Добавить материал и получить бесплатное свидетельство о публикации в СМИ
Эл. №ФС77-60625 от 20.01.2015
Инфоурок / ИЗО, МХК / Другие методич. материалы / "Импрессионизм в литературе, музыке, живописи"

"Импрессионизм в литературе, музыке, живописи"


  • ИЗО, МХК

Поделитесь материалом с коллегами:

Министерство образования и науки Российской Федерации

ТОМСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ УНИВЕРСИТЕТ

Институт искусств и культуры

Кафедра хорового дирижирования и вокального искусства






РЕФЕРАТ

на тему «Импрессионизм в музыке, литературе, живописи»






Выполнил:

Злобина О. В.

Проверил:

___________________

Барнашова Е. В.









ТОМСК 2013


СОДЕРЖАНИЕ


Введение

Импрессионизм в живописи

Художники – импрессионисты

Импрессионизм в музыке

Импрессионизм в литературе

Заключение

Список использованной литературы























Введение


Импрессионизм - одно из ярчайших и важнейших явлений в Европейском искусстве, во многом определившее всё развитие современного искусства.

В XIX веке индустриальное развитие повлияло на мироощущение людей. Картины природы представали перед человеком в новом, непривычном для него виде. Сами французские слова «импрессион» (впечатление) и «импрессионисты» ассоциируются с поэтической атмосферой небольших по формату пейзажей, с жанровыми картинами и портретами, излучающими упоение жизнью, безмятежность, душевную и физическую красоту.

Важным принципом импрессионизма был уход от типичности. В искусство вошла сиюминутность, случайный взгляд, создается впечатление, что полотна импрессионистов написаны простым прохожим, гуляющим по бульварам и наслаждающимся жизнью.

Тяга к природе, ко всему естественному, стремление противопоставить академическому направлению чувства простые и непритязательные, отчетливо осознавались еще накануне французской революции.

В настоящее время работы импрессионистов ценятся очень высоко. В группу импрессионистов, как правило, объединяют тех художников, которые участвовали в выставках импрессионистов в 1870-х - 1880-х годах в Париже. Это Клод Моне, Эдгар Дега, Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Альфред Сислей и другие.










Импрессионизм в живописи


Импрессионизм - течение главным образом во французской живописи, характеризующееся стремлением передать средствами искусства мимолетные впечатления, богатство красок, психологические нюансы, подвижность и изменчивость атмосферы окружающего мира.

Во второй половине прошлого века начала работать группа молодых художников. Впервые в истории искусства художники сделали для себя правилом писать не с мастерской, а под открытым небом: на берегу реки, в поле, в лесу.

Стараясь максимально точно выразить свои впечатления от вещей, импрессионисты создали новый метод живописи. Его суть состояла в передаче внешнего впечатления света, тени, рефлексов на поверхности предметов раздельными мазками чистых красок, что зрительно растворяло форму в окружающей световоздушной среде. В излюбленных своих жанрах (пейзаже, портрете, многофигурной композиции) они стремились передать свои мимолетные впечатления от окружающего мира (сцены на улице, в кафе, зарисовки воскресных прогулок). Импрессионисты изображали жизнь, полную естественной поэзии, где человек находится в единстве с окружающей средой, вечно изменчивой, поражающей богатством и сверканием чистых, ярких красок. Правдоподобность приносилась в жертву личностному восприятию - импрессионисты могли в зависимости от своего видения небо написать зеленым, а траву синей, фрукты на их натюрмортах были неузнаваемы, человеческие фигуры - расплывчаты и схематичны. Было важно не что изображается, а важно “как".

После первой выставки в Париже этих художников начали называть импрессионистами, от французского слова «impression» - «впечатление». На первой выставке в 1874 году в Париже появилась картина Клода Моне, изображающая восход солнца под названием: «Впечатление. Восход солнца». Именно название этой картины - "Впечатление" - положило начало целому направлению в живописи, названному импрессионизмом.

Художники по-новому подошли к изображению мира. Главной темой для них стали трепетный свет, воздух, в который как бы погружены люди и предметы. В их картинах чувствовался ветер, влажная, нагретая солнцем земля. Они стремились показать удивительное богатство цвета в природе. Импрессионизм был последним крупным художественным движением во Франции XIX века.

