2.
Эпо́ха Просвеще́ния (конец XVII века — конец XVIII) — одна из ключевых эпох в
истории европейской культуры, связанная с развитием научной, философской и
общественной мысли. В основе этого интеллектуального движения лежали рационализм
и свободомыслие.
Начавшись
в Англии под влиянием научной революции XVII века, это движение
распространилось на Францию, Германию, Россию и охватило другие страны Европы.
Принципы Просвещения были положены в основу американской Декларации
независимости и французской Декларации прав человека и гражданина.
Это
время революций («Славной революции» в Англии (1688) и Великой французской
революции (1789), борьбы за национальную независимость американских колоний
европейских стран, отмену рабства, формулирование прав человека. Кроме
того, оно поколебало авторитет аристократии и влияние церкви на социальную,
интеллектуальную и культурную жизнь.
В
основе философии Просвещения лежала критика существовавших в то время
традиционных институтов, обычаев и морали.
Просвещение является продолжением
традиций не только гуманизма, но и передового протестантизма и XVI и XVII
веков, от которых он унаследовал идеи политической свободы и свободы совести. В
это время получил своё развитие деизм - (от лат. deus — бог) —
религиозно-философское направление, признающее существование Бога и сотворение
Им мира, но отрицающее большинство сверхъестественных и мистических явлений,
божественное откровение и религиозный догматизм. Большинство деистов полагают,
что Бог после сотворения мира не вмешивается в течение событий. В то же время
деизм предполагает, что разум, логика и наблюдение за природой — единственные
средства для познания Бога и Его воли. Деизм высоко ценит человеческий разум и
свободу. Деизм стремится привести к гармонии науку и идею о существовании Бога,
а не противопоставлять науку и Бога.
Общеевропейское значение в
XVIII в. получила французская просветительная литература в лице Вольтера,
Монтескьё, Руссо, Дидро и др. писателей. Общая их черта — господство
рационализма, направившего свою критику во Франции на вопросы политического и
социального характера, тогда как немецкие просветители этой эпохи были более
заняты разрешением вопросов религиозных и моральных.
Просвещение
в литературе сделало бесценный вклад в развитие такого жанра, как роман. Жанры
европейского философского романа и драмы основаны именно просветителями. В
центре литературных произведений, написанных просветителями - образ
интеллектуального героя, часто деятеля искусства или науки, который стремится
реформировать мир или борется за достойное место в жизни. Произведения
просветителей наполнены пропагандой чтения книг и образования. Герои выражают
авторские идеи лучшего устройства общества.
К
культурным ценностям эпохи Просвещения следует отнести быстрое распространение
газет, начало издания журналов и энциклопедий, а также появление общественных
клубов, где проходили дебаты по важным общественным вопросам. Это академии,
научные общества, масонские ложи, кружки, светские и художественные салоны и
кафе.
Главными
идеями Просвещения были:
-
Идея гуманизма, естественного права каждого человека на признание ценности его
личности, на счастье. Личность ценна независимо от ее происхождения,
народности, расы.
-
Осуждение социального неравенства людей, эксплуатации человека человеком. Антифеодальные
настроения.
-
Идея перестройки общества на началах разума и науки. Разум для просветителей -
это активное орудие преобразования, а не пассивное вместилище идеально
правильных знаний, данных Богом, как рассматривали его классицисты.
-
Критика церкви, религиозных запретов и предрассудков, критический пересмотр
общепринятых духовных и интеллектуальных ценностей.
-
Осуждение политической тирании.
3.
Просветительское движение оказало значительное влияние на музыкальную жизнь
конца 18 века. Её наиболее ярким явлением стало рождение Ве́нской
класси́ческой шко́лы — направления европейской музыки второй половины XVIII
— первой четверти XIX вв., представленной тремя гениями: Йозефом Гайдном,
Вольфгангом Амадеем Моцартом и Людвигом ван Бетховеном.
4. Центральной площадкой
развития данного музыкального направления стала Вена, столица музыкальной
культуры того времени. Венских классиков часто называют также
представителями Первой венской школы.
5. Многие из гуманистических
идеалов эпохи нашли воплощение в творчестве композиторов Венской классической
школы. В творчестве этих художников обнаруживаются важнейшие общие черты:
реализм, оптимистический, жизнеутверждающий характер, гуманистическая
направленность, подлинная народность, демократизм. Сочинения композиторов В. к.
