Терминологический иллюстрированный словарь по ИЗО

 

1.    КОМПОЗИЦИЯ. ЗАКОНЫ КОМПОЗИЦИИ

Композиция  (лат. compositio - составление, связывание, сложение, соединение) - составление целого из частей.

Композиция (изобразительное искусство) - в отличие от рисунка, цвета, линии, объёма, пространства представляет собой не один из компонентов художественной формы, а художественно-образную, содержательно-формальную целостность - наиболее сложный и совершенный тип структуры, в котором все элементы органично связаны между собой.

4 основных закона композиции:

1) Закон цельности (целостность, неделимости) - неделимость композиции означает невозможность воспринимать её как сумму нескольких, хотя бы в малой степени самостоятельных частей.

2) Закон контраста - одновременно борьба противоположностей и их диалектическое единство.

3) Закон новизны - художественный образ - это всегда что-то новое в искусстве и по форме, и по содержанию, проявляется в темах, художественных средствах, композиционных решениях.

4) Закон подчинения всех средств композиции идейному замыслу - художник создаёт цельное по восприятию, выразительное, идейно-художественное произведение. Это требует учёта соотношения объёмов, цвета, света, тона и формы, передачи ритма и пластики, движения и покоя, симметрии и асимметрии и других средств художественной выразительности основной идее произведения.

ЦЕЛОСТНОСТЬ
Благодаря композиционному построению, оптимальному соотношению и взаимодействию частей композиции достигается целостность художественного произведения.
Целостность является важным свойством композиции.

Целостность - стадия законченности композиции, при которой, по определению:
1) ни одна часть целого не может быть изъята или заменена без ущерба для целого;
2) части не могут меняться местами без ущерба для целого;

3) ни один новый элемент не может быть присоединен к целому без ущерба для целого.

Целостность композиции и единство ее элементов проявляются в таком качестве как гармоничность. Сгармонированные элементы находятся между собой в неразрывной связи, во взаимной соразмерности.

Гармоничность - единство эстетических и логических характеристик композиции, при котором её внутреннее содержание полностью выражается во внешней форме.
Поэтому единство и целостность рассматриваются в качестве основного закона композиции.
В законе единства и целостности композиции получили отражение и воплощение, природные принципы организации объектов окружающего мира.

КОНТРАСТ

Контраст - сочетание противоположного, необходимое условие для того, чтобы зритель увидел изображение, так как без них изображение сольется с фоном по тону или цвету. Контрасты создают выразительность произведения искусства и поэтому выступают воздействующей силой композиции.      

Значение контраста в композиции известно с давних пор. Еще Леонардо да Винчи в «Трактате о живописи» обратил внимание на то, как следует сочетать конт­расты:

«рядом с высоким ставить низкого, с толстым - худого, с одетым в бархат с тяжелыми и мягкими складками - фигура в шелку, дающем мелкие и ост­рые складки».

Виды контрастов: объемное и плоское, контур и силуэт, светлое и тем­ное, теплое и холодное. Контраст величин, форм, фактур, цветов.

Семь типов цветовых контрастов:

1.     Контраст по цвету

2.     Контраст светлого и темного

3.      Контраст холодного и теплого

4.     Контраст дополнительных цветов

5.     Симультанный контраст

6.     Контраст по насыщенности

7.     Контраст по площади цветовых пятен.

1. Контраст цветовых сопоставлений - самый простой из всех семи. Его можно продемонст­рировать с помощью всех чистых цветов в их предель­ной насыщенности.

Жёлтый, крас­ный и синий цвет обладают наиболее сильно выражен­ным цветовым контрастом.

Для того чтобы убе­диться в этом, нужно, по крайней мере, три ярких и до­статочно удаленных друг от друга цвета. Данный кон­траст создает впечатление пестроты, силы, решительно­сти. Интенсивность цветового контраста всегда умень­шается по мере того, как выбранные нами цвета удаля­ются от основных трёх. Так, оранжевый, зелёный и фио­летовый по своей контрастности уже гораздо слабее, чем жёлтый, красный и синий, а воздействие цветов третьего порядка ещё менее явно.

 Когда каждый цвет отделен друг от друга чёрными или белыми линиями, то их индивидуальный характер становится выражен­ным более резко, а взаимные излучения и взаимные влияния тем самым уменьшаются. Каждый цвет в этом случае проявляет, прежде всего, свою реальную кон­кретность. Хотя основная группа трёх цветов жёлтого, красного и синего представляет собой самый большой цветовой контраст, однако и все другие чистые цвета, несомненно, могут быть представлены в ряду сильных цветовых контрастов.

При изменении яркости цвета цветовой контраст полу­чает множество совершенно новых выразительных ка­честв. Число вариаций здесь очень велико и в соответствии с этим столь же бесконечно число их вы­разительных возможностей. Белый цвет ослабляет яркость прилегающих к нему цветов и делает их более тёмными, чёрный, на­оборот, - повышает их яркость и делает их более свет­лыми. Поэтому, чёрный и белый являются важными элементами цветовых композиций. Очень интересные результаты получаются, если одному из цветов отводится главная роль, а остальные исполь­зуются в небольших количествах - лишь для того, чтобы подчеркнуть качества главного цвета. Подчёркивая ка­кой-то один цвет, мы усиливаем общую выразитель­ность работы. В пределах цветового контрастирования может быть ре­шено множество живописных тем. Этот контраст дает ощущение особой пестроты жизни, порождённой сти­хийной силой. На цветовых контрастах основано народное искусство различных стран. Пёстрые вышивки, костюмы и кера­мика свидетельствуют о естественной радости, которую вызывают яркие краски.

1.                 Контраст светлого и темного.

Для художника белый и чёрный цвет является наиболее сильным выразительным средством для обозначения света и тени. Белое и чёрное во всех отношениях противоположны, но между ними располо­жены области серых тонов и весь ряд хроматического цвета.

Овладев проблемами тональных соотношений белого, серого и черного, можно перейти к изучению контрастов, основанных на пропорциональных и количественных соотношениях цветов.

Важно также научиться различать, насколько один цвет светлее или темнее другого.

Цветной круг можно перевести в черно-белый, где наглядно будет видно светлота и темнота конкретных цветов:

2.                 Контраст холодного и тёплого

Контраст холодного и тёплого можно считать самым «звучащим» среди других цветовых контрастов.

Так же, как желтый и фиолетовый цвета являются хроматическими полюсами света и темноты, красно-оранжевый и сине-зеленый считаются крайними по цветоощущению теплого и холодного. На цветовом круге они лежат друг против друга на оси, причем контраст промежуточных цветов ощущается как менее резкий.

Все цвета вызывают у нас знакомые ассоциации. Теплые цвета:  желтый, желто-оранжевый, оранжевый, красно-оранжевый, красный и красно-фиолетовый напоминают солнце, огонь, то, что в природе дает тепло.

Холодные цвета: желто-зеленый, зеленый, сине-зеленый, синий, сине-фиолетовый и фиолетовый ассоциируются в нашем представлении со льдом, снегом, водой, лунным светом и т. п.

Сине-зеленый и красно-оранжевый как полярности холода и тепла всегда холодные и теплые, в то время как промежуточные цвета, расположенные между ними, могут быть холодными или теплыми только в зависимости от того, контрастируют ли они с более теплыми или холодными цветами.

3.     Контраст дополнительных цветов.

Мы называем два цвета дополнительными, если их пиг­менты, будучи смешанными, дают нейтральный се­ро-чёрный цвет. В физике два хроматических света, ко­торые при смешивании дают белый свет, также считают­ся дополнительными. Два дополнительных цвета противоположны друг другу, но нуждаются один в другом. Расположенные рядом, они возбуждают друг друга до максимальной яркости и взаимоуничтожаются при смешивании, образуя се­ро-чёрный тон, как огонь и вода. Каждый цвет имеет лишь один единственный цвет, который является по от­ношению к нему дополнительным. В цветовом круге дополнительные цвета расположены диамет­рально один другому. Они образуют следующие пары дополнительных цветов:

жёлтый - фиолетовый
жёлто-оранжевый - сине-фиолетовый
оранжевый - синий
красно-оранжевый - сине-зелёный
красный - зелёный
красно-фиолетовый - жёлто-зелёный.

Если мы проанализируем эти пары дополнительных цветов, то найдём, что в них всегда присутствуют все три основных цвета: жёлтый, красный и синий:

жёлтый - фиолетовый = жёлтый, красный + синий;
синий - оранжевый - синий, жёлтый + красный;
красный - зелёный = красный, жёлтый + синий.

Допол­нительные цвета, в их пропорционально пра­вильном соотношении, придают произведению статиче­ски прочную основу воздействия. При этом каждый цвет остаётся неизменным в своей интенсивности. Впе­чатления, производимые дополнительными цветами, идентичны сущности собственно самого цвета. Эта ста­тистическая сила воздействия дополнительных цветов играет особо важную роль для настенной живописи. Однако помимо этого каждая пара дополнительных цветов обладает и другими особенностями. Так, пара жёлтый-фиолетовый представляет собой не только кон­траст дополнительных цветов, но и сильный контраст светлого и тёмного. Красно-оранжевый — сине-зелё­ный - это также не только пара дополнительных цветов, но одновременно и чрезвычайно сильный контраст хо­лодного и тёплого. Красный и дополнительный к нему зелёный одинаково светлы и обладают одинаковой цветовой яркостью.

На рисунках представлены три пары допол­нительных цветов и их смеси, позволяющие получить се­рый тон. Цветовая градация полос, образованных при смешении каждой пары допол­нительных цветов, опре­деляется постепенным увеличением количества цвета, добавляемого к основному. При этом в центре каждого из этих рядов возникает тот нейтральный серый, кото­рый свидетельствует, что данная пара цветов является дополнительной. Если же этого серого не получается, то выбранные цвета не являются дополнительными.

Рису­нок демонстрирует композицию из красного и зелё­ного и различных модуляций, возникающих при их сме­шении.

Рисунок  составлен из квадратов, образован­ных смешением двух пар дополнительных цветов: оран­жевого и синего и красно-оранжевого и сине-зелёного.

4.     Симультанный контраст

Особенность этого контраста в том, что при нем субъективно ощущаются цвета, которые объективно не существуют. Симультанный контраст – это явление, при котором пр взгляде на цвет, наш глаз требует появления его дополнительного цвета, а если его нет, то он создает ощущение присутствия этого цвета. Поскольку симультанно созданные цвета в реальности не существуют, они вызывают ощущение вибрации, глаз быстро устает и основной цвет начинает восприниматься менее остро, а симультанный усиливается.

                                         

5.     Контраст по насыщенности

Этот вид контраста основа на сочетании цветов различной насыщенности. Он появляется в чистом виде только в случае создания цветной композиции одного цвета, но элементами разной насыщенности. Если в композиции используются разные  цвета, другие контрасты, скорее всего, заглушат контраст по насыщенности, т.к. они более динамичные и яркие. Это достаточно спокойный вид контраста.

                         

                          

6.     Контраст по площади цветовых пятен.

Это контраст создается за счет соотношения цветовых пятен разного размера. Это сопоставление не только по цвету, но и по площади, которую этот цвет занимает. Так создаются устойчивые композиции. На силу воздействия влияет светлота цвета и площадь цветового пятна. Как правило, цвет, занимающий меньшую площадь – производит более сильное впечатление. Это свойство объясняет и важную особенность контраста по площади цветовых пятен – он изменяет и усиливает проявление других контрастов.

                

2.    ВИДЫ КОМПОЗИЦИИ. ПОНЯТИЕ «ФОРМАТ»

Виды композиции: фронтальная, объемная, объемно-пространственная, глубинно-пространственная, пространственная.

1) Фронтальная композиция.

Такая композиция характеризуется тем, что она имеет абсолютно плоскую форму, на которой глубина показывается иллюзорно (картинная плоскость во всех ее разновидностях и со всеми особенностями).

Из этого следует, что фронтальная композиция характеризуется в основном двухмерностью.

Такая композиция не имеет ни пространства, ни глубины.

Фронтальная композиция часто используется при создании декоративных произведений - ковров, росписей, орнаментов тканей, а также в абстрактной и реалистической живописи, в витражах, мозаике.

        

2) Объемная композиция.

Объемная композиция своим названием говорит о форме, имеющей три измерения, три основные пространственные координаты (высоту, ширину и глубину), и обозреваемой со всех сторон. При этом имеется в виду, что ни одно из трех измерений не предполагается минимальным, превращающим объем в плоскость.

В такой композиции возможно доминирование высоты над другими измерениями и измерения ширины и глубины над высотой.

Примерами такой композиции являются скульптура, мелкая пластика, малые архитектурные формы, произведения декоративно-прикладного характера.

 

3) Объемно-пространственная композиция.

Объемно-пространственная композиция – это своего рода попытка человека упорядочить окружающее пространство неким определённым образом. Данный термин часто встречается в архитектуре, живописи, строительстве, ландшафтном дизайне. Мы живём в трёхмерном пространстве, потому у любого объекта или сооружения измеряется его длина, высота и ширина. Именно трёхмерностью и отличается всякая объемно пространственная композиция, это – её главное свойство. Объемно пространственная композиция, в зависимости от параметров, классифицируется по признакам фронтальности, пространственности и объёмности.

4) Глубинно-пространственная композиция.

Складывается из материальных элементов (поверхностей, объемов) и пространства, интервалов между ними.

Особое значение для организации глубинно-пространственной композиции имеет работа в макете. Осуществляя рабочее макетирование, можно активнее почувствовать пространственные связи композиции, наработать вариантность подходов в решении, разнообразить объемно-пластические предложения.

                      

 5) Пространственная композиция.

Пространственная композиция характеризуется гла­венством пространства над элементами которые его орга­низуют. Для данного типа композиции качество простран­ственного решения имеет не меньшее значение, чем качество самих элементов. В пространственной компози­ции элементы могут располагаться и, соответственно, вос­приниматься зрителем по вертикальной, фронтальной и глубинной координатам.

Пространственная композиция характерна для ин­терьера, архитектурных и садово-парковых ансамблей, зон отдыха. Она является наиболее сложной из всех видов композиции, так как кроме композиционного решения отдельных элементов требует соблюдения закономернос­ти их организации в единое композиционное целое.

        

Формат – это плоскость картины, на которой разворачивается изображаемый сюжет. Формат является элементом композиции, может отличаться по размеру и форме.

Формат вертикальный – трактуется как акцент, придает композиции ощущение стройности, возвышенности.

Формат горизонтальный – трактуется как покой, поэтому горизонтальный формат используется как статический, для передачи спокойного действия.

Формат круг (квадрат) – используется для уравновешенных статичных композиций.

Чрезмерное увеличение формата по горизонтали диктует применение панорамной или фризовой композиций.

Восприятие формата.

Когда формат вертикален, глаз бегает сверху вниз – это движение дает динамику, а когда горизонтален - глаз успокаивается движениями с права на влево, характерно для пейзажей. Пейзаж – небольшой кусочек природы, он дает гармонию и спокойствие.

Горизонтальный формат более распространенный для пейзажей, показывает простор природы. Акцент тут будет падать на низ формата, поэтому самое выразительное и главное в картине нужно размещать именно там.

Для пейзажей также можно использовать и вертикальный формат, если надо изобразить, к примеру, небо или высокое дерево, зеркальную гладь воды и т.п.

3.    ИЗОБРАЗИТЕЛЬНЫЕ И ХУДОЖЕСТВЕННО-ВЫРАЗИТЕЛЬНЫЕ СРЕДСТВА. ПРАВИЛА, ПРИЕМЫ И СРЕДСТВА КОМПОЗИЦИИ. 

Изобразительные средства: линия, штрих, пятно, цвет, светотень, перспектива, золотое сечение.

Средствами композиции выступают все те компоненты, которые необходимы для ее создания. К основным средствам композиции следует отнести линию, штрих, пятно (тональное и цветовое), светотень, а также линейную, воздушную и цветовую перспективы.

Линия.

Линия рассматривается как одно из основных средств изобразительного искусства в целом. Линией пользуются в длительном рисунке, в кратковременных набросках, а также в эскизах композиций. Линия, проведенная рейсфедером, на всем своем протяжении одинакова по толщине, но для художественных целей эта чертежная линия непригодна, поскольку она однообразна, безжизненна, невыразительна.

Линия лежит всеми своими точками на поверхности листа бумаги, удерживая изображение в пределах формата, что подчеркивает двухмерность плоскости. Однако в линейном наброске возможно решение и пространственных задач.

Контурная линия заключает форму предмета. Несмотря на то, что на плоскости проведены только линии, создается впечатление, что внутри контура тон изображенного предмета темнее или светлее, чем окружающий его фон плоскости. Возникает иллюзия силуэта предмета светлым пятном на фоне, кажущемся темнее, чем он есть на самом деле. Более того, линейный рисунок может передать впечатление объема предмета. Это достигается благодаря тому, что линия строит форму в пропорциях и в перспективе, а также тем, что линия изменяется по своей толщине - силе звучания. Даже незаконченная, она способна выполнять одновременно несколько функций: компоновать изображение, определять характер и движение всей формы, ее пропорции и так далее. Плавность, текучесть и направленность линии при нанесении контура позволяют выявить пластические качества формы.

