Копелентом и П. X. Дитрихом — 1975); «Perception» для солистов и ансамбля
струнных (1983); «Посвящение Марине Цветаевой» для хора a cappella (1984) и др.
Наиболее обширна группа камерных сочинений: Соната для фортепиано (1965);
Пять этюдов для арфы, контрабаса и ударных (1965); «Concordanza» для ансамбля
инструментов (1971); 3 струнных квартета (1971, 1987, 1987); «Музыка для
клавесина и ударных инструментов из коллекции Марка Пекарского» (1972);
«Detto-II» для виолончели и 13 инструментов (1972); Десять этюдов (прелюдий)
для виолончели solo (1974); Концерт для фагота и низких струнных (1975);
«Светлое и темное» для органа (1976); «Detto-I» — Соната для органа и ударных
(1978); «De prolundis» для баяна (1978), «Юбиляция» для четырех ударников
(1979), «In croce» для виолончели и органа (1979); «В начале был ритм» для 7
ударников (1984); «Quasi hoketus» для фортепиано, альта и фагота (1984) и др.
К области симфонических произведений Губайдулиной относятся «Ступени» для
оркестра (1972); «Час души» для солирующих ударных, меццо-сопрано и
симфонического оркестра на ст. Марины Цветаевой (1976); Концерт для двух
оркестров, эстрадного и симфонического (1976); концерты для фортепиано (1978) и
скрипки с оркестром (1980); Симфония «Stimmen... Verftummen...» («Слышу...
Умолкло...» — 1986) и др. Одно сочинение — чисто электронное, «Vivente — non
vivante» (1970). Значительна музыка Губайдулиной для кино: «Маугли», «Балаган»
(мультфильмы), «Вертикаль», «Кафедра», «Смерч», «Чучело» и др. Губайдулина в
1954 г. окончила Казанскую консерваторию как пианистка (у Г. Когана),
занималась факультативно по композиции у А. Лемана. Как композитор окончила
Московскую консерваторию (1959, у Н. Пейко) и аспирантуру (1963, у В.
Шебалина). Желая посвятить себя только творчеству, она на всю жизнь избрала
путь свободного художника.
Творчество Губайдулиной было сравнительно мало известно в период
«застоя», и только перестройка принесла ему широкое признание. Произведения
советского мастера получили высочайшую оценку и за рубежом. Так, во время
Бостонского фестиваля советской музыки (1988) одна из статей была озаглавлена:
«Запад открывает гений Софии Губайдулиной».
Среди исполнителей музыки Губайдулиной — известнейшие музыканты: дирижер
Г. Рождественский, скрипач Г. Кремер, виолончелисты В. Тонха и И. Монигетти,
фаготист В. Попов, баянист Ф. Липе, ударник М. Пекарский и др.
Индивидуальный композиторский стиль Губайдулиной сложился в середине 60-х
гг., начиная с Пяти этюдов для арфы, контрабаса и ударных, наполненных
одухотворенным звучанием нетрадиционного ансамбля инструментов. Затем
последовали 2 кантаты, тематически обращенные к Востоку, — «Ночь в Мемфисе» (на
тексты из древнеегипетской лирики в переводе А. Ахматовой и В. Потаповой) и
«Рубайят» (на стихи Хакани, Хафиза, Хайяма). Обе кантаты раскрывают вечные
человеческие темы любви, скорби, одиночества, утешения. В музыке осуществлен
синтез элементов восточной мелизматической мелодии с западной действенной
драматургией, с додекафонной техникой сочинения.
В 70-е гг., не увлекшись ни стилем «новой простоты», широко
распространившимся в Европе, ни методом полистилистики, которым активно
пользовались ведущие композиторы ее поколения (А. Шнитке, Р. Щедрин и др.), —
Губайдулина продолжала поиск в области звуковой выразительности (например, в
Десяти этюдах для виолончели) и музыкальной драматургии. Концерт для фагота и
низких струнных представляет собой острый «театральный» диалог «героя»
(солирующего фагота) и «толпы» (группы виолончелей и контрабасов). При этом
показан их конфликт, который проходит различные этапы взаимного непонимания:
навязывание «толпой» своей позиции «герою» - внутренняя борьба «героя» — его
«уступки толпе» и моральное фиаско главного «персонажа».
«Час души» для солирующих ударных, меццо-сопрано и оркестра содержит противопоставление
человеческого, лирического и агрессивного, бесчеловечного начал; итогом служит
вдохновенный лирический вокальный финал на возвышенные, «атлантские» стихи М.
Цветаевой. В произведениях Губайдулиной появилось и символическое толкование
исходных контрастных пар: «Светлое и темное» для органа, «Vivente — non
vivente». («Живое — неживое») для электронного синтезатора, «In croce» («Крест
накрест») для виолончели и органа (2 инструмента в ходе развития обмениваются
своими темами). В 80-х гг. Губайдулина снова создает и произведения крупного,
масштабного плана, и продолжает излюбленную «восточную» тему, и усиливает
внимание к вокальной музыке.
Утонченным восточным колоритом наделяется ею «Сад радости и печали» для
флейты, альта и арфы. В этом сочинении прихотлива тонкая мелизматика мелодии,
изысканно сплетение инструментов высокого регистра.