ш. отличает широта охвата жизненного содержания. Глубокая серьёзность
органически сочетается в них с весёлостью, шуткой, трагич. начало - с
комическим. Эмоциональное соединяется с рациональным; свободный полёт фантазии
- с точным расчётом, предельной стройностью, ясностью, совершенством формы.
Представители В. к. ш. умели даже самое сложное содержание выражать предельно
простым, понятным языком. Композиторами был выработан универсальный язык
мирового музыкального искусства. Гайдн писал: «Мой язык понятен во всём мире».
Композиторы Венской классической школы, опираясь на богатство народно-песенного
искусства, пришли к пониманию новой мелодики. Облик этой новой мелодики
приобретает «лицо» сочинения.
6. Трёх великих композиторов
венской школы объединяет виртуозное владение разнообразнейшими стилями
музыки и приёмами композиции: от народных песен до полифонии эпохи барокко.
Жанры церк. музыки, не изменившись внешне, переосмыслены "изнутри".
Гайдн, Моцарт и Бетховен насытили их муз. образами исключительной яркости и
глубины (Реквием Моцарта ♫); из произведений церк. обихода они превратились в
особый род концертной вок.-инстр. музыки.
Композиторы В. к. ш. по
существу обобщили весь предшествующий опыт мирового муз. Искусства и на этой
основе они выработали поистине универсальный язык, понятный всем людям.
7. Расцвет венской
классической школы совпал с общим процессом становления симфонического
оркестра — его стабильного состава, функциональной определённости
оркестровых групп. Ведущее место в оркестре заняли скрипка и инструменты её
семейства (смычковый квинтет), в группу духовых в качестве равноправных членов
вошли кларнет и валторна. Тромбон вошёл в симф. оркестр только с 5-й симфонии
Бетховена. Утвердились оркестровые группы: довольно большая группа струнных (от
24 до 30 скрипок, 10-20 прочих струн. Инструментов), парный состав деревянных
(кроме флейты) и медных духовых инструментов; ударные (литавры). Духовые,
выполнявшие прежде вспомогат. функции, стали самостоят. группой, обладающей
характерными тембровыми возможностями.
8. Новым в области
камерно-инстр. ансамблей было упрочение их состава - на смену прежним
многообразным объединениям пришли строго регламентированные устойчивые
составы струнного и фп. трио, струн. квартета, квинтета, дуэта к.-л. инструмента
и фп. Из музыки для сольных инструментов особенно выделилась фортепианная
музыка.
С творчеством венских
классиков связан расцвет ведущих инструментальных жанров эпохи — симфонии,
сонаты, концерта и камерного ансамбля. Основной и наиболее характерной для В.
к. ш. муз. формой является сонатное allegro. Ведущим принципом созданного ими
сонатного allegro является контраст и последующее его смягчение, приведение к
единству (см. Сонатная форма). В их творчестве складывается классич. тип
четырёхчастного сонатно-симфонич. цикла - с медленной лирической второй частью,
менуэтом или скерцо в качестве третьей части и оживленным финалом.
Каждый из мастеров венской
классической школы обладал и неповторимой индивидуальностью. Гайдну и
Бетховену наиболее близкой оказалась сфера инструментальной музыки, Моцарт в
равной мере проявил себя и в оперном, и в инструментальных жанрах. Гайдн больше
тяготел к объективным народно-жанровым образам, юмору, шутке, музыку Гайдна
отличает светлое радостное настроение. Бетховен предпочитал героический пафос
борьбы, преодоления, победы, был большим поклонником инструментальной
музыки. Моцарт, будучи универсальным художником — к разнообразным оттенкам
лирического переживания.
9. Гайдн пробовал себя в разных жанрах, но наибольшего успеха достиг в
области инструментальной музыки и оратории («Сотворение мира», «Времена
года»). Так как население Австрии было многонациональным, то в состав школы
входили не только австрийские немцы, но и венгры, чехи, словенцы, обладавшие
самобытной народной культурой. Гайдн впитывал эти элементы народного искусства
и позже отобразил их в своих сочинениях. Ярчайшей вехой на пути развития жанра
оратории явились оратории Гайдна "Сотворение мира" и "Времена
года", увенчавшие его творчество. Объединив элементы ораторий, оперы,
песни, церковной музыки и симфонии, Гайдн создал глубоко впечатляющие
произведения, соединяющие в себе значительность содержания с простотой и
доступностью музыкального языка. Гайдн уделял опере меньшее внимание.