Практическую работу над композицией чаще всего начинают с линейного рисунка. В нем находят отражение и последующие, более проработанные эскизы композиции.

Штрих.

Штрих как выразительное средство графики имеет различную характеристику. Штриховые линии могут быть длинными, короткими, толстыми; могут постепенно и плавно переходить в тонкие, едва заметные «паутинки». Пластические качества динамической штриховой линии при умелом пользовании открывают богатые художественно-творческие и технические возможности. Они способны придавать изображению объемно-пространственные качества. Различная толщина штриховых линий в световой и теневой частях объемной формы позволяет передать глубину пространства.

Множество параллельных или перекрещивающихся штриховых линий создают так называемое штриховое тональное пятно требуемой силы.

Наряду с линией штрихи используются в процессе первоначальной разработки композиции.

Пятно.

Пятно (тональное и цветовое) имеет большое значение как в набросках и зарисовках, так и в работе над эскизами композиции, являясь отправной точной в начале ведения работы. Необходимость применения тонального пятна в качестве графического средства возникает главным образом при решении следующих задач композиции: уравновешенности композиции, для выявления или подчеркивания объемности формы, для передачи ее освещенности; для показа силы тона в окраске формы, фактуры ее поверхности с целью передачи глубины пространства, окружающего объемную форму. Тональное пятно используется и для того, чтобы уже в эскизе композиции решить тональные контрасты, которые закладывают основу выразительности.

На силу звучания тонального пятна, образованного внутри контура параллельными или перекрещивающимися штрихами, влияют ширина штрихов и светлых промежутков между ними, свойства графического материала и техника нанесения его на изобразительную плоскость.

В некоторых случаях тональное пятно наносится в начале работы, а затем уже уточняется контур формы. Нередко в набросках, зарисовках, эскизах композиции используются одновременно линия, штрих и тональное пятно (или комбинация: линия и тон), а также цветовое пятно, когда необходимо передать контрасты тональные и цветовые. Тональное пятно всегда дается на фоне более светлом, чем оно само, иначе пятно будет читаться хуже, либо не будет читаться вообще. Цветовое пятно лучше всего показывать в окружении, отношении к другим цветам. Речь в данном случае идет о цветовых контрастах, которые способны строить основу выразительности композиции.

Цвет.

Цвет – элемент композиции, важное выразительное средство.

Цвет в композиции, кроме отображения многообразия оттенков окружающего мира, может передавать настроение, а также вызывать ассоциации и иметь определенное символическое значение.

Светотень.

Художник, изображая на рисунке соотношение света и тени, может лучше передать объем и особенности формы. В зависимости от освещения одни части предмета выявляются лучше, другие менее заметны, так как поглощаются тенью. Предмет по-разному восприни­мается при ярком, рассеянном и слабом освещении.

Световые и теневые пятна располагаются по форме предмета. На закругляющихся частях переход от света к тени постепенный, незаметный, через полутона. На предметах, ограниченных плоскостями под углом, границы между светом и тенью резкие.

Иногда на затемненной части предмета появляется более светлое пятно как результат отражения световых лучей, падающих от близлежа­щих предметов. Цвет предмета в этом месте может приобрести другой оттенок. Это явление носит название рефлекс.

Степень освещенности предмета и резкости перехода от света к тени зависит от расстояния между источником света и предметом, силы све­та, угла падения светового луча, цвета и фактуры предмета.

Предметы могут отражать и поглощать световые лучи. Матовые по­верхности поглощают большее количество света, зеркальные поверхности отражают почти все лучи, образуя блики.

Таким образом, в понятие светотени входят: свет - наиболее осве­щенная часть предмета; блик - самое светлое пятно на освещенной части; тень - самая затемненная часть; полутень - место перехода от света к тени. Особенно постепенен переход на округлых частях; падаю­щая тень - тень от предмета на той поверхности, где он расположен; рефлекс - оттенки в теневой части предмета под влиянием цветовых и световых лучей от окружающих предметов.

Золотое сечение.

Золотое сечение – гармоническое деление отрезка на две части таким образом, что меньшая часть так относится к большей, как большая к целому отрезку. Впервые термин «золотое сечение» был введен в обиход в эпоху Возрождения Леонардо да Винчи.

Правила композиции: картинная плоскость и пространство картины.

Предметная плоскость - горизонтальная плоскость, на которой располагаются натура, картина и рисующий.

Картинная плоскость - воображаемая плоскость, расположенная перпендикулярно лучу зрения (направлению взгляда на объект). Находится либо в плоскости объекта, либо между наблюдателем и объектом.

Параллельные линии предметов на картине сходятся в одной точке. Точки, где сходятся удаляющиеся от нас параллельные линии, называются в перспективе точками схода.

При наблюдении вид предмета в значительной степени зависит от выбора точки зрения (слева, справа, сверху, снизу). Следовательно, значительную роль при наблюдении играет высота точки зрения – горизонт.

Горизонтальные параллельные линии на картинной плоскости имеют одну точку схода на линии горизонта.

Линия горизонта все время находится на уровне глаза, в каком бы положении мы бы не находились. Это значит, что горизонт меняет свое положение в зависимости от положения смотрящего.

Перспективный горизонт – это воображаемая горизонтальная линия, которую принято называть линией горизонта.

Перспекти́ва (фр. perspective от лат.  perspicere - ясно видеть, смотреть сквозь) - различные способы и совокупность приёмов изображения объёмных форм и пространственных отношений на плоскости, «в результате применения которых возникает конструкция, обеспечивающая однородность восприятия всех элементов изображения»

Линейная перспектива - точная наука, которая учит изображать на плоскости предметы окружающей действи­тельности так, чтобы создавалось впечатление такое, как в натуре. 

Она рассчитана на неподвижную точку зрения и предполагает единую точку схождения на линии горизонта (предметы пропорционально уменьшаются по мере удаления их от переднего плана).

Прямая перспектива долго признавалась как единственное верное отражение мира в картинной плоскости.

Обратная линейная перспектива.

Это вид перспективы, применявшийся, к примеру, в византийской и древнерусской живописи, когда предметы представляются увеличивающимися по мере удаления от зрителя. Созданное изображение при этом имеет несколько горизонтов, точек зрения и другие особенности.

При изображении в обратной перспективе предметы расширяются при их удалении от глаз, словно центр схождения линий находится не на горизонте, а внутри самого наблюдателя. Обратная перспектива образует целостное символическое пространство, ориентированное на зрителя и предполагающее его духовную связь с миром символических образов. Обратная перспектива отвечает задаче воплощения сверхчувственного сакрального содержания в зримой, но лишённой материальной конкретности форме.

Обратная перспектива имеет строгое описание, математически она равноценна прямой перспективе. Обратная перспектива возникла в позднеантичном и средневековом искусстве (миниатюра, икона, фреска, мозаика) как в западноевропейском, так и в византийском круге стран. Интерес к обратной перспективе возрос в XX веке в связи с возрождением интереса к символизму и к средневековому художественному наследию.

Правила композиции: картинная плоскость и пространство картины.

Картинная плоскость - воображаемая плоскость, расположенная перпендикулярно лучу зрения (направлению взгляда на объект). Находится либо в плоскости объекта, либо между наблюдателем и объектом. Картинная плоскость определяется опорной точкой (в роли которой, как правило, выступает наблюдаемый объект), нормалью с началом в опорной точке, расстоянием до картинной плоскости.

Перед нами обычный лист бумаги, не важно, большой он или маленький, прямоугольный или круглый, белый или цветной. Это плоскость, ограниченная своим форматом. Это то пустое пространство, которое предстоит заполнить изображением, заставить его жить по своим законам. Это будущий особый мир ощущений и впечатлений, ассоциаций и эмоций, красоты и наслаждений. Каким он будет - задача художника.

Как правило, рассматривая картину, мы не задумываемся над тем, какую роль играет изобразительная плоскость в создании художественного произведения. В процессе творческого труда многие начинающие художники воспринимают ее лишь как поверхность для нанесения рисунка, цвета в соответствии с поставленной задачей. В то же время забывается, что она играет исключительную роль в создании художественного образа, его цельности и выразительности, во многом определяет пластический характер изображения. В зависимости от образования, она приобретает различную поверхностную структуру. Ее создание можно рассматривать, как горизонтальное или вертикальное движение линии в пространстве. Прямая линия при движении создает ровную, гладкую, не имеющую четко обозначенных границ плоскость. При движении кривой волнообразной линии появляется искривленная поверхность. У плоскости нет глубины. Для нее характерны лишь два измерения - вертикаль и горизонталь.

В изобразительном искусстве плоскость рассматривается как часть этого пространства, имеющая четко обозначенные границы, создающие ей определенную законченность. Плоскость бывает разной. Ее материальная поверхность может иметь рельеф, образованный материалом (поверхность стены), гладкую поверхность (бумага, стекло, металл), фактуру (холст).

Этой поверхности будущего произведения должна быть противопоставлена воображаемая, параллельно существующая в сознании художника изобразительная плоскость. Являясь воображаемой перегородкой, отделяющей художественное пространство от реальной действительности, изобразительная плоскость обязывает художника всю творческую работу проводить в своеобразном придуманном, виртуальном пространстве. В то же время плоскость является реальным изобразительным пространством, где на основе увиденных или воображаемых материальных объектов создается в чем-то похожий на них, но абсолютно другой иллюзорный мир художника. Именно здесь гармоничное взаимодействие линий и пятен, создающих иллюзию реальности, помноженное на талант и мировоззрение художника, создает неповторимую творческую структуру, живущую своей самостоятельной жизнью.

Изобразительная плоскость всегда должна быть ограниченной. Это замкнутый мир творческого пространства, где художник создает свой особый мир ощущений и впечатлений. Каким он будет - задача художника. Но эта внешне пустая и аморфная поверхность неоднородна. Рассматривая изобразительную плоскость как основу будущей картины, художник воспринимает ее среднюю часть совсем не так, как края, которые могут являться своеобразным ее обрамлением. Центральная часть тяготеет к глубине, пространству, определяет цельность, ритмический и конструктивный настрой будущего произведения.

Виды пространств.

Открытое пространство - самый простой вид построения композиции – это открытое пространство.

Компоненты: уровень линии горизонта будет находиться в верхней трети либо в нижней трети листа. Таким образом, мы сможем изобразить вид с высоты (вид с горы, с крыши, из кабины самолета, вид из окна), либо вид на то что происходит в небе. Плановость: количество планов будет зависеть от открывающейся панорамы и варьироваться от 2 до 5. Композиционный центр будет располагаться на средних планах (в зависимости от количества планов).

Кулисное пространство. Кулисное пространство по своей структуре напоминает расположение объектов в театральной сценографии.

Компоненты: Уровень линии горизонта будет находиться чуть выше или чуть ниже середины листа Плановость Количество планов варьироваться от 2 до 5 Композиционный центр будет располагаться на средних планах (в зависимости от количества планов ) и смещен к краю листа.

Направленное пространство - самый динамичный вид пространства, так же хорошо сочетается с открытым пространством и кулисным. Создаёт энергию и движение в композиции. Глубину пространства задает композиционный центр, а также ритм линий поддерживающий движение.

Компоненты: Уровень линии горизонта будет находиться чуть выше или чуть ниже середины листа Плановость Количество планов будет зависеть от сюжета и открывающейся панорамы, варьироваться от 3 до 5 планов Композиционный центр будет располагаться на втором третьем плане.

Анфиладное пространство.  Анфиладное пространство представляет собой сложное многослойное пространство, состоящее из нескольких пространств, которые могут содержать свои композиционные центры, но при этом объединены общим ритмом и сюжетом. Так же этот вид пространства может содержать в себе элементы открытого, камерного и направленного пространства.

Компоненты: Уровень линии горизонта Выше середины Плановость от 2 до 5 Композиционный центр будет располагаться на переднем плане и служить входом в картину, как правило смещен к краю картины.

Камерное пространство - самый динамичный вид пространства, так же хорошо сочетается с открытым пространством и кулисным. Создаёт энергию и движение в композиции. Глубину пространства задает композиционный центр, а также ритм линий поддерживающий движение.

Компоненты: Уровень линии горизонта будет располагаться выше или ниже середины листа, в зависимости от того какой эффект нужно произвести Плановость Количество планов будет зависеть от сюжета и открывающейся панорамы, варьироваться от 1 до 2 Композиционный центр будет располагаться на первом или втором плане.

Сюжетно-композиционный центр.  Главное, второстепенное.

Центром композиции является та часть, которая достаточно ясно выражает главное в идейном содержании сюжета. Центр выделяется объемом, освещенностью и другими средствами в соответствии с основными законами композиции.

Выделение главного в композиции связано с особенностями зрительного восприятия человека, фиксирующего свое внимание прежде всего на сильно действующем раздражителе. Это могут быть движение, световые эффекты или резкое изменение условий освещенности, контрасты тоновые или цветовые, контрасты величин, форм и т. д. Так зрительно воспринимает предметный мир любой человек, в том числе и художник. Это обусловливает и характер чувственно-образного мышления художника, обязанного учитывать особенность восприятия произведения зрителем.

Сюжет картины Рембрандта навеян евангельской притчей, но художник перевел ее на язык реалистического искусства, попутно отсеяв множество довольно эффектных деталей. События притчи развертываются в различных странах, где младший сын «расточил имение свое, живя распутно», потом голодал, пас свиней и т. д. Все перепады и неожиданные обстоятельства в судьбе блудного сына происходят в течение длительного времени. На картине же все связано в один тугой узел времени в пределах очень ограниченной пространственной площади - возле входа в родной дом. Слепой отец (в притче отец видит блудного сына, издали бежит к нему навстречу, «пал ему на шею и целовал его») положил руки на плечи сына в знак прощения. В этом жесте скрыт клубок эмоций - отцовских чувств, накопившихся за прожитые в тоске и тревоге годы.

Выделяя главное, Рембрандт лишь намекает на обстановку, где происходит встреча с младшим сыном (фигура старшего сына лишь замыкает композицию справа). Но это главное сильно сдвинуто от центра картинного поля; центральную зону занимает полоса полумрака, в котором находятся служанка и еще один свидетель трогательного свидания отца с сыном.

«Возвращение блудного сына» - яркий пример децентрализованной композиции с четко выраженным сюжетным акцентом.

Любую композицию характеризует композиционный центр (доминанта) - это структурная единица, вокруг которой и по отношению к которой выстраиваются все элементы композиции;

- это элемент визуальной композиции, который прочитывается в первую очередь, благодаря построению композиции;

- это условный центр тяжести композиции;

- это элемент, который выделяется по форме, проработанности, несет в себе смысловую нагрузку.

Являясь сложно структурированной системой, композиция предполагает наличие нескольких видов центров:

- геометрический,

- оптический,

- сюжетный (семантический),

- композиционный, который мы можем обозначить как логический.

В композиции может быть два композиционных центра, но один из них должен как бы подчиняться другому.

Поддержкой называют второстепенные элементы/мотивы, которые поддерживают композиционный центр. Поддержка всегда менее активна, чем главный композиционный элемент.

Приемы композиции: статика,  динамика,  симметрия,  асимметрия, ритм, метр,  размер,  масштаб,  вертикаль,  горизонталь,  диагональ.

Динамика и статика.

Решая творческие задачи, художник часто сталкивается с вопросом размещения основных героев на полотне и поиском средств передачи их деятельности. Применение статики и динамики в композиции – один из эффективных инструментов для достижения этих целей.

Статика - это неподвижность. Иногда бывает нужно передать в композиции именно статичность, устойчивость, некое спокойствие и т.п. Обычно в таких композициях используются только вертикали и горизонтали. Но, таких композиций, где полностью отсутствует движение, встречается не так уж много.

Движение или динамика.

Что мы подразумеваем под словом «движение»?

Самое простое и понятное – это изображение чего-то или кого-то движущегося, например: человека, животного, птицы, автомобиля и т.п. Или изображение стихий природы: наклонившиеся под ветром деревья, волны на воде и т.п.

Под «движением» в композиции мы понимаем движение глаз зрителя. Рассматривая картину (композицию) глаза движутся по определенным линиям (направлениям). Даже если в картине (композиции) нет изображения ни одного движущегося элемента, "движение" в ней все равно может присутствовать. Взгляд движется по фигурам, линиям и пятнам, по ритмично выстроенным вертикалям, диагоналям и горизонталям.

Симметрия и асимметрия.

Симметрия и асимметрия - два противоположных мето­да организации пространства.

Симметрией называют одинаковое расположение рав­ных частей по отношению к плоскости или линии.

Простейший вид симметрии - зеркальная симметрия. В этом случае одна половина композиции является как бы зер­кальным отражением другой. На чертежах плоскость симмет­рии изображается линией, поэтому ее часть называют осью симметрии.

Существует помимо зеркальной симметрии, симметрия центрально-осевая, винтовая, симметрия относительно диа­гонали.

