Жанры виртуозной музыки. Формирование фортепианной сонаты.

              МЕТОДИЧЕСКИЙ   РЕФЕРАТ  на  тему:                                   

     «Жанры виртуозной музыки.  Формирование

                     Фортепианной  сонаты»

       Преподавателя МБУДО «ДМШ им.                  

          А.Г.Абузарова»   БОРИДЬКО  Л.А.

                                   Г. ТАГАНРОГ  -  2022г.      

Истории развития фортепианной культуры  уже более пятисот

лет.  В соответствии с принятой исторической  периодизацией ее можно подразделить  на несколько периодов.

Первый  из них  - период до  французской    буржуазной революции  1789 года, положившей начало утверждению капитализма в экономически  развитых  странах  Европы. Он назван  периодом клавишного  искусства, т.к.  в эту эпоху получили распространение несколько  клавишно-струнных  инструментов: клавесин, клавикорд,  позднее  - фортепиано. Собирательное название этих  инструментов -  клавир.

      Для этого периода ( вплоть до конца 18 века) характерна  поразительная разносторонность музыканта.  В те времена еще не было  размежевания музыкантов  на композиторов, исполнителей и  педагогов.

     Исполнитель в этот период  не  рассматривался лишь  как посредник между автором  и слушателем.  Исполнение , согласно воззрениям той эпохи, было  неотделимо от сочинения музыки и должно было сохранять с  ним  органическое  единство.

   Этот синтез осуществлялся в  импровизации, являвшейся основой  исполнительского искусства. Каждый музыкант, даже если и играл не собственное сочинение, при повторном исполнении вносил что-то новое.

     В 16-18 столетиях  клавиристы  часто  прибегали  к импровизации.  Искусство  на заданную   тему считалось высшим  достижением исполнителя. Импровизатор рассматривался как композитор высшего типа и ставился бесконечно выше исполнителя,  способного играть только  заученные  ноты. Импровизатор в  состоянии не  только быстрее  охватить замысел произведения, но и более  непринужденно,  с большей творческой свободой его исполнить.

Но постепенно в течение 18  века отмечается ограничение импровизационного  начала. Это  выразилось в протестах  композиторов против  изменения в  их сочинениях орнаментики, в стремлении авторов  более точно обозначать оттенки исполнения, т.к.  в  17 веке и начале  18-го в  нотах не было почти никаких  ремарок исполнительского характера.

   Борьба композиторов  против импровизационной исполнительской стихии обострилась  особенно к  концу 18  века, в период расцвета музыкального классицизма. Художественный вкус классика требовал глубоких значительных идей, отлитых в совершенно  точную форму.

   Достигнуть того экспромтом смогли  лишь немногие музыканты, обладавшие выдающимся композиторским дарованием.

    Повысились требования к  исполнительскому мастерству. Ткань произведения стала сложнее. Исполнителю приходилось специально тренироваться, чтобы осилить трудный пассаж. Все  это  привело к упадку в профессиональной музыке  искусства импровизации в первой половине 19 века.

   Появление новых стилевых тенденций вошло в противоречие с существовавшим клавишным инструментарием. Ни клавесин, ни клавикорд не могли больше удовлетворять требованиям времени. К концу 18 века они были вытеснены новым  инструментом – фортепиано. Это было время, когда французская революция 1789-1794 годов  открыла новую страницу истории – эпоху капитализма. Противоречия буржуазных отношений все острее проявляются и в искусстве.

    В эпоху капитализма к искусству приобщаются все более широкие, демократические слои людей, но также  «потребителем» искусства становится новая «денежная»  аристократия, и не только потребителем, но и богатым влиятельным заказчиком. Наряду с основным направлением  большого аристократического искусства развивалось искусство салонное, внешне блестящее, но неглубокое по содержанию.

     Антиподами передовых музыкантов были композиторы, не лишенные одаренности, но поставившие перед собой задачу добиться жизненного успеха и славы, наводняя нотный рынок салонными пьесами.