10. Моцарт. Моцарт часто посещал Италию для изучения итальянской
инструментальной музыки. Моцарт реже использовал народные мелодии, но их дух и
характер нередко мы можем увидеть в операх («Волшебная флейта», «Дон Жуан»).
Моцарту была близка опера. Три значительнейших оперы Моцарта – «Свадьба
Фигаро», «Дон Жуан» и «Волшебная флейта» — положили основы для развития
различных типов классической оперы: лирической и социально-обличительной
комедии, музыкальной драмы, философской оперы-сказки и других. Новые оперные
формы складывались в творчестве Моцарта с большой постепенностью, на основе
усвоения опыта предшественников. Его оперы отличают глубокий реализм, тонкая
индивид. обрисовка персонажей, выступающих в сложных взаимоотношениях,
подлинная муз. драматургия, пронизывающая всё действие, органич. соединение
различных, казалось бы противостоящих друг другу начал - серьёзного,
возвышенного и весёлого, комического. ♫ (Моцарт, «Дон Жуан»)
11. Бетховен. Многие из эстетич. Идеалов Просвещения, в частности
провозглашённый Руссо лозунг свободы и естественности, нашли воплощение в
творчестве композиторов В. к. ш. Бетховен питал больший интерес к народной
музыке. Неизгладимое влияние на его творчество оказали идеи Великой франц.
Революции. Многие годы работал он над созданием единственной оперы «Фиделио». В
своём "Фиделио" Бетховен создал своеобразный тип возвышенной
революционно-героич. оперы, обобщив и переосмыслив опыты времён Великой франц.
революции.
Как уже отмечалось выше, в
творчестве композиторов венской школы многие музыкальные жанры получили свой
классический облик. Рассмотрим наиболее значительные из них.
12. Симфония
Наиболее сложная форма
инструментальной музыки – симфония (греч. «созвучие»). Она рассчитана на
исполнение симфоническим оркестром. Возможности этого жанра велики: он
позволяет выразить музыкальными средствами философские и нравственные идеи,
рассказать о чувствах и переживаниях. Композиторы венской классической школы
разработали сонатно-симфонический цикл из четырёх частей, которые различаются
характером музыки, темпом и приёмами развития темы. Первая часть, построенная в
сонатной форме и обычно исполняемая в быстром темпе, наполнена драматическим
содержанием. Иногда ей предшествует медленное вступление. Вторая часть
медленная, созерцательная; это лирический центр композиции. Третья – контрастна
по отношению ко второй: подвижная, живая музыка носит либо танцевальный, либо
шутливый характер. До начала XIX в. композиторы использовали форму менуэта (фр.
menuet, от menu – «маленький, мелкий»), распространённого салонного танца XVIII
столетия. Позднее менуэт был заменён скерцо (от итал. scherzo – «шутка») - так
назывались небольшие вокальные или инструментальные произведения, быстрые по
темпу и шутливые по содержанию. Четвёртая, обычно быстрая, часть – финал симфонии;
здесь подводятся итоги развития тем и образов произведения. ♫ (Гайдн,
«Королева»)
Композиторы венской школы
придали симфонии необычайную гибкость и способность воплощать в обобщённой
форме разнообразные стороны человеческого бытия. Ими созданы различные типы
симфонизма – народно-жанровый, лирико-драматический, героико-драматический,
которые впоследствии были развиты и обогащены композиторами-романтиками.
13. Соната
Один из основных жанров
инструментальной музыки - соната (итал. sonata, от sonare – «звучать»). Это
многочастное (обычно из трёх или четырёх частей) произведение; у композиторов
второй половины XIX - начала XX в. есть и одночастные сочинения. В творчестве
мастеров венской классической школы соната, так же как и симфония, достигла
расцвета. В отличие от симфонии соната предназначена либо для одного
инструмента (как правило, фортепиано), либо для двух (один из которых
фортепиано). Первая часть произведений такого жанра пишется в сонатной форме.
Здесь обозначаются основные музыкальные темы произведения. Вторая часть, обычно
спокойная, медленная, составляет резкий контраст с первой. Третья – финал,
исполняемый в быстром темпе. Он подводит итоги и окончательно определяет общий
характер произведения.
Сонатная форма
Сонатная форма – это принцип изложения
музыкального материала. Он предполагает не механическое чередование частей и
разделов, а взаимодействие тем и художественных образов. Темы – главная и
побочная – либо противопоставляются друг другу, либо дополняют одна другую.