Симметрия объединяет композицию. Расположение главного элемента на оси подчеркивает его значимость, уси­ливая соподчиненность частей. Красота симметричной композиции за­ключается в равновесии частей, статичности, законченности.

Нарушенную, частично расстроенную симметрию назы­вают дисимметрией. Дисимметрия широко распространена в живой природе. Человек также дисиметричен.

Незначительное изменение в симметричной композиции немедленно нарушает равновесие, привлекает внимание, соз­дает акцент. Часто нарушенную симметрию используют как художественное средство для получения острого эмоциональ­ною эффекта. Но эти «отклонения» требуют мастерство и чувство меры.

Противоположным симметрии методом построения и организации пространства является – асимметрия.

Единство, целостность является целью построения асимметричной композиции так же, как и симметричной. Но, в отличии от симметричной композиции, в асимметричной композиции необходимо достичь зрительного равновесия.

Ритм.

Ритмом называется определенная упорядоченность однохарактерных элементов композиции, создаваемая путем повторения элементов, их чередования, нарастания или убывания. Простейшая закономерность, на основе которой строится композиция- это повторность элементов и интервалов между ними, называемая модульным ритмом или метрическим повтором.

Когда мы смотрим на неподвижное изображение на том или ином сооружении (орнаментальный фриз) или на предмете (орнамент на вазе), с чередованием каких-либо повторяющихся элементов, плоскостных, объемных, линейных, ощущение ритма дает восприятие условного движения, глаз наш как бы следует за этим размерным повтором элементов.

Ритм может быть спокойным и беспокойным, может быть направленным в одну сторону (орнаментальная кайма) или сходящимся к центру (узор в центре подноса, скатерти, шкатулки, розетка лепная под люстрой), направленным как по горизонтали, так и по вертикали. Развитие по вертикали во многом снимает композиционные сложности: как правило, изменения по вертикали сами по себе способствуют возникновению зрительного завершения. Если же ритм развивается по горизонтали, возникает проблема завершения и начала композиции. Частые членения в горизонтальном направлении, как и в вертикальном, могут создавать впечатление беспокойства. Членения по горизонтали будут зрительно снижать высоту вещи, а вертикальные, наоборот, делают ее выше.

Метр,  размер,  масштаб.

Метр – простейший порядок, основанный на повторении равных элементов. Он подобен чередованию тактов в музыке. Повтор облегчает восприятие формы, делает её чёткой и ясной. Однако при большей протяжённости метрическая композиция может выглядеть монотонной. Устранению монотонности способствует:

1)Сочетание в композиции несколько метрических рядов разного построения;

2)Выделение в метрическом ряду групп элементов;

3)Установление разрядок между группами;

4)«Оживление» метрического ряда за счёт включения в него акцентов;

5)Изменение отдельных свойств повторяющихся элементов.

Наиболее активным средством устранения монотонности в метрическом строе является его сочетание с ритмом или просто – ритмизация формы.

Размер – масштаб. Эта пара средств гармонизации характеризует собой не внутреннее, а внешнее состояние или величину формы.

Размер выражает абсолютную величину формы. Эта величина ни с чем не сравнивается. Она оценивается просто как большая или малая. Исходной для него является некая абстрактная единица, включаемая в ту или иную систему мер – метр, дюйм и т.д. В зависимости от размера форма характеризуется в композиционном плане как высокая или низкая, длинная или короткая и т.д.

Масштаб же выражает относительную величину формы, соразмерную в той или иной степени с другой исходной величиной или в композиционном плане, с тем впечатление, которое производит эта форма на человека. В распространённом значении такая величина заключает отношение натурального размера к изображаемому размеру.

В чисто композиционном, художественном значении масштаб представляет собой соразмерность, выраженную не в числах или отрезках, а в зрительном соответствии формы человеку. В принципе композиционный масштаб подчинён раскрытию художественной идеи, заключённой в форме. Разделяется он на крупный и мелкий. В соответствии с ним форма может выглядеть либо крупной, монументальной, либо мелкой, лёгкой. Крупный масштаб относим со слабо расчленённой формой, мелкий – с сильно расчленённой формой. Всякое членение придаёт форме мелкий (лёгкий) характер, подчёркивая при этом, как правило, её большие размеры. Так же важную роль в достижении гармоничности композиции играют так называемые указатели масштаба, т.е. окружающие предметы.

Вертикаль,  горизонталь,  диагональ.

Горизонтальные линии. Горизонталь во многих смыслах служит базовой линией композиции. Это фундаментальная ориентирная линия, самая знакомая из всех, и даже её визуальная тяжесть - это напоминание о том, что горизонтальная поверхность есть держащая основа. Поэтому горизонтальные линии обычно выражают стабильность, вес, мир и спокойствие. Через их ассоциацию с горизонтом они также указывают на дистанцию и широту.
Прямые горизонтальные линии могут играть роль разделительной черты, заставляющей зрителя оставаться снаружи, заглядывая за них.
Горизонтали практически всегда присутствуют в перспективном изображении. Даже беспорядочные скопления объектов с увеличением дистанции превращаются в горизонтальные вереницы предметов, и в конченом итоге - в линии.

Вертикальные линии  вызывает ощущение активного стремления вверх (ассоциации - полет ракеты, струя фонтана, стоящее дерево, строительный кран).

Вертикаль - активное начало в композиции, ось пространства вокруг которой совершается движение. Горизонталь – пассивное начало в композиции, ось устойчивости, поверхность земли.

Наклонные линии в композиции воспринимаются как наклонённые оси, тогда подвижность пространства резко возрастает, в нем все становится зыбким.

Диагональ - это не только движение как таковое, но и направление движения. Диагональ может помочь зрителю в чтении композиции, может «ускорить» движение объекта, а может и «притормозить».

4. ЖИВОПИСЬ И ЕЕ СРЕДСТВА.

Отличительные особенности живописи как вида искусства.

Живопись - вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо твердую поверхность. В художественных произведениях, создаваемых живописью используются цвет и рисунок, светотень, выразительность мазков, фактуры и композиции, что позволяет воспроизводить на плоскости красочное богатство мира, объемность предметов, их качественное, материальное своеобразие, пространственную глубину и световоздушную среду. Живопись может передавать состояние статичности и ощущение временного развития, в живописи возможны сложное повествование и сложный сюжет.

Основные художественные средства живописи: цвет, светотень, характер мазка, фактуры и текстуры, композиция. Всё это даёт более разнообразные, по сравнению с графикой, художественные возможности.  При помощи них живопись может передавать в плоскости листа или картины всё многообразие видимого окружающего мира не только схематически условно, но и иллюзорно правдиво, реалистично до фотографической точности. В отличие от фотоискусства, живопись способна передавать не только внешние характеристики объектов и предметов: богатство красок и оттенков, объём и форму предметов, их материальность, глубину пространства и характер освещения, но и эмоционально-чувственное отношение художника (и зрителя) к изображаемому. Благодаря воплощению в красках статичности и динамичности движений героев, изображению одухотворённости или страстности персонажей, сюжетной линии и тонкости эмоциональных переживаний. Живопись не только изображает реальную картину мира, но и несёт просветительскую функцию, раскрывает суть исторических событий и процессов, выражает социальную и политическую позицию художника, словом, приобретает черты средства отображения и интерпретации авторской идеи и реальной действительности.

Виды живописи: станковая, монументальная, монументально-декоративная.

Станковая живопись. Название получила от слова «станок», под которым подразумевается мольберт. Истинные художники, привыкшие писать всегда и везде, практически никогда не расстаются с этим трех- или четырехногим «другом». Установив холст на мольберт, мастер имеет возможность не только писать интересный ему сюжет без искажений (как это бывает, если рисовать, сидя за столом), но и время от времени отходить подальше от работы, чтобы оценить результат на расстоянии. Такой прием позволяет увидеть картину в целом и быстро поправить огрехи.

Монументальная живопись. Неразрывно связана с архитектурой. Другое ее название - «мураль», означающее «настенную живопись». Монументальной росписью украшаются потолки, стены зданий. Как правило, сюжет такого «полотна» подчеркивает предназначение сооружения, образует единую с ним концепцию, как художественную, так и тематическую. Чаще всего задействуется

техника фрески – росписи по сырой штукатурке.

Существует еще и декоративная живопись, главное призвание которой - украшать. Отличается чистыми, сочными цветами, тщательно проработанными формами, логическим построением композиции. К особенностям направления относятся: нарушение перспективы, изменение пропорций, отсутствие объема, наличие контура и орнаментальных узоров. Декоративная живопись может быть и

станковой и монументальной.

Жанры живописи: натюрморт, пейзаж, портрет.

В зависимости от сюжета, произведения изобразительного искусства принято делить на такие жанры живописи:

Портрет. Изображение одного человека или группы людей. Задача художника - правдиво изобразить внешность и внутренний мир натурщика. Делится на индивидуальный, парадный, групповой и автопортрет;

В. А. Серов «Девочка с персиками»

Пейзаж. Изображение природы в первозданном или в преображенном человеком виде, допускает присутствие людей, но не определяет их главными героями сюжета. Выделился в отдельный жанр в эпоху Ренессанса;

 И. И. Шишкин «Рожь»

Марина. Появилась в виде автономного жанра пейзажной живописи в Голландии в начале XVII в. Изображает морские виды и события, происходящие на море, в том числе морские сражения и круизы;

 И. Айвозовский «Девятый вал»

Исторический. Как отдельный жанр сформировался в расцвет Ренессанса. Включает в себя описание реальных событий современности и прошлого, имеющих социальную значимость в истории одного народа или всего человечества, а также религиозных библейских, евангельских и мифологических сюжетов;

Василий Суриков «Боярыня Морозова»

Батальный. Возник в Италии в эпоху Возрождения. Изображает сцены морских и сухопутных сражений, военных походов и военного быта. Характерные особенности жанра: внимание к деталям, реалистичность сюжета, информативность и смысловая ценность. Многие батальные произведения написаны очевидцами конкретных событий;

М. И. Авилов «Поединок Пересвета с Челубеем на Куликовом поле»

Анималистика (иногда - анимализм). Ведущий мотив жанра - дикие и домашние животные, птицы, пресмыкающиеся. Одно из самых древних направлений живописи, окончательное формирование которого датируют VIII-XIII вв. Первые изображения животных появились на стенах пещер древнего человека, на холстах - в Древнем Китае;

Бытовой. Зародился в античном искусстве, но в отдельный жанр выделился в Средневековье. Направление посвящено изображению приватной и общественной жизни человека, народному быту. Через описание повседневной жизни художники стремятся донести до зрителя социальные проблемы общества;

 Ян Вермеер «Молочница»

Натюрморт. Как самостоятельный жанр утвердился в XVII веке в Западной Европе. Изображает «мертвую натуру». В основе направления - неодушевленные предметы: дичь, выловленная рыба, фрукты, овощи и букеты цветов, предметы быта (инструменты или посуда);

Поль Сезанн «Натюрморт с корзиной яблок»

Архитектурный. Главная тема - архитектурный ландшафт, причем не только городские виды или отдельно стоящие здания, но и интерьер помещений. Архитектура присутствовала в произведениях искусства мастеров Возрождения, но как автономный жанр окончательно сформировалась в голландской живописи XVI-XVII вв;

Поль Сезанн «Рю-де-Саулес»

Жанр ню. Художественный жанр, воспевающий эстетику обнаженного тела, преимущественно, женского. Первые рисунки нагих людей появились в античной Греции и Риме, но в виде отдельного направления ню выделилось в XVII в. в Западной Европе. Изначально жанр ограничивался рамками исторических и мифологических сюжетов, со временем художники начали отображать в таких картинах собственные представления об идеале женской красоты.

Эдуард Мане «Олимпия»

Мифологический жанр - раздел изобразительного искусства, в котором основой для сюжета произведений служат древние сказания, легенды, предания или сказки разных народов. Картины мифологического жанра часто наполнены аллегорическим и символическим смыслами. В них вымышленные герои служат образцами поведения и объектами высмеивания, чтобы помочь зрителю решить важные морально-этические проблемы. Мифологический жанр традиционно олицетворяет высокие духовно-нравственные идеалы в искусстве. Он является разновидностью исторического жанра в живописи, но характеризуется более свободной трактовкой исходных сюжетов и преобладанием художественного вымысла в композиции.

Сандро Боттичелли «Рождение Венеры»

Выразительные средства живописи (цвет, пятно, колорит).

Создание живописной картины – сложная творческая работа. Процесс, часто длительный, требует от художника приложения всех его физических и духовных возможностей.

Точной инструкции по написанию картин не существует. Не поддается искусство регулированию. Мастер выражает индивидуальность, мироощущение, эмоции художественными средствами живописи. Каждое произведение – сочетание творческого подхода и особых приемов.

К художественно – выразительным средствам живописи  относятся: цвет, мазок, линия, пятно, цветовой и световой контраст, колорит, форма, композиция, фактура.

Живописец с помощью этих средств передает настроение, чувство радости или грусти, красоту окружающего мира.

Цвет и колорит.

Свой цвет имеет любой живой и неживой объект. Цвет – в живописи главное выразительное средство. С его помощью творец создает художественное изображение, моделирует пространство, задает ритм, воздействует на зрителя.

Необходимый цвет получает на палитре, смешивая краски. Затем создает единственный для каждой картины колорит – гармоничное соотношение цветов, воплощая образную идею. В природе цвета делятся на 2 гаммы – холодную, спокойную и умиротворяющую, и теплую, активную и веселящую. Вместе они ведут себя контрастно, теплый цвет кажется ближе, а холодный отступает вглубь.

Мазок.   

Мазок – технический прием, «кирпичик» для построения целой работы. С его помощью автор на плоской поверхности «лепит» объемную фигуру. Это маленькая часть произведения, их последовательность определяет конечный результат.

Мазок формирует новые стили и оказывает влияние на живописцев. Транслирует их чувства и мысли. Умение применять технику мазка свидетельствует о мастерстве художника. Вид мазка наполняет смыслом изображение:

гладкий – края мазков сглажены, различимы «под лупой»;

фактурный, или пастозный – плотные слои толщиной до нескольких мм;

лессировочный – тонкие почти прозрачные мазки поверх основного цвета дают богатый колорит.

Пятно и линия.

Линия и пятно – совокупность мазков, очерчивающих краской предмет на холсте. Пятно – силуэт объекта, выделяется от остальной плоскости по цвету. Художник подбирает для образа набор пятен, мягких или резких, скупых или живописных. Нужные ассоциации легко возникают у зрителя.

Фактура.

Репродукции произведений живописи не оказывают должного впечатления, не передают в полной мере эмоции автора. В раскрытии образа оригинала фактура играет значимую роль. Поверхность красочного слоя усиливает психологическое воздействие. Матовая или глянцевая, гладкая или шероховатая, она вызывает определенные ассоциации, воспоминания.

Материалы и техники живописи.

Техники живописи Леонардо да Винчи однажды отметил: «Техники живописи неисчерпаемы, ведь это все, что создается природой, временем и человеком». Эксперты выделяют десятки видов техник живописи и вот основные из них: Масляная. Особенно ценится художниками за вязкость красок - они не застывают в течение нескольких часов и даже дней, что позволяет многократно вносить изменения в работу. Чаще всего маслом пишут на льняном грунтованном холсте, но можно использовать и другие поверхности. Наиболее распространены два подвида - многослойный, при котором холст несколько раз покрывается слоями краски после полного высыхания предыдущего, и «алла прима» - создание работы «за один прием». Маслом можно писать в технике «импасто», нанося густые непрозрачные мазки мастихином, «лессировкой», при которой создается очень много тонких, полупрозрачных слоев, «сухой кистью»;

Акриловая. На первый взгляд акриловые краски очень похожи на масляные, но у них разные основы - вода и растительное масло, соответственно. Акрил высыхает значительно быстрее, всего за 15-20 минут, он более эластичный, что препятствует возникновению трещин в готовой работе. В палитре существуют «необычные краски» - например, блестящие «металлики», флуоресцентные;

Акварель. Акварельные краски не содержат в составе белил, в их роли выступает просвечивающая под изображением негрунтованная бумага. Акварель позволяет создавать воздушные, полупрозрачные картины. Очень быстро сохнет. Акварельными красками пишут как по сухой поверхности, так и по мокрой; Темпера. Старинная техника, интерес к которой снова возрастает в последние годы. Темперные краски создаются на основе яйца, быстро сохнут, практически не смешиваются на поверхности и немного меняют свой цвет после застывания. Именно поэтому требуют определенного опыта в использовании;

Гуашь. Материал плотный, непрозрачный, поверхность картины, написанной в этой технике, получается матовой и бархатистой. Гуашью пишут на бумаге, холсте, ткани, она сохнет несколько часов, что позволяет с легкостью вносить исправления в работу;

Тушь. Краска создается на основе сажи, картина получается двухцветной, черно-белой. К основным плюсам туши относят ее стойкость к размыванию и спирту, это дает возможность заранее обезжиривать некоторые участки перед нанесением изображения;

Пастель. Произведения пишутся по сухой бумаге специальными карандашами - сухими, масляными или пастозными. Работа предполагает растушевку пигмента, вбивание его в основу, многократное наложение слоев. Последние три техники некоторые эксперты относят к графике, а не к живописи;

Энкаустика. Картины (в основном - иконы) создаются с помощью красок, в основе которых лежит воск. Они наносятся в расплавленном виде, тонкой кистью или металлической палочкой;

Аэрография. Жидкая или порошкообразная краска распыляется на поверхность с помощью специального устройства, аэрографа, или баллончика. Такой способ нанесения позволяет создавать самые разные эффекты, реалистичные трехмерные изображения, имитацию фактурной поверхности;

Смешанная. Использование нескольких видов материалов в одной работе.

