План-конспект урока МХК «Возникновение новых стилей в XVII – XVIII вв.»

План – конспект урока

Тема: «Возникновение новых стилей в XVII – XVIII вв.»

Цель урока:

– образовательная  (дать представление об основных художественных стилях, возникших в XVII – XVIII вв.);

– развивающая (формировать умение понимать стилевое разнообразие искусства, навыки анализа конкретных художественных произведений);

– воспитательная (воспитывать интерес к искусству и формировать понимание его ценности).

Оборудование:

 – доска (обозначение темы урока, названия стилей, новые термины, фамилии и имена мастеров, работавших в каждом конкретном стиле);

 – ноутбук с колонками (для демонстрации иллюстраций картин художников и прослушивание аудиозаписей).

Ход урока

I.                  Организационный момент.

Добрый день, класс. Сегодня мы изучим новую тему, которая позволит нам совершить краткий обзор того, с чем подробнее будем знакомиться на следующих уроках. Речь пойдет о стилях, появившихся в европейском искусстве в период Позднего Возрождения  и развивавшихся вплоть до  конца XVIII вв.

Убедитесь, что на ваших столах есть тетради и ручки, т.к. сегодня вам предстоит зафиксировать немало важной информации.

II.               Объяснение нового материала.

Итак, тема нашего урока  - «Возникновение новых стилей в XVII – XVIII вв.» (обращаю внимание детей на тему: она записана на доске и выделена мелом).

Прежде чем начать, давайте постараемся вспомнить, какая ситуация  складывалась в западноевропейском искусстве конца XVI в.

Начиная со второй его половины уже заметно падение итальянской живописи, и чем далее, тем оно становится все сильнее и сильнее. За расцветом следует период подражательный. Индивидуальные черты гениальных мастеров превращаются у их подражателей в манерность и канон.
Многим знаменитым мастерам, при всем совершенстве их техники и удачном приближении к образцам, недостает чувства меры — первого условия красоты и серьезного достоинства.  Происходит «выпадение» из принципов живописи, характерных для Возрождения, в преувеличение. Это преувеличение ложится в основу нового художественного стиля.

Маньеризм (от лат. прием, манера) (новый термин и его перевод записаны на доске, как и имена представителей этого стиля, обращаю внимание детей на эти записи и прошу их перенести их к себе в тетради)  отражает кризис ренессансных представлений об идеальном.

Маньеризм появился в Италии, однако очень быстро стал общеевропейским стилем.

Этому способствовали 2 фактора:

1.                 деятельность итальянских мастеров за пределами Италии;

2.                 широкое распространение картин, графики, гравюры и ДПИ мастеров-маньеристов.

Сам термин принадлежит биографу и живописцу Джорджо Вазари, который  называет им новую живописную систему, которой характерны 3 основные черты:

- острота образов;

- экспрессия поз, удлиненность пропорций фигур;

- световые и цветовые контрасты (выше обозначенные принципы так же фиксируются учащимися и потом разбираются на примерах полотен художников–представителей стиля).

Все три принципа находили свое отражения в работах мастеров-маньеристов, которыми принято считать:

- Аллесандро Аллори;

- Франческо Пармиджанино;

- Якопо Тинторетто.

Маньеристами так же считаются представители школы Фонтенбло во Франции и Эль Греко в Испании.

В литературе и музыке термин «маньеризм» применяется шире, чем в изобразительном искусстве; маньеристскими называются литературные произведения, которым свойственна усложненность слога и синтаксиса, использование причудливо-фантастических образов.

Яркий пример тому – двухтомный роман «Эвфуэс» Джона Лили, породивший термин «эвфуизм», означающий в высшей степени искусственный и вычурный стиль.

Маньеризм в музыке – это творчество Карло ди Виноза, которому характерны гармония, смена темпа, яркая экспрессия. 

Несмотря на все вышесказанное, очень часто историками искусства маньеризм вовсе не выделяется в отдельный стиль, а считается лишь ранней стадией одного из грандиознейших направлений в искусстве XVII – XVIII веков – барокко.