Нельзя сказать, что путь художников-импрессионистов был легок. Их не признавали, так как живопись была слишком смелой и необычной. Но ничто не могло заставить их отказаться от своих убеждений. Прошло много лет прежде чем их искусство было признано.

В чем же сущность его художественного метода? Импрессионисты стремились передать в своих произведениях непосредственное впечатление от окружающей среды — impression, впечатление, прежде всего от современного города с его подвижной, импульсивной, разнообразной жизнью. Это впечатление они стремились воплотить на полотне, создав живописными средствами иллюзию света и воздуха, богатой световоздушной среды. Для этого они разложили цвет на весь спектр, стараясь писать чистым цветом, не смешивая его на палитре и используя оптическое восприятие глаза, сливающего на определенном расстоянии отдельные мазки в общий живописный образ. Они стремились быть максимально приближенными к тому, как тот или иной предмет видит человек.













Художники – импрессионисты


КЛОД МОНЕ


С именем Клода Моне (1840-1926 гг.) нередко связывают такие достижения импрессионизма, как передачу неуловимых переходных состояний освещения, вибрацию света и воздуха, их взаимосвязь в процессе непрестанных изменений и превращений. Он работал, в основном, в области пейзажа. Клод Моне в общей сложности написал около 200 картин, среди которых - "Завтрак на траве", "Сирень на солнце", "Бульвар Капуцинов" и другие.

Ранние работы Моне вполне традиционны. В них еще присутствуют человеческие фигуры, которые в дальнейшем постепенно исчезают из его картин. В 1870-х годах окончательно складывается импрессионистическая манера художника, всецело посвятившего себя пейзажу, усиливается декоративность его работ. С этого времени он работает почти исключительно на пленэре. Именно в его творчестве окончательно утверждается тип большой картины-этюда. Моне составляет и фигуры, и пейзаж из обобщенных световых пятен, оттенки и цвет которых зависят только от освещения, в его работах нет четких контуров предметов. Ощущение движения воздуха усиливается и самой фактурой картины: она перестает быть гладкой, а состоит из отдельных пятен-мазков. Композицию он сознательно строит таким образом, чтобы картина производила впечатление случайно выхваченного фрагмента из потока жизни. Одним из первых Клод Моне начинает создавать серии картин, в которых один и тот же мотив повторяется в разное время года и суток, при разном освещении и состоянии погоды.

Моне стремился показать окружающую его жизнь во всем ее многообразии: игру солнечных бликов на колышущейся глади воды, многолюдную пеструю толпу отдыхающих, которая растворяется в пейзаже и составляет с ним единой целое.

Простые сюжеты картин 1860-1870 гг. уступают место всё более сложным. Моне привлекают серийные работы. В них, следуя импрессионистической манере, художник стремится передать различную степень освещенности одних и тех же предметов при различной погоде, в различное время дня, используя разнообразную тональность своей палитры. Изменение живописной манеры художника сопровождается переменами в его личной жизни - умирают близкие ему люди.

Моне участвует в выставках 1874, 1876, 1877, 1879 и 1882 годов. Однако его произведения почти не продаются - все его новшества вызывают неприятие публики и критики. Гонимый нуждой, художник живет там, где жизнь более дешева. Поселившись в Аржантёе, он увлечением рисует Сену, ее мосты, скользящие по водной поверхности парусники, Появляются его знаменитые серии, посвященные вокзалу Сен-Лазар, полям цветущих маков, Руанскому собору, лондонским мостам, поражающие свежестью красок и интенсивностью цвета. Добиваясь чистоты и звучности цвета, Моне избегает смешивать краски на палитре; чтобы передать нужный ему тон зеленой листвы, художник кладет рядом мазки желтого и синего, на расстоянии они сливаются, "смешиваются" в глазу зрителя, и листья кажутся зелеными.

В конце 1880-х годов его искусство все более привлекает публику и критиков. Признание приносит материальный достаток. Вскоре материальное положение художника поправилось настолько, что он покупает собственный дом в Живерни, где и протекает поздний период его творчества. В этот период художник всецело поглощен работой над сериями пейзажей, в которых разрабатывает тончайшие световые эффекты.

Наряду с Дега и Ренуаром, Моне был одним из немногих художников, чьи работы были выставлены в Лувре еще при их жизни: в 1914 здесь были показаны 14 его картин.