Развитие тем проходит три этапа – экспозицию, разработку и репризу. Темы
возникают в экспозиции (от лат. expositio – «изложение, показ»). Главная
звучит в основной тональности, которая и определяет наименование тональности
всего сочинения (например Симфония до мажор). Побочная обычно излагается в иной
тональности – между темами возникает контраст. В разработке происходит
дальнейшее развитие тем. Они могут вступать в острое взаимное противоречие.
Иногда одна подавляет другую или, наоборот, уходит в тень, оставляя «сопернице»
полную свободу действий. В репризе (фр. reprise, от reprendre –
«возобновлять, повторять») темы на первый взгляд возвращаются в начальное
состояние. Однако побочная звучит уже в основной тональности, таким образом
приходя к единству с главной. Реприза – итог сложного пути, к которому темы
приходят обогащённые опытом экспозиции и разработки. Итоги развития иногда
закрепляют в дополнительном разделе – коде (от итал. coda – «хвост»),
однако она необязательна. Используют сонатную форму обычно в первой части сонаты
и симфонии, а также (с небольшими изменениями) во второй части и в финале.
Наследие композиторов «Венской
тройки» составляет одну из вершин мирового музыкального искусства. Оно оказало
огромное влияние на всё последующее развитие классической музыки. Система
жанров, форм и правил гармонии, разработанная классической венской школой,
сохраняет своё значение и до сих пор. Яркость и глубина тематизма, логичность и
целеустремлённость развития, строгость и вместе с тем одухотворённость и
свобода форм сочинений композиторов В. к. ш. до сих пор остаются
непревзойдённым образцом.
Франц
Йо́зеф Гайдн (31 марта 1732 — 31 мая 1809) — австрийский композитор,
представитель венской классической школы, один из основоположников таких
музыкальных жанров, как симфония и струнный квартет. Создатель мелодии,
впоследствии лёгшей в основу гимнов Германии и Австро-Венгрии. Сын каретного
мастера.
Йозеф
Гайдн родился в нижнеавстрийской деревне Рорау, недалеко от границы с Венгрией,
в семье каретного мастера. В 1737 году Йозеф стал учиться хоровому пению и
музыке в городе Хайнбург-на-Дунае, где. В 1740 году его заметил Георг фон
Рейттер, директор капеллы венского собора. С хором Гайдн часто выступал на
городских празднествах, свадьбах, похоронах, принимал участие в придворных торжествах.
Одним из таких событий было отпевание Антонио Вивальди.
Изучение
музыкальных произведений предшественников и музыкальных теоретических трудов
восполнило Йозефу Гайдну отсутствие систематического музыкального образования.
Написанные им в это время сонаты для клавесина были изданы и обратили на себя
внимание. Первыми крупными его сочинениями были две мессы. В 50-х годах XVIII
века Йозеф написал целый ряд произведений, положивших начало его известности
как композитора: дивертисменты и серенады, струнные квартеты для музыкального
кружка барона Фюрнберга[3], около десятка квартетов (1755), первая симфония
(1759).
В
период с 1754 по 1756 год Гайдн работал при венском дворе на правах свободного
художника. В 1759 году он получил должность капельмейстера при дворе графа
Карла фон Морцина, где под его началом оказался небольшой оркестр — для него
композитор сочинил свои первые симфонии.
В
1760 году Гайдн женился на Марии-Анне Келлер. Детей у них не было, о чём
композитор весьма сожалел. Жена холодно относилась к его профессиональной
деятельности. Брак был несчастливый, однако законы того времени не позволяли им
разойтись.
Служба
при дворе князей Эстерхази
В
1761 году Йозефу Гайдну была предложена работа у князя Павла Антона Эстерхази —
главы крайне богатой венгерской семьи Эстерхази. Поначалу Гайдн занимал
должность вице-капельмейстера, однако он сразу же был допущен к руководству
большинством музыкальных учреждений Эстерхази. В 1766 году он возведён в
капельмейстеры при дворе. Эстерхази — одна из самых влиятельных и
могущественных аристократических семей Венгрии и Австрии того времени. В
обязанности капельмейстера входило сочинение музыки, руководство оркестром,
камерное музицирование перед патроном и постановка опер.