Барокко читается стилем синтетическим, т.е. искусственно-созданным на базе двух предшествующих ему направлений – возрожденческого и маньеристского.  От первого ему досталась пышность и основательность, от второго – динамичность и эмоциональность.

Барокко преобладало в европейском искусстве с конца XVI до середины XVIII века и охватило все виды  творчества, наиболее полно отразившись в архитектуре и изобразительном искусстве.

Термин произошел от португальского слова barocco, что значит жемчужина неправильной формы. Однако в итальянском языке есть эквивалент – baroque – пышный, красный, странный.  Собственно эти три слова – пышный, красный, странный, – и определили барочное искусство – яркое,  роскошное, тонущее в золоте и бархате (термин и его трактовки переписываются с доски).

Барокко производило на людей огромное впечатление, поэтому очень скоро пустило глубокие корни в католических странах, став непременным атрибутом власти и могущества Папы Римского. Именно по этой причине величайшие памятники архитектуры барокко – церкви и монастыри.

Яркий пример тому – площадь и собор Святого Петра  в Риме архитекторов Лоренцо Бернини и Франческо Борромини.

Традиционно, представителями барокко считаются:

 - архитекторы Лоренцо Бернини и Франческо Борромини

- художники Караваджо, Карраччи, Питер Пауль Рубенс и Рембрандт Ван Рейн (имена мастеров, записанные на доске, копируются детьми в тетради). 

Искусству барокко, как в архитектуре, так и в скульптуре и живописи, свойственны:

 - контрастность, совмещение света и тени;

 - динамика;

- пристрастие к эффектной зрелищности, пышность и яркость (принципы могут быть записаны, а могут быть лишь обозначены устно, т.к. будут разбираться на последующих уроках подробнее).

Многоцветная скульптура, лепка, резьба, зеркала, росписи, плафонная живопись, десятки метров шелка, бархата и парчи в отделке помещений – вот то обширное наследие, что оставило нам барокко.

Все эти декоративные элементы помогли впоследствии Шарлю Лебрену и Луи Лево – архитектору и скульптору – воплотить в жизнь проект величайшего памятника дворцово-парковой архитектуры, Версаль. Но об этом чуть позже.

А пока у нас век XVIII, первая его половина. Короли Людовики,  монархи династии Бурбонов, стремятся упрочить свою власть, подчеркивая «избранный» статус всеми доступными средствами. Огромный королевский двор требует развлечений и роскоши. Их не устраивает пышность барокко, им нужно что-то нужно что-то менее вычурное, но более изящное. Находкой становится новый стиль «галантных празднеств» – рококо.

Рококо (от фр.rocaille – декоративный мотив в форме раковины) – это стиль или стилевое направление в искусстве Франции первой половины XVIII века (название стиля переписывается детьми с доски вместе с именами его представителей).

Термин «рококо» возник далеко не сразу, позднее так презрительно стали называть ту манерность, что была присуща стилю.

Для рококо характерны:

 - изящные, утонченные формы,

- идиллические (пасторальные), либо же чувственные сюжеты,

- неяркие краски, тонкая игра света, затуманенность образов (каждый из принципов разбирается на примере полотен художников, приведенных ниже).

В современном искусствоведении представителями рококо принято считать четверку выдающихся французских художников-декораторов:  Франсуа Буше, Антуана Ватто, Никола Ланкре и Жана Фрагонара.

Эти четыре живописца в процессе своей деятельности создали тот стиль, картины и мебель которого украшали дворцы богатейших людей Франции на протяжении многих лет.

Рококо – стиль камерный (малых форм), преимущественно живописи и скульптуры, немалое место в нем уделено и ДПИ.

Тематика произведений колеблется в рамках мифологических и пасторальных сюжетов.

Однако, чрезмерное тяготение к амурам и Венерам, прекрасным пастухам и пастушкам, в конечном счете, и сгубило этот стиль.

В середине 50-х  годов XVIII века рококо подвергся критике за манерность, чрезмерную чувственность и нелепое усложнение композиции.

Эпоха Просвещения подкралась незаметно и нанесла сокрушительный удар по тем принципам, благодаря которым рококо и развивался. В первую очередь, Просвещение с его новыми идеалами воздействовало на архитектуру, никогда не являвшуюся сильной стороной рококо. Мастеров стали привлекать строгость и спокойствие античной, в большинстве своем, греческой архитектуры.