Произведения Моне представлены во всех крупных музеях мира; среди самых известных – музей Мармоттан в Париже, музей Д’Орсэ в Париже, музей Метрополитен в Нью-Йорке, музей Изящных Искусств в Бостоне, Художественный Институт Чикаго, а также Эрмитаж в Санкт-Петербурге и Музей Изобразительных Искусств им. А.С. Пушкина в Москве.



ЭДГАР ДЕГА


Эдгар Дега прославился благодаря своему уникальному мастерству изображать человеческое тело в движении. Эдгар Дега использовал различные краски, но предпочитал пастель. В центре искусства Эдгара всегда стоял человек, в то время как пейзаж, едва ли не ведущий жанр импрессионистов, не играл в его творчестве значительной роли. Большой почитатель Энгра, он придавал исключительное значение рисунку, интересовался Пуссеном и копировал его картины.

Эдгар Дега родился в 1834 году в богатой семье, которая принадлежала к высшим слоям французского общества, имела тесные связи с Италией и США. К 1860 году Дега успел создать несколько удивительных портретов в лучших классических традициях. С 1862 года Дега начал рисовать лошадей, скачки, жокеев. Далее героями стали отдельные музыканты или целые оркестры во время исполнения произведений. Дега особенно интересовало качественное исполнение картин, четкая прорисовка телодвижений. Чтобы добиться непринужденности в передаче мимолетного движения, художник разлагал его на составные части, включающие моменты предшествующие и последующие. Новаторство Дега в передаче движения неразрывно связано с его композиционным мастерством. У него еще сильнее, чем у Мане, чувствуется непреднамеренность, случайность отдельных эпизодов из потока жизни. Он достигает этого неожиданной ассиметрией и необычностью точек зрения (часто сверху или сбоку, под углом).

Главные его темы - мир балета и скачек, лишь в редких случаях он выходит за их пределы, обращаясь к жизни парижской богемы, изображая модисток, гладильщиц и прачек. Во всех этих образах утверждалась новая, чисто современная красота, неотъемлемыми чертами которой были правдивость, непосредственность и демократизм. Пожалуй, лучше всего об этом сказал сам Дега в одном из сонетов, посвященном его излюбленным персонажам - балеринам:

Пляшите, красотой не обольщая модной,

Пленяйте мордочкой своей простонародной,

Чаруйте грацией с бесстыдством пополам,

Вы принесли в балет бульваров обаянье,

Отвагу, новизну…

Основной формой его живописи всегда была сюжетная композиция. В ней ярко раскрываются характерные особенности творческой индивидуальности художника - естественность и необычайная зоркость художественного видения, обостренный интерес к передаче движения, беспощадная, почти бесстрастная аналитичность и одновременно насмешливая ирония.

Стремление к бескомпромиссному анализу и отсутствие, каких бы то ни было иллюзий, заставляли его выбирать сюжеты и темы, позволяющие показать реальные отношения людей в буржуазном обществе, ту изнанку жизни, которая до сих пор оставалась за пределами искусства. Он предпочитал не блистательную феерию премьеры, а изнуряющие будни репетиций, когда движения балерин неизящны и угловаты, не красоту и динамику скачки, а проездку лошадей и профессиональную посадку жокеев. Острая наблюдательность и глубокий психологизм были неизменно присущи работам Дега.

На протяжении почти всего творческого пути художник занимался также скульптурой: лепил из раскрашенного воска и глины статуэтки движущихся лошадей, балерин в позициях классического танца и женщин "за туалетом" (после смерти Дега эти почти неизвестные широкому зрителю статуэтки были переведены в бронзу).

В начале нашего столетия из-за прогрессирующей болезни глаз скульптура стала единственным видом творчества мастера. Конец его был трагичным: художник, поражавший современников зоркостью видения, умер почти полностью ослепшим.


АЛЬФРЕД СИСЛЕЙ


Среди импрессионистов также должно быть названо имя Альфреда Сислея (1839-1899 гг.). Он, англичанин, живший во Франции, - самый умеренный среди классиков импрессионизма. Сислей пользовался импрессионистским методом, не увлекаясь его крайностями и не избегая вещественности, чтобы выразить любовь к природе, ее лирическое переживание.