1779
год становится переломным в карьере Йозефа Гайдна — был пересмотрен его
контракт: в то время как ранее все его композиции были собственностью семьи
Эстерхази, то теперь ему было разрешено писать для других и продавать свои
работы издателям. К 1790 году Гайдн находился в парадоксальном, если не сказать
странном положении: будучи ведущим композитором Европы, но связанный действием
подписанного ранее контракта, тратил своё время в качестве капельмейстера в
отдалённом дворце в венгерской деревне.
За
почти тридцатилетнюю карьеру при дворе Эстерхази композитор сочинил большое
количество произведений, его известность растёт. В 1781 году во время
пребывания в Вене Гайдн познакомился и подружился с Вольфгангом Амадеем
Моцартом.
Таким
образом, годы службы (1761—1790) у венгерских князей Эстерхази способствовали
расцвету творческой деятельности Гайдна, пик которой приходится на 80 — 90-е
годы XVIII века, когда были созданы зрелые квартеты, 6 Парижских симфоний,
оратории, мессы и другие произведения. Прихоти мецената нередко заставляли
Йозефа поступаться творческой свободой. Вместе с тем работа с руководимыми им
оркестром и хором благотворно сказалась на его развитии как композитора. Для
капеллы и домашнего театра Эстерхази написано большинство симфоний и опер
композитора. Поездки Гайдна в Вену позволили ему общаться с виднейшими из
современников, в частности с Вольфгангом Амадеем Моцартом.
Снова
свободный музыкант
В
1790 году, после смерти Николая Эстерхази, его сын и преемник, князь Антон
Эстерхази, не будучи любителем музыки, распустил оркестр. В 1791 году Гайдн
получил контракт на работу в Англии. Впоследствии он много работал в Австрии и
Великобритании. Там он написал свои лучшие симфонии, расширили кругозор, ещё
более упрочили славу и способствовали росту популярности Гайдна. В Лондоне
Гайдн собирал огромные аудитории: на концерты Гайдна собиралось огромное
количество слушателей, что повышало его известность, способствовало сбору
больши́х прибылей и, в конечном итоге, позволило стать финансово обеспеченным.
В 1791 году Йозефу Гайдну присуждена степень почётного доктора Оксфордского
университета.
Проезжая
через Бонн в 1792 году, он познакомился с молодым Бетховеном и взял его в
ученики.
Последние
годы
Гайдн
вернулся и поселился в Вене в 1795 году. К тому времени принц Антон умер и его
преемник Николай II предложил возродить музыкальные учреждения Эстерхази под
руководством Гайдна, выступающим снова в роли капельмейстера. Гайдн принял
предложение и занял предлагаемую вакансию, хотя и на неполный рабочий день. Он
провёл своё лето с Эстерхази в городе Айзенштадт, и в течение нескольких лет
написал шесть месс. Но к этому времени Гайдн становится общественным деятелем в
Вене и проводит бо́льшую часть своего времени в своём собственном большом доме
в Гумпендорфе, где написал несколько работ для публичного исполнения. Среди
прочего, в Вене Гайдн написал две свои знаменитые оратории: «Сотворение мира»
(1798) и «Времена года» (1801), в которых композитор развил традиции
лирико-эпических ораторий Г. Ф. Генделя. Оратории Йозефа Гайдна отмечены новой
для этого жанра сочной бытовой характерностью, красочным воплощением явлений
природы, в них раскрывается мастерство композитора как колориста.
Гайдн
пробовал свои силы во всех родах музыкального сочинения, однако не во всех
жанрах его творчество проявлялось с одинаковой силой. В области
инструментальной музыки он справедливо считается одним из крупнейших
композиторов второй половины XVIII и начала XIX веков. Оратория «Времена года»
может служить образцовым эталоном музыкального классицизма. Под конец жизни
Гайдн пользовался громадной популярностью.
Скончался
композитор в Вене. Он умер в возрасте 77 лет 31 мая 1809 года, вскоре после
нападения на Вену французской армии под предводительством Наполеона. Среди его
последних слов была попытка успокоить своих слуг, когда в окрестностях дома
упало пушечное ядро[9]: «Не бойтесь, дети мои, ибо там, где Гайдн, никакого
вреда быть не может». Две недели спустя, 15 июня 1809 года, в церкви
Шотландского монастыря (нем. Shottenkirche) состоялась панихида, на которой был
исполнен Реквием Моцарта.