 Конец 18го-начало 19века  -  время бурного развития фортепианного искусства.  Фортепиано приобретает широкое распространение и становится излюбленным концертным инструментом. Характерной фигурой для того времени является ужу не композитор-импровизатор, а композитор-виртуоз.  Среди виртуозного времени были серьезные музыканты, ставившие в своей композиторской и исполнительской деятельности подлинно  художественные задачи. Немало было и виртуозов салонного направления, сочинявших блестящие, но незначительные по содержанию пьески со всякого рода эффектными пианистическими трудностями. Мастерство фортепианных виртуозов начала 19 века находилось на очень высоком уровнею Во многом оно основывалось на принципах музыкального классицизма, проявлявшихся в ясности, логичности исполнения,  отточенности мельчайших деталей, четкости ритмики.

    Все больше входил в моду «блестящий стиль» игры. Карл Черни дал ему такую характеристику: «Чрезвычайно ясный, подчеркнутый и сильный удар, благодаря чему звук становится исключительно отчетливым… Свободное владение высшими ступенями беглости, соединенной всегда с возможно большей отчетливостью.» Абсолютная чистота, даже в трудных местах. Однако при «блестящем стиле» ее особенно трудно достигнуть, т.к. способ извлечения звука, особенно при скачках и других трудностях, требует большей броскости и любая фальшивая нота при этом способе исполнения в 10 раз больше режет слух. Сочинения, написанные в «блестящем стиле», так называемые «бриллиантовые пьесы», содержали большое количество «жемчужных» пассажей. Игра «жемчугом» требовала особых приемов.  Черни советовал использовать движение, напоминающее подмену пальцев во время быстрых репетиций, когда каждый палец своим мягким кончиком как бы царапает  или щиплет клавишу.

     Наряду с блестящими пассажами виртуозы начала 19 века все смелее вводили в свои сочинения октавные и терцовые пассажи, аккордовые последования, скачки, трели.

    Усовершенствование музыкальных инструментов, усложнение техники игры привело в 18 веке к развитию жанров виртуозной музыки: сонат, концертов. Жанры, утвердившиеся в 17 веке  - вариации, фантазии, токкаты приобрели новый подлинно виртуозный блеск. В конце 17 века наряду с полифонией большое место занял в музыке гомофонный склад. Влияние его сказалось почти на всех жанрах и привело к возникновению сольного концерта.

   Выдвижение на первый план одного инструмента в сольном концерте  было связано с главенством мелодии, гомофонными тенденциями музыки. Поэтому concerto grosso, достигнув кульминации в творчестве И.С.Баха и Г.Ф.Генделя, постепенно исчезли из художественной практики, а зародившийся в это время сольный концерт получил дальнейшее распространение до наших дней.

В 18 веке инструментальный концерт становится жанром, наиболее  демонстрирующем мастерство исполнителя. В инструментальном концерте солист как бы состязается с оркестром в мастерстве.

  Классический тип 3-частного оркестра сложился в творчестве итальянского композитора Антонио Вивальди -- автора 465 концертов для разных инструментов.  Во второй половине 18 века выдающиеся в этом жанре произведения принадлежат Иозефу Гайдну и Вольфгангу Амадею Моцарту.

   В развитии музыкального искусства  последних столетий играет огромную роль сонатная форма. Одна из самых жизнеспособных, она обладает большими возможностями для отображения сложных жизненных процессов, драматических конфликтов, больших идей. Возникнув на высокой ступени развития музыкального искусства, соната получает широчайшее распространение как форма и как жанр. Понадобилось менее 100 лет- срок небольшой в истории искусства, чтобы соната  из скромных ростков достигла расцвета в творчестве композиторов венской классической школы.