Произведениям Сислея, это около 40 картин, присуща особая живописная элегантность. Блестящий мастер пленэра, он умел передать прозрачный воздух ясного зимнего утра, легкую дымку согретого солнцем тумана, бегущие по небу в ветреный день облака. Его гамма отличается богатством оттенков и верностью тонов. Пейзажи художника всегда проникнуты глубоким настроением, отражающим его лирическое в своей основе восприятие природы. Пейзаж Сислея - пейзаж настроения. Его простые по мотивам пейзажи посвящены в основном окрестностям Парижа и природе Иль-де-Франса Сислей охотнее всего изображал природу, обжитую человеком, уютную - предместья, маленькие площади провинциальных городов, берега заливов с домиками и лодками у причала.

Трудно поверить, что такой реалист, как Сислей, тоже считался разрушителем основ. Его, например, бранили за то, что он передавал солнечное освещение розовыми тонами. Он пристально вглядывался в небо и с него начинал писать картину - небо придает картине глубину и сообщает движение.

Наиболее плодотворный творческий период пришелся на начало 1870-х годов, когда он поселился с семьей под Парижем. Сложившись к началу 80-х годов, манера Сислея, не в пример Писарро или Моне, впоследствии мало менялась. Сдержанный и застенчивый, сосредоточенный исключительно на работе, художник испытывал мало интереса к декларациям эпатажу.

Всецело отдавшись одной живописи, общаясь только с семьей, он ведет полунищее существование, получая ничтожные суммы за свои картины и все глубже увязая в долгах. Поэтичный и тонкий художник, он был недостаточно новатор, чтобы произвести смятение, и недостаточно традиционалист, чтобы угодить публике. Он умер на исходе века, так и не дождавшись луча славы, небольшом в городке Морэ. По иронии судьбы, после смерти Сислея цены на его произведения сразу поднялись в несколько раз.


ОГЮСТ РЕНУАР


Его привлекали молодые свежие лица, естественные, непринужденные позы. В сделанных им портретах нет психологической глубины, но сходство с оригиналом в них установлено тонко.

Ренуар родился в городе Лимож в феврале 1841 года. Еще ребенком он работал на фарфоровой фабрике, расписывая изделия из фарфора, в семнадцать копировал рисунки на абажурах, веерах и шторах. А уже в восемнадцать Ренуар был принят в художественную академию. Впервые работы Ренуара были выставлены в Париже в 1864 году, но слава и признание пришли к нему гораздо позже, в 1874 году на первой выставке художников новой школы импрессионизма.

С 1877 года у Ренуара уже было достаточно поклонников, и художник не испытывал нужды ни в чем, впервые в жизни он мог заниматься тем, что его привлекало больше всего: писать для себя и путешествовать. Поездка в Италию повлияла на творчество Ренуара, это заметно по его картине «Зонтики», он начал ее в типичной импрессионистской технике, а после приезда во Францию снова взялся за работу, но фигуры девочек поражают мягкостью линий и свежестью цвета.

Одно из значительных полотен Ренуара – «Бал в саду Мулен де ла Галет». Художник как будто зафиксировал свое мгновенное впечатление от пестрой подвижной массы людей. Трудно на расстоянии рассмотреть каждый предмет во всех деталях, и Ренуар рисует лишь в самых общих чертах, словно смотрит издали. Он, как и другие импрессионисты, отказался от тщательного выписывания формы каждого предмета, сосредоточив внимание на передаче этой формы в трепетных бликах того или иного освещения.

Значительное место в жизни художника занимала актриса Жанна Самари, ее образ запечатлен в трех работах, считающихся одними их лучших. Вообще, женщин он рисовал бесконечно и всю жизнь. Ренуар обладал и множеством замечательных человеческих качеств, с какой любовью, чуткостью и состраданием он пишет свою возлюбленную Маргариту Легран, умирающую от оспы. Он был потрясен ее смертью.

Судьба другой картины Огюста Ренуара «В саду» необычна. Будучи одной из наиболее значительных работ Ренуара, она никогда не выставлялась и практически всегда оставалась неизвестной публике. Барбара Уайт, современная исследовательница его искусства пишет о картине: «В саду» большой, но, тем не менее, интимный холст, завершенный в 1885 году, - это последняя картина, в которой он изображает любовь современного мужчины к современной женщине в окружении природы, точно так же, как «Зонтики» эта картина стала последним изображением ухаживания в городском варианте».