Композитор
создал 24 оперы, написал 104 симфонии, 83 струнных квартета, 52 фортепианные
(клавирные) сонаты, 126 трио для баритона, увертюры, марши, танцы,
дивертисменты для оркестра и разных инструментов, концерты для клавира и других
инструментов, оратории, различные пьесы для клавира, песни, каноны, обработки
шотландских, ирландских, валлийских песен для голоса с фортепиано (скрипкой или
виолончелью по желанию). Среди сочинений 3 оратории («Сотворение мира»,
«Времена года» и «Семь слов Спасителя на кресте»), 14 месс и другие духовные
произведения.
Фольфганг
Амадей Моцарт
П.
И. Чайковский в одном из своих дневников признался, что никто не сумел
заставить его так трепетать от восторга и плакать, настолько почувствовать свою
близость к идеалу, как это удалось Моцарту. Только благодаря его произведениям
он понял, что такое музыка.
Леопольд
Моцарт - отец - был педагогом, скрипачом и органистом. Из семи детей в этой
семье выжили только старшая сестра Вольфганга и он сам. Сначала отец занимался игрой
на клавире с дочерью, проявившей музыкальный талант. Мальчик всегда сидел рядом
и развлекался тем, что подбирал мелодии. Отец заметил это. И в игровой форме
стал заниматься и с сыном. В пять лет мальчик уже свободно сочинял пьески, а в
шесть исполнял очень сложные произведения. Леопольд решил отправиться с детьми
в турне с выступлениями. Сначала они посетили Вену, Мюнхен, затем другие
европейские города. После триумфальных выступлений в Лондоне в течение года они
получили приглашение в Голландию. Публику поражала виртуозность игры мальчика
на клавесине, органе и скрипке. Концерты длились от четырех до пяти часов и,
конечно же, были очень утомительными, тем более что отец продолжал образование
сына.
В
1766 году прославленная семья вернулась в Зальцбург, но отдых был коротким.
Музыканты стали завидовать мальчику и относиться к 12-летнему гению как к
настоящему сопернику. Отец решил, что только в Италии талант его сына смогут
оценить по достоинству. Концерты уже 14-летнего Вольфганга в крупных городах Италии
проходили с потрясающим успехом. В Милане он получил заказ на оперу «Митридат,
царь Понтийский», который выполнил блестяще. Впервые Болонская академия избрала
столь юного композитора своим членом. Все оперы, симфонии и другие произведения
Вольфганга, написанные за время пребывания в этой стране, свидетельствуют о
том, насколько глубоко он проникся особенностями итальянской музыки. Но при
всем успехе найти работу в Италии не получалось. Местная знать настороженно
относилась к самобытности его таланта.
Родной
город встретил путешественников довольно неприветливо. Старый граф умер, а его
сын оказался жестоким, властным человеком. Он унижал и притеснял Моцарта. Без
его ведома Вольфганг не мог участвовать в концертах, обязан был писать только
церковную музыку и мелкие произведения для развлечения. Когда юноше было уже 22
года, он с трудом получил отпуск. И с матерью отправился в Париж, надеясь, что
там вспомнят его талант. Но и эта попытка не дала результата. Во французской
столице умерла мать композитора. Моцарт вернулся в Зальцбург и провел там еще
два мучительных года. И это в то время, когда в Мюнхене с триумфом шла его
новая опера «Идоменей, царь Крита». Успех ее укрепил Вольфганга в решении не
возвращаться к зависимому положению. Архиепископ не подписал его заявление об
увольнении, но, несмотря на это, композитор уехал в Вену. В этом городе он и
прожил до последних своих дней.
Вскоре
после переезда Вольфганг женился на Констанце Вебер. Сначала жизнь в Вене
складывалась тяжело. Но успех «Похищения из сераля» снова открыл композитору
двери салонов и дворцов городской знати. В это время он успел познакомиться со
многими известными музыкантами, завести связи. Далее последовали оперы «Свадьба
Фигаро» и «Дон Жуан», имевшие переменный успех. Одновременно с «Волшебной
флейтой» Вольфганг сочинял по заказу одного графа и «Реквием». Однако дописать
последний композитор не успел. Это сделал, используя черновики, Зюсмайер -
ученик Моцарта. Умер Вольфганг по неизвестной до наших дней причине в декабре
1791 года. Многие музыканты до сих пор поддерживают легенду о том, что
композитора отравил Сальери. Но не осталось никаких документов, хотя бы
косвенно подтверждающих эту версию. Его осиротевшая семья настолько обеднела,
что не имела денег на приличные похороны. Моцарт был погребен в общей могиле.