    Соната и связанные с ней принципы формообразования были связаны к жизни появлением и развитием гомофонного стиля. Сама сонатная форма стала мощным толчком к развитию гомофонии. Одним из важнейших условий в ее развитии явилось подчинение строения музыкальной речи принципу периодичности, который глубоко коренится в народном искусстве, прежде всего в его танцевальных жанрах. В гомофонной музыке проявляется новое соотношение голосов - прозрачное 2-х голосие в расчете на главенство мелодического голоса. Это приводит к установлению сочетания 2-х четко разграниченных сфер: мелодии и сопровождения. Роль гармонических функций уже выходит за рамки простой связи аккордов и приобретает значение основной движущей силы в развитии формы.

    Век классицизма вызвал к жизни новые формообразующие принципы: мотивно-вариационный метод заменяется методом тематической разработки. Главные темы ранних сонат почти всегда имеют импульс – исходный гармонический момент, возникающий из устойчивого тонического трезвучия. Из него исходит и к нему тяготеет все дальнейшее движение.

    «Исходная тема сонаты, - говорил Асафьев, - должна обладать «волей к развитию», в ней должна быть энергия большой силы и напряжения». Но иногда главная тема строится на одной тонической гармонии. Энергия ее звучания в силу чрезмерной протяженности переходит в свою противоположность: тема становится пассивной. Важными средствами в таком случае становятся регистровые и динамические контрасты. Многие главные темы ранних сонат отличаются краткостью, лаконичностью. Помимо гармонии действенный заряд несет ритм. Ритмический рельеф имеет огромное значение для единства ранней сонаты, и начальной теме отводится в этом плане значительная роль.

    Во многих ранних сонатах побочной темы нет вообще или ее музыкальный материал мало индивидуален.

    Это был период длительных и напряженных изысканий. Важнейшие завоевания этого времени были связаны с деятельностью композиторов разных национальных школ. Из них выделяются немецкая и, особенно, итальянская школы.

  Из большой плеяды композиторов того времени достиг блистательных результатов и художественной полноценности творений Доменико Скарлатти, равного которому по самобытности не знала итальянская клавирная музыка.

     Уже в юности Скарлатти пользовался известностью как клавесинист.  Его игра производила ошеломляющее впечатление, будто за инструментом  сидела «тысяча чертей». Итальянский виртуоз успешно состязался с  Генделем и, по утверждению современников, превзошел последнего в искусстве игры на клавесине.  Скарлатти оказал решающее влияние на последующее развитие клавирной литературы. Важнейшая часть творческого наследия Скарлатти  - его сонаты. Он писал их на протяжении всей жизни, особенно настойчиво разрабатывал форму одночастной сонаты, подготавливая тем самым сонатное allegro венских классиков. Термин «соната» применен к сочинениям Скарлатти в более позднее время. Сам композитор называл их «экзерсисами», т.е. упражнениями и в предисловии к ним писал: «…не жди в них глубокого смысла, это лишь затейливая музыкальная шутка, цель которолй – воспитать в тебе уверенность игры на клавичембало». Произведения Скарлатти отнюдь не «шутки», содержание и форма их представляют значительную новизну.

Зрелые сонаты Скарлатти становятся все более контрастными, в них возникают несколько тем, различающихся по характеру, фактуре и в тональном отношении. Импульсы, дающие зарядку искусству Скарлатти, это стихия народного танца. Творчество композитора жизненно связано с народным искусством Италии, Португалии, Испании. Наряду с аллемандой и жигой идущими от старой сюиты м ы встречаемся с «салонным» менуэтом. Значительное место принадлежит сицилиане и тарантелле – южным танцам.

Критики считают, что можно с уверенностью утверждать – композитор оказал решающие влияние на развитие клавирной , а в дальнейшем и фортепианной литературы, подготовил тот переворот в инструментальной технике, который в последствии совершили Паганини и Лист.

Скарлатти нередко воспроизводил на клавире многообразные оркестровые эффекты, имитируя звучание разных инструментов, одновременно воспроизводя и характерные для них исполнительные приемы. Тем самым он стимулировал развитие фортепианных средств пианизма.