Ренуар искал свой путь, стремился к точности рисунки и композиционного решения, в выборе же сюжета он был свободен. Сюжеты, написанные им на тему театра или цирка, резко отличались от импрессионистов. Он старался передать не психологическую остроту какого-либо трюка или какие-либо сценки на театральных подмостках, а показать обычного зрителя в ожидании праздничного зрелища. Это картины «Ложа», «Первый выезд» и многие другие.

В 1890 году Ренуар страдал от ревматизма, а в 1912 году болезнь уже приковала его к постели. Но даже в инвалидной коляске он продолжал писать, восторгаясь жизнью, красотой окружающего мира, и занялся также скульптурой, но паралич не позволял ему творить своими руками, поэтому он руководил своими учениками. К тому времени Ренуар уже был всемирно известен.

Последние двадцать лет своей жизни Ренуар провел на юге Франции в маленькой деревне, где он и был похоронен.















Импрессионизм в музыке


Музыкальный импрессионизм (фр. impressionnisme, от фр. impression — впечатление) — музыкальное направление, аналогичное импрессионизму в живописи и параллельное символизму в литературе, сложившееся во Франции в последнюю четверть XIX века — начале XX века, прежде всего в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля.

Точкой отсчёта «импрессионизма» в музыке можно считать 1886-1887 год, когда в Париже были опубликованы первые импрессионистические опусы Эрика Сати («Сильвия», «Ангелы» и «Три сарабанды») — и как следствие, пять лет спустя, получившие резонанс в профессиональной среде первые произведения Клода Дебюсси в новом стиле («Послеполуденный отдых фавна»).

Музыкальный импрессионизм как одно из течений модерна сложился во Франции в конце XIX - начале XX века. Применение термина "Импрессионизм" к музыке во многом условно - музыкальный импрессионизм не составляет прямой аналогии к импрессионизму в живописи и не совпадает с ним. Истоки такой музыки лежат в позднем романтизме 19 в., в произведениях Ф. Листа, Э. Грига и других. Музыка импрессионистов такая же поэтична, но более выразительна. Импрессионизм в музыке проявился стремлением передать настроение композитора и эмоции, которые являются для него самого и слушателей определенными символами. Если сравнивать с импрессионистической живописью, которая стремилась отобразить впечатление, то музыка в стиле импрессионизма стремилась вызвать впечатление у слушателей с помощью приобретающих значение символов, тонких психологических нюансов. С основной линией импрессионизма в живописи его роднит восторженное отношение к жизни; моменты острых конфликтов, социальных противоречий в нём обходятся.

Импрессионистическая музыка включает старинные напевы, элементы сказочности и фантастичности. Это яркая и восторженная, избегающая острых социальных проблем музыка. Импрессионисты внесли в музыку национальные песенно-танцевальные жанры, восточные средства музыкальной выразительности, элементы джаза. Не последнее место в ней занимает интерес к тембровой и гармонической красочности.

Одним из представителей музыкального импрессионизма был Клод Дебюсси - французский композитор, пианист, дирижёр, музыкальный критик. Дебюсси был не только одним из самых значительных французских композиторов, но также одной из самых значительных фигур в музыке на рубеже XIX и XX веков; его музыка представляет собой переходную форму от поздней романтической музыки к модернизму в музыке XX столетия. В своём творчестве он опирался на французские музыкальные традиции - музыку французских клавесинистов (Ф. Куперен, Ж.Ф. Рамо), лирическую оперу и романсы (Ш. Гуно, Ж. Массне). Значительным было воздействие русской музыки (М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков), а также французской символистской поэзии и импрессионистской живописи.

Дебюсси воплотил в музыке мимолётные впечатления, тончайшие оттенки человеческих эмоций и явлений природы. Он создал импрессионистическую мелодику, отличающуюся гибкостью нюансов и в то же время расплывчатостью. Дебюсси создал новый пианистический стиль (этюды, прелюдии). Его 24 прелюдии для фортепиано, снабжённые поэтическими названиями (“Дельфийские танцовщицы", “Звуки и ароматы реют в вечернем воздухе”, “Девушка с волосами цвета льна” и другие), они создают образы мягких, нереальных пейзажей, имитируют пластику танцевальных движений, навевают жанровые картины.