Концерт для скрипки с оркестром, названный автором «Offertorium»,
музыкальными средствами воплощает идею жертвования и возрождения к новой жизни.
В качестве музыкального символа выступает тема из «Музыкального приношения» И.
С. Баха в оркестровой обработке А. Веберна. Третий струнный квартет
(одночастный) отступает от традиции классического квартета, он основан на
контрасте «рукотворной» игры pizzicato и «нерукотворной» игры смычком, чему
также придано символическое значение.
Одним из лучших своих произведений Губайдулина считает «Perception»
(«Восприятие») для сопрано, баритона и 7 струнных инструментов в 13 частях.
Возникло оно как результат переписки с Ф. Танцером, когда поэт присылал тексты
своих стихотворений, а композитор давала на них и словесные, и музыкальные
ответы. Так возник символический диалог Мужчины и Женщины на темы: Творец,
Творение, Творчество, Тварь. Губайдулина добивалась здесь повышенной, проникающей
выразительности вокальной партии и применила вместо обычного пения целую шкалу
голосовых приемов: чистое пение, пение с придыханием, Sprechstimme, чистая
речь, речь с придыханием, интонированная речь, шепот. В отдельных номерах
добавлена магнитная пленка с записью участников исполнения. Лирико-философский
диалог Мужчины и Женщины, пройдя этапы его воплощения в ряде номеров (№ 1
«Взгляд», № 2 «Мы», № 9 «Я», № 10 «Я и Ты»), приходит к своей кульминации в №
12 «Смерть Монти». Эта наиболее драматическая часть — баллада о черном коне
Монти, который когда-то брал призы на скачках, а теперь предан, продан, забит,
мертв. № 13 «Голоса» служит рассеивающим послесловием. Начальное и конечное
слова финала — «Stimmen... Verstummen...» («Голоса... Умолкло...») послужили
подзаголовком к крупной, двенадцатичастной Первой симфонии Губайдулиной,
продолжившей художественные идеи «Perception».
Путь Губайдулиной в искусстве может быть обозначен словами из ее кантаты
«Ночь в Мемфисе»: «Свершай дела свои на земле по велению своего сердца».
В. Холопова
Однако именно с
этого периода русская культура была сопричастна и мировому процессу. Её музыка
звучит и сегодня как в торжественные дни, так и печальные, взывая к памяти и
совести человечества в военных музыкальных мемориалах и выступая с глобальной
идеей мира на земле.
Ныне, оглядываясь
на то время, отмечаешь, что в музыке того периода преобладали сочинения
драматического, а зачастую и трагического содержания. И это не было
случайностью, ибо таковой была окружающая действительность, в атмосфере которой
витало ощущение тревоги, возникавшее по разным поводам мрачных ситуаций. В
музыке преобладали созерцательно-ностальгические тона, как будто из неё ушла
внешняя событийность и осталась реакция на трагические катаклизмы.
Между тем Россия,
пройдя сложный и противоречивый путь от «оттепели» 60-х годов к прозрениям и
потрясениям 90-х, создала величайшее музыкальное искусство, нашедшее признание
далеко за её пределами.
1. Ивашкин, А. Беседы с композитором Альфредом Шнитке./ А. Ивашкин – М.,
1994.
2. Холопова, В. Альфред Шнитке // Композиторы Российской Федерации. –
М., 1982. Вып. 2.
3. Холопова, В. Композитор Альфред Шнитке. / В. Холопова –Челябинск,
2003.
4. Холопова, В. Альфред Шнитке. / В. Холопова В., Чигарёва Е. – М.,
1990.
5. Шульгин, Д. Годы неизвестности Альфреда Шнитке. / Д. Шульгн – М.,
1993.
6. Из собраний Шнитке-центра: К 65-летию А.Г.Шнитке. – М., 1999. Вып.
1.
7. Источник: История музыки народов мира. Русская музыка второй половины
ХХ века. Выпуск IV: Учебное пособие для студентов бакалавриата высших
музыкальных образовательных учреждений / Авт.-сост. И.С. Гульзарова - Ташкент,
2008.
8.
Аверьянова О.И. Отечественная музыкальная литература ХХ века.
Учебник для ДМШ. / О.И. Аверьянова – М.: Музыка, 2002.
9.
Антология оперного творчества московских композиторов (вторая
половина ХХ века) /Сост. Р.Косачёва. –М., 2003.
10. Григорьева
Г.В. Мои воспоминания об Эдисоне // Свет. Добро. Вечность/ Ред.-сост. Г.В.
Григорьева, В.Ценова. –М., 1999.
11. История
современной отечественной музыки. Вып.3 /Ред.-сост.Е.Долинская - М.: 2001
12. Курбатская, С.
Пьер Булез. Эдисон Денисов. / С. Курбатская, Ю. Холопов –М., 1998.
13. Когоутек Ц.
Техника композиции в музыке ХХ века. / Ц. Когоуек –М.: 1976.
14. Дурандина, Е. Отечественная
музыкальная литература. Вып.2 /Ред.-сост. Е. Дурандина - М.: 2002
15. Холопов, Ю.
Эдисон Денисов./ Ю. Холопов, В.Ценова –М., 1993.
Оставьте свой комментарий
Авторизуйтесь, чтобы задавать вопросы.