Расширение виртуозно-инструментальных средств сказывается  на отношении композитора к выбору тональности. Обращает на себя внимание преобладание мажорных тональностей произведения Скарлатти.

Сонат, написанных в мажоре – 391, а в миноре только 154.

Скарлатти первый из композиторов Италии употребляет 21 из 24 тональностей. Он сделала серьезный шаг в освоении аппликатурно сложных тональностей, используя новый  аппликатурный прием – подкладывание 1-го пальца. Это нововведение оказалось очень важным в развитии и совершенствовании клавирной техники, открыло возможность творческому освоению тональности.

  Большой интерес представляет фактура сонат -  скачки, октавы, двойные ноты, репетиции – было весьма новым длясвоего времени и послужило образцом для последующих композиторов (Клементи, Мендельсона и даже Листа).Характерно, что 464 сонаты Скарлатти написаны в быстрых темпах, а лишь 81 в медленных. Это подтверждает значение быстрого темпа в создании сонатной динамики, в развитии сонатной формы.

    Много нового вносит в клавирное искусство поколение следующих  итальянских музыкантов: Галуппи, Парадизи, Грациоли, Чимароза. Наиболее популярен из всей этой плеяды итальянских композиторов Доминико Чимароза. Он создал несколько десятков сонат, по фактуре несложных, одночастных, напоминающих сонатины. Эти произведения получили распространение в педагогическом репертуаре  детской музыкальной школы. Сонаты  Чимарозы еще не содержат типического для классической сонатной формы членения на партии, но их гармонический язык и фактура во многих отношениях типичны для влассицизма.

    В немецкой инструментальной музыке в становление сонатного цикла важную роль сыграло творчество сыновей И.С.Баха.  Наибольшее значение принадлежит творчеству Ф.Э. Баха. Его произведения и методический труд «Опыт об истинном искусстве игры на клавире» были подлинной школой для музыкантов конца 18-начала19столетия.

Моцарт видел в Ф.Э.Бахе отца музыкантов своего времени.

Бетховен учился по его «Опыту» и обучал по нему своих учеников. Ф.Э.Бах  писал сонаты на протяжении всей жизни, в них развивал 3-х частный цикл, где подвижным крайним частям обычно контрастировала медленная часть. Он выступал против внешнего пустого виртуозничанья, за содержательность и выразительность игры. В подготовку и формирование венского классического стиля сыновья И.С.Баха  внесли важный вклад.

  Но о классике в подлинном высоком значении этого понятия можно говорить лишь в 70-х-80-х г.18 века, когда творчество Гайдна и Моцарта достигло полной зрелости. Оба эти композитора синтезировали творческие тенденции своих предшественников, подготовлявших в течение десятилетий рождение нового стиля. Оба обладали колоссальным профессиональным мастерством и замечательной эрудицией.

     Завоеванием венских классиков было овладение глубоким методом раскрытия действительности: раскрытия ее в развитии, в столкновении контрастных начал, при достижении в то же время художественной завершенности, единства замысла целого. Утверждая новый принцип мышления, ранние венские классики типизируют его в форме сонаты с ее характерными противопоставлениями.

  Обычно их в сонате: 1я часть наиболее контрастная

2я часть медленная, более однородная

3я часть насыщенный народно-жанровыми элементами финал.

 1я часть  имеет симметричную форму, а именно: экспозицию, разработку, репризу.

   С творчеством ранних венских классиков кончается пора клавирного искусства и начинается пора фортепианной музыки. У ранних венских классиков мелодическая фигурациястроится на основе мажорной или минорной гаммы с использованием орнаментальных оборотов. Гармоническая фигурация состоит преимущественно из арпеджио простейших аккордов, повторения отдельных звуков, двузвучий. Весьма распространены альбертиевы басы.

    Ф.И.Гайдн создал более 50-ти фортепианных сонат. Рельефность их образов часто достигается при помощи ритма, динамики, регистровых сопоставлений.