5. КЛАССИФИКАЦИЯ ВИДОВ ИСКУССТВА (ПРОСТРАНСТВЕННЫЕ, ВРЕМЕННЫЕ, ПРОСТРАНСТВЕННО-ВРЕМЕННЫЕ).

Разные виды искусства – живут, распространяются, транслируются, либо в пространстве, либо во времени. Либо может быть совокупность пространства и времени, тогда искусство относится к пространственно-временным.

Временные искусства – это те виды искусства, которые распространяются во времени, а именно: музыка, танец, мимика. Время не имеет никакого отношения ни к скульптуре, ни к архитектуре, ни к живописи, так как они относятся к группе пространственных искусств.

К пространственным видам искусства следует относить те виды искусства, которые живут в пространстве, распространяются в пространстве. Это прежде всего изобразительное искусство, графика, архитектура, скульптура, и т.д.

Театр, как и кино, занимает промежуточное положение между группой временных искусств и группой пространственных искусств. Так как это искусство синтетическое.

Таким образом театр мы относим к пространственно-временным искусствам.

6.  ВИДЫ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА.

Живопись – искусство рисовать красками на плоской поверхности;

Графика – работа с линиями и штрихами без применения красок;

Скульптура – творчество, осуществляемое при помощи высекания и лепки;

Архитектура – процесс строения зданий и строительных комплексов;

Декоративное искусство – творчество, основанное на украшении чего-либо.

7. ТЕХНОЛОГИЯ ЖИВОПИСНЫХ МАТЕРИАЛОВ.

Станковая живопись и ее технологии.

Станковая живопись – самая распространённая в мире.

Ши­ро­кое раз­ви­тие станковая живопись получила в эпо­ху Воз­ро­ж­де­ния, а с XVII в. она ста­ла самым рас­про­стра­нён­ным видом живописи. Популярности станковой живописи способствовало развитие кол­лек­цио­ни­ро­ва­ни­я, выставоч­ной дея­тель­но­сти, а также раз­ви­ти­е му­зе­ев.

Изображение станковой картины чаще всего выполняется на холсте, иногда на картоне или на бумаге. В давние времена для станковой живописи использовали доску.

Основными материалами для станковой живописи являются масляные, а также темперные и акварельные краски, акрил, гуашь, восковые краски и пастель. В восточных странах распространена живопись тушью.

Но для создания картины нужна основа. Раньше основой служило дерево, в XVI в. – медная доска. Основой может быть также и фанера, картон бумага, холст. Основу проклеивают, грунтуют специальной смесью. Грунтовка необходима для того, чтобы выровнять поверхность основы, и только потом наносится изображение.

Кроме того, станковая живопись позволяет применять ряд вспомогательных материалов, таких как кисти, губки, валики, картонные полоски, мастихины и аэрозольные баллончики.

Особенности техники исполнения. С развитием искусства изменилась и технология станковой живописи. Современный мир расширяет доступ к знаниям и материалам, обеспечивая благодатную почву для экспериментов и поисков новых возможностей. Сегодня произведения станковой живописи могут быть созданы с помощью трафаретов и паттернов. Цвета добываются из новых материалов и пигментов. Сложно не потеряться в таком водовороте средств и ресурсов. - Однако масляные полотна, так же как и станковая темперная живопись, прошли многовековой путь развития. Именно поэтому сегодня существует традиционная, или академическая, техника станковой живописи, которая подразумевает следование ряду правил и традиций. Масляные краски являются наиболее популярными благодаря легкости нанесения и способности надолго сохранять цвета. Темпера, в свою очередь, отличается большей сложностью. Техника создания станковой темперной живописи обладает рядом специфических правил – например, затемнения тона пигмента лучше всего добиваться штриховкой или накладыванием одного слоя на другой.

Особенности живописи акварелью.

Натуральный состав акварелей - это растертый пигмент с природными клеящими веществами – гуммиарабиком, казеином или фосфопротеином молока, декстрином, медом, фенолом. Краску наносят с водой кистью на поверхности бумаги. Этот термин обозначает работы, выполненный в этой среде. Пигменты обычно прозрачны, но могут быть сделаны непрозрачными путем смешивания с белилами – в таком виде краски известны как гуашь.

Акварель отличается от других видов живописи многообразием технических приемов.

Невесомая легкая краска дает свежесть и светимость в каллиграфических мазках, что придает работам атмосферность и невесомость. Существует одна принципиальная разница между акварелью и другими средами живописи - ее прозрачность.

Художник наносит маслом один непрозрачный цвет на другой, пока не достигнет желаемого результата. Акварель – универсальное средство рисования, поскольку дает возможность воспроизводить все жанры, так как водная основа позволяет получать уникальные и непредсказуемые эффекты. Для абстрактного стиля случайные разбросанные акварельные мазки по мокрой бумаге помогают получить эффект размытия.

Акварельные краски на бумаге могут плавиться, растекаться, а смеси создают красивое сочетание цветов в живописи разных стилей.

Методики работы

Акварель является самой свободной формой живописи, благодаря ее прозрачной водной природе. Существуют определенные методики живописи для работы с акварельными красками, но самые популярные из них:

Дифференцированное размытие.

Это основной способ работы художников, который достигается путем смачивания бумаги в определенной области и нанесения пигмента на поверхность сверху вниз. Применяется методика для массированного изображения неба, воды, луга и позволяет экспериментировать с различными оттенками. Бумага поднимается почти вертикально, и на влажной поверхности цвета растекаются во всех направлениях. Техника требует высыхания естественным путем.

Остекление.

Это метод похож на размытие, но требует использования пигмента, который наносится на сухой лист. Метод фактически регулирует цвет и тон, идеальные цвета и переходы. Сушат каждый цвет отдельно, прежде чем применить следующий.

«Мокрым по мокрому».

Метод «A la Prima» представляет собой процесс смачивания бумаги перед нанесением пигмента. Для этого используют большую кисть или губку, чтобы равномерно распределить воду по листу акварельной бумаги. Техника создает прекрасные размытые формы и цвета, мягкие оттенки и переходы краски в работах.

«Сухая кисть».

Для рисования используется едва влажная жестковатая кисть с большим количеством краски по сухой бумаге. На неровной поверхности получается четкий жесткий выделенный след, гранулированные эффекты, аналогичные карандашному рисунку. Целые композиции делают таким способом, используя также для оживления тусклого фона.

Смывание.

Процесс удаления краски после нанесения и полного высыхания. Область, которую необходимо изменить, сделать глубже цвет или придать объем, смачивают водой, промокают краску тканью. Техника создает сложные формы, линии, особенно, если применить полоски бумаги для маскировки областей с удаленным пигментом на картине.

Воздействие водой на краску.

Когда нанесенная акварель на рисунке высыхает, можно чистой мокрой кистью капнуть воду на нужный участок для получения эффектов слоистости, растрескивания округлости, объема.

Лессировка.

Это способ многослойного нанесения акварели от светлого тона в основе к более темному оттенку поверху. Акварель наносят прозрачными тончайшими мазками после высыхания предыдущего слоя работы. Результатом становится объемное изображение, где цвета не перемешиваются, а дополняют друг друга и позволяют видеть границу каждого слоя.

Процарапывание

Процарапыванием или удалением некоторых участком окрашенной сухой поверхности создают более светлые области одного тона.

Маскировка

Если требуется в процессе работы сохранить некоторые участки белыми, пользуются резерважем, то есть закрывают необходимые места маскировкой из парафина или воска, которые после полного высыхания работы убираю кисточкой или скатывают в шарик руками.

Добавление

Добавления другого цвета к влажной области живописи позволяет сливаться и разветвляться, создавая интересные иллюзии. Метод дает интересные и яркие цветовые градации, которые невозможно получить путем смешивания пигмента на палитре.

Методика работы акварелью с натуры при изображении натюрморта: основные этапы.

При работе над натюрмортом художники придерживаются общих правил последовательного изображения - «от общего к частному» и «от частного к общему».

«В живописи ведение этюда от больших отношений к малым (к деталям) подчинено одному из принципов диалектики «от общего к частному и от частного к общему».

Рисование натюрморта можно условно разделить на пять этапов: компоновка, прорисовка, закладка больших тоновых и цветовых отношений, работа в цвете с полутонами и светами, обобщение.

На этапе компоновки предметы размещают на листе бумаги, рисуя их упрощенную схематическую форму. Далее выявляют форму. Если постановка состоит из сложных предметов, требующих тщательного и длительного построения, то после этого необходимо перевести основной рисунок на новый акварельный лист, чтобы сохранить структуру бумаги. Хорошим рисунком закладывается своеобразный фундамент для всей постановки.

Работа с палитрой на всех этапах ведения этюда должна быть самой активной. Для того чтобы не путаться на большом листе, проще сделать как бы бесформенный этюд на бумаге такого же качества или на палитре (если на ней не скатывается краска). Здесь следует разобрать каждый предмет и драпировку на тень, полутон и свет с учетом тональности и теплохолодности. Можно написать небольшой эскиз по той же схеме. Результат будет один – ученик видит небольшой размер бумаги более цельно, без деталей, поэтому сконцентрируется на правильном цветовом решении. По законам физики, если смешивать белее трех цветов в один раз, получится грязь. Поэтому, если цель преподавателя научить ребенка писать акварельно и чисто, стоит придерживаться данных рекомендаций.

Закладка больших тоновых и цветовых отношений в акварельной живописи предполагает начало работы с теневых частей фона, с падающих и собственных теней предметов, постоянно сравнивая и анализируя их друг с другом по тону, цвету и теплохолодности. Краску желательно брать в «полную силу», учитывая будущее высветление высохшего красочного слоя. Рефлексы от окружения так же закладываются сразу. Желательно на данном этапе использовать технику работы акварелью «по-сырому» или «а ля прима», чтобы тени смотрелись цельно и сочно. Поэтому планшет можно положить горизонтально или наклонять в необходимую сторону, чтобы не было ненужных подтеков. Нет необходимости работать только в вертикальном положении. Если не набран достаточный тон в цвете, то обязательно нужно дождаться полного высыхания данного участка этюда и только потом накладывать лессировочный слой.

Следующий этап ведения акварельной живописи требует работы с полутонами, начиная от самого темного предмета. Локальный цвет постановочного предмета будет прослеживаться именно в полутонах. Необходимо помнить, что цельности в этюде можно добиться, в том числе, соблюдая единство освещения на всех элементах постановки – теплое или холодное. Свет из окна является холодным, а свет от искусственного освещения теплым. Если натюрморт пишется на пленэре, то свет будет теплым. Ничто так сильно не разрушает готовый акварельный этюд, как разрозненность освещения. Следует помнить, что блики принадлежат определенному цветному предмету, поэтому они не должны остаться чисто белыми и одинаковыми.

На этапе обобщения приводят весь этюд к цельности, работая «от частного к общему». Следует использовать лессировки или размывания, если требуется «посадить» кричащие предметы или смягчить касания. На переднем плане необходимо усилить тоновые и цветовые контрасты, если они были потеряны в процессе работы над натюрмортом. На данном этапе желательно часто отходить от работы и смотреть издалека немного вбок от постановки или в центр, и видеть ее всю немного смазано. Это позволяет безошибочно определить главное и второстепенное. Точно так же необходимо смотреть на этюд и добиваться такого же состояния. Это и называется цельностью. «Цельное видение художника – это специфическое видение, это ценная способность зрительно воспринимать предмет или явление, способность выделять при этом главное, существенное, отличать типическое от характерного, определяя при этом внутреннюю связь между отдельными частями, что является основной задачей профессиональной подготовки».

Особенности живописи гуашью.

Художественная гуашь – это растёртые пигменты, с добавлением воды, белил и гуммиарабика. Эта гуашь обладает прекрасной кроющей способностью, матовостью, бархатистостью и прекрасно ложится на художественную поверхность.

Для этого типа краски в качестве рабочей поверхности идеально подходят не мелованный картон, акварельная бумага, тонированная бумага, холст.

Первый слой краски впитывается в художественную поверхность, создавая что-то подобное грунту. Это позволяет краске лучше держаться на рабочей поверхности.

К техникам гуашевой живописи относятся:

Лессировка – способ, который заключается в нанесении поверх основного цвета прозрачный слоев других тонов. За счет перекрытия основного цвета полупрозрачными слоями получается новый глубокий оттенок. Для гуаши этот способ доступен так же, как и для акварели. Просто гуашь нужно разбавить довольно сильно водой, чтобы она стала прозрачной.

Пастозная техника также доступна гуаши. Эта техника заключается в нанесении густой, непрозрачной краски на рабочую поверхность. Работая в пастозной технике и используя обычную художественную гуашь, нужно помнить о том, что слишком толстый слой этой краски имеет обыкновение растрескиваться и осыпаться после высыхания. Поэтому нужно очень осторожно добавлять слои густой гуаши на полотно, чтобы получить необходимую, для этой техники и материала, «золотую середину».

Есть еще одна техника, в которой можно использовать гуашь. Она называется сграффито. Эта техника сродни гравюре. На бумагу наносят слой светлой краски и ждут ее высыхания. Затем наносят толстый, равномерный слой темной краски. После просыхания верхнего слоя, берут рейсфедер, стило, просто толстую иглу или канцелярский нож, и рисуют ими, снимая темный слой краски с нижнего светлого слоя. Лучше, чтобы верхний слой краски был сухой, но достаточно свежий, чтобы краска не осыпалась. Действовать нужно осторожно, движения должны быть точными.

Кроме того, гуашь прекрасно используется в смешанных техниках живописи. Для рисования гуашью необходимо освоить перемешивание воды и краски на кисти. Гуашь не должна быть настолько разбавленной, чтобы свободно стекать. Если краска разбавлена недостаточно, она может потянуть за собой значительный слой краски по всей поверхности или иметь склонность к растрескиванию.

Возможности использования смешанных техник в работе акварелью и гуашью.

Смешивание акварели с белилами, гуашью, акварельными карандашами, тушью, пастелью. Это уже не чистая техника, а смешанная. Что это дает? - ясность (карандаши), штрихование (пастель), отмывку (тушь), книжные иллюстрации (перо), резерваж (белила), линейные штрихи (акварельные карандаши).

Спецэффект «рисунок на смятой бумаге» дает удивительный эффект светотеней на сгибах бумаги.

Спецэффект с солью: на рисунок наносятся кристаллы соли, в результате трения с бумагой появляются фантастические разводы. Подходит для рисования звездного неба или заливного луга.

Замечательный материал для декоративных работ - акриловые контуры. Наносить можно и на белый лист, и поработать уже по тонированной основе. Точки, орнаменты. полосочки удобно делать контуром с тонким кончиком.

Гуашь - водорастворимая плотная краска. Можно использовать смеси гуаши и акварели, при этом акварель полностью принимает свойства гуаши: высыхает матовым слегка белесым цветом. Гуашью можно работать поверх акварели, она полностью перекроет основу. Этот эффект пригодится для того, чтобы прописать детали, перекрыть неудачные места, сделать эффект сухой кисти.

Гуашь сверху хорошо покрывается пастелью, получается приятная бархатистая поверхность.

Пастель хорошо покрывает акварельные подложки, красиво тонирует, делает мягкие эффекты перехода одного цвета в другой. Красивые эффекты получаются от контрастного перекрытия по тону: например, на темный фон можно положить светлые штрихи пастелью. Или сделать контрастное перекрытие по цвету: на красный фон зеленые штрихи, сверху закрепить лаком для прочности.

Тушью можно работать вместе с акварелью: они разбавляются водой и хорошо смешиваются. Можно поэкспериментировать с цветной тушью, она дает яркий цвет и красиво расплывается.

Поверх готовой работы акварелью тушь ложится отлично, здесь есть поле для экспериментов в области графики: штрихи, черточки, орнаменты…

Масляная пастель не размывается водой и резервирует бумагу. В эксперименте с акварельной бумагой можно попробовать создать рыхлую структуру, сделать штрихи и сверху покрыть акварелью.

Поверх акварельной тонировки можно в технике «сграффито» покрыть бумагу масляной пастелью и процарапать рисунок до акварели деревянной палочкой.

Все перечисленные способы можно комбинировать. Например, попробовать многослойную технику: сделать заливку акварелью, сверху добавить пастель, закрепить лаком для волос и добавить масляной пастели. Получится многоцветная работа с легким блеском. 