Своего рода манифестом музыкального импрессионизма считали современники оркестровую Прелюдию к "Послеполуденному отдыху фавна", в которой проявились характерные для музыки Дебюсси зыбкость настроений, утончённость, изысканность, прихотливость мелодики, колористичность гармонии. Его произведениям присущи тонкий психологизм, яркая эмоциональность в выражении чувств героев. Отзвуки их обнаруживаются в операх Дж. Пуччини, Б. Бартока, И.Ф. Стравинского

На рубеже XIX—XX веков отдельные элементы стиля импрессионизма получили развитие и в других композиторских школах Европы, своеобразно переплетаясь с национальными традициями. Из подобных примеров можно назвать, как наиболее яркие: в Испании — Мануэль де Фалья, в Италии — Отторино Респиги, в Бразилии — Эйтор Вилла-Лобос, в Венгрии — ранний Бела Барток, в Англии — Фредерик Делиус, Сирил Скотт, Ральф Воан-Уильямс, Арнолд Бакс и Густав Холст, в Польше — Кароль Шимановский, в России — ранний Игорь Стравинский — (периода «Жар-птицы»), поздний Лядов, Микалоюс Константинас Чюрлёнис и Николай Черепнин.

Таким образом, творчество Дебюсси, одного из крупнейших мастеров 20 века, оказало существенное влияние на композиторов многих стран. Импрессионизм в музыке просуществовал до конца первого десятилетия 20 в.























Импрессионизм в литературе


Импрессионизм в литературе распространился в последней трети 19 - начале 20 вв.

В литературе он так и не сложился как отдельное направление. Скорее можно говорить о чертах импрессионизма внутри разных направлений эпохи, прежде всего внутри натурализма и символизма.

Символизм стремился вернуть в искусство представление об идеальном, о высшей сущности, скрытой за обыденными предметами. Видимость мира пронизана бесчисленными намеками на эту скрытую сущность - таков главный постулат символизма. Но поскольку идеальное открывается поэту через видимые объекты в мгновенном впечатлении, импрессионистическая поэтика оказалась подходящим способом передачи идеального содержания. Наиболее яркий образец поэтического импрессионизма - сборник стихов П. Верлена "Романсы без слов", вышедший в 1874 году, когда была выставлена картина К. Моне. Верленовские "пейзажи души" демонстрируют, что в поэзии (и в целом в литературе) чистый импрессионизм невозможен, любая словесная "картина" ищет поддержку глубинного смысла. Он Верлен провозгласил требование "музыки прежде всего" и сам культивировал в своей поэзии принцип "музыкальности". А это означало повышенное внимание к материи стиха, его звуковой инструментовке, стремление к передаче психологического состояния не только через описание, но и через само звучание стихотворения. В России поэтами-импрессионистами были Константин Бальмонт и Иннокентий Анненский. Элементы импрессионистической поэтики можно найти у многих поэтов-символистов.

Особое качество импрессионистическая поэтика приобретает в жанре символистского романа. Здесь она выступает прежде всего как особый принцип строения текста на ассоциациях слабо связанных между собой, проявляющийся в нелинейности повествования, отсутствии традиционного сюжета, технике "потока сознания". В разной степени эти приемы развивали Марсель Пруст ("В поисках утраченного времени", 1913-1925), Андрей Белый ("Петербург", 1913-1914).

Импрессионистическая поэтика вполне подходила и под теорию натурализма. Натурализм стремился прежде всего выражать природу. Он требовал правдивости, верности натуре, но это означало верность первому впечатлению. А впечатление зависит от конкретного темперамента, оно всегда субъективно и мимолетно. Поэтому в литературе, как и в живописи, использовались крупные мазки: одна интонация, одно настроение, замена глагольных форм назывными предложениями, замена обобщающих прилагательных причастиями и деепричастиями, выражающими процесс, становление. Объект давался в чьем-то восприятии, но и сам воспринимающий субъект растворялся в объекте. Вид предмета менялся, если герой смотрел на него в разных состоянии. Важны были описания цветов, запахов, стихий.

В прозе черты импрессионизма ярче всего проявились в новеллах Ги де Мопассана, которого принято считать наиболее выраженным писателем-импрессионистом. По собственному признанию, Мопассан стремился к конструированию субъективной "иллюзии мира" через тщательный подбор деталей и впечатлений. Но в действительности эта установка - лишь "иллюзия импрессионизма". "Чистое наблюдение", провозглашенное импрессионистами, подразумевало отказ от идеи в искусстве, от обобщения, от законченности. Импрессионизм был против общего, то есть предполагал отсутствие законченного сюжета, и поэтому ярче всего проявлялся в новеллах, описывающих небольшое по времени, а часто и по значительности, событие.