 В.Моцарт же – один из ярчайших мелодистов. Убедиться в этом несложно на примере его 17-ти сонат. Моцарт говорил, что мелодия – «сущность музыки». Сонаты были написаны Моцартом для учеников, по сравнению с его концертами сонаты менее виртуозны. Фортепианных концертов у Моцарта 27 - эти сочинения важная веха в истории концертного жанра. Он создатель классического типа фортепианного концерта, основанного на контрастном сопоставлении солирующего инструмента и оркестра. Моцарт отрицательно относился к излишне быстрым темпам и жаловался на порчу своих произведений путем увеличения темпа.

     На рубеже 18-19 веков важнейшими центрами музыкально-исполнительской культуры были  Лондон  и Вена. В них соответственно сформировались лондонская и венская школы фортепианного искусства. Школа в Лондоне была основана итальянским композитором Муцио Клементи.

Сонатное творчество Клементи–самостоятельное направление в фортепианной литературе конца 18-начала 19века.  В нем не было того богатства музыкального содержания, как в сочинениях Гайдна и  Моцарта, оно менее насыщено в лирическом отношении.  Но он в свое время сыграл немалую роль в развитии сонаты. Лучшие сонаты Клементи не утратили своего художественного значения и до нашего времени. Его виртуозный стиль был новаторским для своего времени.

      Величайшим представителем венской школы 19 века был Людвиг Ван Бетховен.  К проблеме дальнейшего развития фортепианного искусства, поисков в нем новых образов и выразительных средств Бетховен подходил с несравненно более широких позиций, чем окружавшие его виртуозы. Неизмеримо значительней оказались достигнутые им художественные результаты. Его игра мало походила на искусство модных пианистов. В ней не было галантного изящества, не блистал мастерством «жемчужной игры». Фортепиано под пальцами Бетховена превращалось в маленький оркестр, пассажи производили впечатление могучих потоков, лавины звучности. Он не разделял доктрины о необходимости игры «одними пальцами», придавал большое значение целостным движениям руки, использованию ее силы и веса.

Бетховен разрабатывает свой фортепианный стиль, где значительное место отведено крупной технике. Подобно Клементи,  он применяет октавы, терции и другие двойные ноты в виде довольно протяженных последований.

Фортепианные произведения Бетховена обладают своеобразной оркестровой красочностью.  Чаща, чем его предшественники он воспроизводил разные оркестровые тембры, особенно духовых инструментов.

    Бетховен-величайший строитель крупной формы. Важнейшую часть его наследия составляют 32 сонаты.

Сонатная форма соответствовала стремлениям композитора воплотить разнообразие жизненных явлений в их взаимной связи и внутренней динамике. Важна разработка Бетховеном приемов сквозного развития – не только в пределах сонатного аллегро, но и на протяжении всего цикла. В некоторых сонатах введены необычные для сонаты жанры: ариозо, марш, фуга. Важным было насыщение сонаты песенностью, связанной с музыкальном фольклором.

С именем Бетховена связана разработка в фортепианной сонате принципа программности.

  Могучий дух творца, широта его художественных концепций, фресковая манера лепки образов – все эти артистические качества, впервые выявившиеся у Бетховена, стали характерными для целой плеяды пианистов последующего времени во главе с Ф.Листом и А. Рубинштейном.

Установление классической формы сонаты сыграло громадную роль в последующем развитии музыкального искусства. Она сохранилась до настоящего времени, как одна из основных.

              СПИСОК   ЛИТЕРАТУРЫ.

1.А.Алексеев. Методика обучения игре на фортепиано-М,Музыка 1971.

2.А.П.Щапов.Фортепианная педагогика.-М,»Сов.Россия»1960

3.А.Николаев М.Клементи.- М,Музыка 1983

4.Г.Коган. Вопросы пианизма.-М,1972

5.Б.Ф.Асафьев. Музыкальная форма как процесс –М.1977