8.  ГРАФИКА И ЕЕ ВИДЫ.

Отличительные особенности графики как вида искусства.

Графика - вид изобразительного искусства, включающий рисунок и печатные художественные произведения (многообразные виды гравюры), основывающиеся на искусстве рисунка , но обладающие собственными изобразительными средствами и выразительными возможностями. Это разновидность изобразительного искусства, где изображение создаётся преимущественно с помощью линий, штриховки и пятен, которые рождают тональные нюансы. Цвет в графике тоже может применяться, но он считается вспомогательным изобразительным средством. В отличие от живописцев, мастера-графики могут работать с одним цветом (например, используя тушь или карандаш), при этом создавая не только плоскостные, но и объёмные изображения.

Графика более условна по сравнению с живописью. Для неё характерны лаконичность художественной манеры и ёмкость образов. Отсюда и присущая многим графическим произведениям недосказанность. Несмотря на ювелирную точность, с которой работают многие художники-графики, эта техника неразрывно слита с искусством намёка, оставляющим зрителю пространство для воображения.

Активную роль в графике играют фактура используемых материалов, специфика графической техник и приёмов. Особое место занимают в графике неизобразительные элементы ­­- чисто декоративные мотивы, орнамент, текст, представляющий собой систему графических знаков. Графика обладает широчайшим диапазоном функций, видов, жанров, художественных средств, создающих в своей совокупности неограниченные возможности для изображения и образного истолкования мира, выражения чувства и мысли художника. Связь графики с современной жизнью, возможности, открываемые перед ней развитием полиграфии, создают условия для возникновения всё новых видов графического искусства.

  

Выразительные средства графики (линия, пятно, штрих, точка).

Точка – это графический акцент на плоскости, т.е. от точечного прикосновения карандашом, кистью, пером, фломастером и другими художественными инструментами появляется точечное изображение. Активность восприятия точки зависит от ее «одиночества» или от сочетания нескольких точек и других элементов. Точечное изображение строится на основе точек одинаковой или разной величин. Изображение зависит от выявленных в композиции свойств точек: расположения их на плоскости, относительного размера, силуэта формы, плоскости заполнения, яркости. Точечные изображения, в основном, используют в орнаментально-декоративных композициях, в графике, офорте, а также в компьютерных и фотографических растровых технологиях. Точечные изображения могут быть использованы в сочетании с линейными, штриховыми, тональными и цветовыми изображениями в плоскостной композиции.

   

Линия – самый простой прием в графике и орнаментально-графическом искусстве. Она способна выполнить одновременно несколько функций: ограничивать форму, определять характер и движение всей формы, ее пропорций. Линия – это протяженное движение (карандаша, пера, кисти и т.д.) на бумаге. Линия характеризуется протяженностью или развитием на плоскости в одном направлении, например, в длину. Характер линейно-графической формы во многом определяется материалом и техникой ее исполнения (карандаш, перо, фломастер, соус, кисть, палочка). Линия может быть короткой, длинной и бесконечной…Линия не только выявляет границы формы предмета, но и выражает чувства и переживания художника. Линии могут иметь различные начертательные или изобразительные характеристики: прямые, кривые, ломанные, зигзагообразные, прерывистые, волнистые, толстые, тонкие, жесткие, мягкие и др.

Пятно (или тон) в организации композиции наряду с линией играет важную роль. Пятно, в отличие от точки и линии, заполняет большую часть графической плоскости композиции. Пятно может быть одинаковым на всей своей площади по светлоте, по цветовому фону, насыщенности, но может иметь на разных участках различные характеристики цветового изображения. Это двухмерная пятновая графика может быть более условной, чем линеарная. Она не имеет глубины и не создает ее. Пятна, из которых строится композиция, бывают темными на светлом фоне и наоборот светлыми на темном фоне. Пятно и фон могут отличаться и цветовым тоном. Каждая форма может обладать своими специфическими композиционно-художественными свойствами. Например, «заливка» дает ровную, тоновую поверхность, а «отмывка» характеризуется плавным переходом от светлого тона к темному и обратно, «размывка» – мягкими затеками и т.д.

   

Штрих - это многократно повторенная линия. Разнообразие штриховок обусловлено тем, что линии могут быть разной толщины и насыщенности, разной длины и направлений.

Разнообразие штриховок бесконечно, потому что сочетания разнообразных линий могут быть самыми разными и по технике, и по масштабу, и по используемому инструменту.

Штриховка - это уже не отдельная линия. Заполнение плоскости рисунка штрихом дает возможность менять общий тон работе и ее элементам, то есть делать части картины более тёмными или более светлыми. Пользуясь штриховкой, художник создает тональные переходы.

С помощью штриховки можно передать характер и фактуры всевозможных поверхностей, придать эмоциональную выразительность картине.

В рисунке от руки штриховка уникальна, неповторима.

    

Виды графики: станковая, книжная графика, экслибрис, плакат, прикладная графика.

Как и все изобразительные искусства, графика может быть подразделена на три вида:

. монументальную - тесно связанную с архитектурным ансамблем, например, плакат (монументальная печатная графика), настенная графика, картоны;

. станковую - выполняемую “на станке”, не имеющую связи с определенным интерьером, назначение и смысл произведения полностью исчерпывается художественным содержанием (рисунок, эстамп, лубок);

. декоративную - книжные иллюстрации, открытки, любые графические изображения на любом предмете, не имеющие особенной художественной ценности, а служащие для организации поверхности предмета. Также к декоративной графике относится флористика - композиции, созданные при помощи пуха деревьев, соломок и других “живых” материалов.

Виды графики классифицируются по способу создания изображения, предназначению, как проявления массовой культуры. По способу создания изображения графика может быть печатной (тиражной) и уникальной.

Станковая графика - род искусства графики, произведения которого: - самостоятельны по назначению и форме; - не включены в ансамбли книги или альбома; - не входят в контекст улицы или общественного интерьера; - не имеют прикладного назначения. Основными видами станковой графики являются: станковый рисунок и станковый лист печатной графики (эстамп). Основными формы бытования станковой графики являются музейные и выставочные коллекции и экспозиции.

Плакатная графика - броское, как правило крупноформатное, изображение, сопровожденное кратким текстом, сделанное в агитационных, рекламных, информационных или учебных целях.

Промышленная графика - товарные знаки, этикетки, различные упаковки - все то, что предназначено для промышленности, торговли, рекламы.

К прикладной графике относятся графические произведения, рассчитанные на практическое применение в быту. В задачу прикладной графики входит художественное оформление предметов быта. Иногда этот вид графики называют графикой малых форм, художественно-производственной графикой или (не совсем точно) промышленной графикой. Почти все формы прикладной графики рассчитаны на полиграфическое воспроизведение и тесно связаны с текстом. Произведения прикладной графики столь многочисленны, что трудно составить даже их простой перечень.

Книжная графика - один из видов графического искусства. Сюда относятся, в частности, книжные иллюстрации, виньетки, заставки, буквицы, обложки, суперобложки и т. п. С рукописной книгой с древности и средних веков во многом связана история рисунка, а с печатной книгой – развитие гравюры и литографии. В древнем мире появился шрифт, также относимый к графике, поскольку сама по себе буква является графическим знаком. Если говорить про книжную графику, то там акцент также делается на графику, а цвет является приятным дополнением. В современном графическом дизайне цвет иногда не менее важен чем сами линии, но все таки задачей графики остается "наименьшим количеством средств изобразить видимое", что в живописи не является столь важным.

Экслибрис - это книжный знак, вид изобразительного и книжного искусства, который получил широкое распространение в России. Художественные экслибрисы представляют собой произведения печатной графики, выполненные различными техниками, в том числе и в технике линогравюры.

Три вида экслибрисов: гербовые, вензелевые и сюжетные. Гербовые экслибрисы.

 Вензелевый экслибрис.

 Сюжетный экслибрис.

Печатная графика: высокая печать, глубокая печать, плоская печать.

Офсетные машины и принтеры - это, по историческим меркам, совсем недавние изобретения. Люди занимались печатью уже с IV века и вплоть до XX столетия делали это вручную. А многие дизайнеры и сейчас экспериментируют со старыми техниками - чтобы добиться уникальных графических эффектов.

Оттиски продают ограниченными тиражами, сканируют для интернета или для дальнейшей офсетной печати - эта ниша не такая узкая, как может показаться. Предлагаем познакомиться с основными техниками, которые применяют в коммерческих проектах.

Высокая, глубокая и плоская печать.

Есть три способа получения оттиска: можно наносить краску на ровную плоскость печатной формы, в углубления на поверхности или на выступающие части. Соответственно, печать будет называться плоской, глубокой и высокой.

Высокая.

Это самый популярный способ. Высокая печать наиболее простая в исполнении и позволяет создавать графику с чёткими очертаниями и предсказуемым результатом. На печатной форме делают углубления в тех местах, где нужны пробелы, на оставшиеся выпуклые элементы наносят краску - и прижимают форму к бумаге или ткани.

В качестве печатной формы современные иллюстраторы часто используют линолеум. Эта техника называется линогравюра. Материал мягкий, поэтому вырезание рисунка на нём не требует больших физических усилий. А ещё линолеум гладкий и позволяет избежать нежелательных искажений оттиска.

Альтернативный вариант - ксилография, это печать с деревянных форм. Обычно в работе используют твёрдые породы древесины: грушу, вишню, яблоню, дуб. Мягкие породы тоже подходят для печати, но у них низкая тиражестойкость: после нескольких нанесений краски форма начнёт размокать и разваливаться.

.

Для печати могут брать спилы дерева вдоль или поперёк ствола - это разные техники. Продольная ксилография технически проще. Торцовая - сложнее, но позволяет передавать более мелкие детали: в ней легче варьировать направления штрихов.

Для цветных иллюстраций берут несколько печатных форм - отдельную для каждого цвета - и оттиски с них делают последовательно.

Глубокая.

Способ прямо противоположный высокой печати. На поверхности делают углубления и заливают в них краску, а выступающие части создают пробелы в изображении. Обычно в качестве печатных форм используют металлические пластины. Делать рельеф на них - крайне трудоёмкое дело. Поэтому в наши дни, при всём изобилии художественных техник, глубокой печатью занимаются только отдельные ценители.

Разновидностей глубокой печати много: углубления в металле могут процарапывать резцом, иглой или другими инструментами для получения разных эффектов. А одна из самых известных техник - это офорт, создание рельефа путём травления кислотами.

Плоская.

Это способ получения оттиска с гладкой поверхности. Одна из самых популярных техник - монотипия. В качестве печатающей формы используется стекло или пластик, на котором рисуют изображение - монохромное или цветное. Оттиск получается единственным в своём роде: краски растекаются и смешиваются.

Невозможность создания двух одинаковых оттисков делает монотипию скорее художественной техникой, нежели дизайнерской. Но есть и более «предсказуемые» способы плоской печати - например, литография: печатной формой служит литографский камень, обычно известняк. Его обрабатывают специальными веществами, чтобы одни участки камня впитывали краску, а другие - отталкивали. Получаются изображения с чёткими контурами, которые можно многократно тиражировать.

Несмотря на безграничные возможности компьютерной графики и современных типографий, у каждой техники ручной печати есть свои приверженцы. Художники и дизайнеры продают свои работы ограниченными тиражами или оцифровывают - в том числе и для проектов крупных компаний.

9.  ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО. ОСОБЕННОСТИ КОМПОЗИЦИИ И СРЕДСТВА ВЫРАЗИТЕЛЬНОСТИ В ДПИ.

К основным видам декоративно-прикладного искусства относятся:

- Искусная обработка металла (чеканка, гравировка, литье, ковка, филигрань). Плетение (из ниток, стеблей, коры и волокон растений, бисера, бамбука, лозы, бересты, прутьев, а также вязание).

- Ткачество (изготовление на ткацких станках одежды, ковров, шпалер, одеял, поясов, скатертей).

 - Шитье (золотное, лоскутное, квилтинг, цветоделие).

- Вышивание (украшение предметов одежды и декора узорами из разноцветных нитей).

- Аппликация (наклеивание на основу кусочков различных материалов).

- Инкрустация (интарсия, маркетри и мозаика).

- Валяние (изготовление предметов быта и декора из натуральной шерсти).

- Выжигание (по дереву или ткани).

- Резьба (по дереву, камню, кости).

- Красочная роспись (по керамическим, металлическим, деревянным, стеклянным, фарфоровым поверхностям).

- Авторская обработка кожи.

- Лепка из глины, воска, гипса и других пластичных материалов.

- Оригами и киригами (искусство складывания и вырезания фигур из бумаги).

- Скрапбукинг (оформление альбомов путем наклеивания на страницы вырезок из газет или журналов, фотографий и рисунков).

     

    

    

Взаимосвязь, функции, формы и декора в произведениях декоративного искусства.  

Декоративно-прикладное искусство охватывает ряд отраслей, которые создают художественные изделия главным образом для быта.

Произведениями декоративно-прикладного искусства могут быть утварь, мебель, ткани, орудия труда, оружие, а также изделия, не являющиеся произведениями искусства, но приобретающие художественное качество благодаря труду художника.
Декоративно-прикладное искусство решает практические и художественные задачи, а также создает материальные и духовные ценности. Произведения декоративно-прикладного искусства неотделимы от материальной культуры современной им эпохи, тесно связаны с укладом жизни, с этническими и национальными особенностями, социально-групповыми и классовыми различиями.

Составляя органическую часть предметной среды, произведения декоративно-прикладного искусства постоянно воздействуют на душевное состояние и настроение человека, являются важным источником эмоций, влияющих на его отношение к окружающему миру.

Изготовление изделий декоративно-прикладного искусства своими корнями уходит в глубокую древность, когда сложились домашние промыслы и деревенское ремесло. С развитием товарно-денежных отношений формировались кустарные народные художественные промыслы. Становление феодальных городов, эволюция цехов и корпораций ремесленников (оружейников, ткачей, ювелиров и т.д.) привели к созданию художественной промышленности - отрасли, производящей декоративно-прикладные художественные изделия индустриальными методами. Развитие мануфактурного способа производства в XVI —XVII вв. способствовало появлению новых видов декоративно-прикладных изделий, изменило сами методы их изготовления, отделило разработку проекта от процесса его воплощения в материале.

Декоративно-прикладное искусство - многофункциональное явление. Практическая, обрядовая, эстетическая, идейно-смысло­вая, воспитательная функции находятся в неразрывном единстве. Однако основная функция изделий - быть полезными и красивыми. На синтезе полезного и красивого долгое время строилось декоративно-прикладное искусство. Такое отношение бытовало до тех пор, пока не появился дизайн, который сначала, как и народное декоративно-прикладное искусство, отличался практичностью, а затем приобрел и эстетичность. Понимание красоты связано со стилем народного искусства, что является основополагающим в искусстве любой нации.

Народное декоративно-прикладное искусство с точки зрения ма­териальных ценностей находит свое отражение в ряде компонен­тов: форме, материале и декоре.

Форма позволяет объединить функциональную сторону и эсте­тическую, чтобы внешняя красота и изящество не отрицали практи­ческого назначения вещи и не препятствовали ее употреблению. Предметы народного искусства при восприятии не должны казаться нелепыми. Поэтому при создании любого произведения, относимо­го к декоративно-прикладному искусству, большое внимание следу­ет уделять форме, так как она - один из основных компонентов, привлекающих к себе внимание. В форме закладываются несколько характеристик. Во-первых, она во многом определяет назначение предмета. Следовательно, через форму реализуются определенные потребности человека. Во-вторых, форма выражает творческий за­мысел мастера и раскрывает конкретную идею. В-третьих, служит неким символом, значение которого передавалось из поколения в поколение. В каждую эпоху мастера сохраняли традиционность, вно­ся только незначительные изменения, связанные с новым прочтени­ем символа. Основное требование к любому предмету народного искусства состоит в том, чтобы не только форма была гармонична с его функцией, но и каждая часть этого предмета отвечала бы своей формой назначению. Ценность предмета заключается в отсутствии всего лишнего, так как изначально произведения народного деко­ративно-прикладного искусства выполнялись с целью практическо­го применения. Эстетическое оформление было дополнительным.

Сегодня множество вещей, относимых к данному виду искусства, больше ценят за эстетику, функциональность становится второсте­пенной, поскольку появился дизайн, который стал выполнять прак­тическую функцию.

Декоративно-прикладное искусство по-прежнему имеет опреде­ленное практическое назначение, но все же оно носитель традиций прошлого, показатель культуры народа. Дизайн, развиваясь истори­чески, представляет собой явление одномоментное, кратковременное, поскольку в его природе заложена нацеленность на будущее, а в на­родном искусстве - на прошлое.

Материал. В народном искусстве важно соотношение назначения и материала, взаимодействие формы и функции. Материал может способствовать раскрытию сути предмета, а может нарушить его целостность и сделать непригодным для использования. Благодаря материалу мастеру удается придать материальную основу своему за­мыслу, однако сам материал при восприятии предмета остается на втором плане, на первый план выходит декор.