Возрастающему интересу к древности способствовали открытие в 1755 году города Помпеи с богатейшим художественным наследием, а так же изучение архитектуры на юге Италии. Результатом новых веяний стал высокий стиль в искусстве и литературе именуемый классическим.

Итак, классицизм (дети переписывают термин с доски) – это стиль в литературе и искусстве XVIII – начала XIX, обратившийся к античному наследию как норме и идеальному образцу. 

Стиль этот появился во Франции, затем распространившись в другие страны месте с художниками и архитекторами, которых активно приглашали ко дворам  европейских монархов, как носителей знаний «абсолютной гармонии».

Художники, писатели и архитекторы классицизма считали, что художественное произведение – это плод разума и логики, поэтому оно должно быть лишено хаоса и текучести форм.

Основываясь на античном искусстве, мастера выработали ряд принципов, в соответствии с которыми обязались творить все представители стиля:

- изображение высоких (героических и нравственных) идеалов;

- строгая организованность логичных, ясных образов;

- цветовая сдержанность (все указанные принципы демонстрируются детям с помощью иллюстраций художественных произведений мастеров-классицистов).

Может показаться, что установление таких жестких рамок обедняли художественные формы стиля, превращая их в шаблоны. Однако это не так. Известно, что именно архитекторам классицизма удалось создать те дворцы и парковые ансамбли, что теперь восхищают весь мир.

Три выдающихся архитектора – Жюль Ардуэн-Мансар, Андре Ленотр, а позднее Луи Лево, возводят Версаль – ярчайший образец классического искусства.

Версаль, построенный из белого мрамора – воплощение в жизнь всех канонов античного наследия. Снаружи – это четкость, ясность, простота формы. Внутри – второе рождение стиля барокко. Почему так получилось, мы постараемся выяснить на следующих занятиях.

Крупнейшими представителями классицизма являются:

 - архитекторы Жюль Ардуэн-Мансар, Андре Ленотр, Луи Лево;

 - скульптор Антонио Канова;

 - художники Жак-Луи Давид и Никола Пуссен (имена мастеров дети копируют в тетради).

Во времена Наполеона, который видел назначение искусства в прославлении своей личности, своих подвигов, классицизм переродился в торжественный и во многом более цельный стиль – ампир.

Что касается музыки классического периода, то здесь выделяется «венский кружок» – Гайдн, Моцарт и Бетховен.  Литература классицизма представлена творчеством Мольера и Вольтера на Западе, Ломоносова, Новиковского и Грибоедова в России.

III.             Подведение итогов.

Сегодня мы с вами познакомились с четырьмя новыми стилями европейского искусства, разобрали характерные особенности каждого из них, а так же посмотрели иллюстрации типичных представителей. На следующем занятии мы продолжим изучение этих стилей, более подробно остановимся на самом грандиозном из них – барокко.

IV.             Задание на дом.

А теперь запишите задание на дом. Прочитать параграф №1 в учебнике, 1 – 3 его части. И подумать над ответом на вопрос: «Какой из стилей XVII – XVIII вв. вам понравился больше?», объяснить почему. Это все. Всем спасибо за внимание, все свободны.

Библиографический список

1.                     Данилова Г.И. Мировая художественная культура: от XVII века до современности. 11 кл. Базовый уровень: учеб. для общеобразоват. учреждений. – М.: Дрофа, 2012. – 366, [2] с.

2.                     Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура. Учеб. для   10 – 11 кл. общеобразоват. учреждений. В 3 ч. Ч 2. – М.: Просвещение,              2012. – 255 с.

3.                      Виртуальный музей живописи Small Bay. Электронная энциклопедия художественно-исторического музея/ <http://smallbay.ru/mannerism.html> ,  8.10.2016 г.

<http://smallbay.ru/baroc.html> , 8.10.2016 г.

< http://smallbay.ru/rocoko.html> , 8.10.2016 г.

< http://smallbay.ru/classic.html>  , 8.10.2016 г.