В литературе более последовательно, чем в живописи, делались попытки обосновать импрессионизм теоретически. После романов и статей Золя и "Дневников" братьев Гонкур появились "Импрессионизм" Ж. Лафорга, "Искусство прозы" Г. Джеймса, "Об искусстве" Валерия Брюсова, в разной степени приближающиеся к "поэтике впечатлений".

Импрессионизм нашел свое воплощение и в критике. Еще в 1873 английский искусствовед У. Пейтер в книге Ренессанс говорил о "впечатлении" как об основе восприятия произведения искусства. В импрессионистическом эссе оценка дается не с точки зрения известных художественных канонов, а на основе личного взгляда и вкуса автора. "Я предпочитаю чувствовать, а не понимать", - писал А. Франс.


Заключение


Импрессионизм возник и сформировался в непростое время и был последним крупным художественным движением во Франции XIX века. Он стал одним из важнейших явлений в искусстве последних столетий, положившим начало современному искусству. Несмотря на всё внутреннее разнообразие этого течения, всех его последователей - независимо от области работы, будь то музыка или живопись, - их объединяло стремление к передаче эмоций, впечатлений, каждого мгновения жизни, каждого самого незначительного изменения окружающего мира. Импрессионизм отрекся от рациональности, реальности и "музейности" классического искусства и смог "открыть глаза" зрителям и слушателям на важность и прекрасную неповторимость каждого мгновения. Но в тоже время отречение от сложных образов, «бег» за впечатлениями обедняло их творчество. Они жили лишь одним днем и не хотели вспомнить героическое прошлое Парижа и Франции, думать о ее будущем, замечать вокруг все обострявшиеся социальные противоречия. Некоторые из импрессионистов смутно чувствовали эту ограниченность и тосковали о больших социальных и героических темах. Ренуар говорил об упадке современного искусства и главной причиной этого считал отсутствие идеала.

Уже к концу 1870-х годов импрессионизм исчерпал себя, оказался бесперспективным, и это сыграло свою роль в том, что многие младшие современники импрессионистов, последовавшие, было, за ними, стали видеть цели искусства лишь в изобретении новых живописных приемов, в работе над формой самой по себе, то есть пошли по пути формализма.








Список использованной литературы


  1. Андреев Л.Г. Импрессионизм. М. МГУ, 1980

  2. Грибунина Н.Г. История мировой художественной культуры. – Тверь, 1993.

  3. Денвир Б. Импрессионизм. Художники и картины. – М.: 2008.

  4. Живопись импрессионистов и постимпрессионистов: Альбом. – Л.: 1986.

  5. Зарецкая Д.М., Смирнова В.В. Мировая художественная культура. Учебное пособие для старших классов школ, гимназий, лицеев, а также для студентов высших учебных заведений. – М.: 2008.

  6. Ильина Т.В. История искусств. Западноевропейское искусство. – М.: Высшая школа, 1993.

  7. Калитина Н.Н. Французское изобразительное искусство конца XVI–XX веков. – Л.: 1990.

  8. Под редакцией Г.В.Келдыша Музыкальный энциклопедический словарь. — М.: Советская энциклопедия, 1990.

  9. Популярная художественная энциклопедия. В 2-х т. – М.: Советская энциклопедия, 1986.

  10. Ревалд Д. История импрессионизма. – М.: 2003.

  11. www.art-storona.ru

  12. www.hudkul.ru

  13. www.velitas. spb.ru

  14. www.imdivssionism.ru

  15. www.rebelon. narod.ru

  16. www.ru. wikipedia.org

  17. www.wm-painting.ru

  18. www.krugosvet.ru

  19. Шнеерсон Г. Французская музыка XX века. — М.: Музыка, 1964.

  20. Эрик Сати, Юрий Ханон. Воспоминания задним числом. — СПб.: Центр Средней Музыки & Лики России, 2010.





Автор
Дата добавления 15.12.2015
Раздел ИЗО, МХК
Подраздел Другие методич. материалы
Просмотров528
Номер материала ДВ-261588
Получить свидетельство о публикации


Включите уведомления прямо сейчас и мы сразу сообщим Вам о важных новостях. Не волнуйтесь, мы будем отправлять только самое главное.
Специальное предложение
Вверх