Декор - завершающий момент оформления вещи. Иногда от материала зависит выбор декоративных элементов, а иногда опреде­ляющим фактором становится форма. Украшения отличают произ­ведения народного искусства друг от друга, делают их неповторимы­ми и потому ценными. В декоре не бывает однотипных по форме предметов. При выполнении одного и того же орнамента сложно по­вторить все детали в подробностях.

Приемы исполнения работы зависят от стоящих перед мастером задач.

По функциональному назначению в декоративно-прикладном искусстве можно выделить ряд областей, раскрывающих его суть:

- создание художественных изделий, имеющих практическое на­значение в быту и отличающихся декоративной образностью (посу­да, мебель, ткани, одежда, игрушки, украшения);

- украшение самого человека, создание художественно выпол­ненного костюма, составляющего ансамбль вместе с головным убо­ром, обувью и ювелирными изделиями;

- художественное преобразование окружающей действительности, в эстетическом освоении среды человеком.

Понятие «стилизация» в ДПИ.

Мотивы, элементы орнамента, которые используются для украшения, являются предметом стилизации.

В декоративном искусстве стилизация - закономерный способ ритмической организации целого, наиболее характерна стилизация для орнамента, в котором благодаря ей объект изображения становится мотивом узора. В станковое искусство стилизация вносит черты повышенной декоративности. Другое значение стилизации - намеренная имитация художественного стиля - характерно для искусства и культуры определенной социальной среды, удожественного течения, жанра, автора и т. д. Часто встречается стилизация, использующая формы прошлого, стилизация современных форм в дизайне и прикладном искусстве.

Таким образом, стилизация - это видоизменение, переработка природного мотива, что достигается художественным обобщением, отбрасыванием подробностей, «выпрямлением» линий контура, цель которой - сделать мотив более понятным для зрителя, а иногда облегчить его выполнение для художника.

Таким образом, в процессе стилизации важно:

- отобрать существенные характеристики;

- использовать прием гиперболизации (т.е. преувеличение, выделение какого-то одного, но индивидуального качества объекта)  отдельных элементов;

- отказаться от второстепенных, маловыразительных деталей;

- создать органическое единство орнамента и пластической формы.

Разработка орнаментального мотива может основываться не только  на характеристиках природной формы, но и в значительной степени на  представлении художника, его интуиции, воображении и фантазии.

Особенности взаимосвязи ДПИ с другими видами искусств – архитектурой, дизайном, скульптурой.

Декоративное искусство (ДИ) как и архитектура, и изобразительное искусство относится к пластическим искусствам. Однако, это особый род художественного творчества, цели которого отличаются от целей других видов пластических  искусств. Вместе с архитектурой декоративное искусство формирует окружающую человека материально-пространственную среду, внося в нее эстетическое, идейно образное начало.

ДИ включает в себя:

- монументально-декоративное искусство, непосредственно связанное с архитектурой (декоративные рельефы, статуи , росписи, витражи, фрески, мозаика в интерьерах и  на фасадах, архитектурный декор, фонтаны, парковая скульптура и т.д.)

- декоративно-прикладное искусство (предметы быта)

- оформительское искусство (художественное оформление выставок, витрин, празднеств)

Монументально-декоративное искусство (МДИ) всегда  связано с  определенной архитектурной конструкцией и рассматривается как явление ансамбля, как нерасторжимая гармония архитектуры, скульптуры и живописи. Материально-пространственная среда является важной  для человека,  контактирующей с ним структурой. Эстетика и функциональность открытого пространства для жизни и деятельности  людей - одни из главных задач МДИ. Фреска, мозаика, панно, витражи органично входят в архитектуру, дополняя и обогащая художественное оформление интерьера или всего здания. Это проявляется в стилевом единстве, в композиционном построении, в соответствии идейно-тематического замысла монументального произведения функциональному назначению и пластическому образу архитектурного сооружения.

целью творчества художника - прикладника является создание произведения определенного вида искусства, целью же дизайнера - обновление форм предмета в соответствии с современными эстетическими нормами, усовершенствование его конструктивных и функциональных свойств. В этом состоит основное различие декоративно-прикладного творчества и дизайна. Но, кроме различий, между ними существует и особая преемственность.

Долгие годы до появления дизайна декоративно-прикладное творчество создавало базу, подготавливало его приход. Формирование способа творчества в дизайне идет пока за счет накопленных декоративно-прикладным творчеством знаний, приемов художественного творчества. Таким образом, между ними как бы осуществляется своеобразный взаимообмен: от дизайна и декоративно-прикладное творчество приходит все более совершенная техника и технология; в свою очередь, декоративно-прикладное творчество открывает для дизайна большие художественные возможности.

Декоративная живопись имеет много общего со станковой живописью. Если живописная картина исполнена на стенах и плафонах здания преимущественно с орнаментальной целью (стенная и плафонная живопись, фрески) и в ней главный элемент  составляют орнаменты, то мы говорим о декоративной живописи. Это могут быть красивые сочетания геометрических линий и фигур, а также сочетания форм  животного царства и растительного, стилизованные  или реалистичные.

Традиции и современность в ДПИ. 

Декоративно-прикладное искусство в современном мире.

Великолепные традиции декоративного искусства России складывались на протяжении веков. Его основными видами являются: художественная обработка дерева и металла, резьба по камню, кости рога, золотое шитье, тиснение и аппликация на коже, плетение циновок и предметов быта. Народам нашей страны удалось развить свою самобытную культуру и пронести её через века.

Современное декоративно-прикладное искусство России  отражает преемственность и развитие художественных традиций, высвечивают тонкую связующую нить времён и поколений мастеров-хранителей бесценного художественного наследия.  Своеобразным эстетическим знаком культуры и искусства современной России являются творения современных мастеров художественных промыслов.

Культура современной России в 1990–2000-е годы сформировала и поставила в один ряд с общепризнанными сложившимися областями декоративного искусства ХХ столетия, такими как роспись по ткани, набойка, гобелен, художественная керамика, стекло, ювелирное искусство, художественная эмаль, лаковая миниатюрная живопись и художественная роспись по дереву и металлу, направления творчества, лежащие ранее на периферии «высокого» декоративного искусства - в сфере традиционных ремесел и рукоделия, однако имеющие многолетний опыт в непрофессиональном самодеятельном искусстве и художественном ремесле, как в нашей стране, так и за рубежом.

10.         ВИДЫ ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОГО ИСКУССТВА И ОСНОВНЫЕ ЦЕНТРЫ НАРОДНЫХ ПРОМЫСЛОВ РОССИИ.

Народное декоративно-прикладное искусство.

Народное декоративно-прикладное искусство - слож­ное и многогранное явление. Оно включает в себя самые раз­личные направления, виды, формы. Но все их объединяет со­четание практической целесообразности изделий с естествен­ной красотой их внешнего облика, идущей от окружающей природы.

Народное декоративно-прикладное искусство является неотъемлемой частью культуры, активно влияет на формирование художественных вкусов, обогащает профессиональное искусство и выразительные средства промышленной эстетики.

Народным декоративно-прикладным искусством называют искусство, пришедшее к нам из глубины веков, из глубины поколений, искусство преимущественно коллективное, сформировавшееся в народной, крестьянской среде.

Традиции в области народных художественных промыслов и ремесел включают отобранные и отшлифованные многими поколениями мастеров наиболее выразительные пропорции и формы предметов, их колористический строй, в орнаменте художественное отображение природной среды, флоры и фауны, на базе которых сформировалась данная орнаментальная культура и накопленные веками навыки мастерства в обработке различных природных материалов. Из поколения в поколение передавалось только то, что жизненно, прогрессивно, что нужно людям и способно к дальнейшему развитию.

В Древней Руси вся жизнь людей была буквально про­низана стремлением к красоте и гармонии с природной сре­дой, Дом, очаг, мебель, орудия труда, одежда, утварь, игруш­ки - все, к чему прикасались руки народных мастеров, во­площало их любовь к родной земле и врожденное чувство прекрасного, И тогда обычные бытовые предметы станови­лись произведениями искусства. Красоту их формы дополня­ли декоративные украшения в виде орнамента, изображений людей, зверей, птиц, сюжетных сценок.

Издревле народные мастера в своем творчестве исполь­зовали то, что давала им сама природа - дерево, глину, кость, железо, лен, шерсть. Природа постоянно служила главным источником вдохновения народных умельцев. Но, воплощая в своих произведениях образы природы, мастера никогда не копировали ее буквально. Озаренная народной фантазией ре­альность приобретала порой волшебные, сказочные черты, в ней быль и вымысел представлялись неразделимыми

Именно это своеобразие народного декоративно-прикладного творчества, его неповторимая выразительность и соразмерность, вдохновляли и продолжают вдохновлять профессиональных художников. Однако не всем из них уда­ется в полной мере постичь и переосмыслить всю его глубину и духовный потенциал.

В современных условиях возрас­тает потребность народа в народном искусстве, в его подлин­ности, духовности. Но найти пути к сохранению народного искусства, к его плодотворному развитию можно только понимая его сущность, творческую и духовную, его место в со­временной культуре.

Народные художественные промыслы Российской Федерации (Гжель, Хохлома, Палех, Городец,  Жостово и др.).

С незапамятных времен на Руси в жизни русского народа важное место занимала особая форма творчества - «промысел» или «промыслы». Она сочетала производство повседневных предметов быта с высокохудожественными способами их изготовления и украшения. В русских промыслах отображается все многообразие исторических, духовных и культурных традиций нашего народа, некоторые из которых зародились столетия назад. Изделия русских промыслов выражают отличительные черты и неповторимость русской традиционной культуры. Исследователи относят к русским народным промыслам росписи посуды и других предметов быта, глиняную и деревянную игрушку, кружевоплетение, гончарное, кузнечное дело и другое.

Гжельская роспись

С давних времен на Руси была широко известна посуда и иные предметы быта, изготовленные из керамики. Одним из самых известных населенных пунктов Руси, жители которого занимались изготовлением керамической фарфоровой посуды, является Гжель (ныне город находится на территории Раменского района Московской области). Уже с XVII века, а то и ранее Гжель является известнейшим центром изготовления фарфора и керамики. Продукция местных мастеров расходится по всей России. Надо отметить, что в старину этот город был одним из центров старообрядцев-поповцев. Расцвет Гжели пришелся на время деятельности «Товарищества производства фарфорово-фаянсовых изделий М.С. Кузнецова» в конце XIX — начале XX века.

 

Формирование привычной нам палитры цветов Гжели приходится на начало XIX века. Исследователи указывают, что с 1820-х годов все большее число гжельских изделий окрашивали в белый цвет и расписывали исключительно синей краской. В наши дни роспись, сделанная синим цветом, является характерным признаком изделий Гжели. Популярность подобной посуды оказалась столь велика, что подобные изделия стали создаваться и в других местностях, но имели схожий сине-белый орнамент. Появилось и много подделок.

Жостовская роспись - это русский народный художественный промысел по росписи кованых металлических подносов, возникший в 1825 году в деревне Жостово Московской области.

Основным мотивом жостовской росписи до наших дней остается цветочный букет. По краю поднос обычно украшают ажурным растительным орнаментом. Традиционно роспись выполняют на черном фоне, но возможны и другие варианты, например, красный, синий и зеленый.

 Цветовая палитра, которую использовали мастера жостовского художественного профиля, более чем разнообразна и богата.

Наиболее часто художники Жостово выполняют простые цветочные композиции в виде букетов. Рисунок формируется из гармонично соединённых мелких цветков и крупных эффектных соцветий, нераспустившихся бутонов и зеленой листвы.

Популярные цветы: роза, астра, пион, тюльпаны, георгины, дополненные тонкими листиками, бутонами и стебельками с мелкими веточками. Кроме садовых композиций, художники часто изображают скромные фиалки, милые ландыши, трогательные анютины глазки или вьюнки.

Рядом с традиционными лилиями, бессмертниками, чабрецом и ромашками, художники любили изображать и совершенно невиданные диковинные цветы, не существующие в природе. Особо богатые букеты дополняют фруктами и ягодами. Иногда в центре или на заднем плане могут изображать бабочек и птиц.

Главная особенность росписи – импровизационный подход к любым рисункам. Художники вовсе не обязаны творить по строгим шаблонам и образам, следовать особым схемам или натуре. Учитывая удивительное разнообразие художественных приемов, импровизационную базу и креативный подход, каждый рисунок является поистине уникальным и неповторимым.

Хохлома. Хохлома – декоративная роспись деревянной посуды. Этот вид художественного народного помысла зародился в XVII веке в деревнях близ торгового села Хохломы Нижегородской области. В XX веке центром промысла стали село Семино и город Семенов, где и по сей день находится фабрики «Хохломская роспись» и «Семеновская роспись».

Отличительна черта росписи - это растительный орнамент, выполненный черной и красной красками на золотистом фоне. Для того, чтобы посуда получила золотой отблеск, на неё наносится оловянный порошок, который, после обжига в печи дает медово-золотистый оттенок.

Есть два вида хохломской росписи: «верховая», когда сначала закрашивают фон, а сверху остаётся рисунок, и «под фон», когда перед раскраской намечается контур орнамента, а только потом фон заполняется черной краской.

Хохломская роспись легко узнаваема по своим традиционным элементам: цветы, ягоды земляники и рябины, а иногда и птицы. Роспись выполняется тонкой кистью и наносится только вручную, поэтому орнамент никогда не повторяется. Ей украшается посуда, ложки, ковши и даже некоторые предметы домашней мебели.

Палех. Палехская роспись является одним из самых узнаваемых художественных промыслов русского народа. Свои истоки палехская роспись берет из послереволюционной центральной России. Нынешняя Ивановская область тогда была Владимирской губернией, а промысел взял название от поселка Палех, что был в Вязниковском уезде. Ранее в дореволюционный период мастера Палеха больше славились своим мастерством писать иконы и расписывать церкви, поэтому можно считать, что палехская роспись берет свое начало в иконописи.

В отличие от орнаментной росписи и персонажного изображения, палехская роспись требует прорисовки мельчайших деталей рисунка, для передачи тонкостей и характера всех персонажей или явлений. Выбираются в качестве основы: сюжеты былин, басен и сказаний; бытовые сценки.

Основным цветом для фона выбирают черный, а основными цветами для росписи считаются золотые тона и их вариации. 

Палехская роспись очень трудозатратный промысел, который требует от художника больших временных затрат. Поэтому изделия с палехской росписью очень ценятся и стоят достаточно дорого.

Городецкая роспись. Городецкая роспись  - народный художественный промысел. Яркие фактурные рисунки выполняются свободным мазком с графической обводкой. Русскими мотивами украшали самые разнообразные предметы быта и декоративную атрибутику. Родина городецкой росписи – Поволжье. Жители сел Хлебаиха, Курцево, Савино, Букино и некоторых других поселков украшали прялки резьбой, а затем подкрашивали орнамент, чтобы потом продать изделия на нижегородской ярмарке. Со временем колоритные узоры полностью вытеснили резной декор, а яркие рисунки стали называть нижегородской росписью.

Термин «городецкий узор» появился только в 1930-х гг, когда общественности стали известны работы одного из самых самоотверженных исследователей русских народных промыслов В.М. Василенко. Городец – главный рынок сбыта расписной утвари. Мастера учитывали этот факт, и на узорах отобразились быт, нравы, образы, связанный с городком. Со временем роспись стала художественным олицетворением культуры и колорита Городца и его окрестностей.

Для росписи использовались изначально яичные краски. На смену им пришли масленые, темперные и гуашевые составы. Красящий состав наносили на полотно большими пятнами, не формируя предварительно четких контуров.

Различают три базовых вида композиций. Это «чистая» цветочная роспись, композиция с включением мотива «конь» и сложная сюжетная роспись.

Различают симметричные и ассиметричные композиции. Птиц  и коней чаще всего размещают в центре цветущего дерева или в обрамлении венка. Встречаются изделия-комплекты, на каждом из которых расположено сразу несколько мотивов. Например, курица и петушок или две лошади разных цветов.

Эффектнее смотрятся подобные узоры на черных и красный полотнах. Базовый цвет: охра, золото, оранжевый, желтый. Парное изображение пернатых олицетворяет семейную гармонию и благополучие. Лошадки символизируют успех  и процветание.

Сюжетные рисунки размещаются на крупных изделия: сундуках, блюдах, столешницах. Мастера традиционно изображали сцены чаепитий и празднований, свадьбы на фоне богатого стола, столы с чашками, цветами и самоварами. Лица людей  обращались в сторону зрителей, что часто излишне сложным композициям придавало некую неправдоподобность.

Излюбленная тема рисунков – экстерьеры домов с резными ставнями, яркими наличниками, печными трубами. Картину дополняли колодцы, плетеные заборы с цветами или кувшинами и сидящими петухами. Кроме этого, «обогатить» полотно могли изображением и других животных – собак, кошек, куриц с цыплятами.

   

Виды художественной обработки материалов в декоративно-прикладном искусстве.

В народном декоративно-прикладном искусстве используются следующие материалы: дерево, глина, металл, кость, пух, шерсть, мех, текстиль, камень, стекло, тесто.