Где именно он захоронен, так и не установлено.
Людвиг
ван Бетховен
Родился
в эпоху великих перемен, главной из которых стала Французская революция. Именно
поэтому тема героической борьбы стала основной в творчестве композитора. Борьба
за республиканские идеалы, стремление к переменам, лучшему будущему - этими
идеями жил Бетховен.
Родился
Людвиг ван Бетховен в 1770 году в Бонне (Австрия), где и провел детство.
Воспитанием будущего композитора занимались часто сменявшиеся учителя, друзья
отца обучали его игре на разных музыкальных инструментах. Поняв, что сын
обладает музыкальным талантом, отец, желая видеть в Бетховене второго Моцарта,
начал заставлять мальчик долго и упорно заниматься. Однако надежды не
оправдались, Людвиг не оказался вундеркиндом, однако получил хорошие
композиционные знания. И благодаря этому в 12 лет было опубликовано его первое
произведение: «Фортепианные вариации на тему марша Дресслера». Бетховен в 11
лет начинает работать в театральном оркестре, не оканчивая школу. До конца
своих дней он так и писал с ошибками. Однако композитор много читал и без
посторонней помощи выучил французский, итальянский и латынь.
Ранний
период жизни Бетховена был не самым продуктивным, за десять лет (1782-1792)
было написано всего около пятидесяти произведений.
Понимая,
что ему еще многому необходимо научиться, Бетховен переезжает в Вену. Здесь он
посещает уроки композиции и выступает в качестве пианиста. Ему
покровительствуют многие ценители музыки, однако композитор держит себя с ними
холодно и гордо, резко отвечая на обиды. Произведения Бетховена этого периода
отличаются своей масштабностью, появляются две симфонии, «Христос на Масличной
горе» - знаменитая и единственная оратория. Но в это же время дает о себе знать
болезнь – глухота. Бетховен понимает, что она неизлечима и быстро
прогрессирует. От безнадежности и обреченности композитор углубляется в
творчество.
Центральный
период датируется 1802-1012 годами и характеризуется расцветом таланта
Бетховена. Преодолев страдания, причиненные болезнью, он увидел схожесть своей
борьбы с борьбой революционеров во Франции. Произведения Бетховена воплотили в
себя эти идеи стойкости и непоколебимости духа. Особенно ярко они проявились в
«Героической симфонии» (симфония № 3), опере «Фиделио», «Аппассионате» (соната
№ 23).
Переходный
период длится с 1812 по 1815 год. В это время в Европе происходят большие
перемены, после окончания властвования Наполеона собирается Венский конгресс.
Его проведение способствует усилению реакционно-монархических тенденций. Вслед
за политическими переменами изменяется и культурная ситуация. Литература и
музыка отходят от привычного Бетховену героического классицизма. Романтизм
начинает захватывать освобожденные позиции. Композитор принимает эти перемены,
создает симфоническую фантазию «Битва при Ваттории», кантату «Счастливое
мгновенье». Оба творения имеют большой успех у публики. Однако не все
произведения Бетховена этого периода таковы. Отдавая дань новой моде,
композитор начинает экспериментировать, искать новые пути и музыкальные приемы.
Многие из этих находок были признаны гениальными.
Последние
годы жизни Бетховена ознаменовались политическим упадком в Австрии и
прогрессирующей болезнью композитора – глухота стала абсолютной. Нет семьи,
погруженный в безмолвие. Произведения Бетховена позднего периода разительно
отличаются от всего того, что он писал ранее. Романтизм берет верх, а идеи
борьбы и противостояния светлого и темного приобретают философский характер. В
1823 году на свет появляется величайшее творение (как он считал сам) Бетховена
– «Торжественная месса», впервые прозвучавшая в Петербурге. «К Элизе». Это
произведение стало самым известным творением Бетховена. Однако при жизни
композитора багатель № 40 (формальное название) не была широко известна.
Рукопись обнаружилась только после смерти композитора. В 1865 г. ее нашел
Людвиг Ноль, исследователь творчества Бетховена. Получил он ее из рук некой
женщины, которая утверждала, что это подарок. В 1867 году произведение
опубликовали, но оригинал, к сожалению, был утерян.
Оставьте свой комментарий
Авторизуйтесь, чтобы задавать вопросы.