По технике декоративно-прикладное искусство делится на следующие виды.

Резьба. Украшение изделия путем нанесения узора с помощью различных резцов и ножей. Применяется при работе с деревом, кам­нем, костью.

Роспись. Украшение наносится красящими веществами на под­готовленную поверхность (чаще всего деревянную или металличе­скую). Виды р о с п и с и: по дереву, по металлу, по ткани.

Вышивка выполняется иглами и различными по структуре и ха­рактеру нитками, при этом рисунок наносится на ткань. Виды вышивки: йо сетке, крестиком, гладью, вырезная (ткань выре­зается в виде узора, который впоследствии обрабатывается различ­ными швами), наборная (выполняется красными, черными нитками с добавлениями золотистых и синих тонов), верхошовная (позволя­ет создавать объемные узоры на больших плоскостях). Вышивка вы­полняется в основном ручным способом, но в последнее время все чаще появляются изделия, украшаемые с помощью вышивальных машин. Для вышивки используют не только нитки, но и бисер, сте­клярус, пайетки.

Вязаниепредполагает создание вещей из пряжи, ниток, пуха с помощью спиц и крючка.

Плетение относится к технике, основывающейся на переплетении полос в виде сетки, имеющей различную конфигурацию и рисунок. Виды плетения: кружево- и бисероплетение, плетение из бе­ресты, из лозы, из ниток (макраме), из бумаги.

Набойка используется для изготовления ковров, выполняется специальными иголками, с помощью которых шерстяные нитки про­тягиваются через основу, создавая узор. Виды набойки: высокая (когда полотно получается объемное, сильно выступающее), средняя (высота выступающих ниток примерно 2 см), низкая (высота полот­на незначительная - 1 см и ниже). Другой признак - плотность. На основе этого признака выделяются следующие виды: плотная на­бойка, редкая, смешанная.

Литье используется в работе с благородными металлами. Под действием высоких температур металл доводят до расплавленного состояния, а затем выливают в подготовленные формы.

Чеканка. Металл в нагретом состоянии разгоняется в тонкий лист, при этом не теряются его упругость и эластичность. Форма предмета создается уже в охлажденном состоянии путем разгонных молотков, вследствие чего получаются изделия выпуклой и вогнутой формы.

Ковка - один из способов обработки железа. Ударами молота нагретой заготовке придается нужная форма.

Золочение - златодельная операция, при которой менее ценные металлы приобретают вид золота. Виды золочения: холодное, на огне, жидкое.

Скань (филигрань) (от лат. проволока) представляет собой укра­шение из тонких золотых или серебряных, гладких или рельефных проволок, которые сворачиваются в спирали, усики, решеточки и припаиваются к предмету.

Эмаль - это особый вид стекла, который окрашивают в различ­ные цвета окисями металлов. Применяется для украшения металли­ческих изделий, представляет собой живописное сопровождение золотого изделия. Эмалированием называют полное или частичное покрытие металлической поверхности стеклянной массой с после­дующим обжигом изделия.

Чернь. На гравированные предметы из светлого металла наносят смесь серебра с медью, серой и свинцом, составленную по опреде­ленным рецептам, а затем все это обжигают на слабом огне. Чернь представляет собой черную массу — особый сплав серебра, похожий на уголь.

Выдувание - техника, применяемая при работе со стеклом. Стек­ло, доведенное до жидкого состояния, в раскаленном виде выдувают с помощью специальных трубочек, создавая тем самым изделия лю­бых форм.

Лепка - одна из распространенных техник в декоративно-прикладном искусстве, благодаря которой создаются многие игруш­ки, керамические изделия.

По назначению: Утварь. Мебель. Ткани, гобелены, ковры. Орудия труда. Оружие. Одежда и украшения. Игрушки. Кулинарные изделия.

По функциональной роли:

Практическое искусство связано с использованием изделий в хо­зяйственной, бытовой жизнедеятельности человека для получения практической пользы.

Художественно-эстетическое, обусловленное реализацией эсте­тических потребностей человека.

Досуговое, направленное на удовлетворение потребности челове­ка (ребенка) в развлечениях и играх.

По технологии изготовления:

Автоматизированное. Изделия выполняются автоматически, по заданной программе, схеме, лекалам (тульские пряники, печатные платки и др.).

Смешанное. Применяется и автоматизированный, и ручной труд.

Ручное. Произведения выполняются только ручным способом, и каждое изделие индивидуально.

Народные промыслы. Художественные лаки. Так принято на­зывать небольшие изящные изделия из папье-маше с миниатюрной живописью (Федоскино, Палех, Мстёра, Холуй) и железные лакиро­ванные подносы (Жостово, Нижний Тагил).

Резьба по дереву - художественная обработка дерева, самый распространенный вид народного декоративного искусства. Полу­чила распространение во многих областях. Различают несколько видов резьбы.

Роспись по дереву - художественная обработка дерева посред­ством нанесения рисунка красками с последующим закреплением красочного слоя. Распространена в различных регионах, но в каждом из них есть своя специфика.

Художественная обработка кости. Основные центры: Холмогоры, Тобольск, Чукотка, Сергиев Посад, Абрамцево, Хотьково, Даге­стан, Магадан, Камчатка.

Игрушки. Народная игрушка, долгое время служившая предметом игры детей, сейчас - объект коллекционирования. Игрушки делят­ся на глиняные, деревянные, тряпичные и соломенные.

Основные средства выразительности в декоративно-прикладном искусстве цвет, форма, пропорция, ритм, масштаб, силуэт, симметрия, фактура.

Народное декоративно-прикладное искусство - сложное явление исторической, социологической, этнографической и национальной художественной культур и в то же время самое демократичное и до­ступное человеку с детства. Его миссия в воспитании эстетически развитой личности и развитии будущей культуры человечества осо­бенно ответственна.

Будучи выражением народного творчества, формой сохранения и передачи его последующим поколениям, декоративно-прикладное искусство хранит и передает традиции народной педагогики, ко­торые направлены на развитие детского декоративного творче­ства.

 Батик

 Гобелен

 Резьба по камню

 Резьба по дереву.

 Резьба по кости.

 Художественная обработка металла.

Народная глиняная игрушка. Глиняная игрушка – это проявление особенностей национального народного творчества на протяжении нескольких веков. Изделия из глины пользовались особым успехом у людей независимо от пола, возраста и статуса. Мастерами воссоздавались реальные или воображаемые предметы и образы, которые предназначались для умственного, нравственного, эстетического и физического воспитания ребёнка, являлись частью интерьера, украшением дома. Игрушки демонстрировали историческую сущность народов на протяжении нескольких столетий.

В давние времена глиняные игрушки в форме фигурок использовали в качестве предметов для проведения ритуальных обрядов, связанных с сельскохозяйственным календарём. Известно, что например, свистулька выполняла функции оберега, и исходящий из неё звук обладал способностью отгонять злых духов. 

Глиняные игрушки олицетворяли образы, без каких либо анатомических особенностей и детализации объектов. За основу народной игрушки взяты три фигурки – это конь, птица и баба. Именно из них, внося небольшие изменения, создавались любимые в народе игрушки и талисманы-обереги. Из коня получались: корова, коза, баран. Птица перевоплощалась во все свистящие музыкальные инструменты. А бабе отводилось особое место в создании многофигурных композиций. Все вновь созданные образы несли определенное значение, кто-то символ могущества и благодати, а кто-то знак добра, плодородия и изобилия. Также особое значение имел использованный орнамент и цвет народных промыслов, например, красный, означал огонь; жёлтый – цвет хлебной нивы и солнца; зелёный – возрождение жизни; синий – воду и небо, космос; белый издавна считался символом чистоты. Игрушки для детей создавались из расчёта возраста, соблюдались размеры, пластика, отсекалось всё лишнее, и оставалась одна суть. Фигурки были наполнены тайной, сказкой, они будили фантазию и воображение ребёнка, вызывали эмоции и радость.

Всё, разнообразие красок, формы, украшений, неповторимость в исполнении, способ лепки, неординарность образа можно наблюдать на примере Дымковской, Каргопольской, Филимоновской, Абашевской, Хлудневской, Романовской игрушки и керамики Скопина. Поколения за поколениями мастеров-ремесленников и художников создают образцы глиняных изделий, придерживаясь многолетних традиций народа и пользующие популярностью вот уже не одно столетие.

Дымковская глиняная игрушка образовалась в 15-м столетии недалеко от города Вятка в слободе Дымково. Игрушки изготовлялись и расписывались только руками, поэтому среди них не найдёшь одинаковых и похожих друг на друга фигурок. Для нанесения орнамента использовали специальная смесь, в составе которой было яйцо, уксус и сухой анилиновый краситель. Главными элементами росписи являлись геометрические фигуры. Для создания узоров обычно использовалось яркие цвета и позолота. Формой Дымковской игрушки являются полые внутри фигурки изображающие животных, птичек, девиц и кавалеров. В давние времена готовые игрушки покрывали молочно-меловой смесью и уже, потом наносили краски. В современном мире мастера Дымковской игрушки предпочитают, используют для росписи краску на водной основе (гуашь), с добавлением яичного продукта или темперные краски. Вятская игрушка вот уже много лет считается народным искусством, отличительной чертой которого является яркость, красочность и индивидуальность.

Каргопольская игрушка появилась в г. Каргополь Архангельской обл. и была практически полностью утрачена. Благодаря мастерице-игрушечнице У.И. Бабкиной сохранились некоторые образцы. Она смогла воссоздать утраченный вид промысла и создать архаичную внешность, стилистику, типаж и методы росписи игрушки. Многочисленные фигурки (Берегиня, Полка, Бобка) и сюжетно-тематические композиции дошли до наших дней, и являются украшением музея народного творчества.

   

Филимоновская игрушка относится к середине 16 века. Промысел появился среди мастеров гончарного дела, проживающих в Тульской области. Лепкой игрушек занимались в основном женская половина населения и ребятня, используя местную пластичную глину. Со временем данное производство пришло в убыток и одни из последних мастериц проживали в деревне Филимоново. Одиночные и многофигурные композиции пользовались огромным спросом и покупались населением для эстетического удовольствия. Существовало более 50-и образцов филимоновской игрушки, среде них были фигурки людей и животных, целые тематические сюжеты. По своей стилистики фигурки имели вытянутые пропорции, были расписаны орнаментом, состоящим из геометрических фигур, в качестве красителей использовали синтетические краски.

  

Русская матрешка.

Русская матрёшка - один из самых известных символов России. Это игрушка, популярность которой шагнула далеко за пределы самого государства. Родиной русской матрёшки является Сергиев Посад. Именно там впервые была изобретена деревянная барышня, из которой при раскрытии появлялись подобные игрушки разного размера.

В отличие от многих народных промыслов, популярность которых, в силу появления новых техник и материалов, была утрачена, русская матрёшка до сих пор пользуется большой популярностью во всем мире.

История промысла. Появление первой русской матрёшки датируется 1898 – 1900 годами. Именно в это время известный токарь, Василий Петрович Звездочкин, занимавшийся изготовлением деревянных игрушек, по просьбе Сергея Малютина изготовил из дерева болванку, в которую вкладывались такие же раскрывающиеся заготовки, но разного размера. Сюжетом для росписи самой первой игрушки стали повседневные дела, которыми занимались русские красавицы. Состояла матрёшка из восьми деревянных кукол.

Позже появлялись различные вариации матрёшек, число кукол в которых было разным. Так, вначале XX века состояли изделия из 24 элементов, а известный токарь Никита Булычев создал куклу, состоявшую из 48 деревянных барышень. В массовых масштабах матрёшки стали производиться в артели Мамонтова в Сергиевом Посаде.  

Спустя несколько лет после изготовления, русская матрёшка была представлена на выставке в Париже. Игрушка настолько понравилась иностранцам, что заказы на нее мастерам русским поступали не только с просторов Родины, но и из других государств. Не прошло и десятка лет, как появились первые прецеденты изготовления матрёшек-подделок в других странах.

                   

Элементы промысла. Русские матрёшки отличались не только по количеству кукол, которые вкладывались в одно изделие. Различными были изображаемые сюжеты и техники росписи. Самыми распространенными были куклы, состоящие из 3, 8 и 12 элементов. Также производили мастера матрёшки из 21, 24, 30 и 42 кукол.

Традиционными сюжетами для изображения на матрёшках были бытовые темы. Чаще всего отражались занятия русских барышень того или иного периода. Девушки изображались в традиционных нарядах с платками на головах. В руках они могли держать серпы для жатвы, кувшины с молоком, корзины с ягодами и т. д. Немногим позже на матрёшках стали изображать и другие сюжеты, например, персонажей сказок и басен, героев рассказов известных писателей.

                                    

Традиционные матрёшки также отличались между собой по стилю росписи. На сегодняшний день выделяют:

- загорский стиль с яркими и насыщенными цветами и множеством мелких, четко прорисованных элементов;

- мериновскую матрёшку с росписью из крупных цветков;

- семеновский стиль со строгой симметричной росписью;

- полховскую с обязательным изображением цветка шиповника;

- вятскую куклу, изображающую барышню-северянку, скромную и застенчивую.

Традиционным материалом для изготовления матрёшек служат породы лиственных деревьев, поскольку они наиболее просты в обработке. Чаще всего мастера используют липу, в качестве красок для росписи берут цветную гуашь, тушь, а также анилиновые краски. Защищает уже готовое изделие воск для обработки дерева либо прозрачный лак на масляной основе.

Техника изготовления. Изготовлением матрёшки традиционно занимается токарь. Именно в его задачи входит подготовка болванок из липы. Для выточки берутся только выдержанные и основательно просушенные образцы деревьев.

Вначале мастером вытачивается самая маленькая цельная фигурка. После этого он переходит к следующей по размерам фигурке и изготавливает только нижнюю ее часть. После обработки, этот элемент хорошо высушивается, и только затем проводится подгонка верхней части фигурки. По этой схеме заготавливают все составные части матрёшки.

Высушенные детали в обязательном порядке обрабатываются крахмальным клеем. Он наносится в качестве грунтового слоя и служит основой для росписи. После того как грунтовка основательно просохнет, мастера приступают к росписи матрёшек. Для этого используют гусиные перья, кисти, губки и т. д.

              

                           

Техники росписи используются на сегодняшний день разные, но традиционные изображения весьма просты, так как изначально кукла предназначалась для игры детям. Мастерами рисуется простое лицо. Голова куклы обязательно изображается прикрытой платком, расписывают который в традиционных русских орнаментах. Из одежды чаще всего изображается сарафан, иногда его может дополнять передник. Украшается фигурка цветочными орнаментами.

После высыхания краски наносится финишный слой, который защищает матрёшку от воздействия влаги и сколов.

11.         СКУЛЬПТУРА. СПЕЦИФИКА СКУЛЬПТУРЫ КАК ОСОБОГО ВИДА ИСКУССТВА.

Общие особенности скульптуры как вида изобразительного искусства.

Скульптура (лат. sculptura, от sculpo - вырезаю, высекаю) - вид изобразительного искусства, произведения которого имеют объёмную форму и выполняются из твёрдых или пластических материалов. В широком значении слова - искусство создавать из глины, воска, камня, металла, дерева, кости и других материалов изображение человека, животных и других предметов природы в осязательных, телесных их формах.

Скульптура - пространственно - изобразительное искусство, осваивающее мир в пластических образах.

Художник, посвятивший себя искусству скульптуры, называется скульптором или ваятелем. Его главную задачу составляет передача человеческой фигуры в реальном или идеализированном виде, изображения животных играют в скульптуре второстепенную роль (исключая творчество скульпторов-анималистов), а прочие предметы имеют второстепенное, вспомогательное значение. В основу искусства скульптуры положен принцип осязательности, телесности, весомости и материальных качеств формы. Поэтому изображать пространство скульптор может лишь косвенно, посредством «говорящих» атрибутов, либо в особых композиционных ситуациях (многофигурная пространственная композиция).

Объемная скульптура и рельеф.

Скульптура делится на два вида: круглая, свободно размещающаяся в реальном пространстве, обозримая со всех сторон (статуя или композиция), и рельеф (барельеф и горельеф), в котором объемные изображения располагаются на плоскости и выступают из нее.

горельеф - высокий рельеф,

барельеф - низкий рельеф,

контррельеф - врезной рельеф.

                    

Станковая, монументальная, садово-парковая скульптура.

По определению скульптура бывает монументальная, декоративная, станковая.

Монументальная - используется для украшение улиц и площадей города, обозначения исторически важных мест, событий и т.п. Отличается значительностью идей, высокой степенью обобщения, крупными размерами. К монументальной скульптуре относятся:

-  памятники,

- монументы,

- мемориалы.

Станковая - рассчитана на осмотр с близко расстояния и предназначена для украшения внутренних помещений.  Не зависящая от среды, имеет размеры, близкие к натуре или меньшие, и конкретное углублённое содержание.

Декоративная - используется для украшения быта (предметы мелкой пластики); включает все виды убранства архитектурных сооружений и комплексов (атланты, кариатиды, фризы, фронтонная, фонтанная, садово-парковая скульптура).

Мелкая пластика.

Мелкая пластика или скульптура малых форм - вид станковой скульптуры, отличающейся небольшими размерами. К мелкой пластике относятся также глиптика и медальерное искусство. В ней используются самые разнообразные материалы: камень, глина, металл, фарфор, стекло, полудрагоценные и драгоценные камни и т. п.

Также мелкая пластика является видом искусства ваяния, подчиняющимся его законам, несущий в себе его признаки и среди них главный - стремление к психологизму и обобщению. Это не только изделия, предназначенные для применения в повседневной жизни и быту, но и произведения искусства, несущие также эстетическую нагрузку, выражающие настроение, душевное состояние автора, уровень массовой культуры, искусства и уровень развития человечества в целом.

Через скульптуру порой можно выразить больше, чем через изображение на плоскости так как человек воспринимает окружающие его предметы используя не только зрение и слух, а так же осязание, обоняние, вкус, интуицию. После обработки полученной информации, в разуме, душе формируются ассоциативные образы, которые могут погрузить человека в различные состояния души: радость, печаль, восторг, ностальгия, тоска, умиротворённость, ощущение полноценности, состоятельности и т.д.

Работая в скульптуре малых форм, автор, в свою очередь, способен передать собирательный образ, используя при этом минимум средств.

Намного сложнее выразить свои чувства не огромным количеством ярких, массивных, громких слов, а использовать для этого привычные, порой банальные приёмы и методы. Именно поэтому скульптура малых так впечатляет нас своей лаконичностью, цельностью, глубиной и, одновременно, простотой смысла. Это и есть основная отличительная черта скульптуры малых форм.

                         

Жанры станковой скульптуры:

- портретный;

- исторический;

- мифологический;

- бытовой;

- символический;

- аллегорический;

- анималистический.

Одним из древнейших жанров искусства в скульптуре является портрет - изображение человека или группы людей, дающее представление о внешности, внутреннем мире портретируемого. Существуют определенные обобщения в этом жанре: портрет-характер, показывающий природные свойства человека; портрет-тип, дающий характеристику определенному типу людей; портрет-настроение, дающий эмоциональную характеристику человека; портрет-символ.

Портрет в скульптуре подразделяется на следующие формы: голова, бюст, полуфигура, поколенное изображение, фигура.

Бюстом (фр. buste, от ит. busto – торс, туловище) называют погрудное изображение человека в круглой скульптуре. Появившись в Древнем Египте, Древней Греции, бюст получил яркое развитие в искусстве Древнего Рима, был распространен в искусстве Возрождения, 17–20 вв. (Донателло, Л.Бернини, Гудон, Ф.И.Шубин, В.И.Мухина).

Скульптура бытового жанра показывает людей в привычной для них среде, за постоянным занятием. Скульптура этого жанра бывает небольших или средних размеров. Работы могут быть однофигурными и многофигурными. Произведения на бытовые темы существуют с древних времен, близки народному искусству, популярны в мелкой пластике.

Произведения скульптуры, относящиеся к тематической композиции, могут показывать одну фигуру или несколько. Чаще всего фигура дается крупным планом и это значительное по размерам произведение круглой скульптуры, изображающее человеческую фигуру в рост, называют статуя (лат. statua). Для многофигурной композиции важно такое построение группы, при котором каждая фигура согласуется с другими, не теряя при этом собственной роли. (Мирон Афина и Марсий; Микеланджело Пьета, 1498–1501, Рим, Собор св. Петра; А.Майоль Три нимфы).

Жанр скульптуры, посвященный изображению животных, называется анималистическим жанром (от лат. animal – животное). Анималист обращается к художественной характеристике животного, его повадкам. Выразительность фигуры, силуэт, расцветка особо существенны в парковой скульптуре, мелкой пластике. Часто в скульптуре присутствуют и животное и человек. Животных скульпторы изображают начиная с первобытно-общинного строя, они широко распространены в искусстве Древнего Египта, в античной скульптуре и в последующие эпохи.

         

Архитектура всегда должна быть скульптурной, а скульптура - архитектурной.

Эмиль Антуан Бурдель

     

     

Материалы, техники и технологии создания скульптурных произведений.

Техника скульптуры разделяется на три вида - лепка, т. е. собст­венно пластика, в мягком материале (глина, воск), ваяние - обработ­ка твердых материалов (дерево, камень, слоновая кость), отливка и чеканка в металле.

Обычно процесс работы скульптора начинается с рисунка, набро­ска, затем он переходит к созданию модели в мягком материале (глина, пластилин, воск).

Мягкие мате­риалы считаются временными, при работе с ними обычно предпо­лагается дальнейшая отливка в более долговечные - чугун, бронзу. В наше время расширилось количество материалов, пригодных для скульптуры: возникли произведения из стали, бетона, пласт­массы.

Широко известны слова Микеланджело о том, что работая он просто удаляет из камня все лишнее. «Всякая статуя должна быть задумана, чтобы ее можно было скатить с горы и ни один кусочек не отломился».

Глина - один из основных скульптурных материалов. Это оса­дочная порода, основу которой составляет каолин. Важнейшее каче­ство глины - пластичность, а также способность длительное время сохранять обеспечивающую пластичность насыщенность влагой. Обжиг придает глине не только механическую прочность, но и определенную завершенность, ощущаемую зрителем.

Этого качества лишен пластилин, обладающий как промежуточ­ный скульптурный материал рядом преимуществ по сравнению с гли­ной. Являясь продуктом смешения очищенной глины с воском, жиром и другими компонентами, он не высыхает, допускает тончайшую, не всегда доступную глине моделировку поверхности, но недостаточно пластичен для работы с крупной скульптурной формой, неудобен для длительного хранения и экспонирования. Пластилин используется обычно для лепки эскизов, исполнения миниатюрных и медальерных работ, впоследствии переводимых в другие скульптурные материалы.

Лепка в мягком материале осуществляется на специальном кар­касе, составляющем основу и остов будущего произведения. Он дол­жен соответствовать ему по своим размерам и форме. В переводе с французского языка carcasse - буквально означает - скелет, ос­тов. Его непосредственная задача - гарантировать конструктивную прочность изображения, не давать глине или пластилину оседать под собственной тяжестью, деформируя скульптурный объем.

Глина может быть и самостоятельным материалом, тогда она тре­бует обжига и называется терракотой.

Гипс больше служит как вспомогательный материал для отливок с глины и воска, но и как отлив с живой модели он известен очень давно.

Из твердых материалов скульптуры древнейшим было дерево, из­вестное в Египте и архаической Греции, совсем забытое в эпоху зрелой античности в классической Греции и в Риме. Дерево можно легко окрашивать, чем широко пользовались как египетские мастера, так и западноевропейские в эпоху Средневековья и барокко.

Скульпторы итальянского Возрождения прибегали к дереву очень редко, его вытеснили мрамор и бронза.

Другой крепкий материал - слоновая кость, известная еще с ка­менного века. Слоновая кость используется чаще всего для мелкой скульптуры.

Камень - самый распространенный из твердых материалов, который может быть разных цветов и разной степени твердости. Наиболее твердый - обсидиан, черный или темно-зеленый базальт, красный или фиолетовый порфир, черный диорит. Все это - излюбленные материалы египтян, высекающих из них свои огромные, мрачные, застывшие в вечной статике статуи. Хрупкий и прозрачный алебастр, известный еще шумерам, употреблялся как для монумен­тальной скульптуры, так и для мелкой пластики.

Более мягкий (но и более ломкий) камень - известняк, широко при­менялся в скульптуре Древней Греции. Мрамор  - особая порода известняка, только наиболее твердая и разных, очень красивых цветов - от ярко-белого до черного, дающая сложнейшую игру светотени. Этим и объясняется его успех у скульпто­ров.

Из металлов, применяемых для отливки скульптуры, наиболее рас­пространена бронза, — смесь олова с медью, известная на Востоке еще в III тысячелетии до н. э. Новое время знает и отливку из чугуна, алюминия, формование из бетона и т. д. Приемы отливки, чеканки, ковки, естественно, отличны от приемов работы в камне. Прежде все­го бронза легче камня, ибо она полая внутри. Поэтому она дает возможность для более разнообразных решений: просветы, сложные по­вороты, большие ответвления от основной массы, — чего нельзя вы­полнить в камне. В бронзе более четкий, темный силуэт, большая игра светотени. Наконец, бронза менее мрамора поддается атмосферным влияниям, воздействию сырого воздуха, а патина (зеленоватый на­лет), возникающая от сырости, иногда даже придает ей благородный «оттенок времени».

Литье из бронзы было знакомо еще древним египтянам, от них пе­решло к грекам. Скульптор IV в. до н. э. (так называемой поздней классики) Лисипп работал в основном в бронзе и, как говорят источ­ники, оставил более 1500 статуй. Раннее Средневековье предпочита­ло бронзу в отличие от позднего, любившего дерево и особенно ка­мень. С эпохи Возрождения история литья из бронзы практически уже не прерывалась.

12.         ДИЗАЙН. ВИДЫ ДИЗАЙНА.

Дизайн (от английского — design — «проектировать») — это совокупность действий человека или группы людей по художественному конструированию всевозможных изделий. Дизайном также называют результат процесса проектирования предметов или объектов (например — дизайн самолета или книги).
Дизайн играет огромную роль в современном мире, особенно — в промышленном производстве. Дизайнеры в процессе разработки проекта не только стремятся создать максимально функциональное изделие, но и учитывают его ценность с точки зрения эстетики.

Виды дизайна:

Промышленный дизайн - отрасль дизайна, область художественно-технической деятельности, целью которой является определение формальных качеств промышленно производимых изделий, а именно, их структурных и функциональных особенностей и внешнего вида.

Транспортный дизайн - художественно-проектная деятельность по созданию оригинальной, функционально оправданной, устойчивой к влияниям времени формы авто. Задача художественного конструирования заключается в создании рационального изделия, максимально соответствующего условиям эксплуатации и требованиям технологии. Форма изделия должна быть функционально оправданной.

Информационный дизайн - отрасль дизайна, практика художественно-технического оформления и представления различной информации с учётом эргономики, функциональных возможностей, психологических критериев восприятия информации человеком, эстетики визуальных форм представления информации и некоторых других факторов.

Проектирование программного обеспечения - процесс создания проекта программного обеспечения (ПО). Целью проектирования является определение внутренних свойств системы и детализации её внешних (видимых) свойств на основе выданных заказчиком требований к ПО (исходные условия задачи).

Веб-дизайн - отрасль веб-разработки и разновидность дизайна, в задачи которой входит проектирование пользовательских веб-интерфейсов для сайтов или веб-приложений, а также вид графического дизайна, направленный на разработку и оформление объектов информационной среды интернета, призванный обеспечить им высокие потребительские свойства и эстетические качества.

Дизайн интерьеров, световой дизайн, дизайн церемоний, графический дизайн, книжный дизайн, полиграфический дизайн, ландшафтный дизайн, экологический дизайн, футуродизайн, звуковой дизайн,

Дизайн интерьера (интерьерный дизайн) - отрасль дизайна, направленная на интерьер помещений с целью обеспечить удобство и эстетически приятное взаимодействие среды с людьми. Интерьерный дизайн сочетает в себе художественный и промышленный дизайн. Дизайнер выполняет оптимизацию труда в помещении, улучшает навигацию в крупных помещениях, разрабатывает оформление специализированных помещений (например, студий звукозаписи, киномонтажа, фотографии, аквапарков) согласно требованиям клиентов. Дизайнер управляет всем процессом оформления интерьера, начиная с планировки помещения, освещения, систем вентиляции, акустики; отделки стен; и заканчивая размещением мебели и установкой навигационных знаков.

Световой дизайн, светодизайн (англ. lighting design - проектирование, разработка, конструирование, расчёт освещения) - это направление дизайна, базирующееся на трёх основных аспектах освещения:

- эстетическое восприятие - важное значение при проектировании и реализации освещения мест с длительным пребыванием людей: зон отдыха, парков, скверов, магазинов, общественных зон и архитектурных форм.

- эргономический аспект - функциональность освещения, способность света влиять на работоспособность, комфорт и зрительное восприятие.

- энергоэффективность - необходимо понимать, нет ли переосвещенных поверхностей, без весомой на то причины; нет ли освещения пустых мест, без определенной смысловой нагрузки; не превышают ли значения освещенности необходимые по нормативным документам или для выполнения эстетических и функциональных задач.

Дизайн церемоний - комплексное оформление празднеств и торжеств.

Графический дизайн - проектирование и создание благоприятной визуальной коммуникационной обстановки.

Книжный дизайн - одна из категорий графического дизайна, включающего в себя этапы подготовки книги к изданию.

Полиграфический дизайн - процесс создания макетов готовых к печати полиграфических изделий, таких как визитки, бланки, плакаты, листовки и т.д.

Ландшафтный дизайн - благоустройство территорий, а также озеленение и окультуривание. Сочетает в себе архитектуру, растениеводство и культурологию.

Экологический дизайн (экодизайн) обращает своё внимание на потребление ресурсов, происхождение материалов, безопасность в эксплуатации изделия, простоту и безопасность утилизации.

Многие считают, что городской дизайн - это процесс проектирования и формирования физических особенностей городов и региональных пространств, он также связан с социальным дизайном и другими более масштабными проблемами.  Связывание областей архитектуры, а также планирование для лучшей организации физического пространства и среды сообщества.

Графика движения, моушн или анимационный дизайн (англ. Motion graphics) - визуальное оформление для видео, телевидения и кино. Создаётся в основном при применении компьютерных технологий. Но нередко встречаются и работы, созданные при использовании классических приёмов съёмок на видео, в основном комбинированных или анимационных.

Применяется для создания видеоклипов, оформления телевизионного эфира, заставок телепередач, титров в кино, рекламных роликов, для световых проекций и в качестве отдельного вида искусства.

     

Архитектурный дизайн - искусство проектирования зданий и их строительства.

Футуродизайн - проектирование дизайна и типологии будущего. Применим при создании декораций, одежды для фильмов и игр.

Звуковой дизайн - творческая деятельность по созданию специальных звуковых и акустических эффектов для использования в музыке и киноиндустрии.

Стили дизайна: модерн, конструктивизм, органический дизайн, минимализм, хай-тек.

Стиль «Конструктивизм» в дизайне.

Конструктивизм - направление, которое связывают в первую очередь с архитектурой. Однако такое видение можно назвать однобоким или даже в корне неверным, потому что прежде, чем стать архитектурным методом, конструктивизм существовал в дизайне и полиграфии. В графических видах творчества конструктивизм характеризовался применением фотомонтажа вместо рисованной иллюстрации, предельной геометризацией, подчинением композиции прямоугольным ритмам. Стабильной была и цветовая гамма: чёрный, красный, белый, серый с добавлением синего и жёлтого.

Стиль «Модерн» в дизайне.

Модерн или арт-нуво - полная противоположность классике и ампиру. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» рисунков, нестандартность пропорций, асимметрия, растительный орнамент. Эта легкость и романтика обычно выражается в использовании пастельных тонов. Модерн отрицает каноничность и чёткость элементов композиции. Обычно он используется для привлечения женской аудитории.

Стиль «Минимализм» в дизайне.

В основе этого стиля - простота и лаконичность. Монохромность, простые формы, нейтральные цвета - это та цена, которую стоит заплатить, если хочется сделать акцент на главном объекте или образе. Хорошие примеры минимализма можно найти у японских дизайнеров. Изящность и простота. Порой это всё, что нужно, чтобы возбудить интерес к образу.

Стиль «Хай-тек» в дизайне.

Стиль хай-тек транслирует ощущение победы высоких технологий и приходится по душе новаторам, которые стремятся идти в ногу со временем. Он создаёт атмосферу космического корабля, который уносит зрителя в прекрасное будущее: прямые и чёткие линии, минимум иллюстраций, лаконичное композиционное решение, простая каскадная структура с минимумом визуальных эффектов. Классическая цветовая схема: холодные оттенки белого, серого и чёрного с яркими акцентами (чаще всего красными, оранжевыми, жёлтыми или зелёными), неоновая подсветка отдельных элементов, имитация «космических» текстур: стали, гофрированного металла, стекла с напылением. Шрифты - напоминающие цифры на электронном дисплее.

Органика - одно из направлений дизайна, зародившееся на рубеже XIX-XX веков. Этот стиль часто путают с модерном, так как в нем аналогично последнему нет прямых линий и жесткой симметрии. В органике все формы заимствованы у природы. Более гармоничного решения вы не найдете. Но чаще всего в экостиле можно увидеть черты, присущие кантри: простоту линий, естественную (грубую внешне) отделку, минимум декоративных элементов. Второе рождение органический стиль пережил в 1991 году, после выставки в лондонском Музее дизайна. Новые технологии и материалы, особенно пластмассы, и возможность компьютерного дизайна внесли свою лепту в эволюцию этого стиля.

Краткое описание документа:

Терминологический иллюстрированный словарь предназначен для 5-7 классов.